1. LOS 40 PRINCIPALES
JUAN MANUEL RAMÓN CRUZ
ANTONIO ORTEGA FERNÁNDEZ
1º EDUCACIÓN PRIMARIA T1

2. 20 PINTORES

3. SANDRO BOTTICELLI
• Sandro Botticelli (1445 - 1510). Uno de los pintores más
destacados del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo
personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su
carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.
Nació en Florencia, hijo de un curtidor, y su verdadero
nombre era Alessandro di Mariano.
Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller. Dedicó casi
toda su vida a trabajar para las grandes familias
florentinas, especialmente los Medici, para los que pintó
retratos .
Para el año 1470, Botticelli tendría taller propio. Ya entonces
su obra se caracteriza por una concepción de la figura como
vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y
minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que
indicarían formas plenamente modeladas. Recibió ese año un
importante encargo: una de las pinturas sobre Virtudes para
la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza.
Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de
hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus
antiguos patrones. Lo cierto es que sigue produciendo
obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente
regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede
verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad
mística (1501), consideradas sus últimas obras.

4. OBRAS
• Nacimiento de Venus
Es una pintura de Sandro Botticelli
(1445 – 1510). El nacimiento de Venus
representa una de las obras cumbres
del maestro italiano. Está ejecutada al
temple sobre lienzo y mide 184,5
centímetros de alto por 285,5.
• El retorno de Yudit
• La Primavera
Es una de las obras maestras del
pintor renacentista Italiano Sandro
Botticelli. Está realizado al temple
sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314
cm de ancho.

5. LEONARDO DI SER PIERO DA
VINCI
• Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable
curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más
acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452 -
Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de
un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre,
una modesta campesina.
Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de
Andrea Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en
otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre
1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el
Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque
practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna
escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó
llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y
arquitecto sólo quedan indicios en sus notas y bocetos
personales
.
Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de
objetivos diferentes que apenas ejerció influencia sobre la
marcha de los distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un
gran prestigio personal, que ha perdurado hasta nuestros días):
muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados
cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los
inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por
plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que
la mayoría de sus investigaciones fueron especulaciones teóricas
sin consecuencias prácticas. En ellas se concentró a partir de
1516 cuando, con las manos afectadas por una parálisis, pasó a
vivir en Francia bajo la protección de Francisco I.

6. OBRAS
• MONA LISA
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 X 53
cm, pintado entre 1503 y 1506,1 . La técnica
usada fue el sfumato, procedimiento muy
característico de Leonardo. El cuadro está
protegido por múltiples sistemas de
seguridad y ambientado para su
preservación óptima.
• LA ULTIMA CENA.
entre 1495 y 1497 Se encuentra en la pared
sobre la que se pintó originariamente,en
Milán.Un mural ejecutado al temple y óleo
sobre dos capas de preparación de yeso
extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de
alto por 880 cm. de ancho.
• LA VIRGEN DE LAS ROCAS.
es un nombre usado para denominar dos
cuadros de Leonardo da Vinci pintados con
idéntica técnica pictórica de óleo sobre
lienzo.

7. MIGUEL ANGEL
• Fue un escultor, pintor y arquitecto, nació en
Caprese el 6 de marzo de 1475 y murió en
Roma el 18 de febrero de 1564.
Desarrolló su labor artística a lo largo de
más de setenta años entre Florencia y
Roma, que era donde vivían sus grandes
mecenas, la familia Médicis de Florencia, y
los diferentes papas romanos.
Fue admirado por sus
contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Triunfó en todas las artes en las que
trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo.
La escultura, según había declarado, era su
predilecta y la primera a la que se dedicó;
Después se dedicó a la pintura y se
concretó en una obra excepcional y
magnífica, La Capilla Sixtina. Miguel Ángel
empezó también la Piedad Rondín, que
sería la última escultura en la cual trabajaría
hasta la vigilia de su muerte. La
dejó, inacabada, como legado, en 1561, a
su fiel servidor Antonio del Franzese. Se
mantuvo durante siglos en el patio del
Palazo Rondanin

8. OBRAS.
• SANTO ENTIERRO.
es un cuadro inacabado atribuido al pintor
renacentista italiano Miguel Ángel. La
datación es alrededor de 1500-1501. Una
una técnica mixta (témpera y óleo). El
centro del cuadro representa a Jesucristo
llevado al sepulcro. El hombre con barba
que está tras él es José de Arimatea, el
hombre que dio su tumba para la sepultura
de Cristo.
• LA CREACIÓN DE ADÁM
es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina
pintado por Miguel Ángel alrededor del año
1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis
en el cual Dios le da vida a Adán, el primer
hombre (según la tradición bíblica).
Cronológicamente es el cuarto de los
paneles que representan episodios del
Génesis en el techo de la capilla, fue de los
últimos en ser completados y es una de las
obras de arte más apreciadas y reconocidas
en el mundo.

9. ANDREA MANTEGNA
• Nació probablemente cerca de Vicenza,
Italia. A los 10 años comienza a trabajar en
el taller de pintura de Francesco Squarcione
en Padua. A los 17 años se independiza,
cansado de que su talento artístico sea
apropiado por su mantenedor.
Él frecuenta los anticuarios de la ciudad,
presta especial atención a la pintura y el
arte de la antigua Roma y va perfilando su
propio estilo. Sus primeros trabajos
importantes los realiza en la capilla de San
Jacopo y San Cristoforo de Ovetii, junto con
Ansuino da Forli, perdidos en su mayor
parte tras los bombardeos sobre la ciudad
en la II Guerra Mundial.
También antes de los 30 años realiza el
San Sebastián en Viena, explotando su
fama por toda Italia.
Mantegna produjo así mismo diversos
grabados, medio apropiado para difundir su
dibujo incisivo. Con todo, su autoría no es
segura y se cree que al menos algunas
planchas fueron terminadas por ayudantes
de su círculo.

10. OBRAS
• CRUCIFIXIÓN (1457-1459)
En estas tres tablas encontramos una
marcada influencia de la pintura flamenca
en el paisaje, en la expresividad excesiva de
algunas de las figuras y en la minuciosidad
"fotográfica" de los ropajes. Realizada en
tempera sobre madera.
• TRÁNSITO DE LA VIRGEN (1461)
Es una de las obras más conocidas del
pintor italiano Andrea Mantegna. Es un óleo
sobre tabla, pintado hacia el año 1461. Mide
54 cm de alto y 42 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo del Prado de
Madrid.
• EL CRISTO MUERTO
Es uno de los más célebres óleos sobre tela
de Andrea Mantegna. Fue realizado entre
1457 y 1501. Mide 68 centímetros de alto
por 81 de ancho.

11. CARAVAGGIO
• Fue un pintor italiano activo en
Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los
años de 1593 y 1610. Es considerado como
el primer exponente de la pintura barroca.
Caravaggio produjo mayoritariamente
pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo
escandalizaba y sus lienzos eran
rechazados por sus clientes. Hacia
mediados de 1592 Caravaggio llegó a
Roma, «desnudo y extremadamente
necesitado, sin una dirección fija y sin
provisiones... además corto de dinero».
Pocos meses después comenzó el trabajo
exitoso que no concluiría hasta dejar Roma.
En 1599, presumiblemente bajo la influencia
del cardenal Del Monte, Caravaggio fue
contratado para decorar la Capilla
Contarelli, en la iglesia romana de San Luis
de los Franceses. En 1606 asesinó a un
hombre durante una reyerta, por lo que
huyó de Roma pues las autoridades habían
puesto precio a su cabeza. En 1608 se vio
nuevamente envuelto en otra riña, lo que se
repitió más tarde en Nápoles. Un
poeta, amigo íntimo del pintor, dio como
fecha de su muerte el 18 de julio, víctima de
fiebre en Porto Ércole,cerca de Grosseto, en
Toscana.

12. OBRAS
• LA VOCACIÓN DE SAN MATEO.
Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al
ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada
en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la
iglesia romana de San Luis de los
Franceses, donde aún se conserva.
• MUERTE DE LA VIRGEN.
Está realizado al óleo sobre lienzo, en el
año 1606. Esta pintura no pudo estar
terminada antes de 1605-1606. La
representación de la Virgen María causó
cierto escándalo, y fue rechazada como
inadecuada para la parroquia.
• LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO.
Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene
unas dimensiones de 230 centímetros de
alto por 175 de ancho. Fue pintada para la
capilla Cerasi de la iglesia de Santa María
del Popolo de Roma, Italia.

13. COURVET
• Nació en 1819. Fue un pintor francés,
fundador y máximo representante del
realismo, y comprometido activista
democrático.
En 1855 expuso algunas de sus obras en el
Palacio de las Artes de la Exposición
Universal de París, pero al ver el rechazo
del jurado hacia algunos de sus cuadros
decidió inaugurar una exposición individual
ubicada en las proximidades del campo de
Marte.
A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar
de éxito. Se le otorgó la medalla de la
Legión de Honor, pero la rechazó.
Durante la comuna se le encargó la
administración de los museos de Paris.
Murió en la Tour du Peilz, víctima de una
cirrosis producido por su consumo abusivo
de alcohol.

14. OBRAS
• LAS CRIBADORAS DE TRIGO
Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide
131 cm de alto y 167 cm de ancho. Fue
pintado en 1853, encontrándose
actualmente en el Museo de Bellas Artes de
Nantes. Las dos jóvenes mujeres son sin
duda las dos hermanas de Courbet
• ENTIERRO DE ORNANS
Es uno de los cuadros más conocidos del
pintor francés Gustave Courbet. Está
realizado al óleo sobre tela. Fue pintado en
1849. La pintura fue presentada en el Salón
de 1850, provocando un escándalo, ya que
se había dado el tratamiento, en formato y
estilo, de una pintura de historia a lo que no
era sino un episodio banal
• EL SUEÑO.
Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue
pintado en 1866. Se trata de un cuadro de
carácter sensual, propio de algunas de las
obras que el autor pintó durante el Segundo
Imperio. La puesta en escena es refinada

15. PIERO DELLA FRANCESCA
• Este artista será el gran enamorado de la
luz en el Quattrocento italiano y uno de los
más grandes pintores del siglo XV. Nació en
Borgo San Sepolcro entre 1416 y 1417.
Desconocemos con quién realizó su
formación suponiéndose que fue en su
ciudad natal.
También se especula sobre un aprendizaje
en la capital de la Toscana debido al
profundo conocimiento de las obras del
Beato Angelico, Paolo Ucello y Masaccio, a
quienes debe parte de su formación.
Recibe el encargo de la decoración de la
capilla del coro de la iglesia de San
Francisco en Arezzo, donde pintará la
Leyenda de la Vera Cruz, su obra
maestra, realizada entre 1452 y 1466.
Piero falleció en Borgo San Sepolcro el 12
de octubre de 1492, el mismo día que Colón
llegaba a América.

16. OBRAS
• NATIVIDAD.
Está realizada al temple sobre madera. Está
datada del periodo 1460-1475; otras fuentes
hablan de 1483-1484. En cualquier
caso, probablemente sea uno de los últimos
cuadros realizados por Piero antes de su
ceguera. Parece inacabado, aunque esta
impresión se debe seguramente a las
restauraciones antiguas.
• EL BAUTISMO DE JESUCRISTO.
Está realizado al temple al huevo sobre
tabla. Está constituido por dos grandes
planchas de álamo al veteado vertical, con
las proporciones del rectángulo de oro. El
eje medio genera una partición
calculada, aunque no simétrica.
• LA VIRGEN DEL PARTO.
realizó la obra en siete jornadas de
trabajo, usando los colores de primera
elección, entre los cuales una notable
cantidad de precioso azul ultramar obtenido
por el lapislázuli, que era importado de las
lejanas grutas de Afganistán a través de las
rutas de la República de Venecia.

17. EL MASACCIO
• Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de
diciembre de 1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su
esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la
actividad a que se dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran
ebanistas (en italiano, cassai). En 1406, coincidiendo con el nacimiento
del segundo hijo del matrimonio, Giovanni —que recibiría luego el
sobrenombre de «el Scheggia»—, muere el padre. La madre volvió a
contraer matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo,
también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la
muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la
madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San
Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella
continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven
artista comenzara su andadura en Florencia en el taller de Bicci di Lorenzo
o en el de algún otro. Su primera obra segura es el tríptico para San
Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de abril de
1422: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP[RILE]. Es
posible, según da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un
viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía
de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a
colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia
de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó
el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da
Castiglione para decorar la capilla de San Clemente en la iglesia
homónima. En Roma trabajó en el Políptico de Santa María Mayor, del
cual se conservan los «Santos Jerónimo y Juan Bautista» (actualmente en
la National Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de 1428, cuando
contaba sólo veintisiete años de edad. Algunas fuentes antiguas
mencionan el rumor de que fue envenenado.

18. OBRAS
• LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS
Es la tabla central de la predela del
Políptico, y la única en que no se utiliza el
fondo de oro. El centro de atención del
cuadro se desplaza de la escena sacra al
cortejo profano.
• LA TRINIDAD.
Está pintado en uno de los muros laterales
de la iglesia de Santa María Novella de
Florencia en Italia. Es quizá la obra más
celebrada de Masaccio.
• LA RESURRECIÓN DEL HIJO DE
TEÓFILO.
Masaccio dejó inacabado este fresco, que
fue completado por Filippino Lippi. Se cree
que en él pueden encontrarse retratos de
personajes de la época: en el grupo de la
izquierda, el personaje vestido con hábito de
carmelita es probablemente el cardenal
Brenda Castiglione; Teófilo, sentado en el
trono en forma de nicho, es un retrato de
Gian Galeazzo Visconti, gran enemigo de
Florencia; y Coluccio Salutati es la figura
sentada a los pies de Teófilo, a la derecha.

19. FRA ANGELICO
• Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello' y nació en Vicchio
(región de Toscana). En 1418 ingresó en un convento dominico en
Fiesole y alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la orden con el
nombre de Giovanni da Fiesole. Aunque se desconoce quién fue su
maestro, se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de
misales y otros libros religiosos. Después empezó a pintar retablos y
tablas. En 1436, los dominicos de Fiesole se trasladaron al convento
de San Marcos de Florencia que acababa de ser reconstruido por
Michelozzo. Fra Angelico, sirviéndose a veces de ayudantes, pintó
numerosos frescos en el claustro, la sala capitular y las entradas a las
veinte celdas de los frailes de los corredores superiores. Los más
impresionantes son La crucifixión, Cristo peregrino y La
transfiguración. El retablo que hizo para San Marcos. En 1445, Fra
Angelico fue llamado a Roma por el papa Eugenio IV para pintar unos
frescos en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy desaparecida.
En 1447, pintó los frescos de la catedral de Orvieto junto con su
discípulo Benozzo Gozzoli.
Sus últimas obras importantes, los frescos realizados en el Vaticano
para decorar la capilla del papa Nicolás V, representan episodios de
las Vidas de san Lorenzo y de san Esteban (1447-1449), y
probablemente hayan sido pintados por ayudantes a partir de diseños
del maestro. Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior de su
convento de Fiesole.
Murió en el convento dominico de Roma el 18 de febrero de 1455

20. OBRAS.
• HUIDA A EGIPTO
El relato cuenta cómo un ángel se apareció en sueños a
José y le ordenó que huyera a Egipto con Jesús y su
madre, pues el rey Herodes lo estaba buscando para
matarle. José obedece y tomando a María y a Jesús
emprende el viaje que le conducirá a Egipto. La noticia se da
de posteriores se amplía con multitud de anécdotas y
milagros acaecidos a lo largo del supuesto viaje manera
breve pero en los Evangelios apócrifos y en otros relatos
• LA ANUNCIACIÓN
Desarrolla el tema de la Anunciación tal como aparece
narrado en el Nuevo Testamento mostrando la escena en un
pórtico de mármol abierto, all’aperto, que recuerda al
Hospital de los Inocentes, construcción de un coetáneo de
Fray Angélico como Brunelleschi, con arcos de medio punto
que descansan sobre finas columnas blancas. Tiene
bóvedas de arista, de color azul celeste.
• EL BAUTISMO DE CRISTO.
creada en 1437-1446.

21. GOYA
• El pintor nació en la pequeña aldea de Fuendetodos el 30 de marzo de 1746
y poco se sabe de su infancia. Parece ser que fue alumno de las Escuelas
Pías y que a los catorce años ingresó en el taller del pintor Luzán, donde
debió ejercitarse, como era habitual en la época, en la copia de grabados. A
finales de 1763 Goya realiza su primer viaje a Madrid para participar en un
concurso de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Pero los
inicios no pueden ser mas desoladores y su obra no obtiene un solo voto.
Vuelve a probar suerte en 1776 en un nuevo concurso academico
cosechando el mismo fracaso.
Durante estos años Goya comienza su carrera como pintor realizando sobre
todo cuadros de tema religioso. Luego, retornó a Zaragoza, donde se
encuentra desde finales de junio de 1771, y pronto recibiría su primer
encargo importante: la bóveda del coreto de la Basílica del Pilar. Goya pudo
poner en práctica su habilidad como fresquista, técnica probablemente
aprendida en Italia, en una obra aún dependiente de las tradiciones
barrocas.
El 25 de julio de 1773 Goya se casa en Madrid con Josefa Bayeu, hermana
de los pintores Francisco y Ramón, que tendrán un importante papel en su
vida durante estos primeros años. Dos años después la recién formada
familia se instala en Madrid para que el joven pintor logre afianzar su carrera
en medios cortesanos.
En estos años se producen también sus primeros tanteos como grabador.
Especialmente importante es la serie de copias de cuadros de Velázquez,
que le permitirán ahondar en el conocimiento de la técnica del genial
sevillano e incorporarla como un elemento importante de su arte. En 1780
es admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, para lo
que presentó un Cristo crucificado. Poco después es llamado de nuevo a
Zaragoza para realizar un fresco en la Basílica del Pilar. Se trataba de
decorar una cúpula con sus cuatro pechinas, con el tema La Virgen, Reina
de los Mártires. Goya muere en Burdeos el 16 de abril de 1828.

22. OBRAS
• ANÍBAL VENCEDOR. 1770.
Es un óleo de tema histórico que Francisco de Goya
presentó a un concurso de pintura convocado por la
Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se
encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito
(Cudillero, Asturias) y existe un modelo previo, también en
lienzo, en el Museo de Zaragoza.
• EL AQUELARRE
El lienzo muestra un ritual de aquelarre, presidido por el
Gran Cabrón, una de las formas que toma el demonio, en el
centro de la composición. A su alrededor aparecen brujas
ancianas y jóvenes que le dan niños con los que, según la
superchería de la época, se alimentaba. En el cielo, de
noche, brilla la luna y se ven aves nocturnas (que podrían
ser murciélagos). En la serie de la que forma parte se
encuentran también otros cinco cuadros de similar temática
y dimensiones, que son: Vuelo de brujas (Museo del
Prado), El conjuro (Museo Lázaro Galdiano),
• LA PRADERA DE SAN ISIDRO
Se trata de un boceto pintado para una serie de cartones
para tapices destinados a la decoración del dormitorio de las
infantas del Palacio de El Pardo. Con la muerte de Carlos III
el proyecto quedó inacabado, y el cuadro, que iba a medir
siete metros y medio de longitud, quedó en este delicioso
apunte. El cuadrito pasó a propiedad de los duques de
Osuna hasta 1896, año en que fue adquirido por el Museo
del Prado

23. EL GRECO
• El Greco es el nombre con el cual se conoce popularmente a Doménikos Theotokópoulos.
El apodo se debe a que era originario de Candía (actual Heraclion), capital de la isla de
Creta -Grecia-, donde nació en 1541. Respecto a los primeros años de su vida no se
conocen demasiados datos, sólo que procedía de una próspera familia burguesa, y que
recibió una amplia formación humanística. Fue uno de los artistas que mejor supo
entender y desarrollar el Manierismo.
Doménikos trabajó en las dos vías que existían en la pintura de Creta de la segunda mitad
del siglo XVI: la tradicional -"allá greca" siguiendo los modelos bizantinos- y la moderna -
"allá latina" según los modelos llegados del Renacimiento italiano-. Trabajando en
ambas, pronto alcanzó una importante posición entre los pintores cretenses, por lo que
hacia 1563 se lo llamó maestro.
Cuando decidió irse de su ciudad natal, ya era un prometedor pintor. En 1566 se trasladó
a Venecia, ciudad en la vivía su hermano Manusso y que había visitado unos años antes
(hacia 1560). En esta ciudad, El Greco asimiló la pintura renacentista. Algunos datos
imprecisos parecen sugerir su ingreso en el taller de Tiziano, pero independientemente de
este hecho, es cierto que la pintura del gran artista veneciano -junto con la de
Tintoretto, de quien tomó la iluminación artificial para sus cuadros, y Jacopo Bassano-
, ejerció una influencia determinante en el desarrollo de su técnica y su estética.
En 1570 Doménikos se fue a Roma, donde vivió siete años. Allí pudo admirar las obras de
Miguel ángel, Rafael y Correggio. Asimismo en esa ciudad abrió su propio taller y
enseguida logró una sólida reputación como retratista, lo que le permitió frecuentar los
ambientes más relevantes de la sociedad e intelectualidad italiana y española.
Fue en 1576 cuando Doménikos decidió marcharse a España, con la esperanza de ser
contratado para la decoración del Monasterio de El Escorial. Ya en Madrid conoció a
Jerónima de las Cuevas, con quien tuvo a su único hijo Jorge Manuel en 1578.
Tal como lo esperaba El Greco, recibió un importante encargo, el monarca español le
encomendó un cuadro que conmemorase la batalla de Lepanto, y el artista pintó "El sueño
de Felipe II" (1577-1579) que no fue del agrado del rey. Luego le pidió que realizara "El
martirio de San Mauricio", que tampoco le gustó al rey, pues le pareció poco acorde con
las ideas de la Contrarreforma. Fue así como Doménikos se instaló de forma definitiva en
Toledo (la ciudad donde sí pudo triunfar).
Paulatinamente se fue afianzando entre la clientela de Toledo, de la que recibió sus
mejores encargos: entre 1586-1588 hizo el famoso "El entierro del señor de
Orgaz", diversos retablos para instituciones religiosas tanto de Toledo como de Madrid -el
encargo del Colegio de doña María de Aragón que actualmente ocupa el edificio del
Senado español- o pueblos limítrofes como Illescas o Talavera la Vieja.

24. OBRAS
• EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ 1541
El cuadro representa las dos dimensiones de la
existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la
vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo
que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la
muerte, iluminado por Jesucristo.
• LACONTE.1614
El conjunto escultórico Lacoonte pertenece a la escuela
de Rodas. Sus autores fueron Agesandro, Polidoro y
Atenodoro. Fue esculpido originalmente en mármol
rosado y blanco. Mide 2 metros y 42 centímetros. Se
encuentra expuesto actualmente en los Museos
Vaticanos.La escultura representa el instante en que el
sacerdote Laocoonte es enroscado por dos serpientes
junto a sus dos hijos.
• ADORACIÓN DE LOS PASTORES.1541
Es un óleo sobre tela. La composición está desarrollada
en espiral, creando un movimiento de ascensión. La
distorsión extrema de los cuerpos caracteriza la
Adoración de los Pastores como toda la obra tardía de El
Greco. Los colores brillantes, «disonantes», y las formas
y poses extrañas crean una sensación de maravilla y
éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles el milagro
del niño recién nacido.

25. MANET
• Edouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia acomodada.
terminó su formación sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho,
para decepción de su padre, que era magistrado. A los dieciséis años viajó a Río de
Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia
Naval Francesa, y cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al
arte, pasando a su regreso Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo,
pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez, sino
también de Goya, De Lacroix, Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para
ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el
pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido.
Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma,
Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su
época. Al estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto con otros impresionistas,
fue movilizado. envió a su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos, y envió trece
cuadros a Duret, entes de entrar como teniente al servicio de la Guardia Nacional
durante el sitio de París.Tras la declaración del armisticio, en 1871, formó parte,
junto con otros catorce pintores y diez escultores de la federación de artistas de la
efímera Comuna de París.
En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos veinticuatro obras de Manet y
organizó la primera exposición de pintores impresionistas, que no tuvo éxito
comercial. sin embargo, entre estos artistas iba surgiendo una conciencia de grupo
que los llevaría a formar la Société Anonyme des artists para realizar exposiciones
colectivas.
En esta época, en la que tiene mucha relación con Monet, empieza Manet a
adoptar las técnicas impresionistas si bien rehusará participar en las exposiciones
colectivas. en cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio taller de
la parisina calle de St. Petersboug, que gozó de bastante popularidad,
rumoreándose en la época que había tenido unas 4000 visitas.
Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio
crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en
Bellevue. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de segunda
clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de
Honor.
El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna
izquierda y, diez días más tarde falleció, a los 51 años de edad.

26. OBRAS
• EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA 1863
Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay de París, FranciaLa
yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros completamente
vestidos suscitaron controversia cuando la obra se mostró por vez primera
en el Salón des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón
oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido» de esa exposición de
obras rechazadas.
• OLIMPIA 1863
Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino del Tiziano, sin embargo
el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En
lugar de las doncellas que acompañaban a los desnudos del Cinquecento
entra en escena llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo
rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos
claros de su vestimenta oriental. Por otra parte las carnaduras de la mujer
desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son
contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo
oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad
• EL PÍFANO.
Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin
profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas
distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción
de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran
tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de
fondo». Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente
coloreada en base a una paleta reducida pero de colores vivos, en la que
predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los
zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como
resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».
Además, como en Velázquez, Manet retrata también a un personaje
anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que
fue enviado a Manet por el comandante Lejosne,«tratado como un Grande
de España
.

27. MONET
• Nació el 14 de Noviembre de 1840.Monet recibió sus primeras lecciones
artísticas en la escuela de la mano de François-Charles Ochard, alumno del
pintor neoclásico Jacques-Louis David.. Al estar más interesado por los
dibujos graciosos y caricaturas que por adquirir una formación artística, a los
15 años ya tenía relativa fama como caricaturista, realizando un buen
número de caricaturas de ciudadanos de Le Havre por las que cobraba
entre 10 y 20 francos, consiguiendo una pequeña fortuna de 2.000 francos.
A los 17 años falleció su madre, la única persona con cierto talento artístico
de la familia. La pérdida supuso un duro golpe para el joven, quien
establecerá una estrecha relación con su tía, Marie-Jeanne
Lecadre, interesada por la pintura (era una pintora aficionada además de
compañera -tras enviudar- del pintor parisino Armand Gautier. En 1861 le
toca hacer el servicio militar en Argelia, en la legión africana, durante un
periodo de un año. La delicada salud del joven -enfermó de tifus a
comienzos de 1862- motivó su regreso a Le Havre por un periodo de seis
meses. En esta temporada continuó trabajando con Boudin y conoció a
Jongkind. Su tía Marie-Jeanne exoneró al joven del servicio militar al pagar
3.000 francos pero le puso como condición continuar sus estudios pictóricos
en París. En el otoño de 1862 Monet regresaba a París, acudiendo al taller
de Auguste Toulmouche por indicación de la familia. Este le aconsejó que
acudiera al estudio de Charles Gleyre donde permaneció hasta 1864
cuando el maestro cerró su taller por una dolencia ocular. Aquí conoció
Monet a tres compañeros con los que entabló estrecha amistad:
Renoir, Sisley y Bazille, intimando especialmente con este último. Junto con
sus compañeros de estudios se dedicará a la pintura al aire libre en
Chailly, en el bosque de Fontainebleau. Tras una estancia en Normandía
junto con Bazille, en el verano de 1864 visita a su familia en Saint-
Adresse, se ve desprovisto de la manutención Muere el 5 de diciembre de
1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de París.

28. OBRAS
• IMPRESIÓN SOL, NACIENTE.
Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es
el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que
sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el título:
"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea
, de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión
en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de
botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el
catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan
impresión"
Fue robada en 1985 y recuperada en 1990.
• MUJERES EN EL JARDÍN.
Es un cuadro del pintor francés Claude Monet. Data del año 1867.
Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Varias
mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet
tomó a su mujer como modelo para esta obra.Protagonista del cuadro es la
luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los
vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y las
sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en
actitudes naturales.
• PONT DE l'EUROPE, ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE
Es un cuadro del pintor francés Claude Monet. Data del año 1877. La serie
sobre la estación de Saint-Lazare en París es la primera de ellas.Monet
mostró siete variaciones sobre este tema en la exposición de los
impresionistas de 1877, entre ellas este Pont de l'Europe.
El humo del ferrocarril resulta un atractivo soporte de la luz. El humo y la luz
del cielo se unen, extendiéndose «como un velo de seda sobre la banal
estación y las fachadas de las casas

29. MURILLO
• Sevilla, 1617-Cádiz, 1682) Pintor español. Nació en 1617 en el seno de una familia
de catorce hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó huérfano de padre a los
nueve años y perdió a su madre apenas seis meses después. Una de sus
hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un
pariente pintor, Juan del Castillo.
En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su
primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San
Francisco el Grande; la serie se compone de trece cuadros, que incluyen La cocina
de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo
con que están tratados los objetos cotidianos. El éxito de esta realización le
aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener
sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo
matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de
Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor
caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada
Concepción, de los que realizó multitud de versiones; sus vírgenes son siempre
mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del
artista. Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año intervino
en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el
Mozo. En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del
retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María
la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de
Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la
Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia).
Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de
La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos
y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de
una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración
de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los
Desposorios de santa Catalina, ya que falleció, mientras trabajaba en ella, a
consecuencia de una caída desde un andamio.

30. OBRAS
• DOS NIÑOS COMIENDO MELÓN Y UVA.
Murillo se convertirá en uno de los principales
pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de
representar figuras divinas como el Niño Jesús o
San Juanito o personajes absolutamente reales
como estos niños que aquí observamos. Se trata
de una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella
apreciamos la influencia naturalista en la pintura de
Murillo. Las dos figuras aparecen ante un edificio en
ruinas, interesándose el artista por presentarlos
como auténticos pícaros, destacando sus ropas
raídas y sus gestos de glotonería. Los detalles
están captados a la perfección -especialmente las
frutas- creando Murillo una apreciable sensación de
realidad. La pincelada comienza a adquirir una
mayor soltura y los efectos de vaporosidad y
transparencia empiezan a surgir gracias a su
contacto con Herrera y la pintura veneciana.
• JOVEN MENDIGO
1650.La primera de estas representaciones de
estos golfillos urbanos es este Joven mendigo del
Louvre. Aparece un mendigo vestido con
harapos, que se concentra en su ropa apretada
entre las manos. Se cree que está despiojándose.
Tiene los pies sucios. Puede ser un mendigo o más
bien un pícaro de los que aparecen en las novelas
el Lazarillo de Tormes (1511) o las Ejemplares de
Cervantes(1613).

31. REMBRANDT
• Rembrandt- (Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 -
Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de
molineros, Rembrandt recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la
Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse
a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue
este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias
italianizantes en boga
En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens
(quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una
amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde
unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente
afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del
Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en
época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de
expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y
La presentación de Jesús en el templo.
En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció
con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó
entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se
truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses
económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus
pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de
Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con
quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la
herencia de Saskia.
Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en sus
obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo
de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto
superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una
profundidad muy superior.
La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado
estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes
creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche
y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.
RTanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas
por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo
circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos.

32. OBRAS
• LA RONDA DE NOCHE.
Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada "Nacht
Wacht" por los holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el
momento de su descubrimiento los colores al óleo se habían apagado tanto que
muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena
nocturna. Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena
representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un
sombrío patio a la cegadora luz del sol. La obra fue encargada para el nuevo
ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la compañía de mosqueteros encargados
de la patrulla urbana.
• EL RAPTO DE EUROPA.
Está realizado en óleo sobre panel, y fue pintado en el año 1632. El cuadro se
inspira en una historia de la mitología griega. En Las metamorfosis, Ovidio cuenta
que Europa era una princesa fenicia y Zeus la raptó en forma de toro
blanco, llevándosela desde las orillas de lo que hoy es el Líbano hasta el
continente al que acabó dando su nombre.
• LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. NICOLAES TULP
Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. Es el primer
retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un
encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico
de Ámsterdam, era un representante eminente. Un cuadro de similares
características fue pintado por Thomas de Keyser en 1619.

33. RENOIR
• Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su
familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la
edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos
Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En
1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto
por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas.
En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en
unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller
de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de
estilo clásico, romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. Sin
embargo, la primera obra que expone en la galería l’Esméralda en 1864
recibió una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó.
Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos, principalmente
femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). Esta joven tuvo
una importancia vital en la obra del pintor, dado que al romperse la relación,
hubo un cambio en el estilo del autor. La carrera de Renoir realmente se inicia
en 1867 con la exposición de la Lise à l’ombrelle. Entre 1883 y 1890, Renoir
entra en su período ingresco. En busca de las fuentes clásicas de Ingres
marcha a Italia y contempla la obra de Rafael in situ; decide revisar su estilo.
Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las formas
con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre
por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la
más importante obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó
tres años en completar. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de
Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento
de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz. En varias
ocasiones pinta en compañía de la niñera, quien también se convertirá en
modelo para sus obras.
Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa
pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta
terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con
manzanas. Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de
visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién
pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto
a su esposa.

34. OBRAS
• EL ALMUERZO DE LOS ROMEROS.1881
El cuadro muestra un grupo de amigos de Renoir descansando
en una terraza de la Maison Fournaise sobre el río Sena en
Chatou, Francia. El pintor y el mecenas, Gustave Caillebotte
están sentados abajo a la derecha. En el fondo se ve a la futura
esposa de Renoir, Aline Charigot, jugando con un pequeño perro.
• LAS GRANDES BAÑISTAS.
Pintado entre los años 1884 y 1887. En "Los Grandes Bañistas"
Renoir un contorno neto, una materia lisa y un reparto de la luz
uniforme. El dibuja las formas con más rigor, los colores se
vuelven más fríos. El deseaba que las formas femeninas fueran
más talladas ,estructuradas, es lo que le reprocha Camille
Pissarro. Los cuerpos se vuelven más importantes que los
decorados, como si estos conservasen un papel por jugar. El
decorado no es más que un primer plano. Se inspira
profundamente en Cézanne, con el que había pasado algún
tiempo pintando en L'Estaque en su retorno de Italia.
• EN LA TERRAZA.
Fue pintado en 1881.Realizado a óleo sobre lienzo. En esta obra
aparece una joven, vestida de azul oscuro con un sombrero rojo
en la cabeza. Las flores adornan su sombrero (amapolas) y su
pecho. Junto a ella se encuentra su hija, vestida de blanco y un
sombrero también cuajado de flores. Detrás, una barandilla de
hierro forjado, más allá de la cual se ve una rica naturaleza de
colores intensos: matorrales y árboles en flor, un río de color azul
claro.

35. ROSETTI
• Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en
Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Su familia y
amigos lo llamaban "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía primero el nombre de
Dante, debido a sus resonancias literarias. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y
del crítico William Michael Rossetti, y fue uno de los fundadores de la Hermandad
Prerrafaelita, junto con John Everett Millais y William Holman Hunt. Después de la
exposición de la obra de Holman Hunt La víspera de Santa Inés, Rossetti buscó la
amistad de Hunt. La pintura ilustraba un poema de un autor por entonces poco
conocido, John Keats. El primer poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una
imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría compartir sus ideales artísticos y
literarios. Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad de los prerrafaelitas. Rossetti
estuvo siempre más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna.
Estaba publicando traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, y su arte
también buscaba adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos.
• Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas
del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los
antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla
Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza. Es una
interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación, en la que María es
representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor
espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de
sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. La presencia del lirio y de la cortina
azul entre los tonos blancos son elementos ulteriores que añaden contenido simbólico a la
pintura. Su obra es intensamente mística y primitiva, acercándose al eclecticismo de los
nazarenos alemanes. Su pintura incompleta Found (1854) fue la única dedicada a la vida
moderna. Representaba a una prostituta, sacada de la calle por un pastor que era su
antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas
y mitológicas a las realistas. Esto también puede predicarse de su poesía posterior. Hacia
el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su
creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes
ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años
retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

36. OBRAS
• BEATA BEATRIX.
En 1860 Se había suicidado ingiriendo láudano, aunque en el
certificado de fallecimiento se mencionó como una muerte
accidental. A pesar de las infidelidades, Rossetti sintió mucho su
muerte y se trasladó de casa, eligiendo Chelsea como lugar de
residencia, donde pintó este cuadro que se considera como la estela
funeraria de su esposa, identificando al propio Rossetti con Dante y
a Beatriz con Lizzy. La figura de Beatriz presenta una expresión de
éxtasis, posiblemente más sexual que religioso, llevando entre sus
manos un pájaro maligno que sujeta en su pico una
amapola, efímera flor que simboliza la pasión y la muerte, así como
origen del opio, la droga que utilizó Lizzy para su suicidio. Tras
Beatriz observamos dos figuras que se miran
mutuamente, representando a Dante y al Amor. A la derecha
contemplamos un reloj de sol que simboliza el inexorable paso del
tiempo. La mezcla de lo irreal con los real, de la fantasía con la
poesía, son ingredientes muy queridos por Rossetti, el artista más
poético del grupo prerrafaelita.
• THE ANUNCIATION.
1849.

37. JOAQUIN SOROLLA
• Considerado como uno de los pintores españoles más
importantes de comienzos del siglo XX, Joaquín Sorolla inicia
su aprendizaje artístico en su Valencia natal. Tras exponer por
primera vez en 1881, viaja a París y a Roma y fija su
residencia en Asís, donde estudia a los grandes maestros
italianos. En 1889 regresa a Madrid, donde continúa su labor
pictórica. Participa con gran éxito en múltiples muestras, tanto
nacionales como internacionales, y en 1900 obtiene el Grand
Prix de la Universal de París. Su éxito no se limita a su
actividad artística, sino que, además, es nombrado miembro
de la Legión de Honor, en Francia, y Caballero de la Orden de
Isabel la Católica, en España. Gracias a su prestigio, recibe un
encargo de la Hispanic Society of America para realizar
catorce paneles en su sede de Nueva York representando
escenas de la vida española. Sorolla los realiza con una
pincelada luminosa, empastada, de temática folclórica, gran
colorido y claridad, que es el mejor resumen de su carrera
pictórica. Posteriormente, los apuntes cotidianos del mundo
burgués mediterráneo, centrado en las escenas de playa y los
paseos por el parque, se configuran como el lugar privilegiado
donde Sorolla desarrolla su arte. En 1914 es elegido
académico de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando, donde empieza a impartir clases cinco años
después. En 1920 una hemiplejía supone el fin de su carrera
pictórica y docente. Sorolla muere tres años después.

38. OBRAS
• TRATA DE BLANCAS.
1894.El autor a de adaptarse al social, dominante en los
certámenes de la época. Mantiene su temática
costumbrista.
• PATIO DE LA CASA DE SOROLLA.
Es un óleo sobre lienzo. Realizada en 1917.
• CHICOS EN LA PLAYA.
Es una conocida obra del pintor postimpresionista español
Joaquín Sorolla. Data del año 1910, está ejecutado al óleo sobre
lienzo y mide 118 centímetros de alto por 127 cm de ancho.
Pertenece al Museo del Prado de Madrid, a donde llegó
procedente del Museo de Arte Moderno, al cual lo donó el propio
pintor en 1919; no obstante, no está expuesto sino en el Depósito
3.

39. VELAZQUEZ
• Velázquez, Diego de Silva (1599-1660), pintor español, máximo representante de la pintura barroca en su país.
• Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599. Procedente de una familia burguesa Sevillana, fue el mayor de seis
hermanos. Entre 1611 y 1617 el joven Velázquez trabajó como aprendiz en el taller del que sería su futuro
suegro, Francisco Pacheco, pintor manierista y autor de un importante tratado titulado El arte de la pintura (1649).
Durante sus años de aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista imperante en su época, derivado
del realismo italiano y del flamenco. En el año 1621 Velázquez realizó su primer viaje a Madrid (tal y como
Pacheco nos dice) para, presumiblemente, conocer en persona las colecciones reales y probablemente para
buscar, sin éxito en esta ocasión, un puesto como pintor de corte. Sin embargo, en el año 1623 regresó a la
capital para pintar un retrato del rey Felipe IV (1623, Museo del Prado) y el monarca le nombró su pintor de
cámara. Este lienzo fue el primero de una serie de retratos soberbios y directos, no sólo del rey, sino también de
la familia real y otros miembros de la corte, ya que, realmente, su principal ocupación en la corte era la de
retratar, aunque también abordó temas mitológicos, como El triunfo de Baco, popularmente llamado Los
borrachos (1628-1629, Museo del Prado). Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en la que el dios del vino
bebe junto a los borrachos, atestigua el interés del artista por el realismo.
• Viaje a Italia
• En el año 1628 Petrus Paulus Rubens llegó a la corte de Madrid en misión diplomática y entre los pocos pintores
con los que trabó amistad estaba Velázquez. Aunque el gran maestro flamenco no causó un decisivo impacto
sobre la obra del pintor, sus conversaciones le impulsaron a visitar las colecciones de arte en Italia que tanto
admiraba Rubens. En agosto de 1629 Velázquez abandonó Barcelona rumbo a Génova y pasó dos años viajando
por Italia. De Génova se dirigió a Milán, Venecia, Florencia y Roma; regresó a España desde Nápoles en enero
de 1631. En el transcurso de este viaje estudió de cerca el arte del renacimiento y de la pintura italiana de su
tiempo. Algunas de las obras realizadas durante sus viajes dan muestra de la asimilación de estos estilos; un
ejemplo representativo es su La túnica de José (1639, Monasterio de El Escorial, Madrid) y La fragua de Vulcano
(1630, Museo del Prado), que combinan los efectos escultóricos miguelangelescos con el claroscuro de maestros
italianos tales como Guercino y Giovanni Lanfranco. Durante los últimos años de su vida, Velázquez trabajó no
sólo como pintor de corte, sino también como responsable de la decoración de muchas de las nuevas salas de los
palacios reales. En el año 1649 regresó de nuevo a Italia, en esta ocasión para adquirir obras de arte para la
colección del rey. Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico retrato de Juan de Pareja (Museo
de Arte Metropolitano, Nueva York), así como el inquietante y profundo retrato del Papa Inocencio X (Galería
Doria-Pamphili, Roma), recientemente exhibido en Madrid. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la
Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus del espejo (National Gallery, Londres) data probablemente
de esta época.

40. OBRAS
• LAS MENINAS.
Conocida popularmente desde el siglo XIX como Las Meninas, el cuadro fue
titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la
obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una pintura
realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras
representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes
indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de
Madrid. El tema central es la infanta Margarita de Austria aunque la pintura
representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez.
• VENUS DEL ESPEJO.
1599-1660. La obra representa a la diosa Venus en una pose
erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el
dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que
Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como
a una diosa sino, simplemente, como a una mujer.
• VIEJA FRIENDO HUEVOS.
La fecha del cuadro, aunque no está claramente definida se situaría en
torno al año 1618, antes del traslado definitivo de Velázquez a Madrid, lo
cual sucedería en 1623. El realismo es casi fotográfico, Velázquez se
esmera porque los objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde
aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas, morteros y jarras, destacando
el brillo especial del cristal o la influencia de la luz en el melón que porta el
muchacho. La fritura de la vieja está increíblemente conseguida, tanto que
el aceite hirviendo está literalmente saltando ante nuestros ojos.

41. ZURBARÁN
• Francisco de Zurbarán nació el 7 de noviembre de 1598. Sus padres fueron Luis de Zurbarán, comerciante
acomodado, e Isabel Márquez. Otros dos importantes pintores del Siglo de Oro nacerían poco después:
Velázquez (1599-1660) y Alonso Cano (1601-1667).
Probablemente se iniciara en el arte pictórico en la escuela de Juan de Roelas, en su ciudad natal, antes de
ingresar, en 1614, en el taller del pintor Pedro Díaz de Villanueva (1564-1654), en Sevilla, donde Alonso Cano le
conoció en 1616, probablemente también trabó relación con Francisco Pacheco y sus alumnos, a más de tener
cierto influjo procedente de Sánchez Cotán tal cual puede observarse en la Naturaleza muerta que pintara
Zurbarán hacia 1633.
Su aprendizaje se terminó en 1617, año en el que Zurbarán se casó con María Páez. El único cuadro que hoy se
conoce y que corresponde a los comienzos de su carrera es el de una Inmaculada de 1616.
En 1617 se estableció en Llerena, Extremadura, donde nacieron sus tres hijos: María, Juan (Llerena 1620-Sevilla
1649), (que fue pintor, como su padre, y murió durante la gran epidemia de peste ocurrida en Sevilla, en 1649), e
Isabel Paula.
Tras el fallecimiento de su esposa, se volvió a casar en 1625 con Beatriz de Morales, viuda y con una buena
posición económica, aunque diez años mayor que él, como su primera esposa. En 1622 era ya un pintor
reconocido, por lo que fue contratado para pintar un retablo para una iglesia de su ciudad natal.
En 1626 y ante un notario, firmó un nuevo contrato con la comunidad de predicadores de la orden dominica de
San Pablo el Real, en Sevilla: tenía que pintar 21 cuadros en ocho meses. Fue entonces, en 1627, cuando pintó
el Cristo en la Cruz, obra que fue tan admirada por sus contemporáneos que el Consejo Municipal de Sevilla le
propuso oficialmente, en 1629, que fijara su residencia en esta ciudad hispalense. En este cuadro la impresión de
relieve es sorprendente: Cristo está clavado en una burda cruz de madera. El lienzo blanco, luminoso, que le ciñe
la cintura, con un hábil drapeado — ya de estilo barroco —, contrasta dramáticamente con los músculos flexibles
y bien formados de su cuerpo. Su cara se inclina sobre el hombro derecho. El sufrimiento, insoportable, da paso a
un último deseo: la resurrección, último pensamiento hacia una vida prometida en la que el cuerpo, torturado
hasta la extenuación pero ya glorioso, lo demuestra visualmente.
Igual que en La Crucifixión de Velázquez (pintado hacia 1630, más rígido y simétrico), los pies están clavados por
separado. En esa época, las obras, en ocasiones monumentales, trataban de recrearse morbosamente en la
crucifixión; de ahí el número de clavos. Por ejemplo, en las Revelaciones de Santa Brígida se habla de cuatro
clavos. Por otra parte, y tras los decretos tridentinos, el espíritu de la Contrarreforma se opuso a las grandes
escenificaciones, orientando especialmente a los artistas hacia las composiciones en las que se representara
únicamente a Cristo. Muchos teólogos sostenían que tanto el cuerpo de Jesús como el de María tenían que ser
unos cuerpos perfectos. Zurbarán aprendió bien estas lecciones, afirmándose, a los veintinueve años, como un
maestro incontestable.

42. OBRAS
• EXPOSICIÓN DEL CUERPO DE SAN BUENAVENTURA.
1629. Es un cuadro de Francisco de Zurbarán expuesto en el
Museo del Louvre de París, Francia. Está pintado al óleo sobre
lienzo y mide 250 cm de alto por 225 cm de ancho.
• AGNUS DEI.
1635-1640. Es un cuadro de Francisco de Zurbarán propiedad
del Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo
sobre lienzo y mide 38 cm de alto por 62 cm de ancho.
Zurbarán realizó seis versiones de este tema, entre las que
presentan muy pocas variantes.
• LA DEFENSA DE CÁDIZ.
1634. El cuadro consta de dos zonas ; en el fondo, aparece la
ciudad de Cádiz rodeada por los barcos ingleses. En este
término se puede notar los limites del pintor que tenía
dificultades para representar la perspectiva y dar una
impresión de profundidad. Estos temas históricos no son
habituales para él ; su maestría aparece más en los
bodegones o en los retratos. Así, el primer plano es
representado con más acierto. A la izquierda, delante de la
torre del Puntal de Cádiz, Don Fernando Girón está sentado
en un sillón a causa de su salud. Está dando órdenes a los
capitanes. Se puede apreciar el lujo de las indumentarias
pintadas con mucho esmero y detalles.

43. 10 ESCULTORES

44. RODÍN
• François-Auguste-René Rodin nació en París el año 1840. Educado en la Escuela de Artes
Decorativas de París, un ámbito no sólo ajeno al de las bellas artes, sino además
menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos
sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los
escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París. Célebre fue el
escándalo en torno a su escultura La edad de bronce (1875), de la cual se dijo que, debido a
su perfección, los moldes habían sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de
una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el método del vaciado en Bronce: tal
acusación era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de
amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logró salir de la
disputa no sólo victorioso, sino que además con una fama que lo puso inmediatamente entre
los artistas más importantes de París.
Con posterioridad a este escándalo, su escultura se dividió en dos líneas distintas: la
primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como
su nombre indica, se alimentaba a sí mismo y a sus amantes, entre las cuales se contó su
amiga y ayudante la escultora Camille Claudel; la segunda, más popular y transgresora, es
conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.
Pertenecientes a esta última línea de trabajo, podemos encontrar sus monumentos y encargos
más importantes, tales como Los burgueses de Calais (1884) y el célebre Monumento a
Balzac (1897), famoso debido a la revolución de la escultura en el espacio público generada
por su elaboración. Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era
el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio
de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los
ojos del mundo.Estas ideas las podemos ver plasmadas en su obra más importante, Las
Puertas del Infierno (1880-1917), para las que en un comienzo fueron pensadas las figuras El
pensador (Le Penseur), El beso(Le Baiser) y Dánae. Estas puertas, originalmente hechas para
un supuesto museo de artes decorativas de París que nunca fue creado, tienen como tema el
Infierno de Dante Alighieri y en ellas Rodin plasma algunos pasajes de este libro usando como
narración los cuerpos de los personajes involucrados. La figura central, El pensador, es un
retrato del Poeta Dante, el cual se ve afectado por lo que está viendo (frisos con las figuras
pecadoras bajo él) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su
cabeza (tres sombras o retrato triple de Adán). Los historiadores del Arte también coinciden en
esta escultura a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual
le toca vivir, en el que la tecnología da paso a milagros como el cine, y está justo en el
centro, donde debe elegir entre enmarcarse en la tradición o revolucionar las artes escultórica.

45. OBRAS
• LOS BURGUESES DE CALAI
Se trata de un encargo que representa una hazaña heroica de un conjunto
de personas de la ciudad de Calais, que se opone a la ocupación de ésta.
Rodin hará una escultura en un podio bajo, a ras del suelo (para que la
gente pueda contemplarla mejor). Son un conjunto de seis
personas, prácticamente individualizadas debido a la vestimenta, el
rostro, su expresión, el gesto de las manos, etc.
• LAS PUERTAS DEL INFIERNO.
El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque
en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su
época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material
usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de
criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el
yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su
mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está
construido.
• EL PENSADOR.
La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una
comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un
monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de
las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema
alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a
Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría
parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que
Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para
representar tanto el pensar como la poesía.
Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos
alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original;
otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue
terminado en 1880.

46. NICOLAS COUSTOU
• Hijo de un ebanista, fue su padre quien le instruyó
inicialmente en el oficio. A los 18 años se traslada a
París para estudiar bajo la tutela de C.A.
Coysevox, hermano de su madre, que presidía la
recién creada Académie royale de peinture et de
sculpture; y a los 23 años ganó el premio Colbert
(Premio de Roma), que le daba derecho a cuatro
años de formación en la Academia Francesa en
Roma (de 1683 a 1686). Tras esto llegaría a asumir
el cargo de rector y canciller de la Academia de
Pintura y Escultura.
Desde el año 1700 trabajó en Marly y en Versailles
junto a Coysevox.
Trabajó junto a su hermano pequeño Guillaume
Coustou, también escultor de renombre y director
de la Academia; en ocasiones no resulta fácil
discriminar la autoría de un trabajo concreto entre
uno y otro hermano. Su sobrino Guillaume Coustou
(hijo), también fue escultor. Desde el año 1700
trabajó en los Palacios de Marly y Versailles. Fue
sobresaliente por su destreza. Estuvo influenciado
Miguel Ángel y Algardi, y trató de combinar las
mejores características de ambos. Buen número de
sus obras fueron destruidas durante la Revolución
francesa.

47. OBRAS
• LUIS XV.
• LOS RIOS DE SENA Y MARNE
• APOLO PERSIGUIENDO A DAFNE
Esta obra se encuentra en Louvre.

48. •
JUAN MARTINEZ MONTAÑES
Nació en la ciudad jienense de Alcalá la Real, siendo bautizado en la Iglesia parroquial de Santo Domingo de
Silos, el 16 de marzo de 1568.Sus padres fueron Juan Martínez, de oficio bordador y conocido con el
sobrenombre de "Montañés", y su madre Marta González. El matrimonio tuvo seis hijos de los cuales Juan era el
único varón Mantuvo una profunda relación con las dos únicas de sus hermanas que llegaron a la edad adulta. La
menor de ellas, Toamasina, fallecida en 1619, convivió con el escultor, hasta su muerte, su pérdida impulsó una
época de decaimiento anímico de Montañés. En Alcalá conoció probablemente al que sería posteriormente su
mentor, Pablo de Rojas, casi veinte años mayor que él. Terminado el periodo de aprendizaje con Rojas, se
traslada a Sevilla, a donde lo seguiría toda su familia. Allí estaban asentados ya varios artistas originarios de
Alcalá, como Gaspar de Rages o Raxis, sobrino de Rojas..Los primeros datos de su estancia en Sevilla
corresponden a junio de 1587, cuando contrajo matrimonio con Ana de Villegas, hija del ensamblador Juan
Izquierdo, en la iglesia parroquial de San Vicente. De este matrimonio nacerían cinco hijos. Se estableció en la
colación de la Magdalena, viviendo en la calle de la Muela; allí moriría su esposa Ana en 1613. Montañés contrajo
nuevamente matrimonio el 28 de abril de 1614 con Catalina de Salcedo y Sandoval, hija del pintor Diego de
Salcedo, con la que tendría siete hijos. En el mes de agosto de 1591 fue encarcelado por sospecharse su
implicación en el asesinato de un tal Luis Sánchez, permaneciendo en la cárcel dos años, hasta que la viuda le
perdonó previa entrega de cien ducados.
La vida de Martínez Montañés en Sevilla fue una vida ordenada, profundamente religiosa, como había sido desde
su infancia y que se cultivó durante su estancia en Sevilla, con un conocimiento más profundo de la Biblia y de
textos de Santa Teresa de Jesús, Fray Luis de Granada y San Juan de la Cruz. En consonancia con su
religiosidad, varios de sus hijos profesaron órdenes religiosas. Perteneció a una agrupación religiosa llamada
"Congregación de la Granada", que defendía ardientemente la concepción inmaculada de la Virgen María, lo que
le provocó un problema con la Santa Inquisición en 1624, cuando la Inquisición secuestró y confiscó el archivo de
la citada congregación y los documentos de muchos de sus En el año 1629 enfermó, debiendo permanecer en
cama durante cinco meses. En 1635 viajó a Madrid, donde había sido contratado para moldear en barro el busto
del rey Felipe IV, que junto con el retrato ecuestre de Velázquez debían servir como modelo para una estatua
ecuestre que iba a realizar el italiano Pietro Tacca. Esta estatua se encuentra actualmente en la plaza de Oriente
de Madrid.En la capital pasó seis meses para la elaboración del trabajo. Durante su estancia fue retratado por
Velázquez (Retrato de Juan Martínez Montañés), obra expuesta en el Museo del Prado. El escultor ya conocía a
Velázquez de su etapa Sevillana como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco. Se conserva otro retrato
del escultor, propiedad del Ayuntamiento de Sevilla, en la actualidad expuesto en el Hospital de los
Venerables, pintado por Francisco Varela, en el que se le representa esculpiendo el San Jerónimo de Santiponce.
Para José Hernández Díaz, uno de los máximos especialistas en el escultor Montañés, era un temperamento
cicloide, proclive a reacciones violentas y a crisis depresivas.
Falleció en Sevilla, a los 81 años, víctima de la Epidemia de Peste de 1649 que asoló Sevilla y en la que murió
casi el cincuenta por ciento de la población de la ciudad, siendo enterrado en la antigua parroquia de la
Magdalena.

49. • SAN JUAN BAUTISTA.
OBRAS
Esta obra se encuentra en la iglesia Santa Paula, Sevilla.
• SAN JUAN BAUTISTA PENITENTE.
Imagen de Santo Domingo penitente, del año 1605. La policromía
fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue
encargada para el convento de Porta Coeli, hoy en el Museo de
Bellas Artes de Sevilla.
• San Francisco de Borja
atribuida a Juan Martínez Montañés, 1624-25
imagen de candelero para vestir de 1,67 m. de alto
Iglesia de la Anunciación Este santo español fue heredero del
ducado de Gandia y virrey de Cataluña. Al morir la emperatriz
Isabel, esposa de Carlos V, acompañó su cadáver hasta
Granada, donde fue sepultada. Posteriormente, ingresó en la
Compañía de Jesús y falleció en Roma en 1572.

50. MIGUEL ÁNGEL
Fue un escultor, pintor y arquitecto, nació en Capéese el 6 de marzo de
1475 y murió en Roma el 18 de febrero de 1564.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre
Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la
familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo.
La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la
que se dedicó;
Después se dedicó a la pintura y se concretó en una obra excepcional y
magnífica, La Capilla Sixtina. Miguel Ángel empezó también la Piedad
Rondín, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia
de su muerte. La dejó, inacabada, como legado, en 1561, a su fiel
servidor Antonio del Franzese. Se mantuvo durante siglos en el patio
del Palazo Rondanin

51. OBRAS.
• PIEDAD
es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y
1499. Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede
ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal. La obra
fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de
Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que
el autor conoció en Roma.
• LA MADONNA DE BRUJAS.
Es una escultura en mármol realizada entre los años 1501 y 1504 por Miguel
Ángel y que se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora en Brujas. Realizada
inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos
mercaderes flamencos, los Mouscrom, esta Virgen con Niño, presenta parecido
movimiento en las vestiduras con la anterior Piedad, pero aquí adquiere una
solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a una arquitectura. El
rostro es ovalado de gran belleza clásica, enmarcado por las ondulaciones del
velo, sobre el cabello.
• EL BACUS.
es una escultura en mármol realizada entre 1496 y 1497 por Miguel Ángel, la
obra de una altura de 203 cm se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello
en Florencia. La obra fue realizada por Miguel Ángel en su primer viaje el año
1496 a Roma, el encuentro en esta ciudad con la escultura antigua debió de
inspirarle para la ejecución del Bacus que muestra una clara tendencia, a una
interpretación de las obras, que en aquel momento, se estaban descubriendo
por medio de las excavaciones en Roma.

52. DONATELLO.
• Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y
nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida
tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un
levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores
de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde
(1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su
padre, también participó en otras acciones en contra de
Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después
indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era
noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era
conocido bajo el nombre de Donatello.
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días
abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de
una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder
trabajar.
Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en
la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de
la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el
ataúd se encontraba Andrea della Robbia El cenotafio de Donatello
fue realizado en 1896 por el escultor Raffaello Romanelli.
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el
alquiler de su casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado
real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada con
su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida
demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas
anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el
momento de su mayor apogeo de trabajo en su taller, solía colgar
una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían
aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que
recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y
también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una
paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida.

53. OBRAS.
• SAN MARCOS.
San Marcos está retratado como un antiguo filósofo con la cabeza con barba y
vestido con una túnica anudada a la cintura. El rostro está esculpido con una
expresión de seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la del San
Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La pierna izquierda de San
Marcos, tiene una suave inclinación, en una forma ponderada, pero no quita
que la actitud sea recta y solemne. El pequeño giro del cuerpo hace sobresalir
ligeramente la figura de la hornacina, evitando la rigidez de una posición
estrictamente frontal. La mirada del santo parece perderse en el horizonte.
Con la mano izquierda, sujeta un libro abierto, que es el atributo clásico de los
evangelistas.
• SAN JUAN EVANGELISTA.
Es una escultura de mármol de Donatello (210x88x54 cm) esculpida paran la
antigua fachada del Duomo de Florencia y en la actualidad se conserva en el
Museo dell'Opera del Duomo. Data de 1409-1411 y fue el modelo más directo
para el Moisés de Miguel Ángel.
• SAN JORGE.
El San Jorge del año 1417, con el tabernáculo obra también de Donatello, fue
un encargo del Gremio de fabricantes de armaduras; el resultado venía
condicionado porque, evidentemente, el gremio quería una obra donde
tuviesen protagonismo las armas y armaduras. La figura, ligeramente en
rotación alrededor del eje central, se basa en la superposición de tres líneas
ovales: la cara con las cejas, el pecho y el escudo. El trazo de la cabeza, en la
dirección opuesta a la del torso, es un recurso del artista para dinamizar la
obra

54. BERNINI.
• Bernini nació en Nápoles, en el año 1598, ciudad en la que su padre
Pietro, toscano, trabajaba como escultor. Al poco tiempo se trasladó a
Calabria junto con su mujer, la napolitana Angélica Galante. En 1605 se
instalan en Roma y Pietro obtiene la protección del cardenal Scipione
Caffarelli-Borghese y la ocasión de mostrar el precoz talento de su hijo.
La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico
excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda
Europa, en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En
este ambiente surgen maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Pedro
Pablo Rubens, que abrieron la senda del Barroco. Pietro, el primer maestro
del hijo, era un escultor manierista de cierto talento, y su influencia se notaría
en las primeras obras de Gian Lorenzo. A su lado el joven Bernini aprendería
la organización de un taller colectivo (en el futuro dirigirá muchos) y la fusión
interna de un proyecto arquitectónico con la iconografía, la escultura y la
pintura.
Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de
Pablo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el
baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la
construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para
albergar la tumba de los papas Pablo V y Clemente VIII. Entre 1621 y 1625
Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la
escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos
Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y
bíblicos encargados por el cardenal Borghese.
Las obras en cuestión eran Eneas, Anquises y Ascanio, basado en la
Eneida, el Rapto de Proserpina, el David y Apolo y Dafne. Son obras
monumentales que marcarían una nueva dirección en la carrera de Bernini.
Las cuatro permanecen actualmente en la Galería Borghese de Roma.

55. OBRAS.
• APOLO Y DAFNE.
Es una estatua realizada por el italiano Bernini entre los años 1621 y
1624. Pertenece al estilo barroco. Se trata de una escultura a
tamaño real de mármol, expuesta en la Galleria Borghese en Roma.
Representa el mito de Dafne, nombre que en griego significa laurel.
Era una ninfa hija del dios-río Peneo que transcurre por la región de
Tesalia. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la
amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión
Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo;
entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó
en un laurel. De sus pies fueron saliendo raíces y sus extremidades
se convirtieron en frondosas ramas del árbol que desde ese
momento fue el consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo
• ÉXTASIS DE LA BEATA LUDOVICA ALBERTONI.
1671-74. Bernini ha disfrutado de ambiguas interpretaciones
eróticas. Subrayemos que, si el Éxtasis de Santa Teresa se presenta
en un escenario con palcos incluidos, la Muerte de la Beata se
muestra a la vista más directamente. Si la retórica escénica de
Bernini se ha matizado algo, su concepción escultórica sigue siendo
pictoricista, ya sea por los iridiscentes golpes de luz, ya por la
mórbida factura del mármol, ya por la cromática labor con el
alabastro.
• ÉXTASIS DE SANTA TERESA.
Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal
Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba Todo el conjunto fue
supervisado y completado por un maduro Bernini durante el papado
de Inocencio X. Durante este tiempo, la implicación pasada del
escultor con los gastos derrochadores del previo papado Barberini
había hecho que Bernini cayera en desgracia y se le privó en gran
medida del mecenazgo papal

56. ALESANDRO ALGARDI
• Algardi nació en Bolonia, donde a temprana edad entró como aprendiz en el taller de Agostino
Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura le hizo trabajar
para Giulio Cesare Conventi (1577—1640), un artista de talento modesto.
A los veinte años, en 1608, entró al servicio del Fernando I, Duque de Mantua, que comenzó a
encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera diseños
figurativos. Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación
por parte del Duque de Mantua al sobrino del último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le
empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas. El primer gran encargo de
Algardi se produjo alrededor de 1634, cuando el cardenal Ubaldini (Médici) le encargó un
monumento funerario para su tío-abuelo, el papa León XI, el tercero de los papas de la familia
Médici, que había desempeñado el cargo durante menos de un mes en 1605. El monumento se
empezó en 1640, y estaba acabado en su mayor parte para el año 1644. La composición es
análoga a la diseñada por Bernini para la Tumba de Urbano VIII(1627-8), con una escultura
central hierática del papa sentado con todos sus atributos y bendiciendo con la mano, mientras
que a sus pies, dos figuras femeninas alegóricas flanquean su sarcófago. Sin embargo, en la
tumba de Bernini, el brazo alzado con vigor y la postura del papa están equilibrados por el activo
drama de la parte inferior, donde las figuras de la Caridad y la Justicia están o bien distraídas por
putti o absortas en contemplación, mientras que una Muerte esquelética escribe activamente el
epitafio. Algardi murió en Roma al año siguiente de haber completado este famoso relieve, que
fue muy admirado por los contemporáneos. En sus últimos años Algardi controló un gran taller y
amasó una gran fortuna .

57. OBRAS.
• EL PAPA SAN LEÓN DETENIENDO A ATALIA.
El enorme y dramático panel en alto relieve de mármol obra de Algardi
representando al Papa San León deteniendo a Atila (1646–53) para la
Basílica de San Pedro fue muy admirado en su época, y revitalizó el uso de
semejantes relieves de mármol. Se considera que esta obra y la Degollación
de San Pablo, son sus principales obras maestras. Previamente se habían
usado grandes relieves de mármol en las iglesias romanas, pero para la
mayor parte de los mecenas, los retablos esculpidos en mármol eran
demasiado costosos. En este relieve, las dos figuras principales, el papa
severo y valeroso y el consternado y atemorizado Atila, surgen y sobresalen
del centro hacia las tres dimensiones.
• EL PAPA INOCENCIO X.
• TORSO HELENÍSTICO.

58. 5 FOTÓGRAFOS

59. MANUEL ÁLVAREZ BRAVO
• Ciudad de México, 4 de febrero de 1902 - 19 de octubre de 2002) fue un fotógrafo y cine fotógrafo mexicano.
Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.
En 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar
arte y música.
A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia
importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo
incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba
pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola
Alvarez Bravo (cuyo nombre verdadero era Dolores Martínez de Anda y quien años más tarde, asumió la misma
profesión y tomaría artísticamente su apellido)..En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus
afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los
muralistas de la época.
Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la
Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en
las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo
innato.
La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939)
con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.En
1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en
la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas
de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar
imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición
mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.
La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México!
(Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en
1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida
cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también
escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún
perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor
geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una
ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio
significado. Falleció el 19 de octubre de 2002 a la edad de 100 años.

60. OBRAS.
• SEÑOR DE PAPANTLA.
(1934), en la cual un indígena está parado frente a
la cámara aunque no la mira, con la espalda contra
la pared. Aquí, como en la imagen del niño, los
elementos presentes en la foto parecerían volverla
pintoresca: ropa blanca de campesinos, pies
descalzados, pared de adobe, además del
sombrero y la bolsa de palma. Sin embargo, una
vez que ha despertado nuestra anticipación de lo
exótico, Álvarez Bravo va a contracorriente con un
arte que rechaza lo fácil. El indígena no se digna
mirar a la cámara.
• OBRERO EN HUELGA ASESINADO.
(1934). Sin embargo, aunque el fotógrafo rechaza
al nacionalismo oficial tan contundentemente como
al pintoresquismo, esta imagen es problemática: su
significado está determinado por el título adscrito a
ella, el cual podría haber sido influido por el
compromiso de Álvarez Bravo con la LEAR (Liga de
Escritores y Artistas Revolucionarios) durante los
años treinta.

61. HENRI CARTIER BRESSON
• Nació en Chanteloup-les-vignes, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908.
• Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote
en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse
a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus
primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el
año siguiente (1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara
Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert
Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través
de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues
África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los
hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del
cineasta Jean Renoir.
• Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la
fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la
Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert
Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la
apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la
buena conservación de su obra.

62. OBRAS.
• DETRÁS DE GARES SAINT-LAZARE.
Esta es una de las fotografías más famosas
del francés Henri Cartier-Bresson, quien fue
un pionero en el arte de la fotografía
callejera, fue tomada en 1932. Él dijo sobre
esta foto: ―Había una valla de madera
alrededor de algunas reparaciones detrás
de la estación de tren Gare Saint-Lazare.
Justo yo estaba mirando por un hueco en la
valla con mi cámara de fotos en el momento
en que un hombre saltó‖.
• CALLE MOUFETARD.
1954.