Apuntes 3ºeso

MÚSICA 3º E.S.O. I.E.S. ALONSO DE ERCILLA

ÍNDICE

TEMA 1. MÚSICA E HISTORIA DE LA MÚSICA
1Épocas de la Historia de la Música
2Elementos del Lenguaje Musical: Ritmo, Melodía y Armonía
3Música en la Prehistoria y Antigüedad
4Actividades de repaso

TEMA 2. LA MÚSICA DE LA EDAD MEDIA
4Características de la época
5La escritura de la música
6Canto gregoriano
7Polifonía: Ars antiqua y Ars Nova
8Música Profana
9Los Instrumentos musicales

TEMA 3. LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO
12Características de la música del Renacimiento
13Polifonía Religiosa
14Polifonía Profana
15Los Instrumentos musicales y la Música Instrumental

TEMA 4. LA MÚSICA DEL BARROCO
18Características de la Música barroca
19Música Vocal profana y religiosa
20Música Instrumental
23Fichas de Audiciones

1


TEMA 5. LA MÚSICA DEL CLASICISMO
25Características de la Música del Clasicismo
26Música Vocal

TEMA 6. LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO
32Características de la Música del Romanticismo
33Música Vocal

TEMA 7. LA MÚSICA DEL SIGLO XX
38Postromanticismo
39Impresionismo
40Expresionismo
41Nacionalismo
42Minimalismo
43Vanguardismo

2


TEMA 1
MÚSICA E HISTORIA DE LA MÚSICA

1.ÉPOCAS DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA

La Música es una actividad que ha acompañado al hombre desde hace miles de años. Es
otra forma de expresión humana junto con la pintura, la escultura o la escritura.
Consideramos que la Historia propiamente dicha comienza aproximadamente hace
4000 ó 5000 años con la invención de la escritura pero conservamos distintas
manifestaciones artísticas de miles de años más antiguas, es decir, de la Prehistoria.
En el caso de la Música, ésta ha ido evolucionando a través de los distintos periodos
históricos que ha atravesado la Humanidad. A través de descripciones escritas, pinturas y
esculturas conocemos cómo han ido evolucionando los instrumentos musicales y la música;
y desde que se inventó la escritura musical, podemos reproducir exactamente las melodías
que sonaron hace cientos o incluso miles de años.
En esta línea temporal se puede ver en qué periodos se clasifica la Historia de la
Música.

SIGLO XX
(siglo XX)

ROMANTICISMO
(siglo XIX)

CLASICISMO
(segunda mitad del siglo XVIII)

BARROCO
(siglo XVII y primera mitad del XVIII)

RENACIMIENTO
(siglos XV-XVI)

EDAD MEDIA
(siglos V-XIV)

3


2.ELEMENTOS DEL LENGUAJE MUSICAL: Ritmo, Melodía, Armonía

Cuando hablamos de Música, sabemos que ésta es un lenguaje que se compone de tres
elementos fundamentales: el ritmo, la melodía y la Armonía.
a)Ritmo.
Es una proporción de sonidos largos y breves que se basa en una pulsación. En la
música occidental el Ritmo es medido, es decir, tiene compás, lo que indica que también
se combinan acentos fuertes y débiles.
b)Melodía.
Consiste en una sucesión de sonidos con un significado para el compositor. En este
sentido, la melodía puede ser por grados conjuntos o disjuntos (las notas van a distancia
de 2ª o a más distancia), de ámbito grande o pequeño (la distancia entre la nota más
grave y la más aguda es muy grande o es pequeña) y el tipo de escala (mayor o menor).
c)Armonía.
Es la combinación de los sonidos musicales que suenan simultáneamente. Para
analizar la armonía tenemos que tener en cuenta los tipos de textura:
- Monódica: sólo hay una melodía (no tiene acompañamiento)
- Homofónica: todas las melodías suenan a la vez y hay una principal
- Contrapuntística: varias melodías que tienen la misma importancia

3.MÚSICA EN LA PREHISTORIA Y LA ANTIGÜEDAD

a)Música en la Prehistoria.

La Prehistoria es el periodo de tiempo que hay desde la aparición de los homínidos
(hace aproximadamente 4 000 000 de años) hasta la invención de la escritura (4.000 a.
de C.).
Puesto que en la época prehistórica no existen textos escritos que nos expliquen cómo
eran los modos de vida ni la música, tenemos que basarnos para conocer esto en los
restos materiales que los arqueólogos descubren. De esta manera es difícil averiguar
cómo y cuándo apareció realmente la música en la sociedad humana. Se han encontrado
algunos objetos que tienen apariencia musical, y que puede que constituyan la prueba de
la existencia de este arte entonces. Dichos objetos son, principalmente: silbatos
fabricados en huesos de animales, raspadores, bastones de madera o de hueso hechos
para entrechocar y arcos. La pintura también nos sirve para conocer cómo era la música
prehistórica, por ejemplo, en algunas pinturas conservadas en paredes de cuevas se
representan personas realizando danzas.

4


El problema de la investigación
a partir de testimonios
arqueológicos es que no nos
aseguran la existencia (o
inexistencia) de manifestaciones
musicales como el canto o el
baile, al ser éstas
manifestaciones que no
requieren objetos susceptibles de
ser descubiertos miles de años
después por nuestros
arqueólogos actuales.

Silbatos de hueso prehistóricos

b)Música en la Antigüedad

La Edad Antigua es la época que transcurre desde el año 4.000 a.C (invención de la
escritura) hasta el siglo V d. C. (fecha de comienzo de la Edad Media).
En esta época se desarrollan algunas civilizaciones importantes en la zona del Próximo
Oriente y el Mediterráneo: Egipto, Mesopotamia, Grecia y Roma. De estas culturas vamos
a estudiar únicamente la música en Grecia y Roma, ya que es el antecedente directo de la
música europea occidental.
En Grecia, la música era un arte divino que, según se creía, podía influir en los estados
de ánimo de las personas que la escuchaban hasta el punto de promover distintos
sentimientos o formas de actuar.
La música griega era de textura monódica (sólo sonaba una melodía, sin otro
acompañamiento melódico), todos los músicos tocaban o cantaban la misma melodía.
Se han encontrado algunas partituras en notación alfabética, es decir, a cada nota le
corresponde una letra del alfabeto. La mayoría de estas partituras conservadas son sólo
fragmentos, como ocurre con los Himnos Délficos a Apolo. Una de estas partituras pero que
sí se conserva completa es el Epitafio de Seikilos, que se encuentra en una estela funeraria.
En el caso de Roma aún sabemos menos de cómo sonaba su música aunque parece
bastante probable que fuera muy similar a la griega.

5


Epitafio de Seikilos

4.ACTIVIDADES DE REPASO

1.Dibuja en tu cuaderno la línea temporal con las etapas de la Historia de la Música.
2.¿Cuáles son los Elementos del Lenguaje Musical?
3.Explica qué es el ámbito de una melodía
4.Explica los tres tipos de textura que existen.
5.¿Cómo podemos conocer cómo era la música en la Prehistoria?
6.¿Había instrumentos musicales durante la Prehistoria? ¿Cuáles?
7.¿Cómo consideraban los griegos a la Música?
8.¿Qué textura tenía la música griega? Explícalo
9.Escribe el nombre de alguna obra musical griega conservada actualmente.
10. Haz un esquema del tema en tu cuaderno

6


TEMA 2
LA MÚSICA DE LA EDAD MEDIA

1.CARACTERÍSTICAS DE LA ÉPOCA

La Edad Media es la época que comprende desde el siglo V al XIV. Es un periodo de
tiempo en el funciona el sistema socio-económico feudal. Esto significa que la sociedad
está dividida en tres estamentos u órdenes sociales: nobleza, clero y campesinado. Estos
tres estamentos se hallaban divididos en tres niveles:
a)Primer nivel: aquí se encontraban la cúspide de los poderes temporal (rey o
emperador) y religioso (el Papa).
b)Segundo nivel: reservado para la nobleza y el clero. La nobleza la constituían los
condes, duques, etc., que vivían en castillos y que ejercían el control militar sobre
determinadas áreas geográficas. En el caso del clero encontramos a obispos y abades
que vivían en sedes episcopales o monasterios.
c)Tercer nivel: constituido por el campesinado.

7


Esta estratificación social feudal estaba asentada sobre ciertas relaciones de
interdependencia. Cada estamento social tenía una misión que cumplir con respecto a los
otros: el clero tenía la misión de orar y cuidar de la salud de las almas de los campesinos y
de los nobles; los nobles debían defender al clero y al campesinado; y el campesinado debía
trabajar para alimentar a la nobleza y al clero.

2.LA ESCRITURA DE LA MÚSICA

Este aspecto es el que nos ha permitido conocer cómo era la música de la Edad Media.
Hasta el siglo IX la música se transmitía de forma oral pero esto entrañaba mucha dificultad
a la hora de recordar la música de cada canto por lo que se empezaron a escribir unos
signos junto al texto de las canciones, que servían para ayudar a recordar el movimiento de
la melodía. Estos signos se denominaban neumas pero requerían igualmente el aprendizaje
de memoria de cada canto.

8


Neumas primitivos

Fue el monje Hucbaldo (840-930) quien tuvo la idea de dibujar líneas que sirvieran de
referencia para distintas entonaciones. Posteriormente, en el siglo XI, Guido d’Arezzo
(995-10150) utilizó las líneas ideadas por Hucbaldo y los espacios entre ellas para definir
de manera exacta cada tono concreto. Guido tomó un himno a San Juan Bautista, cuyos
versos comenzaban con tonos sucesivamente más agudos para dar el nombre a las notas
musicales.

Ut queant laxis
Resonare fibras
Mira gestorum
Famulti tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Iohannes

Desde Guido, la notación musical se denomina cuadrada puesto que son signos
normalmente con esta forma los que se dibujan sobre los tetragramas o pentagramas. En la
notación neumática anterior y en la notación cuadrada es
en la que se escribe el Canto Gregoriano.

3.CANTO GREGORIANO

9


Llamamos Canto Gregoriano a la música de la Iglesia Católica que recopiló el Papa
Gregorio I en el siglo VI, con la intención de unificar los ritos cristianos y controlar mejor
las distintas iglesias europeas.
Este tipo de música es de textura monódica (también se denomina Canto Llano), con un
ritmo libre (sin compás) y con un ámbito melódico de aproximadamente una octava. Se
cantaba a capella, es decir, sólo voces sin acompañamiento instrumental puesto que se
consideraba a los instrumentos musicales algo pecaminoso y propio de la Grecia y Roma
paganas.
Dependiendo de la relación entre las notas y las sílabas del texto existían cuatro tipos de
Canto Gregoriano:
- Silábico: a cada sílaba le corresponde una nota distinta
- Neumático: a cada sílaba le corresponden una, dos o tres notas distintas
- Melismático: a cada sílaba le corresponden varias notas distintas
- Salmódico: a muchas sílabas les corresponde una única nota.

Ejemplos de Canto
Gregoriano Neumático,
Silábico y Melismático

10


El Canto Gregoriano está escrito en notación neumática y, desde el siglo XI, sobre
las líneas y espacios inventados por Guido d’Arezzo que se denominan tetragrama (cuatro
líneas). Los tetragramas serán la partitura más habitual del Canto Gregoriano aunque
también (más raramente) podemos encontrar partituras con pentagramas (cinco líneas) o
Hexagramas (seis líneas).
Las Escalas sobre las que está escrito el Canto Gregoriano corresponden a un
sistema modal. Los diferentes Modos (escalas) expresaban sentimientos diferentes por lo
que, dependiendo del sentimiento que se quisiera transmitir, se escribía en uno u otro modo.
El primer modo era el modo de re. Consistía en una escala que comenzaba en el re
grave y terminaba en el re agudo (una octava). El segundo modo era el modo de mi, que
comenzaba en la nota mi y terminaba una octava más aguda. Estos modos no tenían
sostenidos ni bemoles.

4.POLIFONÍA: ARS ANTIQUA Y ARS NOVA

a)Ars Antiqua

Hasta el siglo IX toda la música, tanto la profana como la religiosa era de textura
monódica (tenía una sola melodía). Sin embargo, desde este momento se comenzó a
escribir música de carácter polifónico. Para ello, se solía cantar una melodía gregoriana
(llamada Cantus Firmus) a la que se le añadía otra melodía exactamente igual pero a una
distancia de 4ª, 5ª u 8ª. Esta forma musical fue la polifonía más primitiva y se denomina
organum. Las dos melodías del organum, al ser en origen la misma, eran paralelas.

Organum paralelo a
distancia de 4ª

Un tipo especial de polifonía que apareció también a finales del siglo IX fue el gymel,
una especie de organum cuya diferencia estribaba en que las voces estaban a distancia de 3ª

11


(en vez de las distancias habituales de 4ª, 5ª u 8ª). Esta forma musical se cultivó
exclusivamente en Inglaterra.

En el siglo XI aparece un nuevo tipo de organum : el 0rganum libre (o discantus). Éste
se diferencia del organun paralelo en que las dos melodías ya no son paralelas, sino que
hacen dibujos melódicos diferentes; cuando una sube, la otra baja.

Organum libre o
discantus

El siglo siguiente ve aparecer la culminación del organum, es el organum floreado o
melismático. Este organum tiene un cantus firmus con unas larguísimas notas, mientras que
la melodía superior es mucho más libre y dinámica. Es decir, se rompe el esquema de nota-
contra-nota y a cada nota de cantus firmus, le corresponden muchas notas de la voz superior
(voz organalis).

Organum melismático

A finales del siglo XII, el organun no sólo se compone de dos melodías sino que se
añaden más voces creando el organum a tres y cuatro voces.
Los máximos exponentes de este tipo de música son los maestros Leonin y Perotin,
compositores de la Catedral de Notre-Dame de París, que crean un estilo, una manera
peculiar de hacer música. A estos dos compositores y a los músicos anónimos que hicieron
música con su estilo se les denomina Escuela de Nôtre-Dame.

12


Otra forma musical polifónica de la Edad Media es el Motete. A diferencia del
organum, el motete es una forma musical que puede ser tanto religiosa como profana
(mientras que el organum siempre es religioso). Los motetes eran una pieza a tres voces
cada una de las cuales hacía dibujos melódicos diferentes. Los textos estaban en latín o en
otras lenguas e, incluso había un tipo de motete que mezclaba idiomas distintos en una
misma composición; es lo que se conoce como motete pluritextuado.

b)Ars Nova

Ars Nova se denomina a un nuevo estilo dentro de la música polifónica medieval. Este
estilo surgió en el siglo XIII y buscaba una mayor “modernidad” en la composición
musical. Como la música polifónica se había complejizado tanto, era necesario un sistema
de notación más preciso para armonizar las distintas voces. Así se crea la notación
proporcional, que es el antecedente de la notación musical actual.
El autor más reconocido de esta época es Guillaume de Machault (1300-1377). Éste fue
el primero que escribió una misa completa con unidad de estilo: la Misa de Nôtre-Dame. En
ella se puede apreciar la libertad de ritmo y melódica entre las voces, características éstas
del Ars Nova.

5.MÚSICA PROFANA

La música profana era la que se hacía en los palacios de los nobles o entre el pueblo.
Cuatro son los protagonistas fundamentales de este tipo de música: trovadores, troveros,
goliardos y juglares.

Los Trovadores y los Troveros componían poemas y canciones para la nobleza.
Muchos nobles eran a su vez trovadores o troveros. Los trovadores vivían, originariamente
en el sur de la actual Francia, mientras que los troveros lo hacían en el norte. Sus canciones
eran monódicas, se acompañaban de instrumentos y estaban escritas en lengua vulgar
(occitano, francés, catalán, gallego-portugués, castellano…).
Los trovadores más conocidos fueron: Guillermo IX de Poitiers, Leonor de Aquitania,
Bernart de Ventadorn, Raimbaut de Vaqueiras, Jaufré Rudel, Marcabrú y Ricardo de
Inglaterra.

Los Goliardos, por el contrario eran universitarios o clérigos que abandonaban la
vida religiosa y escribían poemas y canciones en latín o en lengua vulgar. Las obrás más
conocidas de éstos son las canciones Carmina Burana.

Los Juglares eran intérpretes musicales, saltimbanquis, poetas, malabaristas,
domadores…; iban de un lado a otro transmitiendo la música entre el pueblo.

13


6.LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

Obviamente, después de mil años, pocos instrumentos musicales de la Edad Media
hemos conservado hasta hoy. ¿Cómo conocemos los instrumentos que se utilizaban? A
través de la pintura y la escultura. Si observamos las pinturas de paredes o libros
medievales, podemos ver ejemplos de personas tocando instrumentos musicales. La
escultura también nos da ejemplos mediante las representaciones en las iglesias medievales
como, por ejemplo, la catedral de Santiago de Compostela, en cuyo pórtico principal se
encuentra una representación de personas tocando instrumentos musicales.

Vihuela

Músicos tocando el Organistrum
7.ACTIVIDADES DE REPASO

1.¿Cómo se llamaban los primeros signos de escritura musical?
2.¿Quién inventó las líneas del pentagrama?
3.Busca información sobre Guido d’Arezzo y escribe un resumen de cuatro líneas sobre
su vida en tu cuaderno.
4.Busca en Internet el Himno a San Juan Bautista que sirvió a Guido d’Arezzo para dar
nombre a las notas musicales y escribe en tu cuaderno su significado
5.¿En qué se diferencia la notación neumática de la notación cuadrada?
6.¿Por qué se llama también Canto llano al Canto Gregoriano?
7.¿Cuáles son las características principales del Canto Gregoriano?
8.Explica los cuatro tipos de Canto Gregoriano que hay
9.Escribe una composición en modo de mi e interprétala después con la flauta
10.¿Cuántos tipos de Organum hay? Explícalos

14


11.¿En qué se diferencia un Gymel de un Organum?
12.¿Qué es la Escuela de Nôtre-Dame?
13.¿Qué es un Juglar? ¿Y un trovador?
14.¿En qué se diferencian los trovadores de los troveros?
15.Busca información sobre la trovadora Leonor de Aquitania y escríbela en tu
cuaderno.

8.FICHAS DE AUDICIONES

AUDICIÓN Nº 1

♪ AUTOR y BIOGRAFÍA

Anónimo

♪ TÍTULO

Gloria

♪ OTROS AUTORES Y SUS OBRAS

Hucbaldo, Notker.

15


♪ ESTILO y CARACTERÍSTICAS

-Canto gregoriano

-Características:
- Ritmo libre
- Monodía
- A capella (sin acompañamiento instrumental)

♪ TIPO DE COMPOSICIÓN y CARACTERÍSTICAS

-Himno litúrgico

-Características.:
- Silábico
- En latín
- Parte del Ordinario de la misa
- Alternancia de solista y coro

♪ ESTRUCTURA
Estrófica, con alternancia de solista y coro

♪ INSTRUMENTOS
Voz humana (coro de voces masculinas)

♪ ARGUMENTO
Himno de alabanza a Dios

AUDICIÓN Nº 2


- Perotin (¿?-1200)

-Es el más importante compositor de organum. Sólo sabemos que probablemente fuera
francés y que vivió y trabajó en París en la catedral de Nôtre Dame, donde compuso piezas
basadas en las escritas por su antecesor Leonin.

♪ TÍTULO
-Viderunt omnes


16


Leonin


-Música polifónica del Ars antiqua
-Características:
- Ritmo medido en “pies rítmicos”
- Polifonía
- Contrapunto imitativo


-Organum melismático
-Características:
- Polifónico
- Voces superiores con carácter melismático
- La base melódica es un bajo en valores largos que proviene de un canto gregoriano
- En latín

♪ ESTRUCTURA
- Sección de organum
- Sección de discanto
- Sección gregoriana
-
♪ INSTRUMENTOS

Voces iguales

♪ ARGUMENTO
Canto de Navidad en el que se festeja la grandeza y justicia de Dios

GLORIA

Gloria in excelsis Deo, Gloria a Dios en el cielo,
et in terra pax hominibus bonae voluntatis. y en la tierra paz a los hombres de buena
voluntad
Laudamus te, Por tu inmensa gloria,
Benedicimus te, Te alabamos,
Adoramus te, Te bendecimos,
Glorificamus te, Te adoramos,
Gratias agimus tibi propter magnam gloriam Te glorificamos,
tuam, Te damos gracias,

17


Domine Deus, Rex caelestis, Deus Pater Señor Dios, Rey celestial, Dios Padre
omnipotens. Todopoderoso.
Domine fili unigenite, Jesu Christe, Señor Hijo Único, Jesucristo.
Domine Deus, Agnus Dei, Filius patris, Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del
Qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Padre,
Qui tollis peccata mundi, suscipe Tú que quitas el pecado del mundo, ten
deprecationem nostram. piedad de nosotros,
Qui sedes ad dexteram Patris, miserere Tú que quitas el pecado del mundo, atiende
nobis. nuestras súplicas,
Quoniam tu solus sanctus, Tú que estás sentado a la derecha del Padre,
Tu solus Dominus, ten piedad de nosotros,
Tu solus Altissimus, Jesu Christe, porque solo Tú eres santo,
Cum Sancto Spiritu in gloria Dei Patris. solo Tú, Señor,
solo Tú, Altísimo Jesucristo,
con el Espíritu Santo en la Gloria de Dios
Padre. Amén.
Amen.

VIDERUNT

Viderunt omnes fines terrae Los confines de la tierra han contemplado
Salutare Dei nostri: la victoria de nuestro Dios.

Iubilate Deo omnis terra. Aclama al Señor tierra entera

Notum fecit Dominus salutare suum: El Señor da a conocer su victoria:
Ante conspectum gentium a todas las naciones
revelavit iustitiam suam revela su justicia.

TEMA 3
LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

1. CARACTERÍSTICAS DE LA ÉPOCA

18


El Renacimiento es una época de la historia que se inicia en el siglo XV en Italia y
finaliza aproximadamente a finales del siglo XVI. Es un movimiento cultural y artístico que
propugna la recuperación del saber y el arte de la Antigüedad grecolatina.

En este momento aparece el Humanismo, corriente de pensamiento que señala
al ser humano como el centro del universo, en oposición a la manera de pensar de la Edad
Media, en la que todo giraban en torno a Dios. Las manifestaciones artísticas se hacen eco
de esta filosofía y se multiplican las esculturas y pinturas con representaciones de hombres
y de dioses de la Antigüedad.

El comercio prospera y las ciudades crecen. En este contexto, un nuevo grupo social
empieza a tener más importancia: la burguesía. El esquema de los tres órdenes del
Feudalismo se empieza a romper. Esta burguesía también demanda arte por lo que muchos
contrataran a pintores, escultores, arquitectos y músicos para construir y adornar sus
palacios. Es la época de los grandes artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael
o Tiziano.

Monasterio de San Lorenzo del Escorial
2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

Cuatro van a ser las características fundamentales: la melodía, el ritmo y la textura.

a)Melodía: Las melodías renacentistas son vocales, puesto que se conciben para ser
cantadas. Sus ámbitos serán pequeños siguiendo la tesitura de las voces para las que se
compongan: bajo, tenor, mezzosoprano o tiple.
b)Ritmo: basado en el tactus, el pulso. No existen las líneas divisorias ni las partes
fuertes o débiles.
c)Textura: la polifonía a varias voces es lo más importante.

19


d)Contrapunto imitativo: Todas las voces de la composición son exactamente igual de
importantes, buscan el equilibrio propio del arte grecolatino. A esta igualdad de
importancia llamamos “textura contrapuntística”. Además, las distintas voces se imitan
las unas a las otras.

Partitura con contrapunto imitativo

3. POLIFONÍA RELIGIOSA

La Iglesia sigue siendo la principal creadora e impulsora del arte. Aquí nos
encontramos dos formas musicales fundamentales: el motete y la misa.

a) El Motete desciende del motete medieval pero ahora tiene ciertas
diferencias. Normalmente es a cuatro voces, es para ser cantado a capella
(sin acompañamiento instrumental), y siempre en latín.
b) La Misa es un conjunto de cuatro motetes que se cantaban durante la
celebración de la misa religiosa. Eran: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y
Agnus Dei (que significan: Señor ten piedad, Gloria, Creo, Santo y Cordero
de Dios). Un tipo especial de misa que se componía era la Misa Parodia,
que era una obra que tomaba como motivo melódico una canción profana y
la adaptaba.

La Reforma protestante dividió a la Iglesia europea y esto originó diferencias en
cuanto a la manera de componer música religiosa entre los protestantes y los católicos. La
Iglesia católica convocó el “Concilio de Trento” (1545-1563) para desarrollar una
Contrarreforma que combatiera a las ideas protestantes. La música quedó así:

MÚSICA PROTESTANTE MÚSICA CATÓLICA
Homofonía Polifonía (contrapunto imitativo)
Acompañamiento instrumental A capella
Música en lengua vulgar Música exclusivamente en latín
Canciones profanas con texto religioso Se prohíben las misas parodia

20


Martín Lucero Francisco Guerrero

En la Europa católica, los compositores más importantes fueron: Giovanni Pierluigi
da Palestrina (italiano), Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero
(españoles).

4. POLIFONÍA PROFANA

La música profana tiene parecidas características que la religiosa. Es polifónica, usa
el contrapunto imitativo y suele ser a cuatro voces. Se diferencia en que sí utiliza
acompañamiento instrumental y está escrita en lengua vulgar.
La forma musical profana más importante es el Madrigal. Es una forma de origen italiano
compuesta a cuatro o cinco voces sobre un poema y que a veces contiene un estribillo. Los
compositores más famosos fueron: Claudio Monteverdi, Orlando di Lasso, Josquin des
Prés, Adriano Banchieri y Thomas Morley.

En España se cultiva el Villancico, pieza musical en lengua vulgar (generalmente en
castellano), a tres o cuatro voces y siempre con estribillo. El compositor más importante es
Juan del Enzina.

En Francia encontramos Chansons, con características parecidas al madrigal. El
compositor más importante es Clement Janequin.

5. LOS INSTRUMENTOS MUSICALES Y LA MÚSICA
INSTRUMENTAL

21


Puesto que la música renacentista se concibe como vocal, las obras escritas
exclusivamente para instrumentos son bastante escasas. Lo más habitual era tocar las obras
vocales con instrumentos polifónicos (clave, órgano, arpa) o con conjuntos de instrumentos
monódicos (flauta, viola, chirimía, cromorno).

Cromornos

Gaita y chririmía

No obstante también se conocen obras musicales compuestas sólo para
instrumentos. Éstas son las Danzas (obras musicales para acompañar bailes cortesanos o
populares) y las Variaciones (interpretación de sucesivas modificaciones melódicas,
rítmicas o armónicas a partir de una melodía original).

6. ACTIVIDADES DE REPASO

1. ¿Qué es el Humanismo?
2. Explica las diferencias entre el Motete medieval y el motete renacentista
3. ¿En qué consiste la forma musical denominada “Misa”? ¿Qué partes tiene?
4. ¿Qué es una Misa parodia?
5. ¿En qué se diferencia la música católica de la protestante?
6. ¿Qué es un madrigal? ¿Y un villancico?
7. Escribe el nombre de tres compositores de música religiosa y tres de música profana.
8. Explica qué es una Variación.

22


9. Busca información sobre la vida de Tomás Luis de Victoria y la de G.P. da Palestrina y
escribe en tu cuaderno una redacción de 10 líneas comparando sus vidas.

7.FICHAS DE AUDICIONES

AUDICIÓN Nº 1

-Tomás Luis de Victoria.
-Nació en Ávila hacia 1580. Fue niño cantor de la catedral hasta los 18 años. Empezó a estudiar
música allí y después marchó al Collegium Germanicum jesuita en Roma. En 1574 sucede a
Palestrina como maestro de capilla del seminario romano. Victoria fue capellán y maestro de coro
del Real Convento de las Clarisas Descalzas en Madrid, donde vivía retirada la Emperatriz María
En Madrid continuó con su proceso, iniciado en Roma, de publicación y divulgación de su obra,
vendiendo varios libros de motetes y misas a varias iglesias y catedrales

♪ TÍTULO

23


O magnum mysterium

Giovanni Pierluigi da Palestrina: Misa del Papa Marcelo
Francisco Guerrero: motetes
Cristóbal de Morales: Requiem

-Música polifónica renacentista

-Características:
- El Ritmo lo marca el Tactus (pulso)
- Polifonía

-Motete

-Caracts.:
-Contrapunto imitativo
-En latín
-A capella

♪ ESTRUCTURA
Dos grandes secciones (principio y aleluya) divididas en subsecciones contrapuntísticas y
homorrítmicas.

♪ INSTRUMENTOS
Voz humana (4 voces mixtas)

♪ ARGUMENTO
Canción de alabanza a la virgen María por el misterio de la concepción inmaculada de
Jesús. En la segunda parte sólo expresa la alabanza con la palabra “aleluya” (forma de
exclamación para dar gloria).

AUDICIÓN Nº 2

-Adriano Banchieri
-Nace en 1568 en Bolonia y muere en 1634 en Bolonia. Adriano Banchieri fue un artista
versátil: compositor, dramaturgo, organista y teórico. Estudió órgano y composición.

♪ TÍTULO
Nobili spettatori


24


Orlando di Lasso: Lagrime di San Pietro (1594) es una colección de madrigales con textos
religiosos
Clement Janequin: Chansons
Thomas Morley: Madrigales

-Música renacentista
-Características:
- Polifonía

-Madrigal
-Características:
-Estructura dividida en estrofas y estribillos
-En lengua vulgar (italiano)
-Con o sin acompañamiento instrumental

♪ ESTRUCTURA
Dividida en secciones de acuerdo con la textura: 1ª contrapunto imitativo; 2ª repetición; 3ª
diálogo entre las voces, 4ª contrapunto imitativo; 5ª diálogo; 6ª contrapunto imitativo.

♪ INSTRUMENTOS
Voz humana (3 voces mixtas)

♪ ARGUMENTO
Cuenta a los espectadores cómo un perro, un gato, un cuco y un “chiú” van a hacer una
canción contrapuntística sobre un bajo.

AUDICIÓN Nº 3

-Juan del Enzina. (1469-1529)
-Se formó en el coro de la catedral de Salamanca. Estuvo al servicio del primer Duque de
Alba, a quien dedicó sus célebres Églogas. Más tarde vivió en Madrid y, en 1502,
desempeñaba el cargo de "clérigo familiar de Su Santidad y residente en la Corte Romana"
al servicio de los papas Alejandro VI y Julio II.

♪ TÍTULO

25


-Cucú

Mateo Flecha (“el viejo”): Ensaladas
Francisco Guerrero: Villancicos

-Características:
- Polifonía

-Madrigal
-Características:
-Estructura dividida en estrofas y estribillos
-En lengua vulgar (castellano)
-Con o sin acompañamiento instrumental

♪ ESTRUCTURA
Estribillo (cucú, cucú / guarda no lo seas tú”), Estrofas, Estribillo.

♪ INSTRUMENTOS
Voces mixtas, flauta, pandereta, pandero, laúd, violas da gamba

♪ ARGUMENTO
Es un consejo que da un hombre a otro dudando de la fidelidad de las mujeres
(comparándolas con el cuco) por lo que recomienda que la vigile constantemente.

AUDICIÓN Nº 4

-Thoinot Arbeau (1520-1595)
-Biografía: Compositor y coreógrafo. Escribió un manual de danzas (Orchesographie) que
no sólo contiene descripciones de danzas sino también información acerca de la relación
entre músicos y danzantes.

26


♪ TÍTULO
Belle qui tiens ma vie

Jacques Moderne: Musique de Joye
Pierre Attaingnant: Seis Gallardas y seis Pavanas

-Características:
- Polifonía

-Danza (Pavana)
-Características:
- Textura homorrítmica
- Ritmo constante de carácter procesional
- Para acompañar una baja danza

♪ ESTRUCTURA
Estrófica, sin estribillo

♪ INSTRUMENTOS
Tambor, cromorno, vihuela

♪ ARGUMENTO

Expresión de amor en clave caballeresca (según el concepto del “amor cortés). El poeta, en
primera persona, hace promisión de amor.

O MAGNUM MYSTERIUM

O magnum mysterium, Oh! Gran misterio
et admirabile sacramentum, y admirable Sacramento
ut animalia viderent Dominum que los animales vieron
natum jacentem in praesepio! nacido al Señor acostado en el pesebre.

Beata Virgo, cujus viscera Santa virgen, cuyas entrañas
meruerunt portare merecieron llevar
Dominum Christum. al Señor Cristo.

27


Alleluia. Aleluya

NOBILI SPETTATORI

Nobili spettatori Nobles espectadores:

Udrete hor hora quattro belli humori Escuchad ahora cuatro hermosas bromas,
Un Cane, un Gatto, un Cucco, un Chiù per Un perro, un gato, un cuco y un pájaro
spasso que, por diversión,

Far contraponto a mente sopra un basso. improvisan un contrapunto sobre un bajo.

CUCÚ
"cucu, cucu, cucucu
guarda no lo seas tú.

compadre debes saber
que la mas buena muger
rabia siempre por hoder
harta bien la tuya tu.

[estribillo]

compadre has de guardar
para nunca encornudar
si tu muger sale a mear
sal junto con ella tú."

[estribillo]

TEMA 4
LA MÚSICA DEL BARROCO


28


Se considera tradicionalmente que el Barroco comienza en torno al año 1600 y, en
música, que finaliza con la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. En este momento,
Europa está inmersa en una grave crisis económica y social. Los conflictos entre las
coronas europeas se suceden.

En esta época se afirma el concepto de Monarquía
absoluta. El rey ejerce el poder absoluto legitimado por
Dios; la nobleza mantiene su posición en la escala social
pero ya fuertemente sometida al monarca; y la burguesía
continúa acrecentando su importancia económica y social.

Luis XIV de Francia

En esta época de crisis, el arte se utiliza para
mostrar la grandeza y la riqueza. La arquitectura,
pintura, escultura, literatura y música se
complejizan y multiplican sus adornos con el fin de
lograr un mayor virtuosismo y lucimiento. Frente al
equilibrio de las formas del Renacimiento, el
Barroco busca procedimientos efectistas: contrastes,
claroscuros, sensaciones de movimiento,
ornamentación recargada, etc.
Retablo barroco

2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA

Naturalmente, las características de la música barroca son similares a las del resto de
las artes plásticas: dinamismo, contraste, ornamentación. Sus características musicales son
las siguientes:

a) Melodía. Las melodías barrocas son largas y repletas de notas de adorno.
Ya son melodías pensadas para instrumentos y que exigen una gran habilidad técnica
en su ejecución.

29


b) Ritmo. Aparece el compás y, por lo tanto, la existencia de partes fuertes y
débiles en las melodías. Esto es necesario ya que los conjuntos musicales se hacen
más grandes y las melodías de cada parte más difíciles, lo que dificulta la correcta
interpretación en conjunto.

c) Armonía. Aparecen los modos mayores y menores. Las escalas se
escriben en estos modos, apareciendo las escalas mayores y las escalas menores.
Dentro de estas escalas, cada nota (o grado de la escala) tiene una función; las más
importantes son: la primera (tónica), la cuarta (subdominante) y la quinta
(dominante).
En lo que concierne a la armonía, otro aspecto más importante es el concepto
de acorde (varias notas que suenan a la vez). Estos acordes sirven para acompañar a
las melodías solistas. Aquí se mezcla la textura monódica con la contrapuntística; es
decir, todas las melodías son importantes pero hay una que sobresale de entre todas:
la melodía superior.

d) Bajo continuo. El Bajo Continuo es un método de acompañamiento que
surge en el Barroco y que
consiste en una melodía
grave sobre la que se
improvisan acordes que
sirve de acompañamiento
para la melodía principal.
Los compositores
escribían en la partitura
solamente la melodía
grave y ponían unos
números encima de
algunas notas que
ayudaban a los intérpretes
a improvisar los acordes
que correspondían.
Cuando la melodía grave
tenía estos números se
llamaba Bajo Cifrado.

Partitura con melodía de Canto y Bajo continuo

2. MÚSICA VOCAL PROFANA Y RELIGIOSA

Las melodías vocales barrocas son más virtuosísticas que las renacentistas, con
ámbitos más extensos, todo buscando una mayor expresividad.

30


Aunque se siguen componiendo madrigales, ahora policorales y, en ocasiones
acompañados de Bajo Continuo, la principal novedad es la invención de la ópera. Ésta se
originó en Florencia a finales del siglo XVI cuando un grupo de músicos intentaron crear
un tipo de obra teatral cantada.

La primera ópera conservada es Eurídice de Jacopo Peri en el año
1600 pero la primera de auténtica importancia se considera a la ópera
Orfeo de Claudio Monteverdi, en 1607).

Claudio Monteverdi

La temática de las óperas es mitológica, por lo tanto es una obra de carácter profano.
Su estructura se basa en dos maneras de cantar: el recitativo y el aria, pero también tiene
otras partes: obertura, danzas y coros.

El Aria es una pieza cantada por un solista con acompañamiento instrumental. Es de
carácter lírico (es decir, expresa sentimientos). Solía ser una pieza de gran dificultad técnica
por lo que los cantantes aprovechaban para demostrar su virtuosismo añadiendo además
ornamentos improvisados. El acompañamiento instrumental solía estar también bastante
elaborado; el Bajo Continuo es omnipresente y también se pueden encontrar intervenciones
de la orquesta.

El Recitativo era una parte cantada pero que imitaba a la voz recitada. El
acompañamiento instrumental se limita a unos acordes estáticos que favorece la mejor
comprensión del texto cantado. El recitativo servía para narrar la acción.

La Obertura es una pieza instrumental que inicia la ópera, servía para avisar al
público de que iba a empezar la obra.

Las Danzas eran fragmentos instrumentales que acompañaban a bailes incluidos en
la acción de la ópera.

Los Coros eran fragmentos de música para coro escritos para momentos de la ópera
en la que intervenía en la acción un grupo de gente.
Los compositores de ópera más famosos fueron: G. F. Händel, Henry Purcell, y J. B.
Lully.

31


Georg Friedrich Händel

Jean Baptiste Lully

En cuanto a música vocal religiosa, la Cantata y el Oratorio son las formas
musicales más representativas, aunque en la Europa católica se siguen escribiendo Misas y
Motetes, ya con las características musicales barrocas.

La Cantata es una obra para coro, solistas y orquesta en la que se alternan las arias
solistas con las piezas instrumentales y los coros.

El Oratorio es una obra teatral cantada, de temática religiosa pero no representada
escénicamente. Su estructura es similar a la de la cantata: arias solistas, piezas
instrumentales a cargo de la orquesta o pequeños grupos de instrumentos y coros.

4. MÚSICA INSTRUMENTAL

Ésta es la época en que comienza el mayor desarrollo de la música instrumental. Se
afirma la familia del violín (violín, viola, violoncello y contrabajo) como la más importante.
También se crea la orquesta de cuerda como una agrupación fija de instrumentos. Las
chirimías evolucionan hacia el oboe.

En el Barroco se divide la música instrumental en dos tipos: Música de Cámara y
Música Orquestal. Dentro de la Música de Cámara englobamos todas aquellas formas

32


musicales concebidas para ser interpretadas en un salón (una “cámara”); es decir, formas
musicales que requieren un solo instrumento o una agrupación de pequeño tamaño. Por el
contrario, la Música orquestal, es la que está escrita para ser interpretada por una orquesta.

a) Música de Cámara

La primera forma musical que encontramos aquí es la Sonata. Ésta es una obra “para
ser sonada”, según indica el significado literal de la palabra italiana. Es una obra
instrumental que se compone de cuatro partes con velocidades alternantes: lento-rápido-
lento-rápido, o bien: rápido-lento- rápido-lento.
Hay dos tipos de sonatas barrocas: sonata para solista y bajo continuo y sonata “a
trío”. En los dos tipos, la sonata siempre está acompañada por el Bajo Continuo. En el caso
de la Sonata para solista, además del Bajo Continuo, existe un instrumento solista (violín,
flauta, oboe, clave…). Por otro lado, la Sonata a trío, además del Bajo Continuo cuenta con
dos solistas que dialogan musicalmente entre ellos.

Otra forma musical de cámara es la Suite solista. Ésta es una rara excepción, dentro
de la música barroca, puesto que es una de las pocas formas musicales que no está
acompañada por el Bajo Continuo. Consiste en una forma musical con varias partes con
carácter de danzas, dispuestas de manera alternada.

La música de cámara fue cultivada por todos los compositores barrocos, destacando:
Arcangello Corelli, Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel,
François Couperin, etc.

Johann Sebastian Bach

b) Música Orquestal

33


La orquesta se convirtió en la agrupación musical instrumental más importante de la
era barroca. Los compositores barrocos escriben una gran cantidad de literatura orquestal
pero las dos formas más importantes son: el Concerto y la Suite orquestal.

Colocación de la Orquesta barroca

El Concerto se divide en dos tipos: Concerto Grosso y Concerto Solista. Ambos se
basan en un juego de contraste entre toda la orquesta en su conjunto y un instrumento
solista o un pequeño grupo. En los dos casos, el Concerto es una forma musical compuesta
por tres o cuatro partes (movimientos) con carácter alternante: rápido-lento-rápido.
En el Concerto Grosso, hay un pequeño grupo de instrumentos solistas (denominado
concertino) que dialoga con el resto de la orquesta (denominado ripieno); cuando los dos
grupos tocan a la vez se denomina tutti.
El Concerto Solista únicamente posee un instrumento solista que dialoga con el resto
de la orquesta.
Los dos tipos de concerto están acompañados siempre por el Bajo Continuo, si bien
en el caso del Concerto Grosso, son dos grupos de Bajo Continuo los que existen.

Uno de los compositores de Concerto más conocidos fue Antonio Vivaldi, pero otros
autores como Bach o Händel también escribieron grandes ejemplos.

La Suite orquestal posee las mismas características que la Suite solista, con la
diferencia de que, en este caso, es la orquesta quien la interpreta. Así, es una forma musical

34


compuesta por una serie de movimientos con carácter de danza colocados de manera
alternante: rápido-lento o lento-rápido.

Dos de los autores más reconocidos en cuanto a la composición de suites orquestales
fueron Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel.

5. LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

En la búsqueda por conseguir instrumentos musicales con cada vez mayor potencia y
mayores posibilidades técnicas, algunos instrumentos del Renacimiento caen en desuso y
son sustituidos por otros en el Barroco. Es el caso de la Viola da Gamba. Ésta poseía una
familia completa que se solía agrupar en conjuntos (llamados consorts). Las mayores
posibilidades de virtuosismo del Violín, así como su mayor potencia sonora hacen decaer la
utilización de las violas da gamba.

Algo parecido ocurre con la chirimía y el bajón, que son sustituidos por el oboe y el
fagot, instrumentos de timbre más penetrante y mayor potencia sonora.
En el campo de los instrumentos de tecla, el órgano y el clave continúan
desarrollándose añadiéndose teclados y registros. De esta manera, el órgano llega a tener
tres teclados manuales y uno para los pies, y el clave dos. Esta multiplicación de teclados se
debe a la intención de lograr contrastes tímbricos dentro del mismo instrumento.

Órgano barroco


35


1. ¿Para qué se utiliza el arte en el Barroco?
2. ¿Qué diferencias hay entre el ritmo de la música medieval y el de la música barroca?
3. Explica las partes que tiene una ópera
4. ¿En qué se diferencia un recitativo de un aria?
5. ¿Qué es un Oratorio? ¿Y en qué se diferencia de una ópera?
6. Busca información sobre Jean Baptiste Lully y escribe una redacción de 10 líneas
sobre su vida y su obra.
7. ¿Qué instrumentos componen la familia del violín?
8. Haz un esquema con las características y tipos de la Sonata, la Suite y el Concerto.
9. ¿Qué es un consort? ¿Qué sustituye a los consorts en el Barroco?

7. FICHAS DE AUDICIONES

AUDICIÓN Nº 1. SONATA

36


- Georg Philipp Telemann
- Compositor alemán nacido en Magdeburgo en 1681 y muerto en Hamburgo en 1767.
En 1701 conoce a Hándel y luego marcha a Leipzig, donde estudia Leyes. En 1702 es
nombrado organista de la Neue Kirche, y en 1704 maestro de capilla del conde de Promnitz
en Sorav. En 1708 reside en Eisenach, donde traba amistad con Bach. En 1712 es
nombrado director musical en Francfort, y en 1716 maestro de capilla del margrave de
Bayreuth. En 1721 se establece en Hamburgo, siendo muy famoso, hasta el punto de que
sus contemporáneos lo estimaron igual a Bach.

♪ TÍTULO
- Sonata a trío en mi menor (Allegro)

♪ OTROS AUTORES DE SONATAS
- Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi

-Estilo barroco
-Características:
- Melodías largas y repletas de notas y adornos. Tienen grandes saltos,
cromatismos, figuraciones rápidas y virtuosismos.
- Ritmo: el tempo es constante y se inventa el compás
- La Armonía utiliza ya la tonalidad. Se usan las escalas y acordes sobre los
grados más importantes de la escala: la Tónica, la Dominante y la Subdominante.
-Bajo continuo: es un sistema de acompañamiento que consiste en una melodía
grave sobre la que se improvisan acordes, todo ello para acompañar a una melodía
principal.

-Sonata a trío.
-Características:
- Interpretada por dos instrumentos solistas y bajo continuo
- Es importante el diálogo entre los dos instrumentos solistas

♪ ESTRUCTURA
Alternanancia de motivos melódicos iniciados unas veces por el oboe y otras por la flauta
manteniendo un diálogo entre ambos.

♪ INSTRUMENTOS
Flauta de pico, oboe y clave

♪ ARGUMENTO
No tiene.
AUDICIÓN Nº 2. CONCIERTO SOLISTA

37


-Vivaldi
- Nació en Venecia en 1678 y murió en Viena en 1741. Inicio la carrera sacerdotal y en 1703 fue ordenado,
pero será apartado de sus funciones debido a su delicado estado de salud al padecer asma bronquial desde su
juventud. Atraído por la música, fue maestro de coro y destacó como violinista, interesándose también por la
composición. Su fama aumenta y recibe la protección del duque de Mantua, por lo que inicia un viaje por
Europa. El cardenal Rufo de Ferrara le acusará de viajar en compañía de la cantante Giraud y varias mujeres
más, por lo que Vivaldi se retira a Viena donde fallecerá en la más absoluta pobreza y abandono.

♪ TÍTULO El Invierno (I. Allegro non molto)

♪ OTROS AUTORES DE CONCIERTOS SOLISTAS Y GROSSI
- Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach

-Estilo barroco
-Características:
principal.

- Concierto solista (pieza instrumental para un instrumento solista acompañado de orquesta)
- Características:
- El instrumento solista tiene que mostrar su virtuosismo
- Se dividía en tres movimientos: rápido, lento, rápido.
- El instrumento solista era normalmente: el violín, el oboe, el clave, la trompeta...

♪ ESTRUCTURA
Sección 1 (orq), Sección 2 (vl.alterna con la orquesta), Sección 3 (vl. y orq), Sección (vl.
acompañado), Sección 4 (orq), Sección 5 (vl. y órg), Sección 6 (tutti).

♪ INSTRUMENTOS
Violín solista, orquesta de cuerda, clave, órgano y percusión.

♪ ARGUMENTO
El bajo, junto a las cuerdas, señala un ambiente de frío mediante disonancias. El solista
hace el papel del viento. Acaba reproduciendo el castañetear de los dientes y el patalear
para entrar en calor cuando el solista se une a los violines primeros y segundos.

AUDICIÓN Nº 3. SUITE ORQUESTAL

38


- Georg Friedrich Händel
- Nacido en Halle (Alemania) en 1685 y muerto en Londres en 1759. En Alemania se inició en la composición de óperas y
durante cuatro años vivió en Italia. Hizo varios viajes a Inglaterra hasta que en 1712 se trasladó allí donde vivió hasta su
muerte. En Inglaterra trabajó al servicio de varios nobles primero y después se dedicó a la composición y representación
de óperas en distintos teatros del país. Introdujo la costumbre de representar óperas con argumentos extraídos de la Biblia,
lo que le ocasionó problemas con la iglesia.

♪ TÍTULO
Música acuática. Suite II (HWV 349) -Alla Hornpipe-

♪ OTROS AUTORES DE SUITES
- Françoise Couperin, Johann Sebastian Bach

-Estilo barroco
-Características:
- Melodías largas y repletas de notas y adornos. Tienen grandes saltos, cromatismos,
figuraciones rápidas y virtuosismos.
- La Armonía utiliza ya la tonalidad. Se usan las escalas y acordes sobre los grados más
importantes de la escala: la Tónica, la Dominante y la Subdominante.
principal.

-Suite Orquestal (conjunto de movimientos con carácter de danza alternando rápidos y
lentos)
-Características:
- Están pensadas para escuchar o acompañar actos, no para bailar.
- Interpretada por toda una orquesta.
- Acompañada siempre con Bajo Continuo.

♪ ESTRUCTURA
Sección 1 (tema A), Sección 2 (tema B), Sección 3 (tema C)

♪ INSTRUMENTOS
Orquesta de cuerda (fam. del vl.), flautas alemanas, 24 oboes, 14 fagotes, 9 trompas
naturales, 9 trompetas naturales,

♪ ARGUMENTO
Es música compuesta para amenizar un paseo en barca por el Támesis que el rey Jorge I celebró el 17 de julio de 1717. Al
lado de la barcaza del rey y los nobles iba la de los músicos. Desde las orillas y desde otros barcos alrededor les
acompañaba una multitud de curiosos. El rey insistió en usar sólo instrumentos marciales pero Händel se opuso y
finalmente se interpretó también con instrumentos de cuerda. En total, sumaban un centenar de músicos, una agrupación
gigantesca para la época.
AUDICIÓN Nº 4. FUGA

39


- Johann Sebastian Bach.
- Biografía: Nació en Eisenach, Alemania, el 21 de marzo de 1685 y murió en Leipzig en 1750. Quedó
huérfano a los 10 años por lo que hubo de ir a vivir con su hermano mayor, Juan Cristóbal, que desempeñaba
el cargo de organista en Ohrdruf, y con quien continuó sus estudios. A los quince años entró en la escuela de
S. Miguel, en Lüneburgo y en 1703 pasó como maestro de capilla a Arnstadt, donde tuvo tiempo suficiente
para dedicarse al órgano y a la composición. En 1707 contrajo matrimonio con su prima María Bárbara Bach.
En 1717 fue a Cöthen, donde entró al servicio del príncipe Anhalt. En 1720 murió su esposa. Al año siguiente
contrajo nuevas nupcias con Ana Magdalena Wülken. En 1723, Bach parte para Leipzig a tomar posesión del
puesto que ocuparía hasta su muerte: "Cantor de la iglesia de Santo Tomás y director de la música de la
Universidad". En los últimos años de su vida, Bach padeció una enfermedad de los ojos que empeoró hasta
dejarlo completamente ciego. Su muerte ocurrió el martes 29 de julio de 1750.

♪ TÍTULO
Fuga nº 2 en do menor

♪ OTROS AUTORES DE FUGAS
Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude

-Estilo barroco
-Características:
principal.

-Fuga
-Características:
- Pieza basada en un motivo melódico que van repitiendo todas las voces
- Tiene dos secciones: exposición (cuando todas las voces exponen el tema) y
desarrollo (la obra continúa y de vez en cuando el tema va apareciendo).

♪ ESTRUCTURA
-Sección 1 (exposición), Sección 2 (desarrollo)

♪ INSTRUMENTOS
Clave

♪ ARGUMENTO
No tiene
AUDICIÓN Nº 5. ÓPERA (ARIA)

40


- Georg Friedrich Haendel
- Nacido en Halle (Alemania) en 1685 y muerto en Londres en 1759. En Alemania se inició en la
composición de óperas y durante cuatro años vivió en Italia. Hizo varios viajes a Inglaterra hasta que en 1712
se trasladó allí donde vivió hasta su muerte. En Inglaterra trabajó al servicio de varios nobles primero y
después se dedicó a la composición y representación de óperas en distintos teatros del país. Introdujo la
costumbre de representar óperas con argumentos extraídos de la Biblia, lo que le ocasionó problemas con la
iglesia.

♪ TÍTULO:
Lascia ch’io pianga (de la ópera: Rinaldo)

♪ OTROS AUTORES DE ÓPERA
Henry Purcell, Jean Baptiste Lully

-Estilo barroco
-Características:
- Melodías largas y repletas de notas y adornos. Tienen grandes saltos, cromatismos,
figuraciones rápidas y virtuosismos.
- La Armonía utiliza ya la tonalidad. Se usan las escalas y acordes sobre los grados más
importantes de la escala: la Tónica, la Dominante y la Subdominante.
principal.

- Aria de ópera (Pieza para cantante solista acompañado de orquesta o de un pequeño grupo
con Bajo Continuo)
- Características:
- Forma parte de un teatro musical cantado (es decir, una ópera)
- Es un canto de carácter lírico (es decir, para expresar sentimientos)
- Suele estar en italiano aunque algunos países componen en sus propios idiomas

♪ ESTRUCTURA
Estribillo (Lascia…), Estrofa (Il duolo…), Estribillo (Lascia…)

♪ INSTRUMENTOS
Soprano, orquesta de cuerda, laúd.

♪ ARGUMENTO
Rinaldo es un guerrero cruzado que asedia Jerusalén a las órdenes del capitán general, Godofredo de Bouillon. El defensor
de la ciudad, Argante, se alía con una malvada divinidad, Armida, para derrotarle. Armida secuestra a Almirena, la
prometida de Rinaldo e hija de Godofredo. Argante se enamora de Almirena y Armida de Rinaldo cuando éste acude a
salvar a su prometida. Finalmente, con ayuda de un mago, Godofredo libera a Rinaldo y a Almirena y después conquistan
Jerusalén haciendo prisioneros a Argante y a Armida.

41


Lascia ch'io pianga Deja que llore
Mia cruda sorte, mi cruel suerte,
E che sospiri y que suspire
La libertà. por la libertad.

Il duolo infranga El dolor infringe
Queste ritorte este sesgo
De' miei martiri de mi martirio
Sol per pietà. sólo por piedad.

Lascia ch'io pianga Deja que llore
Mia cruda sorte, mi cruel suerte,
E che sospiri y que suspire
La libertà. por la libertad

42


TEMA 5
LA MÚSICA DEL CLASICISMO


La segunda mitad del siglo XVIII es la época del Clasicismo. El resto de las artes
vuelve la vista a las creaciones de la antigüedad grecolatina y la música, al no conservarse
música de tal época, se fija en ella para adoptar unos criterios de claridad y simetría.

En el caso de la sociedad, el Clasicismo es heredero del Barroco pero la separación
entre sus clases sociales se sigue acrecentando. Las monarquías absolutas siguen
dominando los Estados Europeos apoyados en las clases nobiliares pero la burguesía, con el
desarrollo urbano, va cada vez obteniendo más y más fuerza.

En esta época florece un movimiento cultural importantísimo denominado
Ilustración. La ilustración, apoyada en los avances del mundo científico, aboga por unos
esquemas de pensamiento basados en el racionalismo. En el caso del arte, este racionalismo
se materializa en una búsqueda de la belleza a través de la simplicidad, por lo que
paulatinamente se van abandonando los adornos y la artificiosidad del arte barroco.

Museo del Prado

43


2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL CLASICISMO

La música del Clasicismo se define por tres características fundamentales: la
melodía, el ritmo y la armonía.

a) La Melodía. La melodía clásica tiene una línea elegante y fácil de aprender, carente
de ornamentos y estructurada en frases cortas.

b) El Ritmo. Es regular y sencillo.

c) La Armonía. La principal diferencia con el Barroco la marca la desaparición del Bajo
Continuo. La escritura contrapuntística pierde importancia frente a la armonía vertical y
la textura homofónica. Siempre encontramos una melodía principal acompañada por una
armonía de acordes; estos acordes pueden aparecer de manera compacta o
“desarrollada”, es decir, con todas las notas sonando a la vez, o de manera sucesiva. Esto
origina un modo de acompañamiento característico llamado “Bajo de Alberti” que fue
muy utilizado durante esta época. Los acordes más importantes son los que tienen
función de Tónica, Dominante y Subdominante.

Partitura con acompañamiento de “Bajo de Alberti”

2. MÚSICA VOCAL

El gran desarrollo de la música vocal de esta época es el de la Ópera. Ésta sufre una
importante reforma por Christoph Willibald Gluck, quien modifica la ópera barroca para
crear una ópera “moderna”. La estructura de la ópera continúa siendo la misma que en el
Barroco (obertura, arias, recitativos, coros y danzas) pero su temática se amplía alcanzando
situaciones de la vida cotidiana.

El compositor de ópera más importante de este periodo es, sin duda alguna
Wolfgang Amadeus Mozart.

En el ámbito de la música religiosa se siguen escribiendo Motetes y Misas aunque
ahora ya con las características propias del Clasicismo.

44



La música instrumental continúa desarrollándose y la orquesta creciendo en número
y tipos de instrumentos. A la plantilla anterior de cuerda (familia del violín) se incorporan
distintos instrumentos de viento que ya forman parte de la orquesta: el oboe, la flauta
travesera y el clarinete. También se incorporan los timbales y, ocasionalmente,
instrumentos de viento metal como la trompa, la trompeta y el recién inventado piano.

Colocación de la orquesta en el Clasicismo

La estructura musical más importante del Clasicismo es la Forma sonata. Esta
estructura afecta a las tres formas musicales fundamentales de esta época: la Sonata, la Sinfonía y el
Concierto.
La Forma Sonata se basa en dos temas musicales (tema A y tema B) sobre los que se
elabora la composición. El esquema sería así:

Exposición (Tema A-puente-Tema B) – Desarrollo – Reexposición (t.A-puente-t. B-coda)

45


Este esquema es común a las tres formas musicales mencionadas arriba, la diferencia entre
cada una depende de los instrumentos utilizados.

De esta manera, la Sonata, es una pieza musical instrumental formada por tres o cuatro
movimientos (el primero de los cuales tiene forma sonata) interpretada por uno, dos, tres o cuatro
instrumentos solistas.

La Sinfonía, es una forma musical instrumental formada también por tres o cuatro
movimientos (el primero de los cuales tiene forma sonata) interpretada por una orquesta.

El Concierto es una forma musical instrumental formada también por tres o cuatro
movimientos (el primero de los cuales tiene forma sonata) interpretada por una orquesta y un
instrumento solista. Dependiendo del instrumento solista, así será la denominación del concierto: si
el solista es un violín, el concierto se llamará: “Concierto para violín y orquesta…”.

Haydn, Mozart y Beethoven, la llamada “Escuela de Viena”

Prácticamente todos los compositores del Clasicismo escribieron sonatas, sinfonías y
conciertos, pero en este ámbito destacan Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart
y Ludwig van Beethoven, conocidos los tres como “La Escuela de Viena”.


Durante el Clasicismo se siguen empleando los mismos instrumentos que en el
Barroco si bien destaca la invención del piano, que desplaza definitivamente al clave
como instrumento solista y de acompañamiento. El piano triunfa rápidamente debido a
sus posibilidades dinámicas (es capaz de tocar suave y fuerte –piano y forte-)

46



1. Haz un esquema comparando las características de la Música Barroca con las de la
Música del Clasicismo.
2. Busca información sobre Mozart y escribe el nombre de cinco óperas suyas.
3. ¿Qué es el Réquiem de Mozart? Explícalo
4. Haz un esquema comparando las principales formas musicales del Clasicismo.
5. Escribe una redacción de 10 líneas sobre la invención del piano


47


AUDICIÓN Nº1. LA SONATA

-W. A. Mozart
- Biografía: Mozart nació en Salzburgo en 1756 y murió en Viena en 1791. Su padre, Leopold Mozart, también
compositor fue su maestro. A los 6 años su padre le llevó de gira por Europa, donde alcanzó gran éxito. Tras componer a
los 8 años su primera sinfonía, con once compuso un oratorio y un drama. En 1769, con 13 años, fue nombrado
'konzertmeister' (maestro de conciertos) del príncipe-arzobispo de Salzburgo. Mozart quiso seguir viajando por ello se
hizo despedir de su patrono. Tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo gracias a la
intermediación de su padre Leopold. El éxito de sus primeras óperas, consiguió sacar a Mozart de allí y llevarlo hasta
Viena como músico libre, donde se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de juventud
del compositor. La precariedad de su trabajo y la vida desordenada del matrimonio les haría vivir en precariedad durante
el resto de sus vidas. E$n 1791, tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito", Mozart comenzó a trabajar en un
encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem (música de difuntos). Mozart pensó que esa persona en
realidad era una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo). Mozart murió el 5 de
Diciembre de 1791, dejando la obra sin terminar. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura.
Mozart fue enterrado en una fosa común, sin que a su entierro acudiera nadie excepto unos pocos compañeros masones.

♪ TÍTULO
Sonata en do mayor K 545 (1er. movimiento: Allegro)

♪ OTROS AUTORES DE SONATAS
Franz Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck

- Clasicismo
- Características:
-Melodías sencillas con pocos adornos basadas en una estructura de frases cortas.
-Ritmo regular y sencillo
-Armonía sin bajo continuo en la que culmina la monodía acompañada

-Sonata (pieza compuesta para ser interpretada por un solo instrumento -st piano y violín-)

- Características:
-Está compuesta por 3 (o a veces 4) movimientos denominándose la estructura del
primero “sonata”.
-El 1er movimiento se basa en 2 temas musicales

♪ ESTRUCTURA
Exposición (Tema A-Puente-Tema B) y repetición, Desarrollo, Reexposición (Tema A-
Puente-Tema B-Coda)

♪ INSTRUMENTOS
Piano

♪ ARGUMENTO
No tiene

48


AUDICIÓN Nº2. LA SINFONÍA

- Franz Joseph Haydn
- Biografía: Nació en Rohrau, Austria, en1732 y murió en Viena en 1809. Haydn empieza a
estudiar música con la ayuda de su primo, maestro de coro, y en 1740 ingresa en el coro de la
catedral de San Esteban en Viena. Tras ser expulsado de la misma al cambiarle la voz con la edad,
intentó ganarse la vida dando lecciones de música y componiendo algunas obras para aristócratas.
Así en 1755 compone el primero de sus 83 cuartetos de cuerda para el aristócrata austríaco Karl
Joseph von Fun Funberg. En 1761 es nombrado primero suplente, y después, en 1766, director
musical del príncipe Paul Anton, cargo en el que estuvo durante casi 30 años. En 1791 viajó a
Inglaterra ( hasta entonces nunca había salido de Austria ) y compuso 12 de sus mejores sinfonías;
fueron las últimas que compuso ( de la Nº 93 a la Nº 104 ) y tienen el sobrenombre de londinenses.
Sus últimos años los pasó en una casa que poseía en las afueras de Viena.

♪ TÍTULO
Sinfonía nº. 94 “La sorpresa” (2º movimiento: Andante)

♪ OTROS AUTORES DE SINFONÍAS
Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Christian Bach

- Clasicismo
- Características:

- Sinfonía (obra instrumental para orquesta)
- Características:
-Su estructura era igual que la de la sonata (3 ó 4 movimientos...)

♪ ESTRUCTURA
Tema A-Variación 1-Variación 2-Variación 3-Variación 4

♪ INSTRUMENTOS
-Orquesta de cuerda, timbales,

♪ ARGUMENTO
No tiene

49


AUDICIÓN Nº3. EL CONCIERTO

- W. A. Mozart
- Biografía: Mozart nació en Salzburgo en 1756 y murió en Viena en 1791. Su padre, Leopold Mozart, también
compositor fue su maestro. A los 6 años su padre le llevó de gira por Europa, donde alcanzó gran éxito. Tras componer a
los 8 años su primera sinfonía, con once compuso un oratorio y un drama. En 1769, con 13 años, fue nombrado
'konzertmeister' (maestro de conciertos) del príncipe-arzobispo de Salzburgo. Mozart quiso seguir viajando por ello se
hizo despedir de su patrono. Tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo gracias a la
intermediación de su padre Leopold. El éxito de sus primeras óperas, consiguió sacar a Mozart de allí y llevarlo hasta
Viena como músico libre, donde se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de juventud
del compositor. La precariedad de su trabajo y la vida desordenada del matrimonio les haría vivir en precariedad durante
el resto de sus vidas. E$n 1791, tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito", Mozart comenzó a trabajar en un
encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem (música de difuntos). Mozart pensó que esa persona en
realidad era una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo). Mozart murió el 5 de
Diciembre de 1791, dejando la obra sin terminar. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura.
Mozart fue enterrado en una fosa común, sin que a su entierro acudiera nadie excepto unos pocos compañeros masones.

♪ TÍTULO
Concierto para violín y orquesta nº 3 K 216 (1er. movimiento: Allegro)

♪ OTROS AUTORES DE CONCIERTOS
- Wilhelm Friedemann Bach, Franz Joseph Haydn

- Clasicismo
- Características:

- Concierto obra instrumental para orquesta y uno o varios instrumentos solistas
- Características:
-Generalmente hay un instrumento solista que destaca sobre el resto de la orquesta
-Su estructura era igual que la de la sonata (3 ó 4 movimientos...)

♪ ESTRUCTURA
Exposición (Tema A-Puente-Tema B) y repetición, Desarrollo, Reexposición (Tema A-
Puente-Tema B-Coda)

♪ INSTRUMENTOS
Violín solista, orquesta de cuerda,

♪ ARGUMENTO
No tiene

50


AUDICIÓN Nº4. ÓPERA (ARIA)

- W. A. Mozart
- Biografía: Mozart nació en Salzburgo en 1756 y murió en Viena en 1791. Su padre, Leopold Mozart, también compositor fue su
maestro. A los 6 años su padre le llevó de gira por Europa, donde alcanzó gran éxito. Tras componer a los 8 años su primera sinfonía,
con once compuso un oratorio y un drama. En 1769, con 13 años, fue nombrado 'konzertmeister' (maestro de conciertos) del príncipe-
arzobispo de Salzburgo. Mozart quiso seguir viajando por ello se hizo despedir de su patrono. Tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde
siguió a las órdenes del arzobispo gracias a la intermediación de su padre Leopold. El éxito de sus primeras óperas, consiguió sacar a
Mozart de allí y llevarlo hasta Viena como músico libre, donde se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el
amor de juventud del compositor. La precariedad de su trabajo y la vida desordenada del matrimonio les haría vivir en precariedad
durante el resto de sus vidas. E$n 1791, tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito", Mozart comenzó a trabajar en un
encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem (música de difuntos). Mozart pensó que esa persona en realidad era
una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo). Mozart murió el 5 de Diciembre de 1791, dejando la
obra sin terminar. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura. Mozart fue enterrado en una fosa común, sin que a
su entierro acudiera nadie excepto unos pocos compañeros masones.

♪ TÍTULO
- Aria de la reina de la noche (de la ópera La flauta mágica)

♪ OTROS AUTORES DE ÓPERAS
- Christoph Willibald Gluck, Franz Joseph Haydn

- Clasicismo
- Características:

- Aria (pieza vocal de carácter lírico)
- Características:
-Pieza virtuosística de carácter lírico
-Solía ser para un solista aunque a vece se cantaban arias en dúos, tríos o cuartetos
-Se acompaña por toda la orquesta

♪ ESTRUCTURA
Tema A (estrofas 1 y 2), Tema B (estrofa 3 y mitad de estrofa 4)-Tema C (mitad de estrofa 4)

♪ INSTRUMENTOS
Orquesta de cuerda, flautas, clarinetes, trompetas y tubas

♪ ARGUMENTO
En un paraje montañoso, el príncipe Tamino huye de un dragón, cayendo desmayado de susto. Las Tres Damas de la Reina de la Noche matan al monstruo y
admiran la apostura del muchacho. Al despertar, Tamino se encuentra con Papageno, un simpático pajarero que se jacta de haber sido él quien dio muerte al
dragón. Reaparecen las Tres Damas, que castigan a Papageno por mentiroso, poniéndole un candado en la boca, a la vez que muestran a Tamino un retrato de
Pamina, hija de la Reina de la Noche, secuestrada por Sarastro. Al momento, Tamino siente una enorme atracción por Pamina. Aparece la Reina de la Noche
y cuenta al príncipe que le han raptado a su hija, quien será de Tamino si éste la salva. Las Tres Damas dan a Tamino una flauta mágica de oro y a Papageno
unas campanillas, que les servirán para sortear todo tipo de peligros hasta encontrar a Pamina. En un bosque, tres Duendes conducen a Tamino hasta la
entrada de tres templos: de “La Sabiduría”, de “La Razón” y de “La Naturaleza”. Del último sale un Orador que le explica quien es realmente Sarastro. El
príncipe está confuso, aunque unas voces le advierten que pronto sabrá la verdad. Tamino toca la flauta mágica logrando así el reencuentro con Papageno y
Pamina. Sarastro aparece y le cuenta a Pamina que su madre es mala y por eso él la ha secuestrado. Sólo el amor de un hombre enseñará a Pamina cuál es el
mundo al que debe pertenecer. Sarastro dice que Pamina está destinada a casarse con Tamino, quien tendrá que superar diversas pruebas antes de ser
admitido en el templo. En el jardín del palacio de Sarastro, aparece la Reina de la Noche, quien llena de furia da un puñal a su hija para que mate a Sarastro.
Tamino supera las pruebas y Pamina y él son recibidos con cantos de alabanza a la belleza y a la sabiduría que otorga el conocimiento de la verdad.

51


KÖNIGIN DER NACHT LA REINA DE LA NOCHE

Der Hölle Rache kocht ¡La venganza del infierno
in meinem Herzen, hierve en mi corazón,
Tod und Verzweiflung flammet la muerte y la desesperación
um mich her! arden a mi alrededor!

Fühlt nicht durch dich Si Sarastro no siente, por tu mano,
Sarastro Todesschmerzen, los dolores de la muerte,
So bist du meine Tochter nunca más serás hija mía.
nimmermehr.
¡Repudiada y abandonada serás
Verstoßen sei auf ewig, por toda la eternidad,
verlassen sei auf ewig. destruidos quedarán
Zertrümmert sei'n auf ewig todos los lazos de la Naturaleza,
alle Bande der Natur,
si Sarastro no expira por tu mano!
wenn nicht durch dich Sarastro ¡Escuchad!
wird erblassen! ¡Dioses de la venganza!
Hört, Rachegötter, ¡Escuchad el juramento
hört der Mutter Schwur! de una madre!

52


TEMA 6
LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO


El Romanticismo es un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del
siglo XIX y que se extendió a toda Europa a lo largo de esta centuria. Tradicionalmente se
considera que el Romanticismo nace con el estallido de la “Revolución francesa” puesto
que comienza una época en el que la burguesía se convierte en la clase social más
importante.

En el ámbito artístico, el Romanticismo constituye una
reacción frente a las ideas del Clasicismo. Ahora lo que
priman son los sentimientos sobre la razón por lo que el
arte, más que un medio para expresar belleza (como se
concebía durante el siglo anterior), ahora se trata de un
medio con el que expresar los sentimientos más íntimos.
Todas las normas heredadas del Clasicismo se rompen en
aras de lograr una mayor expresividad.

Los temas más importantes del Romanticismo, en los
que los artistas buscarán la inspiración para sus obras son:

Cuadro del Viajero romántico

La Naturaleza, como ejemplo de belleza absoluta y por su fuerza terrible. Se
multiplican los cuadros con paisajes como tema principal.

La Religión, tratada desde un punto de vista intimismo de comunicación entre el
artista y Dios como manifestación de lo inmortal que hay en cada ser humano.

La Historia, puesto que muestra épocas pasadas que los artistas románticos
encuentran fascinantes por lo que tienen de misterioso y nostálgico.

El Nacionalismo, fruto del interés de los románticos por la cultura y las tradiciones
del país. En el sigo XIX se configuran algunos de los principales Estados-Nación europeos
actuales.

53


2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO

Para diferenciar la música del Romanticismo vamos a recurrir, igual que en otras
épocas, a analizar la Melodía, el Ritmo y la Armonía.

La Melodía es el elemento musical más importante, puesto que para los
compositores del Romanticismo, es la mejor manera de expresar lo que no se puede
expresar con las palabras o la imagen. Se trata de conseguir en la melodía la mayor
expresividad y perfección de su construcción.

El Ritmo del Romanticismo es más amplio que el del Clasicismo puesto que ahora
se escriben ritmos complejos que ayuden a incrementar la expresividad de la composición.

La Armonía parte de la tradicional armonía clásica pero se va, poco a poco
destruyendo a favor de la libertad del compositor para lograr la mayor expresividad. En esta
época se experimenta con el uso de la modulación (cambio de tonalidad durante el
transcurso de una pieza musical) y con el cromatismo (sucesión de notas ascendentes o
descendentes a distancia de semitono que no pertenecen a ninguna tonalidad en concreto).

3. MÚSICA VOCAL

De nuevo nos encontramos con la ópera en el campo de la música vocal aunque
ahora acompañada de una forma que se desarrolla enormemente en este periodo: el lied.
Junto a estas dos formas se continúa con la escritura de Misas, Motetes y Oratorios en el
ámbito de la música religiosa.

El Lied, consiste en una canción (“lied” significa
canción en alemán) para voz solista acompañada de piano.
Generalmente los compositores ponían música a un poema y
trataban de, con la voz y con el acompañamiento pianístico,
agudizar la expresión y el sentido del texto. Frente a la
tendencia romántica de búsqueda de virtuosismo, el lied
únicamente pretende expresar el intimismo de los
sentimientos del poeta y del compositor.

La Ópera del siglo XIX más importante es la italiana. Sigue siendo una forma vocal
acompañada de orquesta pero con un carácter muy virtuosístico en las voces solistas. La
existencia de teatros públicos apoyados por la burguesía acercan la ópera a todas las clases
sociales por lo que se demanda una ópera con temáticas más accesibles a los ciudadanos. A
pesar de la preeminencia de la ópera italiana, cada país desarrolla
una ópera propia en su propio idioma.

54


Los argumentos suelen ser trágicos alrededor de relaciones amorosas. Giuseppe
Verdi, Vicenzo Bellini, Gioacchino Rossini o Gaetano Donizetti son algunos de los
principales autores de ópera belcantista, es decir, de ópera de carácter virtuosístico en lo
vocal.

Giuseppe Verdi


La música instrumental comparte las mismas formas musicales que la época clásica
(sinfonía, sonata y concierto) aunque rompe su rígido esquema formal y añade otras formas
nuevas: polonesas, mazurcas, estudios, poemas sinfónicos, ballets, etc.
La Forma sonata se sigue utilizando aunque su rígido esquema es modificado en
muchas ocasiones. En general las obras incrementan su duración y se complejizan en
escritura y número de componentes.

Colocación de la Orquesta en el Romanticismo

Junto a las formas tradicionales (sinfonía, sonata y concierto) aparecen formas
nuevas que responden a distintas necesidades expresivas. De esta manea, pequeñas formas

55


musicales instrumentales como las polonesas, las mazurcas o los nocturnos, sirven para
expresar sentimientos intimistas, mientras que grandes formas orquestales como el poema
sinfónico, expresan los sentimientos de grandeza y poder.

Liszt al piano

El piano es el instrumento romántico por excelencia, y por ello mucha de la literatura
de esta época se escribe para él. Su mejora técnica (frente al piano-forte de la época clásica)
permite un cómodo control de la intensidad de los
sonidos mediante la pulsación y su tamaño lo hace
perfecto para la interpretación de obras de cámara
como solista o bien como acompañamiento de
otros instrumentos.

Los compositores que escribieron las más
importantes obras pianísticas de este periodo
fueron Ludwig van Beethoven, Fryderyk Chopin
y Franz Liszt.

Fryderyk Chopin


56


El avance de la tecnología propicia la aparición de nuevos instrumentos musicales y
el perfeccionamiento de los antiguos. Aparecen nuevos instrumentos como el saxofón o el
acordeón. Los instrumentos de viento-metal se ayudan de la incorporación de pistones y
válvulas y, en general, las mejoras técnicas sirven a los compositores para escribir obras
más exigentes que requieren de un virtuosismo cada vez mayor de los intérpretes. Es la
época de los virtuosos como Niccolò Paganini, Sigismond Thalberg o Franz Liszt.

La orquesta no deja de crecer en tamaño
ni en potencia y variedad de los instrumentos
de los que está formada. Algunos
compositores como Gustav Mahler escriben
obras que requieren orquestas de hasta mil y
más músicos.

Caricatura de Sigismond Thalberg


1. ¿Cuáles son los temas más importantes del Romanticismo?
2. ¿En qué se parecen y en qué se diferencian las melodías del Romanticismo y las
melodías del Clasicismo?
3. ¿Qué es la Modulación? ¿Y el Cromatismo?
4. ¿Qué es un “lied”?
5. Escribe el nombre de una ópera de Vicenzo Bellini y otra de Gioacchino Rossini.
6. ¿En qué consiste el Belcanto?
7. ¿Qué es una mazurca? ¿Y un nocturno? ¿Y una polonesa?
8. Escribe una redacción de 10 líneas sobre Niccolò Paganini


AUDICIÓN Nº1. LA TRANSICIÓN: BEETHOVEN

57

Apuntes 3ºeso

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (20)

Similar a Apuntes 3ºeso

Similar a Apuntes 3ºeso (20)

Apuntes 3ºeso