Moda nupcial s.XX: De la influencia griega a la actualidad

Esencia
Indice

Índice
- Introducción. ......................................... 5
- Influencia del pasado............................. 7
- Evolución de la moda nupcial durante el
s.XX hasta la actualidad...................... 59
- Desarrollo de la colección .................. 139
- Elaboración de la colección ................ 189
- Bibliografía........................................ 243

Esencia
Introducción

Esencia es un proyecto basado en la indumentaria
nupcial.

En

este

proyecto

encontraremos

una

investigación sobre la moda nupcial del s. XX hasta la
actualidad, y una investigación sobre el porqué de esta
evolución.
Tras esta investigación encontrareis los pasos a seguir
para crear una colección, y como conclusión del
proyecto se analizarán las etapas para la realización de
una colección.

En este estudio encontrareis gran cantidad de
información gráfica, pues en la moda es muy importante
la observación, y como sabemos “una imagen vale más
que mil palabras”.

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Esencia
Indice
miriam

La moda es cíclica, y por ello siempre es frecuente ver que se toman ideas de
épocas pasadas para la creación de estilos que en cada época se consideraron
modernos. Por ejemplo, los Teddy Boys, una tribu urbana presente en la década
de 1950, tomó como base en su estilo la vestimenta eduardiana. Es más fácil
dejarnos llevar por todo aquello que conocemos y por ello cada cierto tiempo
consideran
aceptamos de nuevo estilos que se consideran pasados de moda pero a los que se
da un nuevo aire. Por ello, para poder analizar la evolución de la moda nupcial del s.
XX, es necesario conocer ciertos aspectos de la historia de la moda, que van a
influenciar de manera considerable la indumentaria nupcial del último siglo.

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Esencia
La influencia del pasado

Grecia

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Esencia
El matrimonio en Grecia, no era una cuestión sobre la que las
mujeres pudieran decidir. Se trataba de un acuerdo económico
entre los padres de la novia y el novio.
Este concepto dista mucho de lo que conocemos como
matrimonio

en

la

actualidad,

pues

las

mujeres

somos

autosuficientes y libres para tomar nuestras propias decisiones.
Aún así, no podemos negar que aunque no entendamos el
matrimonio de la misma manera, las normas de vestimenta griega
han marcado las épocas posteriores en numerosas ocasiones.
Es común que los historiadores lleguen a la conclusión de que
Grecia fue para Roma lo que París para Europa durante los
siglos XVIII y XIX: El centro del arte y el estilo.
Los griegos llevaban ropa muy sencilla, pues la mayoría de las
prendas se realizaban mediante un rectángulo de tela.

El chitón era una
prenda
indispensable,

lo

llevaban

tanto

hombres

como

mujeres.

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Esencia
Distintos estilo de
indumentaria
femenina griega.

Empleaban las mínimas costuras posibles, pues la mayoría de las
veces se recurría al drapeado llevando la tela envuelta al cuerpo.
En la antigua Gracia se consideraban propios cuatro estilos de
vestir: el minoico cretense, el micénico, el arcaico y el clásico.
Cada uno de ellos, recibe el nombre de la época en que
apareció.
Los estilos que influenciarán en la moda nupcial del s. XX, serán
el arcaico y el clásico. Las prendas del estilo arcaico giraban en
torno a los elementos básicos de la túnica y el chal, las cuales
servían para enmarcar y dar forma al cuerpo de modo específico.
En la época clásica, la tela era más suave y os drapeados
adquirieron mayor refinamiento, de esta forma la ropa caía de
forma natural sobre el cuerpo.
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La

Victoria

Samotracia,

de

Los cortes y costuras eran casi inexistentes y la atención se

Fidias..

centraba en los drapeados. El vestido ideal debía estar

190 a. C.

realizado con la tela más fina posible, tanto que resultara difícil

Museo del Louvre, París.

diferenciarla del cuerpo. Esto correspondía al ideal artístico de

Envuelta en un fino chitón

la Grecia clásica, en la que la escultura se basaba en la

y un manto.

naturalidad y la sencillez.
La prenda indispensable del vestuario griego era el chitón, o
túnica, más fino en mujeres que en hombres, el cual consistía en
una pieza de tela de lana rectangular que envolvía el cuerpo. Se
podía llevar cubriendo el brazo izquierdo sujetándola en el
hombro, o también cubriendo los dos hombros, sujetando así la
tela mediante fíbulas.
El

chitón

podía

presentarse

con

distintas

larguras,

dependiendo de la clase social y de la actividad a desempeñar.
Por ejemplo, los labriegos llevaban un chitón más corto que
facilitas su movimiento.
Los modelos más lujosos podían teñirse, bordarse o llevarse
adornados con cenefas de diseños geométricos u otros
elementos decorativos.
La palla, era una prenda similar el chitón. Se fijaba en los
hombros y se sujetaba en la cadera con un cinturón.

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Otra prenda habitual era el peplo dórico, el cual consiste en un
rectángulo de lana tejida. Tenía una anchura de 180cm y se ha
calculado que su largura aproximada equivalía a la mitad de la
altura de la persona portadora.
Se llavera drapeado envolviendo el cuerpo y se sujetaba en los
hombros con alfileres o fíbulas. La tela que sobraba se llevaba
hacia arriba dando lugar a una solapa, similar a una capa corta.
Se han encontrado variaciones de esta prenda: se podía llevar
sin cinturón y abierto a un lado, o lograrse el efecto de blusa y
falda mediante una costura desde la cintura hasta el dobladillo, a
la vez la tela sobrante se sujetaba con una faja o cinturón bajo el
pecho y se abrochaba otro cinturón sobre el pliegue que
quedaba sobre la cintura. Se colocaba de forma que se
adaptara a la silueta del cuerpo, incluso para forzar este efecto
se ponían a veces pesos ovalados, así quedaba más drapeado y
pegado.
La túnica podere dórica, era otra prenda que podía bordarse e
ir acompañada de joyas y del pharos, un ligero chal de hilo. Este
se confeccionaba con tela muy fina y se podía sujetar con un
alfiler, adquiriendo así forma de pañuelo cruzado sobre el
cuerpo.

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Ménade danzante. Copia
romana de un original
griego. Skopas.

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En algunas ocasiones las mujeres también llevaban el himation
del hombre. Esta prenda consistía en un rectángulo de tela que
se llevaba sobre los hombros. Se envolvía alrededor del torso,
se pasaba por debajo del brazo izquierdo y se sujetaba en el
hombro derecho. Otra forma más sencilla de drapeado era
poner la tela alrededor de la espalda de manera que los extremos
cayeran por el antebrazo.
Así pues, el vestuario de la mujer griega incluía una serie de
prendas claramente femeninas y para ello se seguía un ritual. En
primer lugar se envolvían en una tela por debajo del pecho, sobre
la que se ponía una túnica transparente y finalmente se vestía
con una sobretúnica corta y sin mangas.

Mujer con chitón.

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Merveilleuses

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En 1789, durante la Revolución Francesa, se produjo un
significativo cambio en la estética de la época. Este cambio
derivó de la estética inglesa del momento. Sin embargo, en lugar
de producirse por la Revolución Francesa, como sucedió en
Inglaterra, este cambio se dio en Francia por razones totalmente
políticas.
La nueva vestimenta se presento de forma más excesiva durante
la

época

del

Directorio,

con

las

merveilleuses

como

protagonistas. Mujeres vestidas con atuendos extremadamente
finos y diáfanos, sin corsés ni guardainfantes. Eran vestidos con
el

talle

situado

justo

debajo

del

pecho,

y

estaban

confeccionados en algodón, material que sustituyó a la seda.
En esta época se utilizó la moda como propaganda política,
apoderándose de la indumentaria de las clases bajas.
Así, el vestido camisa o camisero se convirtió en la moda
imperante. Con este estilo, Francia fue reconocida como líder
mundial de la moda femenina.

Madame

Récanier,

La simplicidad de este nuevo estilo era la antítesis de la moda

1805.

François

rococó, presente en la era anterior. Los vestidos se realizaban

Gérard.

en algodón blanco y fino, casi transparente, lo que requería

Museo

llevar la mínima ropa interior o incluso evitar llevarla.

París.

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Carnavalet,

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Leopold Boilly.
Passer Peyez, 1803.

Tenían una clara línea tubular que evolucionó gradualmente en
el estilo neoclásico, inspirado en Grecia y Roma. Con esta
evolución el material cambió, sustituyendo en algunos casos el
algodón por la muselina, la gasa o el sencillo percal.
La vestimenta femenina cambió su función pues el cuerpo de la
mujer ya no necesitaba ser moldeado, la ropa cumplía la única
función de cubrir el cuerpo. Este fue el resultado del primer
concepto moderno e innovador del cuerpo femenino.
Estos vestidos se acompañaban con diversas prendas durante
el invierno, de esta forma se popularizaron los chales de
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cachemira que servían tanto de complemento como de prenda de
abrigo. También era común el uso de boleros y de redingotes.
Debido a la crisis que sufrió la industria de la seda en Francia,
por el uso prácticamente exclusivo del algodón, Napoleón quiso
reactivar el sector dictando un decreto para que tanto hombres
como mujeres llevaran prendas realizadas en seda durante las
ceremonias formales.
Durante la primera década del s. XIX, se generalizó de muevo el
uso de la seda para las prendas de la vida cotidiana, pues se
puso de nuevo de moda la ornamentación y la fantasía. Aun así,
el corte del vestido era el mismo, solo que se acortó el largo de la
falda a partir de 1810.

Sátira social de
París, en 1875.

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Izquierda: Vestido
de algodón con
bordados vegetales

Vestidos de muselina de algodón con cola. En el primer conjunto se
acompaña con un chal de crepe rojo y un bolso de seda bordado. El
tercer vestido se acompaña con un chal de gasa de seda malva. Hacia
1800-1810

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Vestido de gasa de
algodón

con

bordados en el pecho
y en el bajo.

Vestido de muselina
de

algodón

bordada
pequeños

blanca
con
motivos

florales. Y fichú de
lino

con

polícromo.
Hacia 1805.

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bordado

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Izquierda: Vestido con cola de seda blanca,
con

bordados

en

lúrex

plateado.

Se

acompaña de un chal de encaje de algodón

Arriba: “Checkers”.

Cuadro de Léopold

Boilly. 1803.

Ilustración de “Costume Perisien”.

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Época
victoriana

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La época victoriana, que recibió ese nombre como deferencia a
la reina Victoria, se dio desde 1848 ó 1850 hasta 1890, año en
el que comenzó la Belle Epoque.
La vestimenta victoriana derivó de la vestimenta propiamente
inglesa que se dio a la vez que la moda del directorio en Francia.
Su característica principal es el corsé y las voluminosas faldas.
La creciente prosperidad económica que se vivió en la década
de 1850, implicó una mayor complejidad en el vestido. Las
cinturas eran cada vez más estrechas y las faldas más
voluminosas. Las faldas se agrandaron de tal forma que durante
la primera mitad de la década se llevaban gran cantidad de
enaguas bajo la falda

La
Eugenia

emperatriz
y

sus

damas de honor, de
F. X. Winterhalter.
Hacia 1860

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para lograr tal efecto. Durante este
periodo de tiempo es característica la
falda con muchos volantes lo que
sumado a las enaguas conseguían la
forma deseada. Y estos volantes, al
estar

dispuestos

horizontalmente,

acentuaban la forma de la falda.

Debido

a

la

incomodidad

que

producía

llevar tal cantidad de

enaguas, en 1856 éstas fueron
sustituidas por la crinolina. Estos
armazones, que sería lo más parecido
a

nuestro

actual

cancán,

se

realizaban con acero flexible que se
podía coser directamente a la enagua
o

llevar

como

una

prenda

independiente.

Vestido de calle, realizado
en tafeta de seda, con
estampación de cuadros.
Hacia 1850.

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La falda de este periodo se convirtió en un símbolo de fertilidad,
como suele suceder con todos los aumentos del tamaño de las
caderas, y un símbolo de coqueta inaccesibilidad, debido al
enorme tamaño que alcanzó la crinolina al final de la década. En
sí misma era un instrumento de seducción, pues la crinolina
“La cubierta” de James
Tissot. 1877.

provocaba un inquieto vaivén con cada paso que daban las
mujeres.
La crinolina estuvo presente durante unos quince años, durante
los que sufrió distintas variaciones. Este elemento básico en el
vestuario femenino de la época, alcanzó su máximo tamaño en la
década de 1860. En aquel momento la crinolina sobresalía tanto
por delante como por detrás, dando la sensación de que los
vestidos llevasen algo de cola. A mediados de 1860, la crinolina
se desplazó hacia la espalda, dejando el delantero con menos
volumen o incluso prácticamente plano. Debido a este nuevo

“Ball on shipboard”, de

gusto por resaltar la parte de la espalda, se pasó todo el

James Tissot. 1874.

refuerzo a esta zona, convirtiéndose en realidad en media
crinolina, lo que acabó derivando en el polisón. El polisón era un
refuerzo que se rellenada con cojines o con tejido, que sujeto en
la cintura, ampliaba la zona de la espalda. Añadido al polisón era
frecuente que los vestidos llevasen gran cantidad de tejido
recogido en forma de cola, lo que sumado a este curvado
armazón sería el concepto característico de la década siguiente.

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En estas imágenes vemos
como la crinolina se
desplazando a la zona de la
espalda.

El primer vestido data de
1865. Y se compone de
corpiño y falda.

El segundo data del mismo
año, realizado en brocado
de tafetán de seda. Y está
acompañado de una capa
de encaje.

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Había dos clases de vestido: de una sola pieza, “estilo princesa”
(en honor a la princesa Alejandra), y el vestido de dos piezas,
formado por un cuerpo y una falda. El estilo princesa ofrecía
multitud de posibilidades. De estas posibilidades derivó “el
vestido de té”, que se llevaba suelto, y con el que prácticamente
se podía ver el corsé.

A mediados de 1870, el inflado polisón había desaparecido.
Las faldas seguían manteniendo su protuberancia en la falda
pero eran de menor volumen e incluso los vestidos de mañana
levaban una cola excesivamente larga.

A principios de los 80, la moda imperante consistía en una
cintura excesivamente estrecha, atrapada en un corsé que
prácticamente formaba parte del corpiño. Las faldas salían por
debajo de este y quedaban fruncidas horizontalmente lo que
creaba la sensación de cinturas más estrechas incluso. A
mediados de esta década, nos encontramos con un nuevo tipo
de polisón, en el que se sustituyó la crin de caballo por bandas
metálicas.

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Corsés realizados en raso de seda y
raso de algodón. El primero data de

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1880. El segundo en el que se muestra
el delantero y la espalda hacia 18851889Y el último hacia 1885-1895.

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En la página anterior vemos una crinolina. En este


caso
Los aros están cosidos a la enagua.
En esta página vemos dos clases de polisón. El
primero se sujeta a la cintura y está formado por un
cojín.
El segundo queda integrado en la enagua y se
compone de una serie de aros. Estos se unen por
un

cordón para dar

o quitar volumen según la

ocasión. Fue un gran avance para la época.

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Izquierda: Vestido de raso de
seda, bordado con
florales.

Realizado

motivos
en

la

década de 1870.
En la década

de 1880, el

polisón se redujo, y como vemos
ha desaparecido los drapeados
en la parte trasera, quedando
reducido a pequeños pliegues.
Derecha: Vestido de Charles
Frederick Worth, hacia 1888.
Realizado en brocado de seda
de color marfil.

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Belle
epoque

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La Belle Epoque surge en un periodo de paz y seguridad
económica que duró desde 1890 a 1914. Su época final se
caracteriza por el estilo eduardiano, llamado así por el monarca
Eduardo VII, que ocupó el trono en Inglaterra de 1900 a 1910.
Esta época se caracteriza por la silueta en forma de “S” y el
traje sastre para mujeres.
A finales de 1880 se redujeron las medidas del polisón por lo
que la línea de la falda se suavizó, creándose así una falda larga y
esbelta con el bajo acampanado. Llegado ya 1890, los hombros
se ensancharon y las mangas de pernil reaparecieron. La parte
superior de las mangas se hizo muy rígida y voluminosa.
Vestido de chifón, hacia
1901. Corsé, febrero
de 1902.
El nuevo corsé, empuje
el pecho hacia delante y
la cadera hacia atrás.
Derecha: Vestido de
cena, compuesto por un
cuerpo de terciopelo, un
cinturón corpiño y una
falda

de

tafetán

brocado abierta sobre
un delantal.

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Y los cuellos eran altos y rígidos.
La silueta en forma de “S” se conseguía a través de
este tipo de vestido que marcaba una cintura
extremadamente estrecha, un pecho voluptuoso y
proyectado hacia delante y una protuberancia en la
parte posterior de la falda.
Este estilo se erigió como símbolo de estatus y a la vez
cargado de erotismo derivado de su severa silueta.
Esta silueta, no habría existido sin el corsé que
empujaba la pelvis hacia atrás y el pecho hacia delante
para conseguir dicha forma. El busto sobresalía
decorado con varios adornos, encajes y cintas.
A principios de 1900, el encaje de chantilly y el de
Valenciennes eran los más buscados por aquellas que
podían permitírselo. Entre los encajes, los guipures eran
muy populares. Los vestidos de tul estaban en auge y
se llevaban encima de un vestido de seda, que realizaba
la función de forro. En estos tules, predominaban los
motivos florales de chenilla: rosas, lirios y otras flores
decoraban cuellos, mangas y canesúes.
Detalle de cuello, cuerpo y
manga

de

eduarniana.

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la

vestimenta

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Una prenda muy importante en el vestuario de las

Página anterior, derecha: Corsé

damas propias de la época ya eduardiana fue la

reforzado con una varilla de

blusa derivada del atuendo masculino. Los
delanteros de estas blusas aparecían abotonados

acero

en

la
en

Realizado

parte

frontal.

jacquard

con

motivos florales y decorado con

y ajustados, con cuellos con canesú y mangas

encaje en el escote. Tiene ligas

jamón. Esta prenda se utilizaba por la nueva mujer

en la parte frontal. Hacia 1907.

de la época.

Derecha: Es el estilo “chica

U en esta época surge un nuevo atuendo, el traje

Gibson”, basado en el atuendo
de traje de chaqueta. Perfecto

sastre para mujeres. Este se confeccionaba en

para el deporte. Compuesto de

sarga, tweed o lino. Este traje estaba formado por

falda y blusa. Hacia 1893.

una falda, a veces más corta que en los vestidos,
una blusa almidonada y una chaqueta tipo sastre.

Página

siguiente,

izquierda:

Atuendo característico de la
Belle Epoque. Silueta en forma
de “S”. Los vestidos son de
seda blanca.
Página

siguiente,

derecha:

Ejemplo de traje de chaqueta.
Chaqueta

sastre

de

lino,

acompañado de una blusa y una
falda que llega al tobillo. Hacia
1890.

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Vestido negro de seda y
mangas pernil. Con elementos
decorativos

de

raso

y

terciopelo en hombros y cuello.
Derecha: Vestido de tafetán
rosa con manga de pernil.
Bolero y sobrefalda abierta a
un lado de lino bordado. La
blusa
frunces

presenta
en

grandes

la

Ilustración, hacia 1896.

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cintura.

Esencia

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Izquierda: Vestido de encaje hecho a máquina y muselina. De color
blanco y motivos vegetales. Canesú tipo babero que cubre el busto y
los hombros y cuellos alto. Hacia 1903.
Derecha: Vestido de seda de color crudo, con una silueta “S” muy
definida. Cuello alto y canesú de encaje. Hacia 1903

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Evolución de la moda nupcial durante el s. XX hasta la actualidad

En esta sección, se analizará la trayectoria del estilo y la
evolución del vestido cada vez menos restrictivo, en cuanto a
novia se refiere.
Esta evolución será analizada a través de cuatro temas. Cada
capítulo estará centrado en los distintos estilos en que podemos
encontrar un vestido de novia. Tipos de vestidos y otros
conceptos a tener en cuenta.
A principios del s.XX, el vestido blanco seguía siendo un
privilegio para los ricos, y las clases sociales que no podían
permitirse dicho lujo, se conformaban con un bonito vestido de
otro color.
Sin embargo, en la actualidad, la industria nupcial a sabiendas
de que cuando una mujer, compra un vestido de novia, no
adquiere solo el producto, sino también la imagen que lo rodea,
se aprovechan de ellas en un momento de gran vulnerabilidad.
Las novias, junto con el vestido, compran un sueño, compran la
idea de la perfección absoluta. Aquella perfección de la que
quieren disfrutar el resto de sus vidas.

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De princesa

“Mujeres de palacio, en románticas ceremonias. Esperando a
unirse para siempre con el hombre de sus sueños.
En búsqueda de la felicidad, y con la primera hoja en blanco, en
la que se disponen a escribir el libro de sus vidas. Un libro con
un comienzo donde se respira felicidad y nerviosismo, a la espera
de cumplir sus expectativas más importantes”.

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Hacia finales del s. XIX, la moda era dictada por las clases altas,
dando lugar a una mujer convertida en objeto decorativo
adornado con volantes y encajes, y aprisionado en su corsé. Las
chicas más adineradas se casaban con un vestido de Charles
Frederick Worth, el padre de la alta costura, mientras que el
resto de mujeres menos afortunadas, económicamente hablando,
se conformaban con el vestido de los domingos, mientras solo les
quedaba soñar con lujosas bodas.
Sin embargo, hoy en día, cualquiera puede adquirir un vestido
de noche en Internet, y todas las novias gozan de la oportunidad
de parecer princesas de cuento, sin tener en cuenta su clase
social.
El tipo de traje de novia más usual en occidente, es el de estilo
fiesta. Este tipo de vestido está compuesto por un corpiño
ajustado, el cual acaba en una vaporosa falda, adornada con
cristales, volantes, encaje o incluso perlas. Esta completamente

Ilustración de una

relacionado con la influencia victoriana y eduardiana, basada en

novia

el uso del corsé y la crinolina, la cual ha estado presente a lo

principios de siglo,

largo de todo el s. XX.

propia

de

al estilo Luis XIV,
formado por una

Esta influencia tomó vida propia gracias a la película “Lo que el

blusa, un cinturón

viento se llevó”, de 1939, en la que se mostraban trajes de 1860.

corpiño y la falda

Esto dio lugar a un nuevo desarrollo del gusto por el polisón, la

acampanada

crinolina y las mangas abullonadas.

cola.

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con

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Aunque tras la segunda guerra mundial se impuso la silueta
estilizada, en 1947 regresó de nuevo el uso del bustier gracias a
la aportación que Christian Dior hizo dicho año. En 1947,
Dior presentó una colección llamada “Ligne Corolle”, con la
que pretendió que las mujeres parecieran flores. Apareciendo
así, de nuevo, trajes de novia confeccionados con casi veinte
metros de tela. Su ideal femenino consistía en un talle que
otorgase a las mujeres garbo y soltura, de hombros
redondeados, busto alto y cintura estrecha, a partir del cual se
formaba la corola.

Los bustiers comprimían al torso, mientras a su vez los
miriñaques daban volumen a anchas faldas que llegaban hasta la
rodilla.

Mary Pickford, el día

Esto produjo el renacer de la imagen de mujer voluptuosa,

de su boda. Vestido

mediante la silueta de reloj de arena. Esta colección de Dior,

similar al estilo de la

que trajo de nuevo esta línea para los vestidos de novia, se

Belle Epoque, pero

compuso de ropa con hombros suavizados, y cinturas marcadas

sin corpiño, pues data
de los años veinte,
marcados

por

liberación femenina.

la

desde las que fluían vaporosas faldas. Estilo al que el diseñador
llamó “Silueta de Flor”. Este look, recuerda al ideal de faldas
largas de la Belle Epoque, cinturas diminutas y hermosas telas.

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Diseño de Christian
Dior, 1950.

Así pues, las mujeres más ricas acaparaban los talleres de
Christian Dior y de Cristóbal Balenciaga. Mientras, en las
tiendas de novia, las mujeres que no podían permitirse un vestido
de los diseñadores del momento, podían adquirir versiones más
ajustadas a su presupuesto.

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Tras las estilizadas siluetas de las décadas de los sesenta y
setenta, regresa de nuevo esta tendencia durante los ochenta.
En esta década aparecieron de nuevo en escena las faldas
abullonadas

que

dieron

fama

internacional a

Vivienne

Westwood.
Dado el estancamiento que sufrió la moda femenina en los años
setenta los diseñadores experimentaron con formas más fluidas.

Izquierda:

Lady

Diana

Spencer, el día de su boda
en

1891.

Vestido

Esto dio lugar a que en 1983, el magistral Yves Saint Lauren

diseñado por Elizabeth y

presentase nuevas formas pulcras y femeninas basadas en

David Emanuel, realizado

cinturas estrechas y amplias faldas.

en tafetán de seda con
adornos

de

encaje

lentejuelas.

y

Fue

inmediatamente

copiado

por las novias de la época.

Derecha:

Audrey

Hepburn, en 1954. Se
casó

con

Mel

Ferrer.

Vestido que seguía los
cánones de la década de
1950, Cintura estrecha,
hombros

anchos,

conseguidos gracias a la
forma acampanada de las
mangas, y amplia falda.

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Como suele ocurrir, otras casas de diseño internacionales,
propusieron estilos similares, pero la falda de vuelo se implantó
con fuerza en 1985, cuando Westwood lanzó la minicrinolina.
Así pues, las mujeres se dejaron embaucar de nuevo por los
grandes volúmenes, deseando seda, tafetán, corpiños de hueso,
mangas abullonadas y enaguas. Se vieron cuellos anchos con
gargantillas de perlas o cuellos altos, al mismo estilo eduardiana.
Los vestidos de novia actuales, son más elegantes, basados en
la sencillez, sin tantos volantes o adornos. Suelen ser de palabra
de honor, puesto que ya no quedan censurados los brazos y
hombros descubiertos en las ceremonias. Aún así, estos
cambios no afectan a la esencia del mismo traje de fiesta, el cual
permanece como símbolo de ostentación y es la elección favorita
para las novias.

Página siguiente, izquierda: Sarah Jessica Parker, muestra su vestido,
creado por la casa Dior, durante la gala de los Oscars en 2010.
Página siguiente, derecha: Imagen de la película “Una cara con ángel”.
Protagonizada por Audrey Hepburn y Fred Astaire. Ella lleva un vestido
de Givenchy, diseñador que la vestía en cada una de sus películas.

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Arriba: La cantante mejicana

Página siguiente, izquierda: El

Thalia contrajo matrimonio en

futbolista Robbie Keane y la ex

2002, con un vestido que dejaba

miss Irlanda Claudine Palmer,

los

descubierto

contrajeron matrimonio en 2008.

mediante un bonito escote y tenía

Ella viste un precioso vestido de

una cola de 17 metros de largo.

Elie

hombros

al

Saab,

adornado

con

lentejuelas y con motivos de
pedrería.
Página anterior, derecha: Diseño
de Jesús del Pozo, presentado en
Barcelona Bridal Week 2011.

Página

siguiente,

derecha:

Diseño de Alta Costura de
Dior, de la temporada primaveraverano 2010.

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Sencillez, base de la
elegancia
Una mujer atrevida, y una decisión quizá precipitada, pero aún
así dispuesta a superar cualquier tempestad que surja en su
contra.

“

Segura de sí misma y de la persona a la que se aproxima, en la
que se ve a leguas que está incluso más nervioso que ella, pero
aún así petrificado ante la hermosura con la que se sumergirá
en un precioso beso en el momento indicado”.

79

Esencia
Este nuevo estilo, surge gracias a la desinhibición que se desató
entre las mujeres tras la segunda Guerra Mundial. Las faldas se
acortan, los talles se alargan y lo juvenil y descarado causa furor.
Los años veinte fueron testigo del comienzo de la era de los
medios de comunicación, y revistas como Vogue y Vanity Fair
facilitaron la creciente popularidad del primer estilo moderno
para las mujeres que sigue presente en la actualidad.
Las nuevas ideas y el arte de las vanguardias fueron
desterrando los asfixiantes valores victorianos y en 1909 se
asentó la nueva silueta estilizada.
La pionera y creadora de este concepto fue Coco Chanel.
Impulsora de un estilo masculino y elegante, surgido en los “locos
años veinte”, cuando las mujeres comenzaron a llevar el pelo
corto y a vestir ropa que no marcaba la cintura.

El primer vestido está
realizado en lamé, con motivos
florares.
El segundo vestido está
cubierto de abalorios en tonos
blanco y crema.

80

Esencia
Este estilo se denominó garçonne, y significó la liberación de la
mujer. Aquí no había cabida para adornos superfluos, solo
importaba la pura y simple sencillez, base de la elegancia. Se
cambiaron los adornos de los trajes de fiesta por el minimalismo y
la ausencia de barroquismos y se prescindió de detalles
superfluos.
Chanel diseñó vestidos de novia cortos y estilizados,
acompañados por una cola que apenas llegaba al suelo.
En 1924, se dan a conocer las “flappers", mujeres alocadas que
fumaban y se maquillaban en público. Sus vestidos se
caracterizaban por ocultar todo tipo de curvas. Eran vestidos
rectos sin ningún tipo de pinza, quedando disimulados los senos,
sacadera y la cintura. En 1925 el talle cayó por debajo de la
cadera hasta desaparecer y los dobladillos subieron hasta
alcanzar prácticamente la rodilla.
Rectos, sueltos y sin mangas, los vestidos de las flappers
sugerían una nueva conciencia del cuerpo, mostrando brazos,
espalda y piernas por primera vez.
Las novias se decantaban por vestidos sin mangas de color
blanco o marfil, con faldas de talle bajo, a la altura de la cadera o
incluso llegando a sobrepasarla, y una largura hasta la rodilla,

81

Esencia
adornados con lentejuelas, cuentas, perlas y piedras de
imitación.
Esto dio lugar a una igualdad de clases sociales, en cuanto a
vestimenta se refiere, pues nadie podía vestirse por menos
dinero, y lo mejor y hasta cierto punto particular, es que la idea
gustó. Chanel dijo: “Las mujeres deberían vestirse igual de
sencillas que sus criadas”, y ellas estaban encantadas llevando a
cabo esta idea.
Los trajes más sencillos resultaron más prácticos, nada que ver
con los vestido victorianos llevados treinta años antes, y la
preferencia de dicho estilo hasta el momento.
No fue hasta la segunda guerra mundial, cuando las novias ven
de nuevo una simplificación en sus trajes.
Las novias en este momento tenían menos opciones, debido al
racionamiento. Aun que estos cupones no llegaron a afectar a
ciertos tejidos como el encaje y las telas propias de tapicería, los
cuales fueron muy útiles para la confección de trajes blancos.
Incluso en ciertos casos, se llegó a utilizar seda de paracaídas,
cuando fue necesario.
En este momento de restricciones, lo más elegante y práctico
fue el traje de falda estrecha y chaqueta sencilla.

82

Esencia

Virginia Cherril durante
su

boda

Vestido

en

1937.

realizado

en

género de punto. En
esta época los ramilletes
sustituyeron a los ramos.

83

Esencia
“Para ser chic tienes que escatimar”, publicó Vogue en 1941,
refiriéndose a la nueva moda presente durante los tiempos de
guerra. Impulsado por la economía de guerra, el traje sastre de
corte económico, con cinturas estrechas y faldas rectas creaba
una figura grácil, sacrificando las curvas femeninas a favor de
una esbeltez teñida de masculinidad. Lo elaborado volvió a
desaparecer, en pos de una sencilla elegancia.
Debido a la crisis quedó afectado un elemento que tiene mucha
importancia para las novias, las flores. Estas dejaron de
cultivarse, pues era más necesario
utilizar la tierra para cultivar otro tipo de productos. En su lugar,
las novias sustituyeron las flores naturales por otras realizadas
en tela. Se llevaron tanto en el pelo o vestidos como en forma de
ramo.
De nuevo, en 1964, surge un nuevo estilo con la colección de
André Courrèges, llamada “Moon Girl”. Colección realizada
en blanco y cromo, y compuesta por simples diseños geométricos
confeccionados con gruesas telas y dotadas de un aspecto muy
innovador gracias a la sencillez de presentaban.
La crítica del momento la definió como un desfile de líneas rectas
y formas puras. La clave fue la simplicidad. Cortes cuadrados,

84

Esencia
sin apenas adornos, sencillos bolsillos de parche en las caderas
y las minifaldas más cortas.
Las mujeres se vieron “obligadas” a abandonar de nuevo las
voluptuosas siluetas de los años cincuenta, al conocer los cortos
pichis de esencia infantil creados por Mary Quant, los cuales
fueron recibidos con los brazos abiertos.
Este nuevo cambio en las elecciones femeninas, tuvo lugar
durante un surgir de creatividad conocido como “Swinging

85

Esencia
London”, término creado por la revista “Times” en 1966. Fue
un movimiento caracterizado por el optimismo y el hedonismo.
Se vieron trajes de novia de papel, cortísimos y lisos
minivestidos, y se produjo el cambio del velo por sombreros
forrados de tela claramente minimalistas.
Los adornos quedaron excluidos completamente, a favor de una
sencillez tal, que incluso a principios de los sesenta nos
encontramos con vestidos de novia casi sin costuras, con mangas
acampanadas y sin marcar de ninguna forma la cintura.
Tras la vuelta de nuevo a las siluetas voluptuosas y maternales
de los años ochenta, aparecieron dos nuevos aspectos
considerados la antítesis de este extravagante estilo: Por un
lado nos encontramos en 1990 con la blanca colección New
Age de Rifat Ozbek, y con el lujo minimalista de Jil Sander y

Página anterior: Diseños
monocromos de André
Courrèges.

Zoran. Aún así, la industria nupcial iba pasos por detrás, y no
se produjo de nuevo el cambio hasta 1994, cuando Vera Wang
sacó a la luz su colección de novias.

Una colección

fundamentada en la simplicidad, sobriedad y por supuesto
elegancia.
Gracias a esto, en la actualidad, las novias pueden optar por la
sencillez. Una sencillez que, como queda demostrado, no pasa
en absoluto desapercibida.

86

Derecha: Raquel Welch
junto a su marido Patrick
Curtis el día de su boda
en 1967. Lleva el vestido
característico
movimiento

del
Swinging,

vestido corto y común
que llevase encaje.

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Esencia

87

Esencia

Arriba: Bianca Pérez-Mora y Mick Jagger
el día de su boda en 1966. Ella luce un traje
de chaqueta, puesto de moda por Yves
Saint Laurent.

Derecha: Sharon Tate y Roman Polanski en
1968, con un mini vestido propio de la década
y flores en el pelo en sustitución del velo.

88

Esencia

89

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Esencia

90

Esencia

91

Esencia
Página anterior

derecha: Kylie

Minogue, luce un bonito vestido
durante el desfile de Galliano
para la temporada otoño-invierno
2007-2008. Este vestido es le
perfecto ejemplo de vestido para
una boda, elegante y sobrio.
Derecha: Yoko Ono y John
Lennon durante su boda en
Gibraltar. Ella como siempre a la
moda en 1969

Arriba:

La

modelo

Isabela

Fontana se casó en 2005 con
Henri Castelli en la playa. El
vestido lleva escote en la espalda
y cola.
Página anterior izquierda: Audrey
Hepburn en su segunda boda,
con un traje rosa de André
Courrèges.

92

Esencia

93

Esencia

94

Esencia

Es necesario
que fluya
“¿Que debe fluir? Lo que debe fluir son las telas, que componen
maravillosos vestidos, los cuales se deslizan sobre las mujeres
portadoras.

Mujeres con aire de diosas, que encajarían perfectamente en un
paisaje bajo el atardecer, durante el día más feliz de sus vidas.”

95

Esencia
Este nuevo estilo, vió su nacimiento cuando los
elementos étnicos, tales como los temas orientales, la
Grecia

Antigua

y

los

estampados

japoneses

invadieron la moda. Así en 1903, Paul Poiret abrió su
casa de moda en París. Convenciendo a las mujeres,
junto a Jeanne Paquin, para que abandonaran sus
restrictivos corsés a favor del nuevo corte imperial.
A su vez, en 1909,

Mariano Fortuny se vió

influenciado por la época clásica a la hora de crear el
traje Delphos, de cuidadoso plisado vertical, sujeto
con un cordón de seda y decorado con cuentas de
cristal de Murano.
La antigua Grecia se convirtió en el máximo
exponente de la época y las mujeres más adineradas
se casaban con un Delphos de color blanco.
Este estilo alcanzó la perfección en 1912, gracias a
Madeleine Vionnet, cuando creó el corte sesgado de
clara

inspiración

griega,

dominado,

recogiendo,

doblando, y enrollando la tela con tal precisión que al
caer se podía asimilar con el fluir de una cascada
sobre el cuerpo de las mujeres.

96

Esencia

97

Esencia
El corte oblicuo de Vionnet, de líneas muy básicas, se ceñía al
cuerpo en espiral, por lo que se requería la mínima ropa interior.

Página

anterior

izquierda:

Vestido Delphos, color ocre.

Su simplicidad llegó a ser tal que se eliminaron incluso los
cierres.
Página

anterior

derecha:

Más tarde, tras el crack de 1929, las actrices de Hollywood se

Diseño

de

convirtieron en una vía de escape para aquellas mujeres que

Vionnet.

Presente

anhelaban escapar de la triste realidad, ávidas de la magia y el

exposición “Godess”, en el

glamour ausente en sus vidas cotidianas. Muchas actrices se
convirtieron en estrellas internacionales dando lugar a la

Madeleine
en

la

Metropolitan Museum de
Nueva York. Hacia 1944.
Realizado en Punto de seda.

creación de los primeros ídolos y mitos femeninos, facilitando a
las mujeres nuevas metas a cumplir en cuanto a estética se
refiere.
Las mujeres de todo el mundo copiaron sus peinados,
sombreros y por supuesto sus impresionantes trajes de noche,
como por ejemplo los de Greta Garbo y Marlene Dietrich.
Debido a esto, los diseñadores del momento se cercioraron de
que las reinas del celuloide portaran siempre los mejores trajes
en las fiestas más importantes y en todas y cada una de sus
actuaciones.
En la década del treinta surgieron los maravillosos trajes
sesgados de color blanco. La silueta creada por Coco Chanel,
perdió fuerza a finales de los años veinte, derivando de nuevo en

98

Derecha: Una mujer posa
con un diseño de Paul Poiret.

Esencia

99

Esencia
estos preciosos vestidos que marcaban las hermosas formas de
la silueta femenina. En ese momento todo se movía alrededor del
glamoroso mundo de las estrellas cinematográficas.
Gracias a los estilizados vestidos drapeados de las estrellas de
cine, se puede considerar a los años treinta, la época más
elegante de Hollywood.
Los diseñadores se concentraban en la silueta, dejando a un
lado los adornos y los detalles.
Con la nueva forma de corte, la silueta femenina se volvió más
provocativa que antes, pues se desnudaron hombros y espaldas
y el corte al bies destacaba la figura. El escote en la espalda,
fue muy importante, pues por primera vez acaparó todo el
erotismo del cuerpo femenino, reemplazando las piernas, que
siempre habían tenido el protagonismo en la década anterior.
A partir de 1934, se volvieron a poner de moda las diademas,
tras la boda de Marina de Grecia, quedando así perfectamente
completado un estilo que evoca a las más hermosas diosas.

Derecha:

Los vestidos de este estilo insinuaban todas las curvas,

de espaldas, luciendo el

acariciando la silueta. La tela sobrepasaba incluso los pies,

maravilloso escote de su

arrastrando por el suelo y así creando sensación de altura a la
mujer que lo llevaba.

100

La

actriz

Adviene Ames, posa

vestido de raso blanco,
el cual aporta una gran
sensualidad.

Esencia

101

Esencia
Un corte perfecto creaba la ilusión de una silueta esbelta, a
menudo alargada con mangas acampanadas y con exageradas
colas. Estábamos ante sinuosas diosas, que portaban vestidos
ajustados a la cintura y vaporosos velos.
Así pues, los vestidos de novia quedan completamente
influenciados por la estética de dichas actrices. Sofisticados
diseños de grandes escotes y espaldas descubiertas, aunque en
esa época los vestidos de novia eran algo más discretos. El
estilo era simple, a la vez que sexy, y el toque final quedaba dado
por pieles suavemente bronceadas y peinados semiondulados.
Las novias de los años sesenta se volvieron más tradicionales,
mostrando

predilección

por

vestidos

más

holgados

y

recargados, y dejaron de lado la silueta de los vestidos
drapeados de las estrellas.
Los trajes de las actrices serían más adecuados para las novias
de la actualidad, pues ahora no hay ningún tipo de problema
para llegar al altar con un vestido de este tipo, ya que la censura
no es tan restrictiva hoy en día.

En 1942, Rita Hayworth posó
de forma muy sensual, con un

Estos vestidos con cada vez más frecuentes en los enlaces vestido muy atrevido, lleno de
matrimoniales, ya que es común que tras una ceremonia
vespertina se siga la fiesta por la noche.

102

transparencias

en

el

cuerpo,

dejando ver su piel, pero tapando
ciertas zonas con flores.

Esencia

103

Esencia

104

Esencia
En la actualidad destacan diseñadores como: Zac
Posen, famoso por sus vestidos de corte sesgado, John
Galliano, maestro del corte sesgado moderno, y Mark
Audibet, que lleva a cabo el legado de Madame
Vionnet.

Izquierda:

La

actriz,

presentadora y modelo Kim
Kardashian,

posa

con

un

diseño de Zac Posen.

Página

siguiente

izquierda:

Angelina Jolie posa con un
diseño de Versace en la gala de
los Globos de Oro en 2009.

Página

siguiente

derecha:

Diseño de Madame Vionnet,
realizado en seda de punto
color crudo.

105

Esencia

106

Esencia

107

Esencia

108

Esencia

Izquierda: Jean Harlow,

Sandra

posa con el vestido típico

durante la gala de los

del cine de los años 30.

Oscars con un vestido de

Realizado

Marchesa,

marcando

en
su

raso,
prefecta

Bullock,

de

posa

color

dorado.

silueta.

109

Esencia

110

Esencia

La Dama
“No hay temor, no hay arrepentimiento, sólo felicidad pues el
momento que se acerca es perfecto, como en la mejor historia de
amor, o en el mejor poema épico. Todo en su lugar y en el momento
adecuados”

111

Esencia
Como hemos visto anteriormente, cada estilo pierde fuerza en
distintas épocas del s. XX, dando lugar a cambios entre el gusto
por estilos estructurados y otros más vaporosos. Así se
produce un continuo vaivén, donde siempre se tiende a suavizar
y volver a la fluidez.
Este estilo comienza a tener importancia a principios del s. XX
cuando aumenta el gusto por los adornos medievales y celtas y
el Art Nouveau. Con ello cobran vida los personajes de la
literatura medieval, damas indefensas que esperan a su caballero
para salvarlas.
Este tipo de vestido tiene sus orígenes en la antigua Grecia y
Roma, y como característica general tiene el corte imperial
contemporáneo, el cual marca el talle justo por debajo del busto
a partir del cual fluyen vaporosas faldas. La primera vez que
podemos ver este estilo fue en el s. XIX, gracias a Josefina,
esposa de Napoleón. Este estilo representaba el estatus social
a la vez que nos facilitaba ver damas sugerentes y atrevidas en
una época de revolución.
A principios del s. XX, Paul Poiret consiguió que este tipo de
vestidos se volviera a poner de moda.

112

Esencia

“The lady of Shalott”
Loocking at Lancelot, 1894.
John William Waterhouse.

113

Esencia

114

Esencia

115

Esencia
En 1908, Paul Poiret revolucionó la silueta femenina
sustituyendo la crinolina por el corte imperio y el talle alto. Se
impuso un estilo “natural” con base en el Art Déco y el
fauvismo.
Los vestidos de Poiret se realizaban con tejidos finos y fluidos
como la muselina, la seda, el satén, y el tul, con los que creaba en
efecto de drapeado al estilo helénico.
Gracias a esto las mujeres más elegantes del momento
comenzaron a sentirse libres gracias a vestidos con pliegues que
caían desde la cintura, los cuales nacían debajo del pecho.
Tras una gran pausa, se confirmo de nuevo la presencia de este
estilo en la década de los sesenta, una década en la que se
vieron bonitos vestidos de corte imperial, en los que a partir del

Página anterior, izquierda:

talle caían preciosas faldas de gran amplitud.

La

esposa

de

La estética hippie, facilitó la aceptación de este estilo, que

Ronald

casamiento en 1920.

Lambert posa el día de su

proporcionaba facilidad de movimiento y gran fluidez. Con el
movimiento hippie se vieron versiones de vestidos sueltos y de
caftanes que rozaban el suelo, realizados en una gran variedad
de tejidos como brocados, terciopelos, chifón ligero y reciclados
de tejidos orientales.

116

Página

anterior,

derecha:

Ilustración en la que queda
reflejado el estilo de Paul
Poiret, 1914.

Esencia
Aunque a principio la fuente de inspiración fue Oriente Medio
y Próximo, más tarde se produjeron colecciones inspiradas en el
imperio ruso y los volantes gitanos, e incluso se realizaron
prendas de punto exóticas. En esta época destacó la figura de
Ossie Clark, partidario del crepé, el punto y el chifón por su
adaptabilidad, y creador de prendas que combinaban técnicas
de corte muy complejas.
Vestidos de chifón cortados al bies con mangas abullonadas
recogidas en puños ajustados y cinturillas de corte alto o con
forma oval son el sello de identidad de este diseñador.
A principios de los años setenta, tuvieron gran aceptación los
tejidos de Grecia y Turquía, y como detalle se encontraban las
superposiciones, las cuales completaban el look. En este
periodo nos encontramos con prendas de corte nostálgico y
medieval. Mangas largas, talles ajustados, cuellos redondos,
encajes, cintas y sobrefaldas hechas con sedas, chifón y
algodón.
Las novias que aceptaron felizmente este estilo inspirado en
culturas más exóticas, también se dejaron seducir por el aire
pastoril y nostálgico de las enaguas campestres, que
representaban marcas como Laura Ashley.

117

Esencia

A menudo los vestidos no tenían un talle definido, pero se
sujetaban a la cintura con lazos o cinturones. Eran trajes de
múltiples capas de encaje, bordados, de chifón y con largas
mangas, con todo ello daban la sensación de ser muy finos y
ligeros.
Como complemento perfecto encontramos las coronas de flores

En esta imagen vemos a la
novia propia de los años
setenta, con un cómodo
vestido, que muestra una
especia de añoranza por la
vida rural.

y los enormes y blandos sombreros que acompañaban a las
tiaras y los velos.
Actualmente es un estilo frecuente en bodas veraniegas
realizadas en playas o jardines, o para ceremonias diurnas.

118

Derecha:

Imagen

que

muestra el estilo marcado
por Laura Ashley en la
década de los setenta.

Esencia

119

Esencia

120

Esencia

Arriba:

Ilustración

de

Página

siguiente,

izquierda:

Diseño de Chloé, para la

Valentino.

temporada primavera-verano de
2010.
Izquierda: Diseño de Ossie
Clark,

para

la

temporada

otoño-invierno, de 2009.

Página

siguiente

arriba: “Ophelia”

derecha,
de

John

William Waterhouse, 1889
.Página siguiente, abajo: “The
lady of Shalott”, 1888. John
William Waterhouse.

121

Esencia

122

Esencia

123

Esencia

124

Esencia

Actualmente

125

Esencia
En la actualidad se puede pensar que el vestido de novia está
más cerca de ser un disfraz que de ser moda, pues podemos
situar estos vestidos entre la pasarela y la calle pero sin alcanzar
ninguno de estos dos conceptos.
Actualmente, se puede correr el riesgo de que una boda se
convierta en una fiesta temática, y debido a esto, están en auge
la empresas que organizan bodas medievales o de inspiración
árabe entre otros estilos.
Para las celebraciones nupciales ahora son necesarios ensayos
o incluso clases de baile, como en una buena obra de teatro,
pues cada vez es más importante cumplir con las expectativas de
los invitados.
Particularmente se entiende que un disfraz es una prenda que
solo te pones una vez, y es lo mismo que pasa con los vestidos de
novia en la actualidad. La Cenicienta moderna que al volver de
la fiesta guarda el vestido en el armario, es muy común en
nuestros días. E incluso podríamos afirmar que tendríamos
suerte de encontrar una mujer que guarde su vestido de novia,

Elie Gosling y su marido
cruzan un arco de
bicicletas durante el día
de su boda, formado por

pues debido a que ahora son los propios novios los que pagan la

los miembros del club de

boda, es frecuente encontrar novias que se ven obligadas a

ciclismo al que pertenece

vender su vestido en e-bay y tiendas de segunda mano.

126

su marido, en 1936.

Esencia

127

Esencia
El hecho de que los vestidos de novia se guarden para
“siempre” o se vendan, viene condicionado también porque hoy
en día es muy complicado ponerse un vestido de noche blanco
de palabra de honor durante una fiesta, sin parecer una novia
que se ha equivocado de salón. A esto se le añade que el
consumismo ha ganado a la añoranza y al sentimiento que podía
provocar ver tu vestido de novia en el armario después de años.
Ahora eso no importa, la gente está rodeada de un consumismo
frenético.
Hasta finales de los años 50, los vestido de novia seguían las
pautas de los vestido de los trajes de noche, por lo que se
podían utilizar estos vestidos para fiestas posteriores. E incluso
en el s. XIX una mujer debía acudir con su vestido de novia a
fiestas durante los meses posteriores a su boda.
En los años 50, las mujeres lucían sus trajes de novia en las
fiestas, pero acudían sin sus abrigos de encaje. E incluso la
reina Victoria, reutilizó el encaje de su vestido de novia para su
posterior coronación.
Los vestidos de novia se han visto afectados incluso por los

Isabeli Fontana durante

cambios surgidos en el s. XX en cuanto a los emplazamientos

la ceremonia de su boda,

aceptados para las ceremonias. Por ejemplo, para las ceremonias

realizada en la playa. La

en la playa se crearon vestidos sin cola y joyas para los pies en
sustitución de los zapatos.
128

novia lleva la espalda
descubierta y joyas en
los pies.

Esencia

129

Esencia

130

Esencia
Izquierda: Bodas sobre

Es evidente señalar que en la actualidad los trajes fabricados en

motos. En la segunda

serie, han ganado a la Alta Costura, pues la novia de la calle ha

imagen vemos a la novia

triunfado. Ahora las novias optan por las líneas prêt-à-porter o

vestida

completamente

de cuero con tan solo un
velo en el casco.
Abajo: Zofía Borucka y
Jean Reno se casaron
en 2006. Ella lleva un
vestido

amarillo

que

recuerda al estilo de
Madeleine Vionnet.

por las colaboraciones de diseñadores con marcas más
económicas. Pues ciertos diseñadores se han dado cuenta de
que podrían tener más clientas que no fuesen tan afortunadas
económicamente hablando. Aún así, las más ricas siguen
optando por vestir de Dior o Valentino para el día de su boda.
Un elemento que ha llegado a tener bastante importancia en
nuestros días es el color. Estamos de acuerdo en que el vestido

131

Esencia
de novia por costumbre debe ser blanco, pero este color tiene
un significado que no va acorde con la mayoría de las novias de
la actualidad.
Ahora las novias pueden mantener relaciones, por lo que el
blanco “virginal” ha perdido significado. Ahora las novias
pueden ser viudas, pueden casarse embarazadas o incluso de la
mono de sus propios hijos. Las mujeres cada vez se casan más
tarde, por lo que podemos encontrar en la misma mujer varias de
estas características. En Occidente, por lo común la mujer no
pasa de virgen a esposa, por lo que el color blanco no tiene
mucho sentido.
Es común ver a novias con un vestido que no tiene nada que ver
con su estilo de ropa habitual, pues lo cierto es que
generalmente deciden vestirse para los invitados y para su
futuro marido, pasando por alto su propio parecer. Por ello,
encontramos mujeres que para su segundo o tercer matrimonio
no quieren el blanco tradicional. Aunque este color siga siendo
adecuado para segundas nupcias, hay mujeres que prefieren un
cambio. Pueden optar por un color hueso o un blanco roto, o
aprovechar para lucir un vestido más acorde con su propio
parecer. Es la prefecta oportunidad para lucir un precioso
vestido de noche de color rosa, por ejemplo, al que se puede
sacar partido para próximos eventos.

132

Esencia
Uno de los factores que ha influido en el uso de los
vestidos

de

color,

ha

sido

los

matrimonios

interculturales. Pues el uno del color tiene un
importante significado. Por ejemplo, las novias
musulmanas escogen telas brillantes y luminosas.
Estamos en una época en la que la interculturalidad
está en auge, y en la moda en general encontramos
muestras de ello.

En 2007, pudimos ver en las
pasarelas bordados, pedrería o
incluso fajines de otro color. Hay
mujeres que eligen colores más
vivos, como Dita Von Teese que
se casó con un fabuloso vestido
de Vivienne Westwood de color
morado irisado en rosa.

133

Esencia

134

Esencia

135

Esencia

136

Página anterior, derecha: Kerry Washington durante la ceremonia de Cannes en 2007, luciendo un vestido de
Jean Paul Gaultier.
Página anterior, izquierda: Gwen Stefani se casó en 2002 con un vestido de John Galliano para Dior,
realizado en un tejido degradé en blanco y rosa.
Izquierda: La condesa Spencer, se casó en 1993 a la edad de sesenta y tres años. Se decantó por un vestido
de flores de Emmanuel Ungaro.
Arriba: Imagen de Abhisheck Bachchan y Aishwarya Rai, tras la fiesta nupcial de tres días,, en la que ella
viste un precioso sari de color rojo.

137

Esencia
Desarrollo de la colección
Tras la investigación anterior, se procederá al desarrollo de la
colección. La colección llevara el nombre de “Esencia” y estará
compuesta por ocho diseños de novia.

Antes de realizar los diseños, han de seguirse ciertos pasos muy
importantes para la realización de una colección. Hay que tener
en cuenta muchos factores, que nos faciliten la buena
aceptación de nuestra colección.

-

Estudio de la competencia.

-

Target.

-

Elección de la temática de la colección.

-

Fuentes de inspiración.

-

Análisis de tendencias.

141

Esencia

Estudio de la competencia
Para que tu producto tenga una buena aceptación en el
mercado, es necesario tener conciencia de que tipo de producto
ofrece la competencia. Debido a la masificación de productos
que rodean a los consumidores en la actualidad, para tener éxito
no basta con ofrecer el mercado un producto en base a las
necesidades del consumidor, por lo tanto tenemos que conseguir
que se decidan por nuestro producto, dándoles lo que la
competencia no les ofrezca.
Estudiando a nuestra competencia podemos conseguir
productos innovadores o en su defecto productos poco
frecuentes.

Pronovias presentó su
primera
1964,

colección

en

integrando

por

primera vez el concepto de novia y prêt-à-porter en el mismo
proyecto.

142

Esencia
Actualmente viste a novias de 75 países, lo que le convierte en
uno de los líderes del sector. Su marca se extiende a lo largo de
150 tiendas y 3.800 puntos de venta. El Grupo Pronovias se
hace cargo tanto de la distribución, realizada a través de sus
redes propias en ciudades como EEUU, Latinoamérica,
Francia, Alemania y España, como de la industrialización,
proceso que se basa en las tareas de corte y confección,
acabados y control de calidad.
El director creativo es Manuel Mota, el cual supervisa tanto las
tares de diseño, como de patronaje y modelaje.
Este grupo oferta distintos productos tales como:
-

Vestidos de novia.

-

Accesorios de novia: Velos, tocados, zapatos, lencería y
otros tipos de complementos.

-

Vestidos de fiesta y complementos para estos tipos de
eventos.

143

Esencia

Rosa Clará conocedora de la insatisfacción de muchas mujeres
por lo que les ofrecía la moca nupcial, abrió su primera tienda de
prêt-à-porter en Barcelona, en 1994. Esta tienda fue el
comienzo del Grupo Rosa Clará, creado en 1995.

Su estrategia se basó en diseñar sus propias colecciones y
crear colecciones con la participación de prestigiosos
diseñadores de moda. El primer diseñador en colaborar con
este grupo fue Jesús del Pozo, y tras la buena acogida en el
mercado de esta iniciativa, se inició la búsqueda de nuevas
colaboraciones con diseñadores internacionales, tales como
Karl Lagerfeld o Christian Lacroix.
Actualmente el Grupo Rosa Clará, esta compuesto por un
holding de empresas: Exponovias, Novieuro, Exponovias
Internacional y Exponovias USA.
Este grupo, produce colecciones con distintas marcas:
ROSA CLARÁ, AIRE, TWO by Rosa Clará, ALMA,
Adriana Alier y LUNA.
144

Esencia
El año pasado también producía las colecciones Christian
Lacroix mariée, JESUS DEL POZO, pero actualmente y
siguiendo con las tendencias predominantes en el sector nupcial,
el Grupo Rosa Clará rompió los acuerdos con Cristian
Lacroix, Karl Lagerfeld y Jesús del Pozo. De manera que en la
actualidad ya no cuenta con ningún creador de los citados
anteriormente.
A lo largo del año pasado, Pronovias y Rosa Clará,
comenzaron a dejar atrás este tipo de acuerdos con diseñadores
tanto nacionales como internacionales, debido a que no habían
obtenido los resultados esperados.
Así, el Grupo Pronovias finalizó sus acuerdos con la firma
italiana Valentino, aunque sigue manteniendo su acuerdo con
Elie Saab.
Con estos datos, se ha llegado a la conclusión de que la moda
nupcial en España, que es lo que a nosotros nos concierne en
este caso, se caracteriza principalmente por la elaboración de
vestidos en masa. Esto conlleva a que sea muy complicado para
ellos realizar vestidos exclusivos. Ciertas marcas tienen una
cláusula de exclusividad, que consiste en no vender dos vestidos
iguales a novias que vayan a contraer matrimonio el mismo día.
Lo que da lugar a una pseudo exclusividad.

145

Esencia
En Esencia se opta por la exclusividad de verdad, vestidos
únicos para una mujer única. En esta colección se van a realizar
vestidos de forma totalmente artesanal, incluso algunos llevarán
elementos pintados a mano, lo que le dará al vestido la
característica que lo diferencia del resto, pues ninguna flor será
igual a la otra.

146

Esencia

Target
El target o público objetivo, es el segmento del mercado al que
va dirigido un producto. Para acotar el target es necesario
establecer:
-

Una segmentación del mercado: Que consiste en dividir
un

mercado

en

grupos

más

pequeños

y

con

características y necesidades similares, grupos que
reciben el nombre de segmentos. Con ello se consigue
que las personas que forman este grupo respondan de
una manera similar al producto que se ofrece. A la hora
de elaborar dicha segmentación, hay que conocer las
variables que la afectan, tales como variables de carácter
demográfico (país, clima…), variables demográficas
(edad, género, nivel educativo y profesión entre otros),
variables psicográficas (estilo de vida, valores…), y
variables de comportamiento (rapidez de decisión, o
fidelidad a la marca…).

“Mujeres de 25 a 35 años, con gran sensibilidad por la moda y
por el arte en general. Mujeres que sepan apreciar las pequeñas
cosas que la vida le ofrece, como por ejemplo, tener tiempo para
leer una buena novela en un parque o sentada en la escalinata
de una bonita catedral. Mujeres que aprecien el presente y que
sepan disfrutar tanto de un simple refresco como de un buen
147

Esencia
vino. Mujeres independientes y con las ideas claras. Una mujer
cosmopolita y sabedora de sus verdaderas necesidades”.

-

Y después trataremos el posicionamiento del producto,
que consiste en la forma que le cliente percibe el
producto. Que percepción mental tiene el cliente sobre
el producto o la marca. De forma general existen tres
tipos de posicionamiento: funcional (resolver problemas
o aportar beneficios), simbólico (dar estatus, mejorar la
imagen…) y experimental (estimulación sensorial o
cognitiva).

Debido al producto que

ofreceremos, se optará por un

posicionamiento simbólico, pues nuestra intención es hacer que
la mujer que lleve un vestido de esta colección se sienta única, y
los invitados y su pareja sepan apreciar este detalle. De cierta
manera también podríamos entender un posicionamiento
experimental, pues una novia experimenta sensaciones únicas el
día de su boda, tanto sensoriales, por la magnífica textura de un
vestido de novia, como cognitivas que afectarán a la audiencia
de la celebración.

148

Esencia

Temática de la colección
He decidido basar mi colección en el Impresionismo, pues me
parece un tema perfecto para la realización de una colección de
indumentaria nupcial pues me parecen pinturas muy románticas y
especiales. Su temática es muy inspiradora y muy acorde con mi
propio concepto de lo que significa un vestido de novia.
Durante la primera mitad del s. XIX, se comenzaron a asentar las
bases sobre las que posteriormente trabajarían los pintores
impresionistas, estas bases surgieron gracias a las pinturas de
los paisajistas ingleses del romanticismo como Turner y
Constable. De Turner los impresionistas tomarían su gusto
por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el
difuminado y mezcla de colores intensos. Así como la
descripción de un momento visual más allá de la descripción
formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión»
más poderosa.

Para entender a los pintores impresionistas, es necesario
conocer las características y el contexto histórico y social de
aquella época.

149

Esencia
Origen del término “Impresionismo”:

Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos
bajo este apelativo. Este término les fue impuesto de
modo peyorativo por el crítico Louis LeRoy, al ver la obra
de Monet Impresionismo atardecer o Impresionismo sol

naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del
74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del
cuadro para burlarse de él, LeRoy bautizó al nuevo
movimiento: “Al contemplar la obra pensé que mis anteojos

estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no
tenía derecho ni revés… ¡Impresión!, desde luego produce
impresión…, el papel pintado en estado embrionario está
más hecho que esta marina”. Así fue como el término
“Impresionismo” pasó a ser el nombre del movimiento del
que luego el propio LeRoy se envanecería.
Provocaron un gran escándalo, puesto que el público no
estaba preparado para aceptar una revolución como la
que ellos proponían. Su máximo reconocimiento se afianza
ya entrando en el s.XX.

150

Esencia
Contexto histórico y características:

El objetivo de este movimiento es sustituir el ideal dominante de
“belleza” por el nuevo de “libertad”. Para entender este paso hay
que indagar en este contexto histórico-social:
- Impacto del ferrocarril: por primera vez se experimento el

concepto de “velocidad”. La retina capta así una “realidad
distorsionada”.
- Impacto de la fotografía: la fotografía demostró que lo que

determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se
rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía
trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan
utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.
- Impacto del óleo en tubo: se generaliza su uso a mitad del s.

XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya
que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los
pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al
aire libre.
- Impacto de la naturaleza y de la luz: el estar al aire libra revela

una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya
proyección es posible el color.

151

Esencia
- Impacto del tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un

tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La
técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada
rápida y hábil.

Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga características
concretas:
- El paisaje como tema principal:

Es uno de los géneros más fructíferos. Es paisaje ofrece un
campo donde todos los intereses de los impresionistas se ven
concentrados: el aire, el contacto con la naturaleza, el encuentro
con la luz. Esta se verá modificada por el paso del tiempo y los
matices colorísticos irá cambiando a medida que pasa el día.
Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la
representación de el agua de la nieve y del hielo. Se aman las
superficies en que los reflejos y los matices cromáticos-lumínicos
se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente,
y si lo hace es rodeada de paisaje.
- Técnica:

Los impresionistas de caracterizan por su técnica rápida, de
largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue
duramente criticado por los anclados a la tradición, llegando a
152

Esencia
decir que “los nuevos” estrujaban directamente los tubos de óleo
sobre el lienzo. De la última etapa de Monet se dice que sus
obras no son pinturas, sino más bien esculturas sobre el lienzo.
Muchas veces se apunta a Goya como un precedente de esta
pincelada.
- Color:

Observan que las sombras nunca son negras, sino
coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz
lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color
puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente
sobre la superficie del lienzo.
- Ausencia de perceptiva:

Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva
euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta
entonces, es por ello que desaparece el “primitivo” punto de
fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional
porque en realidad es como percibe nuestra retina.
A continuación, encontrarán una pequeña biografía de los
pintores que he destacado, pues me inspiraré en algunas de sus
obras.

153

Esencia

Claude Monet (1840-1926)

Pintor francés. Nacido en parís en 1840 y fallecido en Giverny
en 1926. Sus primeros contactos con el pintor E. Boudin, en el
Havre, le orientaron hacia la pintura al aire libre. Se trasladó a
Paris en 1859, y trabajó primero en la Academia Suiza, donde
conoció a Pissarro, y luego en la Escuela de Bellas Artes,
junto con Renoir, Sisley y Bazille, con el que iba a pintar al
bosque de Fontainebleau.
Puente

japonés,

En 1865, realizó su primera composición, El Almuerzo (museo

1899.

Claude

de Jeu de Paime, París), obteniendo al año siguiente una gran

Monet.

154

Esencia
éxito en el Salón con La señora del vestido verde., éxito que no
duró mucho tiempo. Con una familia a sus espaldas, sin
recursos, rechazado en el Salón de 1869, criticado por Manet,
que le reprochaba que pintase al aire libre, Monet atravesó una
difícil etapa.
Pero no por ello dejó de pintar sus paisajes luminosos y
aireados, en Île-de-France, en Normandía y, en 1870, en
Londres donde conoció al marchante Paul Durand-Ruel y
descubrió a Turner.
En 1874 participó en París en la primera exposición de los que,
en son de burla, fueron llamados “impresionistas.
A partir de entonces, compartió la suerte del grupo y continuó
expresando, con su estilo luminoso, a base de toques ágilmente
coloreados, su amor por el aire libre, pero sobre todo por el sol y
el agua, cuyos reflejos le inspiraron obras admirables: Regatas

en Argenteuil (1872-1876, París).
Fue abandonando paulatinamente la técnica impresionista para
orientarse hacia una concepción más amplia, pero sometida cada
vez más a los efectos luminosos, que llegan en ocasiones a diluir
las formas o incluso a fundirlas entre sí.

155

Esencia

156

Esencia
Al mejorar su situación económica, Monet pudo viajar y pintó en
Normandía (1882-1883), en la Costa Azul con Renoir, en
Holanda, en Bretaña, en Noruega (1895), en Venecia (1908),
etc…
De estos viajes trajo numerosos paisajes resplandecientes de
luminosidad, cuya incidencia sobre las cosas, a distintas horas o
durante estaciones diferentes se dedicó a estudiar (serie de los

Almiares, 1891, de la Catedral de Rouen, 1892, etc…).

En 1891, compró en el departamento del Eure, en Giverny,
una casa rodeada de un gran jardín, donde dio comienzo a sus
largos y pacientes estudios de las Ninfeas, cuyo conjunto más
característico, ya casi en el límite de la abstracción, fue instalado
en la planta baja de la Orangerie de las Tullerías, en París
(1923).
Izquierda: El paseo,
1875.

Claude

Ningún otro pintor encarna la representación del Impresionismo
de una manera tan completa como Claude Monet. Él fue, de

muy

alguna manera, el vertebrador del grupo y el que marcó su

singular que en este

orientación estética así como la evolución que condujo desde la

cuadro, el pintor dio

ortodoxia del “aire libre” hasta una especie de romanticismo

más importancia a la

simbolista.

Monet.

Es

mujer que al paisaje.

157

Esencia

158

Esencia

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Pintor francés nacido en Limoges en 1841 y fallecido en
Cagnes en 1919. Su formación como artista comenzó cuando
ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1862, y a la vez
comenzó a trabajar en el taller de Gleyre donde conoció a
Monet, Sisley y Bazile, con los que se fue a trabajar al bosque
de Fontainebleau. Sus primeros envíos al Salón fueron
aceptados en 1864 y 1865, pero al año siguiente fueron
rechazados. En esta época sus obras presentaban un estilo
todavía académico que conjugaba con la influencia de Coubert
con el gusto por el aire libre. En 1867, Lisa con sombrilla,
confirmaba su gusto por la luz y su interés por las grandes
figuras claras. Seguidamente trabajó en Grenuillère donde
realizó brillantes paisajes y a partir de 1870 en Argenteuil, con
Izquierda, arriba: Gare

Monet. Su primera obra maestre, El Palco, fue contemporánea

Saint

de la exposición de los impresionistas, que causó un enorme

Lazare,

1877.

Claude Monet.

escándalo.

En

1876,

durante

la

segunda

exposición

impresionista, presentó El Columpio y Moulin de la Galette
Izquierda, abajo:
Ninfeas,

1897-1899.

Claude Monet.

(ambos presentes en el Louvre), lienzos en los que podemos
apreciar el centelleo de los colores claros, vibrantes de luz, que
expresaban su amor por la vida. Aún así seguía sufriendo las
burlas de los espectadores.
159

Esencia

Debido a esto, hacia 1879, abandonó este estilo adoptando
una técnica más clásica, por lo que fue acusado de traición por
sus anteriores compañeros. Madame Charpentier y sus hijos
(1879, Nueva York), fue aceptada favorablemente lo que le
reafirmó en la dirección tomada. Más tarde celebró exposiciones
individuales y tras vivir una época en Argel, cuando volvió creó

El Almuerzo de los remeros (Washington), antes de emprender
un largo viaje por Italia. Aquí estudió a los maestros y visitó los
museos.
160

Esencia
Entre 1883 y 1886, comienza un periodo en el que se esfuerza
por seguir composiciones más equilibradas, un dibujo más firme,
y en dar más importancia a los volúmenes. Su gusto por el aire
libre y la atracción por el desnudo, desembocó en que las
mujeres ocuparan un lugar cada vez más importante en su obra.
Tras estar gravemente enfermo de reumatismo pasó largas
temporadas en Cagnes, donde se estableció definitivamente en
1903. A partir de 1910, Rendir utilizó a su ayudante Guino,
quien, siguiendo sus indicaciones, modeló diversas obras, tales
como La Venus misteriosa y El juicio de París.

Izquierda:
La

Grenouillère,

1869. Renoir.

Página

siguiente,

izquierda: La primera
salida,

1875-76.

Renoir.

Página
derecha:
columpio,

siguiente,
El
1876.

Renoir.

161

Esencia

162

Esencia

163

Esencia

164

Esencia

Arriba: The Seine at
Asnieres, 1878. Renoir.
Izquierda,

arriba:

El

almuerzo de los remeros,
1880-1881. Renoir.
Izquierda, abajo: Baile en
el Moulin de la Gallete,
1977. Renoir.

165

Esencia

Joaquín Sorolla (1863-1923)

Pintor español, nacido en Valencia en 1863 y fallecido en
Madrid en 1923. Comenzó como artista tradicional de finales
del s. XIX: origen humilde, estancia pensionada en Roma, viaje a
París y cultivo de la “obra de género” (El dos de mayo en

Madrid). A partir de 1900 cambió radicalmente de estilo,
sintiéndose inspirado por el sol, las playas y la luz de Valencia,
detalles que le convirtieron en el “pintor de la luz”: Paseo a orillas

del mar, Después del baño…
Se convirtió en un pintor tan famoso que aceptó el encargo de
la Hispanic Society de Nueva York, el cual consistía en un
inmenso friso con temas basados en distintas regiones
españolas, un tanto irregular. También tiene una amplia obra
como retratista.
Fue el pintor español con la obra más amplia, más de 2.200
óleos catalogados. Su obra basada en la tradición pictórica
española, dio origen al impresionismo ibérico.
Derecha:
del

baño,

Sorolla.

166

Después
1908.

Esencia

167

Esencia

168

Esencia

Arriba: Paseo a orillas del mar, 1909.
Sorolla.

Izquierda,

arriba:

Pescadores

valenciano, 1895. Sorolla.

Izquierda, abajo: Cosiendo la vela,
1896. Sorolla.

169

Esencia

Fuentes de inspiración
La inspiración no siempre viene por arte de magia, si tienes
suerte y no estás inspirado te puede venir de un sueño por
ejemplo, pero si no eres así de afortunado debes buscar la
inspiración. Puedes encontrar esta inspiración en el lugar menos
esperado, por ejemplo dando un paseo y darte cuenta de que le
árbol que ves todos los días, tiene algo especial. La inspiración
puede venir de cualquier lugar y hay que estar atento.
En el diseño es necesario buscar
fuentes de inspiración para desarrollar
una obra u obtener nuevas ideas y para
ello es necesario leer libros, ojear
revistas, escuchar música o prestar
atención a editoriales sobre estilos de
vida o de moda.
Es muy importante salir de casa con
una cámara de fotos o tener a mano un block en blanco para
dibujar lo que nos llame la atención pues es frecuente que se te
pueda olvidar, por ejemplo en mi caso siempre tengo uno al lado
de la cama, pues es común que me vengan ideas cuando estoy a
punto de dormirme y si son buenas las dibujo.

170

Esencia
Hay que estar al tanto de las tendencias tanto en pasarela como
las que surgen en la calle. Estas últimas son de gran importancia,
pues son tendencias puras, tendencias que no se han
transformado, y así no te influirá la forma que ha tenido cada
diseñador de plasmarlas en sus diseños. En el apartado
siguiente realizare un análisis de tendencias de pasarela, pues en
moda nupcial las tendencias son marcadas por este medio.
Otras posibles fuentes de inspiración son los edificios antiguos,
paisajes o jardines en lo que se puedan percibir hermosas formas
o texturas.
Otra forma de buscar inspiración es realizar una tormenta de
ideas. Al elegir la temática de la colección, siempre comienzo
haciendo una tormenta de ideas sobre la palabra en cuestión, en
este caso “impresionismo”: Las palabras que me salieron en
dicha tormenta de ideas fueron: Paisaje, nubes, red, mar,
pincelada, verde, texturas marcadas, azul, luz, romanticismo,
energía, vida, místico, elegancia y disfrute Una parte muy
importante a la hora de crear material gráfico es trabajar con un

block de esbozos.
Este block consiste en un cuaderno en blanco en el que vas
plasmando tu visión personal del mundo y se puede realizar de
muchas maneras. Personalmente yo plasmo en mi block,
pequeños bocetos, recortes de revistas, puedo añadir formas en
171

Esencia

172

Esencia
en tela para crear mis propias texturas e incluso objetos que me
sean de interés. La realización de este block es fundamental
para cualquier persona que estudie cualquier tipo de arte. En él
estás tú, tus ideas. Ningún cuaderno de esbozos será igual al
anterior, pues todo depende de cómo veas la vida en cada
momento, puede que un día estés triste y al día siguiente alegre,
y todo lo que plasmes en esos días tendrá una apariencia y un
significado distinto.

Izquierda: Fotografía de mi propio block
de ideas.
Página

anterior

izquierda:

Imagen

fotografiada por mí durante un pase por
el campo. Las flores son interesantes
para obtener ideas, sobretodo para la
temática que he escogido.
Página anterior, derecha: Fotografía de
mi propio block de ideas.

173

Esencia

Análisis de tendencias
Para

realizar

un

análisis

de

tendencias

de

pasarela,

seleccionamos los diseñadores más punteros en el sector
nupcial, pues hay muchísimos diseñadores y firmas. Hacer esta
selección no significa que perdamos información en el proceso,
pues el resto de diseñadores frecuentemente siguen las pautas
de los diseñadores más importantes. Bajo mi parecer, en esta
selección voy a integrar la Alta Costura y como la temporada
nupcial 2012 aún está incompleta voy a analizarla junto con la
temporada 2011.
Entre los diseñadores seleccionados están: Elie Saab AC,
Dior AC, Vera Wang, Hannibal Laguna, Carolina Herrera,
Marchesa, Óscar de la Renta y Douglas Hannant.
Cuando captemos las tendencias, estás se explicarán mediante
distintos conceptos como: texturas, color, o detalle entre otros
si fuera necesario.

174

Esencia
“Polisón”:
Esta tendencia se caracteriza por los volúmenes integrados en
la parte de la espalda de la prenda. En cuanto a su forma se
puede presentar mediante drapeados, volantes, o pliegues, y en
distinto tejidos y texturas, como gasa, raso, brocado u organiza.
Algunos ejemplos son:

175

Esencia

Marchesa

Carolina Herrera


176

Esencia

Ver a Wang


177

178
Renta

Óscar de la

Renta

Óscar de la

Marchesa

Esencia


Esencia

Ver a Wang


179

Esencia
“En su lugar”

Esta tendencia hace referencia al uso del cinturón tanto como
complemento como integrado dentro de la prenda. Lo podemos
encontrar de raso, del mismo tejido que el vestido o de pedrería,
pero siempre ha de marcar el talle
justo en la cintura. Puede ser liso, o
acabar mediante una lazada normal,
con una lazada de aspecto floral o
con un cierre en forma de flor. Este
complemento se puede encontrar
cerrado en la espalda o en el

Carolina Herrera

delantero.

180

Esencia

Elie Saab

Douglas Hannant


181

182
Óscar de la Renta

Marchesa

Hannibal Laguna

Esencia


Esencia

Ver a Wang


183

Esencia
“Secret
“Secret”

Esta tendencia se basa en ocultar los hombros. En ella quedan
reflejados los adornos de pedrería, los aplique de tul o florales,
algunas transparencias o los
boleros.

Como

texturas

encontramos gasa, tul, pelo, el
mismo tejido que en el vestido o
incluso

pedrería

mencionado

como

he

anteriormente,

Elie Saab

entendiéndolo como joyas.

184

Esencia

Carolina Herrera

Alberta Ferretti


185

Marchesa

186
Óscar de la Renta

Óscar de la Renta

Esencia


Esencia

Marchesa


187

Esencia
Elaboración de la colección
En esta sección comenzaremos a describir y analizar los pasos
propiamente creativos a la hora de crear una colección. Es muy
importante seguir el orden descrito para que una colección
funcione adecuadamente.

-

Selección y creación de muestrario de tejidos.

-

Realización de los bocetos

-

Elaboración de las fichas técnicas.

-

Realización de los patrones.

-

Confección.

191

Esencia

Muestrario de tejidos
Debido a que solo se van a confeccionar dos piezas de la
colección, he decidido crear un pequeño muestrario de los
tejidos que van a ser utilizados para la realización de la colección.
En él se presentarán tanto los tejidos puros, entendiendo con
esto aquellos que no han sido transformados, los tejidos
pintados a mano, y los tejidos transformados mediante
drapeados, o mediante algún tipo de confección, como por
ejemplo flores realizadas a mano.

- Tejidos puros:

Organza.
Micado de seda.
Seda natural.
Raso.
Bambula.
Gazar de seda natural.
Tafetán.

192

Esencia
- Tejidos pintados a mano.

Para la realización de este tipo de tejidos, utilizaremos
pintura para textil de la marca “Pebeo”. Es de un tipo
especial, destinado a la pintura sobre tejidos claros, en
lo que quieras respetar la textura de la tela. He elegido
este tipo de pigmento porque es el que más se adapta a
mis necesidades, pues por ejemplo en los tejidos con
mucha caída como la gasa, no podemos aplicar otro tipo
de pintura porque las zonas donde se aplicase quedarían
como rígidas y así el tejido perdería su apariencia natural.
Los dibujos realizados
serán en su totalidad de
temática floral, pues en el
impresionismo el paisaje
es muy importante, y los
colores empleados serán
de tono azulados, pues
una temática a la que se
recurre

en

el

impresionismo español fue
la inspiración marítima.

193

Esencia
No se debe comenzar a pintar
sobre un tejido antes de lavarlo,
pues

necesitamos

eliminar

el

apresto que pueda tener la tela,
porque si no el pigmento no
penetrará adecuadamente en ella.
Cuando tengamos el boceto del
diseño a plasmar, lo dibujaremos
con lápiz sobre el tejido.
Antes de comenzar a pintar sobre el este, es necesario y muy
importante hacer pruebas sobre una pieza del tejido para
comprobar cuanta cantidad de pigmento y de agua soporta.
Aplicaremos en primer lugar los tonos más claros, para después
seguir con tonalidades más oscuras.
Después comenzamos a pintar la tela, para ello se pueden
utilizar pinceles o pistola depende del efecto que deseemos, y se
deja secar 72 horas.
Tras secarse deberemos plancharles a la temperatura más alta
que permita el tipo de tejido, con ello la pintura quedará fijada,
de lo contrario al lavarla perderemos color.

194

Esencia

195

Esencia

196

Esencia
- Tejidos confeccionados:

Estos tejidos se realizan a
partir de una tela base, sobre
la cual aplicaremos unas series
de

piezas.

Los

tejidos

confeccionados se realizaran
con motivos florales. Hay tres
tipos de tejidos, realizados con
flores de distintos tamaños. El
patrón de las flores es el mismo, solo cambiaremos el tamaño
para realizar cada modelo. Estas flores tienen como patrón
un trébol de cuatro hojas.
Cada flor, ya cortada en la tela elegida, se doblará dos
veces, primero juntamos un extremo con otro, y después
realizamos el mismo paso con los otros dos
extremos restantes, y para sujetar la forma de
la flor obtenida deberemos darle un par de
puntadas.

La flor resultante, la coseremos al tejido base.
Estos pasos se realizaran sucesivamente hasta rellenar
el tejido completamente.

197

Esencia
Otro tipo

de tejido confeccionado, se ha

realizado a partir de gasa arrugada. Esta tela la
encogemos como nos parezca, no tiene que
tener una forma definida, y la sujetamos a la tela
base mediante puntadas invisibles.

Galería de tejidos:

198

Esencia

199

Esencia

Elaboración de los bocetos y el
portfolio.
Para la elaboración de los bocetos necesitamos papel, lápiz y
goma de borrar.
En moda es común emplear

bases de figurines

para lo

realización de los bocetos de las prendas, de los cuales
seleccionaremos las piezas definitivas que formarán la colección.
Cuando tengamos los diseños seleccionados comenzaremos a
realizar los bocetos propios de las ilustraciones.
Escaneamos el boceto definitivo de la ilustración y la
redibujamos con Illustrator. A partir de ahí, exportamos la
ilustración ya redibujada a Photoshop y aplicamos el color y las
sombras. Para trabajar con Photoshop, utilizamos una tableta
digitalizadora pues siempre será más precisa que el ratón de un
ordenador.

200

Esencia

201

Esencia

202

Esencia

203

Esencia

204

Esencia

205

Esencia

206

Esencia

207

Esencia

208

Esencia

Fichas técnicas
Las fichas técnicas se realizan con la finalidad de organizar,
conocer y facilitar todos aquellos datos que afectan a la
confección y al patronaje de cada diseño.
En ellas se explican todos y cada uno de los detalles de las
prendas que se vayan a realizar para no haya problemas
posteriores, tales como equivocaciones en tejidos y fornituras o
pérdida de piezas que compongan el diseño.
Se realizan dos tipos de fichas técnicas:

- Ficha técnica de confección.

En esta ficha aparece el nombre del diseño, de la colección, y
la talla en la que se ha de confeccionar. En el centro de la
ficha aparece el dibujo plano del diseño, realizado con
Illustrator. Se Presenta tanto el delantero como la espalda.
En la sección final encontramos la descripción del diseño y
pequeñas muestras de los materiales con los que se debe
confeccionar incluidos tipos de cierres (cremallera, botones),
y el tipo de fornitura si es que llevase.

209

Esencia

210

Esencia
-

Ficha de corte:

En esta ficha encontramos una tabla, en la que encontramos
situadas en la primera columna todas las piezas que
componen el patrón. En la primera fila,

apuntamos los

tejidos en los que se confeccionará el diseño, y en el resto
de columnas, veremos escrito las veces que se repetirá cada
pieza en los distintos tejidos. Por ejemplo, un costadillo, si el
diseño es simétrico, se ha de recortar dos veces en el mismo
tejido, pues necesitaremos un costadillo izquierdo y otro
derecho.

211

Esencia

Realización de los patrones
Todos los patrones se realizan a partir de un cuerpo base, ya
sea entallado o recto. El uso de estos tipos de bases
empleados dependerá del diseño que se quiera realizar. Tras la
realización de estos cuerpos, se comienzan a llevar a cabo las
transformaciones pertinentes. Las empleadas se basarán en
traslados de pinzas, abriendo el patrón mediante cortes para dar
amplitud, ya sea en forma de abanico o abriendo completamente.
La realización de un escote en el patrón consiste en dibujar la
forma deseada.
La falda se obtendrá alargando el cuerpo. Para entubar, el
ancho del bajo de la falda equivaldrá a la largura que deseemos,
y a esa altura le restamos entre 1,5 y 3cm para entubar.

Patrón base del cuerpo,

Si por el contrario necesitamos dar amplitud, esta se

recto y alargado hasta la

conseguiría a través de pliegues, frunces, sesgas o capas (estas

cadera.

últimas se realizan mediante otro patrón).
Todas las imágenes de patrones que os mostraré a
continuación, mantienen las proporciones, pero el tamaño variará
dependiendo del ajuste de la imagen en la página.

212

Patrón base del cuerpo
entallado y alargado hasta
la cadera

Esencia

213

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