Este documento define la música y sus elementos fundamentales. Explica que la música es el arte de organizar sonidos y silencios mediante la melodía, armonía y ritmo. Detalla los parámetros del sonido como la altura, duración, intensidad y timbre. Describe los elementos de la música como la melodía, armonía, métrica y ritmo. Además, analiza la notación musical occidental y cómo la música está influenciada por factores culturales.

2. La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es,
según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una
combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de
la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-
anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia,
en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde
hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la
música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas
fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los
límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte
es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones,
circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo
perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones
(entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.).
Definición de la música
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones
musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De
esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento
de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada
como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una
formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en
aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir
ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son
aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por
los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos
esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y
que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros
elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la
función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle"
publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender
una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la
música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de
la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot,
después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,1
la definió como el «arte de combinar
los sonidos de una manera agradable al oído».2

3. Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas
expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador
y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música
es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a
explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no
lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos
ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura
que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente
en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura,
definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los
estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música
implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba
ser placentero o agradable.
Parámetros del sonido
La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión
generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio
que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de
sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da
en la naturaleza.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
 La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la
cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De
acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto
mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la
distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo
estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el
mismo instante.
 La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido.
La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada
en la onda por los segundos que esta contenga.
 La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La
intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
 El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a
pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los
sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de
sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos

4. como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la
forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual
se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido
puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda
sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El
espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de
frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada
sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.
Elementos de la música
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción),
nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el
ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a
otra (también hay variaciones temporales).
 La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro
particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y
que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la
estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como
una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este
sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no.
Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
 La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es
el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y
su enlace con sonidos vecinos.
 La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas
ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
 El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy
notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar
contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres,
texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia
temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su
duración.
Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y
la instrumentación.
Cultura y música
Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies
animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la
música de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa"

5. o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de
un grupo social determinado.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y
culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los
instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en
cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función
que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se
escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio
publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones
que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser
más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más
respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas
durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son
"universales", es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de
todos los tiempos[cita requerida]
. Muchos piensan que la música es un lenguaje "universal",
puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente
la armonía (relación entre las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son
plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor
medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto
ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo,
se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo
de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es
privativa de la cultura occidental[cita requerida]
porque representa un estadio más "avanzado"
o "superior" de la "evolución" de la música.
Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas)
es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo,
muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien
cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la
ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo
espacio físico en donde se produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace
algunos siglos; lo más común (es decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean
la misma persona.
La notación musical occidental
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de
notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media
(principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación
musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos más o

6. menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha ido variando
según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir
del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se
leen en relación a un pentagrama (del griego «πεντα», "penta": cinco; y «γραμμa», "grama":
líneas), que al comienzo tiene una "clave" que tiene la función de atribuir a una de las líneas
del pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave
de Sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda
línea (contando desde abajo), como el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda
y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan
fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de Do en
tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do central del piano),
la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del Do central),
y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta por debajo del Do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada
línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del
siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de
arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica
cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada
como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la
negra (igual que la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con
un palito horizontal que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la
corchea pero con dos palitos horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora:
la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc..
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en
determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del
compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca
corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc..
Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren
tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8
tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio
de redonda, de blanca, etc..
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo
que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos". Cuando se desea que
a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la
derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro
determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea arqueada
llamada ligadura de prolongación.

7. En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más
o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se
indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes
juntas. La velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que
son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.
Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico
La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor
rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios
cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se
ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes
mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias
funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea
piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados
por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la
práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen
nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en
los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de
la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que
hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este
instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en
distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante
función al utilizarse los pedales.
A nivel mental, también se denomina muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje
en otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la
intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla de los distintos
idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los
diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los diferentes idiomas.
GENEROS
EL MERENGUE:
La Música Folclórica” de la de la República Dominicana, así se ha de llamar ya que ha
sido el primer Genero Musical originada en este país, de hay partieron los demás
estilos del Merengue Dominicano. Ritmo y Mambo evaluó de manera detallada la
trayectoria de este Género evaluó de manera detallada la trayectoria de este Musical
para brindarle a todos los seguidores el origen de esta buena musica para brindarle a
todos los seguidores el origen de esta buena musica Este genero se origino
específicamente el Cibao, región de la República Este genero se origino

8. específicamente el región de la República Dominicana. La Cultura Dominicana expresa
desde sus inicios Sentimientos de Sufrimientos pese a la Esclavitud, así como la Vida
Cultural en la época de la Colonización Motivo por el cual los habitantes desahogaban
sus penas con el Arte específicamente La Pintura y La Música. específicamente
RANCHERA:
Se asegura que el origen del género ranchero se dio con el estreno de la película
mexicana Allá En El Rancho Grande Pensar en las rancheras es tener una montura en el
caballo de los sueños, una espuela, un sombrero, un traje con adornos de plata,
cuerdas guitarras y una voz que desprende el sentir de un país. Los músicos más
populares del ranchero son Pepe Aguilar, Alejandro Fernández, Pablo Montero,
Vicente Fernández, Pedro Fernández
ROCK:
Se originó de los procesos de hibridación al cua Rock mestizo: Se originó de los
procesos de hibridación al cua está sometido el latino en general. México fue su cuna y
cuenta hoy con fieles exponentes, entre ellos destacan: Café Tacuba, botellita de
Jérez, Maná y Maldita Vecindad
VALLENATO:
El vallenato es el género musical originario de Valledupar, capital del departamento
colombiano de Cesar. A partir de la década de 1960 el vallenato ha ido cobrando cada
vez más auge y difusión tanto dentro como fuera de su país. Presenta un ritmo lento y
expresivo, con una cadencia especial que lo hace muy pegadizo. Las letras, en forma de
romance, suelen retratar la realidad social del país y de la región desde una
perspectiva crítica y, por lo general, un punto de vista. ingenioso. Los instrumentos
típicos son el. acordeón, la guacharaca (un idiófono de fricción fabricado con una caña
hueca) y un tambor llamado caja vallenata, aunque también se incorpora la guitarra,
que contribuye a aumentar la sonoridad. Los autores y compositores más destacados
son Colacho Mendoza, Rafael Escalona, Lisandro Mesa, Alejo Durán, Julio Bovea y sus
Vallenatos, Diómedes Díaz, Leandro Díaz, Carlos Vives y Alfredo
BLUES:
proveniente de los negros americanos y su contenido es básicamente social y sexual.
Tiene dos variantes claramente identificadas: el blues urbano, interpretado por voces
femeninas acompañadas de piano; y el blues rural interpretado por hombres
acompañados de un banjo o guitarra Breakbeat.
TECNO:
Es una variedad de la música pop desarrollada durante los años setenta y ochenta que
utiliza instrumentos musicales electrónicos, especialmente sintetizadores

9. CUMBIA:
La La cumbia es uno de los bailes más representativos del folclor autóctonos
representativos del folclor autóctonos colombianos. Al ritmo de un conjunto de gaitas
acompañadas por tambores, la cumbia es sinónimo de baile por tambores, la cumbia es
sinónimo de baile alegría y fiesta. Se desarrolla de manera libre: la mujer baila suelta,
mientras que el hombre la sigue al compás de los movimientos sensuales de su cintura
La cumbia es un género que encarna de forma atinos Los músicos más populares de la
cumbia son Celso Piña, Sonora Dinamita.
La música tradicional colombiana se deriva de una mezcla de ritmos indígenas,
influencias africanas, europeas (especialmente españolas), de las formas musicales
modernas de america y del caribe . Algunos ritmos populares son la cumbia el vallenato
en el Caribe, el bambuco y el pasillo
La cumbia resulta de una mezcla de influencias españolas, indígenas y africanas
(debido al transporte de esclavos para las plantaciones de café y la minería). En el
siglo XIX, la abolición de la esclavitud aumentó la influencia mutua entre los diversos
grupos étnicos. Fue la época de oro del bambuco el vallenato y del porro Cuando el vals
se volvió popular, en el mismo siglo, los colombianos rápidamente inventaron su
variante: el pasillo
BLUES….
Género instrumental y vocal de origen estadounidense en compás de 4/4. Las letras
suelen estar ordenadas en estrofas de tres versos: una línea inicial, su repetición y
una tercera línea (AAB). La música del blues suele tener 12 compases y se compone de
tres frases de cuatro compases cada una (una frase por cada línea de texto). La
disposición de acordes más típica para dichas frases se basa en las notas de la escala:
primera (I), cuarta (IV) y quinta (V). Así, la frase primera se forma con I I I I, la
segunda con IV IV I I y la tercera con V V (o IV) I I. Cada frase del texto cantado
suele seguirse de una improvisación instrumental, creándose así un modelo de pregunta
y respuesta. La música de blues utiliza una escala en la cual las notas tercera, quinta y
séptima están disminuidas medio tono en relación a la escala mayor occidental y
reciben el nombre de blue notes. Las letras de los blues suelen tratar sobre las
penalidades de la vida y las vicisitudes del amor.
JAZZ…
es un género musical nacido a finales del siglo XIX y que se expandió en el siglo XX
que tiene sus orígenes en la música clásica.

10. El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un
escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde
principios del siglo XVII.
Se caracteriza por:
• Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a
contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de
acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte
fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte
siguiente. –
• La improvisación.La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free
jazz, años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8
compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo
adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías
dadas, que están en la base de toda la composición.
Se utilizan instrumentos como:
Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento
secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más
importantes de cualquier formación.
Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.
Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.
Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por
el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.
Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a
partir de la revolución de Charlie Parker.
Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se
utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.
MUSICA URBANA
diferentes ritmos que encontramos en el mundo actual y han surgido a lo largo de la
historia, tienen gran acogida en las personas, lo que permite establecerla a todas las
clases de individuos, sociedad y a las culturas que existen e como Hemos, Raperos,
Roqueros, Punkeros, Metaleros entre otros.
La música está ligada a estar en diferentes grupos sociales y culturales con respecto a
sus acontecimientos, y expresiones. Estos acontecimientos no son universales; por

11. tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su
contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de
Mozart carezcan de sentido musical para un indígena, quien entiende la música a partir
estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental.
Entre los principales géneros encontramos:
• Rap:Un estilo musical iniciado en los barrios negros e hispanos neoyorquinos, está
vinculado desde principios de 1980 a los ambientes de la cultura hip hop. De este
último estilo musical toma como ejemplo integrar diversas corrientes, como la break
dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch. El compás del rap suele ser de
cuatro por cuatro. En su esencia rítmica, las canciones de rap, en lugar de un compás
de 4/4 (como en otros estilos musicales, donde la canción sigue el golpe), se basa en un
conteo de 3, similar a un “swing” encontrado en los golpes del jazz Sin embargo, en el
rap se toma este concepto un paso más allá. Mientras que el ritmo del jazz implica
notas de tres octavos (un trío) por golpe, en el rap es el doble: 6/16 (un “doble trío”)
por golpe.
• Hip Hop:La música hip hop o rap es un genero musical que se desarrolló como parte
de la cultura hip hop, y se define por cuatro elementos estilísticos: MC,
DJ/turntablism, sampling (o sintetización de sonido) y beatboxing. El hip hop comenzó
en el South Bronx de Nueva York a comienzos de los años 1970. El término rap suele
utilizarse como sinónimo de hip hop, si bien hip hop también hace referencia a las
prácticas de toda esta subcultura.
• Reggaeton: es un genero musical que surgió en Panamá hacia mediados de los años
1970 y comienzos de de los años 1990 en Puerto Rico, de la comunidad jamaiquina
cuyos ancestros llegaron a Panamá, junto a inmigrantes antillanos a principios del siglo
XX, los cuales introdujeron por primera vez el reggae y por consiguiente el dancehall,
tiene influencias del hip hop
SALSA
Es un género desarrollado en latinoamérica en el ámbito caribeño, siendo el resultado
de la inmigración de hispanos a los Estados Unidos después de la segunda guerra
mundial. Se caracteriza por:
*Tener un patrón rítmico del son cubano en tiempo 2/4
*Presentar una mezcla de rasgos melódicos latinoamericanos con rasgos melódicos del
jazz convencional y del folclor latino.
.Acoplar rasgos armónicos puertorriqueños, colombianos y cubanos

12. Usa instrumentos afrolatinoamericanos como: pailas o timbales de baile, bongó, güiro
cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones sólo se usaba una), el instrumento
afrolatino conga, y los instrumentos piano, contrabajo, trompeta y trombón.
ROCK
El rock es un genero del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno
de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll Suele interpretarse,
entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra,
bateria, bajo
el rock se deriva de varios generos musicales como el blues, rhythm and blues y
country, pero también del gospel, jazz y folk. inició en la década de los años 50´ y se
mantiene hasta hoy como uno de los más fuertes géneros.
POP
El pop es una combinacion de diferentes géneros como el jazz y el rock. Es un género
distinto dirigido al mercado joven, caracterizado por el uso de intrumentos como la
voz, la guitarra electrica, el bajo, la batería, la guitarra acústica y el sintetizador .
También se caracteriza por tener un enfoque en canciones individuales o sencillos
(singles), en lugar de en obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público
general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la
artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación,
producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las
tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos. El principal elemento
de la música pop es la canción, a menudo entre dos y medio y cuatro minutos de
duración, en general, marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo
culturalmente establecido y una estructura tradicional y simple.Las variantes más
comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con una especial
atención a las melodías pegadizas y un coro que contrasta melódica, rítmica y
armónicamente con el verso. El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un
acompañamiento armónico limitado. Las letras de las canciones pop modernas se
centran típicamente en temas simples – a menudo el amor y las relaciones románticas –
aunque hay también notables excepciones.