1. Teoría del color
Si hablamos del color en sentido general, nos encontramos con que la
Teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de
percepción de colores para conseguir el efecto deseado combinando
colores de luz o combinando colores reflejados en pigmentos.
En el ámbito práctico del uso del color, el conocimiento que tenemos y
hemos adquirido sobre éste hace referencia al color pigmento y
proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura
que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla
producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul.
Al tenor de este conocimiento práctico vemos que en realidad existen
dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores
primarios pigmento.
A modo de resumen
Color de la luz, síntesis aditiva
Los colores producidos por luces
(en el monitor de nuestro
computador, en el cine, televisión,
etc.) tienen como colores
primarios, al rojo, el verde y el azul
(RGB) cuya fusión crea y compone
la luz blanca, por eso a esta mezcla
se le denomina, síntesis aditiva y
las mezclas parciales de estas
luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible.
Color de pigmento, síntesis sustractiva
Los colores sustractivos son colores basados en la luz reflejada desde
los pigmentos aplicados a las superficies.

2. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo.
Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los
sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado
en la consideración de colores primarios a los tradicionales.
Como vemos, al hablar de colores luz o de pigmentos, nos
encontramos con que en verdad existen, no dos sino que tres juegos
de colores primarios:
El primer juego de colores
primarios es el del rojo, verde
y el azul, conocidos como
primarios aditivos, o
primarios de la luz y se
utilizan en el campo de la
ciencia o en la formación de
imágenes de monitores. Si se
mezclan en distintos
porcentajes forman otros
colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanca.
En tanto, los artistas y diseñadores parten de un segundo juego de
colores primarios formado por el rojo, el amarillo y el azul. Mezclando
pigmentos que reflejen estos colores pueden obtenerse todos los
demás tonos.
A partir de esta segunda tricromía, se llega al tercer juego de colores
primarios, que se compone de magenta, amarillo y cyan. Se tratan de
los primarios sustractivos y son los empleados por los impresores. En
imprenta, la separación de colores se realiza utilizando filtros para
restar luz de los primarios aditivos, con lo que se obtienen los colores
de impresión por proceso sustractivo.
Combinación de colores primarios y secundarios
Siguiendo con este estudio del color, o de la percepción del mismo,
reiteremos que en la naturaleza existen tres pigmentos (materia en

3. forma de gránulos presente en muchas células vegetales o animales),
denominados básicos o primarios, que pueden reflejar por separado
cada uno de los colores básicos contenidos en la luz.: amarillo, rojo y
azul
Amarillo
Rojo
Azul
Como ya lo vimos, en el campo de las artes gráficas los colores
considerados como primarios son el cyan o ciano (azul verdoso), el
amarillo y el magenta (rojo azulado).
Si mezclamos los colores primarios (en sentido amplio) entre sí
obtendríamos los denominados “colores secundarios”. Estos son:
Naranja (amarillo +
rojo)
Verde (amarillo +
azul)
Violeta (rojo +
azul)
Por su parte, la mezcla de un color primario y uno secundario daría
lugar a los llamados “colores intermedios”.
Amarillo-naranja Rojo-naranja
Rojo-violeta Azul-violeta
Azul-verde Amarillo-verde

4. Por último, la mezcla de dos secundarios originaria un "color terciario"
y la de dos terciarios un "cuaternario".
Colores
complementari
os
Al trabajar con
colores, éstos
pueden
contrastarse o
situarse al lado
o encima unos
de otros.
Cuando esto
ocurre, se
producen
efectos visuales
que destacan o
disminuyen la
intensidad (tono) de algunos.
Así, por ejemplo, cuando situamos un color de tono claro (amarillo
limón) sobre un fondo blanco parecerá más "suave" de lo que
realmente es, mientras que si lo ubicamos sobre el negro aparentará
ser más "intenso".
Pero también existen parejas de colores denominados
"complementarios", entre los que no se producen estos efectos
visuales, ayudando al "artista" a obtener el efecto visual de "tono"
deseado.
Los colores complementarios cumplen las siguientes normas:
El complementario de un color primario es siempre uno secundario.
El complementario de un color terciario es siempre otro terciario.

5. Para "descubrir" cuales son las parejas de complementarios basta con
observar un gráfico estándar (como el que se ha presentado) y ver
cuales están "enfrentados" (amarillo y violeta / naranja y azul / rojo y
verde / rojo-naranja y azul-verde /....)
Colores fríos y cálidos
Se denominan colores cálidos a aquellos que "participan" del rojo o del
amarillo y fríos a los que lo hacen del azul.
Ambos tipos de colores tienen efectos "sicológicos" diferentes, pero
por lo que resultan interesantes para el maquetista es porque
contrastan muy bien y su combinación resalta el trabajo de pintura.
Tomando, en el sentido de las agujas del reloj, los colores del gráfico
mostrado arriba, desde el amarillo verde al violeta rojo (ambos
incluidos), obtendremos los fríos. El resto serán, evidentemente, los
cálidos.
No debemos olvidar que siempre que hablamos de "color" estaremos
refiriéndonos a los pigmentos capaces de reflejar una cierta frecuencia
de luz; pigmentos que mezclados reflejan, a su vez, otras frecuencias
que permiten percibir tal o cual color
Disco de Newton
El disco de Newton es un dispositivo inventado por Isaac Newton
consistente en un círculo con sectores pintados en colores rojo,
naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Al girar rápidamente, los
colores se combinan formando el color blanco. Con este dispositivo se
demuestra que la luz blanca está formada por los siete colores del arco
iris.

6. Disco de Newton. Al rotar rápidamente se genera el color blanco o
grisáceo.
Isaac Newton observó que al pasar un haz luminoso por una lente,
siempre existían variaciones de color alrededor de la imagen
transmitida. A esta coloración, generada por los diferentes focos
luminosos a los que se ve expuesta la lente, se la denomina dispersión
de la luz.
Asi mismo, comprobó que si hacía pasar un haz luminoso por un
prisma, la luz blanca se descomponía en una serie de colores brillantes
(los colores del arco iris) que denominó espectro solar. De esta
experiencia dedujo que si la luz blanca se podía descomponer en los
siete colores del arco iris, combinando éstos se podría volver a formar
el color blanco. El disco giratorio coloreado de Isaac Newton (1642-
1727) demostró que la luz blanca está formada por los colores del arco
iris.
Arte antiguo (ca. 3000-300 a. C.)
En Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras civilizaciones, y sus
artistas/artesanos elaboraron complejas obras de arte que suponen ya
una especialización profesional.

7. Arte egipcio: su arte era intensamente religioso y simbólico,
destacando en arquitectura las mastabas, las pirámides y los hipogeos,
como en Guiza y el Valle de los Reyes. La escultura y la pintura
muestran la figura humana de forma realista, aunque adolecen de
hieratismo y esquematismo a causa de la rigidez de sus cánones
simbólico-religiosos.
Arte mesopotámico: se desarrolla en la zona comprendida entre los
ríos Tigris y Éufrates, donde se sucedieron diversas culturas como los
sumerios, acadios, asirios, persas, etc. En la arquitectura destacan los
zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal, mientras que
la escultura se desarrolla en talla exenta o relieve, en escenas religiosas
o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales
reales o mitológicos.91
Arte en la Edad contemporánea (1800-Actualidad)
Viajero frente al mar de niebla (1818), de Caspar David Friedrich.
Artículo principal: Arte contemporáneo
Siglo XIX

8. Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de
la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin
del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso
iniciado con la Revolución francesa–; y, en lo económico, por la
Revolución industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá
respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte,
comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden
cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el
siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se
contraponen, se influyen y se enfrentan.
Arquitectura del siglo XIX: la arquitectura decimonónica sufrió una gran
evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución
industrial, con la incorporación de nuevos materiales como el hierro y
el hormigón, que permitieron la construcción de estructuras más
sólidas y diáfanas. Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un
cierto eclecticismo de las formas, así como un revival de estilos
anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado
historicismo, que produjo movimientos como el neorrománico, el
neogótico, el neobarroco, etc. A finales de siglo surgió el modernismo,
que supuso una gran revolución en terreno del diseño, con nombres
como Victor Horta, Otto Wagner, Antoni Gaudí, Lluís Domènech i
Montaner, Josep Puig i Cadafalch, etc.103
Romanticismo: movimiento de profunda renovación en todos los
géneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el
terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el
sentimiento, la evocación ensoñadora. En pintura, después de una fase
prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann
Heinrich Füssli, destacaron Eugène Delacroix, Théodore Géricault, John
Constable, Joseph Mallord William Turner, etc. Una derivación del
romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos.
Realismo: desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso
énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante,
especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era
industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a

9. movimientos políticos como el socialismo utópico. En pintura destacan
Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier
y Marià Fortuny. En Gran Bretaña surgió la escuela de los
prerrafaelitas, que se inspiraban –como su nombre indica– en los
pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida
fotografía. En escultura, destacó Constantin Meunier.
Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que
supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del
lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos de
vanguardia. Se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar
una ‘impresión’ visual, la plasmación de un instante en el lienzo –por
influjo de la fotografía–, con una técnica de pincelada suelta y tonos
claros y luminosos. Cabe mencionar como principales representantes a
Édouard Manet –considerado un precursor–, Claude Monet, Camille
Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue
en el terreno de la escultura el papel de Auguste Rodin, que sentó las
bases de la escultura del siglo XX.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los
neoimpresionistas se preocupan más de los fenómenos ópticos,
desarrollando la técnica del puntillismo, como se puede apreciar en la
obra de Georges Seurat y Paul Signac.
Postimpresionismo: son artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos
técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretan de
manera personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma
importancia para la evolución del arte en el siglo XX: Henri de
Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh,
Joaquín Sorolla, etc.104
Simbolismo: corriente de corte fantástico y onírico, surgió como
reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista,
poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en
aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Destacaron
Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes y Gustav
Klimt.

10. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la
expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran
perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a
los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad
dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores
logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó
por darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar
armonía y equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de
humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa.
Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la
cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar
son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda.
El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El
sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden
jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las
acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y
los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron
origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol,
el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.
ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a
convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda
ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a
exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión
de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura
griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias
en cada una de ellas. Estas son:

11. - Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un
estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al
inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron
ideas de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una
curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son
de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana
(doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.
- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las
manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus
técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la
magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo
Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el
estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos tenían
características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta
época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una
gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema. La escultura
adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco,
lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen
diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de
Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si
es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de
realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su
obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que
no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto,
Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada
expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una
muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se
caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los elementos
geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo
hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo
y figuras negras, predominan formas animales y humanas.

12. 8. EL ARTE EN LA HISTORIA - ARTE ROMANO Ampliar El Tema
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la
época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el
siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en
realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al
arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento
fue notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura;
por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los
murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes,
marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos
corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma
humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico -
Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se
cultivan el paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra
época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación,
alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos
mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan
siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el
romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre los
territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un
denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli y las provincias, y
desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de
formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes
realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es
haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo
conocido.

13. ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las
necesidades privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del
Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus
ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para
resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la
robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el
ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a
su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe.
Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los
griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales
monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los
anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y
su tema casi central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se
hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los
escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las
obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente
idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se
cumple en su función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una
artesanía supeditada a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas.
Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el
modelo. Es un arte naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de
Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia
picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos,
mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una
pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante
de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas
toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo
que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.

14. taller
Teniendo en cuenta que la lingüística es el estudio y análisis científico
del lenguaje, podemos hablar de algunas especialidades como son:
Lingüística aplicada: ( sumarios, documentación automatizada,
bilingüismo, leguaje de los niños,