Rock progresivo 1968

Rock progresivo 1968-72

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La "emigración" de la música rock desde los Estados Unidos hasta Gran Bretaña no
sólo fue benéfica sino fundamental para el desarrollo y la propagación del nuevo
género.
Antes que nada, la música rock era digerida por la industria británica de la "moda", la
cual no transformó en una mercancía bien publicitada e icónica, generando así un
fenómeno de ventas masivas como los Beatles. En la Gran Bretaña la música rock se
convirtió en una "tendencia" cuando en los Estados Unidos seguía siendo,
principalmente, un fenómeno subterráneo y culto (ocasionalmente tabú), boicoteado
por las principales casas disquera y la audiencia (puritana) de clase media. Los medios
británicos pusieron a la música rock de moda. Si la música rock hubiera permanecido
como la música de Dylan, Fugs, Zappa y VelvetUnderground, hubiera quedado como
un fenómeno cultural con un alto impacto, capaz de producir obras maestras artísticas
y generando debates intelectuales, pero, más que otra cosa, nunca hubiera capturado
la imaginación de las masas en la forma en que lo hizo durante finales de los 1960s.
En los Estados Unidos, la música rock había sido percibida como un evento
revolucionario, bastante relacionado a la brecha generacional (entre la generación
"grande" y la generación "hippy") y a la brecha ideológica (entre las instituciones y lo
subterráneo). En la Gran Bretaña, la música rock, mientras que no renegaba en esas
premisas, las había transformado de modo que se volvieron iconos populares,
comparables a la minifalda y al cabello largo, iconos que no solo apelarían a los
"delincuentes" juveniles sino también a las masas burguesas. En otras palabras, la
música rock los Estados Unidos era antagonista, hostil, en conflicto, mientras que en
Gran Bretaña, la música rock hizo las paces con toda la sociedad. De esta forma se
convirtió en una mercancía, destinada a convertirse, como las películas, en una de las
artes que ejercían la más fuerte influencia en las costumbres al final del siglo.

La "Invasión Británica" también trajo un beneficio artístico la música rock. Desde el
inicio, los músicos británicos eran menos "literales" en su interpretación del canon del
rock’n’roll (menos arraigado en country y blues). Más adelante, los músicos británicos
empezaron a insertar en el espíritu del rock’n’roll los temas artísticos, políticos y
filosóficos de las culturas europeas (como había sucedido con el cine). Zappa y los
Fugs habían simplemente ridiculizado el estilo de vida estadounidense; los
VelvetUnderground y los Jefferson Airplane habían simplemente experimentado con
sustancias alucinógenas; y Bob Dylan habían simplemente luchado por la injusticia
política y social; pero los músicos británicos no tenían (o querían) que luchar por esas
ideas y se transfiguraron en un mensaje universal que se relacionaba con la vida diaria
de las personas por todo el mundo (occidental). Para los músicos estadounidenses, el
rock era el medio, no el mensaje. Para los músicos británicos, el rock se convirtió en el
mensaje.

El más notable en este proceso de "des contextualización" de la música rock fue el
proceso que llevó al rock progresivo, cuyo objetivo no era comentar acerca de los
cultura juvenil, sino simplemente ofrecer innovaciones técnicas. El rock progresivo
(música rock que estaban emancipada del formato tradicional de la canción, in
exclamar diferentes técnicas, géneros y aún ritmos dentro de extensas y cerebrales
piezas de música) fue obviamente una evolución de las excentricidades del rock
psicodélico, pero ya no estaba relacionado a una práctica social. El artista se desacopló
de la audiencia, y el rol tradicional del artista occidental (distinto de su audiencia) fue

reintroducido. La música rock había sido el diario de la juventud estadounidense. En
Gran Bretaña, se convirtió en el equivalente de un ensayo.

Similarmente, los cantantes de folk empezaron enfocarse en temas introvertidos, más
cercanos a los temas de la poesía moderna y la filosofía. La sátira musical fue
redirigida hacia la naturaleza psicológica del dadaísmo, surrealismo y expresionismo Y
así sucesivamente.

La música rock regresó a los Estados Unidos como una especie completamente
mutada. El fenómeno original de "raíces" (grass-roots), iniciado en miles de cocheras
por muchachos iletrados, gradualmente se convirtió en una disciplina intelectual
practicada por alumnos universitarios quienes pertenecían a escuelas y movimientos
artísticos. En otras palabras, arte "superior".


Por último pero no menos importante, el rock británico internacionalizó el rock'n'roll,
un fenómeno fundamentalmente estadounidense. Los músicos británicos le quitaron lo
estadounidense de modo que pudiera trascender a la sociedad de los Estados Unidos
(distinto a, por ejemplo, la música country, que permanecería relacionada de cerca a
los Estados Unidos).

Técnicamente hablando, alguien podría argumentar que el rock progresivo empezó en
1967 con Cream y Nice, es decir los grupos que reaccionaron en contra del pop simple,
melódico y de tres minutos de los Beatles. Pero una definición más estricta, una que
considera la ambición y la pretensión, llevaría la fecha de nacimiento hacia el S.F de
PrettyThings. Sorrow (1968) y Tommy de los Who (1969), respectivamente la
primera y la más famosa de las óperas rock. Los prodromos del rock progresivo
estaban también visibles en Odyssey& Oracle de los Zombies (1968),
y Ogden'sNutGoneFlake de los Small Faces (1968), los cuales eran álbumes
conceptuales lanzados por miembros de la vieja guardia.

Muchas de estas bandas tenían sus raíces en la música blues. Pero, igual que con el
rock psicodélico, rock progresivo era otro caso de la música rock siendo redefinida por
el espíritu de la música jazz. La improvisación jugaba un rol menor en el rock
progresivo (y así era, después de todo, la línea divisoria entre el rock psicodélico y el
rock progresivo) pero la construcción de canciones y especialmente "suites" reflejaban
los experimentos elaborados, adornados, orientados hacerlo virtuoso y de forma
relativamente libre de la música jazz post-bop. El rock progresivo tenía demasiada
"estructura" relacionada con el free jazz, pero tenía suficiente "libertad" para ser
relacionada con el jazz progresivo inventado por Miles Davis y Charles Mingus, y,
mucho más antes, DukeEllington. El rock progresivo era el encuentro de dos mentes:
La tradición europea de música clásica imponiendo orden en la tradición
estadounidense de la música jazz.

Los padres fundadores


Las bandas que nutrieron al rock progresivo a través de las primeras etapas eran
Traffic, Jeff Beck, Family, JethroTull, Genesis; mientras que King Crimson, Yes y Van
Der GraafGenerator representaron al género en su ápice.

El niño prodigio Steve Winwood, quien ya había escrito (vocales, órgano y
composición) GimmeSomeLoving de Spencer Davis Group (1966), un himno gospel
febril, formó Traffic (2), el cual debutó con un álbum quintaesencia de la
psicodelia, MrFantasy (1967), pero pronto se convertiría en la fuerza principal en el
estilo fusión que unía el folk, blues, soul y el jazz. Si sus sesiones nunca fueron
demasiado emocionantes (reminiscencias de la música lounge aunque en una forma
inteligente), ellos definieron un tipo de contrapunto en base al timbre que básicamente
cambió todo el concepto de la "sesión" (impresionista en vez de emocional) y se
transformó en el equivalente en el rock de la música de cámara. Dear Mr.
Fantasy (1967) y Glad (1970) fueron sus "frescos" más exitosos, pero la colaboración
de Winwood con Eric Clapton, BlindFaith (1969), acreditada a BlindFaith (1), fue
quizás el mejor Traffic que haya habido.

Posiblemente el guitarrista más influyente en la historia de la música rock, Jeff
Beck (2) era el hombre quien (como miembro de los Yardbirds) divulgó la ciencia de la
distorsión y el feedback. El grupo que había formado con el pianista Nicky Hopkins, el
bajista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart grabaron Truth (1968), el cual
virtualmente inventó el hard-rock un año antes que LedZeppelin. Sin embargo, su obra
maestra es probablemente la fusión jazz instrumental tour de force
de BlowByBlow (1975).

JethroTull (2) hizo una revisión a las tradiciones blues y folk traditions enfocarse en la
voz y la flauta de Ian Anderson, quien era inspirado por juglares medievales y por el
grande del jazz Roland Kirk. Stand Up (1969) es el álbum que definió su folk-rock
elegante, ecléctico y con toque de jazz. Aqualung (1971), por otro lado, era
indulgente en los riffs del hard-rock y ritmos ponderados, reinventando la banda en los
tiempos de LedZeppelin.

Family (14) probablemente produjo la mejor amalgama de blues-rock, rock psicodélico
y rock progresivo, así abarcando tres eras fundamentales de la música británica. Con
la jactancia del grito ronco de Roger Chapman, uno de los mas grandes vocalistas de
rock de todos los tiempos, y una sofisticada dinámica de guitarra, saxofon y violín, los
Family tomaron del rhythm'n'blues, el music-hall, la música clásica y acid-rock de San
Francisco para el arreglo de su obra maestra,Music In A Doll'sHouse (1968). La
confluencia de disonancias, pasos raga, metales de soul, pasajes musicales a la
Hendrix y florecimientos orquestales crearon un carrusel de experimentos sonoros. Las
canciones en FamilyEntertainment (1969) eran más cohesivas y rockeaban "mas
duro". El modo, que había sido surreal y pastoral, se convirtió en tenso y angustioso.
Su sonido alcanzó el éxtasis barroco de Fearless (1971), protagonizando el nuevo
bajista/violinista John Wetton,Bandstand (1972) y It'sOnly A Movie (1973),
álbumes que, mientras se arraigaron sólidamente en el rock'n'roll y el rhythm'n'blues,
y respetuoso al formato de la canción, apenas relacionado al resto del rock progresivo.


Genesis (2) actualizó un género clásico de easy-listening, la sofisticada balada pop, a
los arreglos cerebrales y dinámicas torcidas del rock progresivo. La más teatral de las
bandas del rock progresivo, Genesis ajustaba sus melodramas musicales con una
coreografía centrada en el vocalista y mimo Peter Gabriel. Trespass (1970)
y NurseryCrime (1971) fueron los álbumes que codificaron su arte: música folk
intelectual que recordaba al repertorio de hadas madrinas y mitos, pero estirado en
narrativas no-lineares y arreglados con la gracia y timbre de la música de cámara. Su
punto de referencia era el poema sinfónico, el cual de hecho es el objetivo de suites

colosales y pedantes que continuaron, SupperIsReady (1972) y Firth Of Fifth (1973).
Genesis después se convirtió hacia la melodía con la ópera rock
monumental TheLambLies Down On Broadway (1974), el cual permanece como lo
más representativo (para bien y para mal) de su carrera. El baterista Phil Collins
eventualmente llevaría a la banda a la máquina de los éxitos dance-pop. Para ese
entonces, Gabriel ya se había lanzado en su carrera solista.

El lanzamiento de In TheCourt Of TheCrimson King (1969), el álbum debut de King
Crimson (14), proclamó la época dorada del rock progresivo. El sonido magnilocuente
y sinfónico del mellotron de Ian McDonald los colocó en el movimiento neo-clásico de
Nice, Moody Blues y ProcolHarum, pero las armonías psicodélicas, las visiones
medievales, la atmósfera gótica y el patetismo romántico de la canción que da nombre
al álbum y Epitaph que definitivamente los pusieron aparte. Lo que el guitarrista
Robert Fripp y el bajista Greg Lake escribieron fueron baladas majestuosas, no
transcripciones de música clásica. Moonchild era un poema abstracto y futurista en el
cual la melodía era menos importante que el panorama sonoro, y la sesión violenta,
sincopada y distorsionada de 21st Century SchizoidMan inventaron una nueva forma
de colocar la neurosis en la música. In The Wake Of Poseydon (1970) exploró más
adelante las mismas ideas, aumentando el grado de melodrama y la cantidad de
efectos de sonido, y Formentera Lady (1971) fue el definitivo tour de force de la
banda. King Crimson había volteado de cabeza al rock'n'roll, repudiando la forma
salvaje y manteniendo el contenido emocional al mismo tiempo. Cuando el baterista de
Yes, Bill Bruford, y el bajista de Family, John Wetton, se unieron a Fripp para una
nueva y más orientada al jazz edición de la banda, el sonido viró hacia composiciones
ásperas, estridentes y enrolladas tales como Lark'sTongues In Aspic (1973) y álbumes
cerebrales, crípticos y virtuosos tales como Red (1974). La tercera edición de King
Crimson, con el guitarrista AdrianBelew y el bajista Tony Levin, adoptó una estancia
aún más intelectual en composiciones tales como ShelteringSky (1981).Robert
Fripp (3) nunca dejó de grabar música estimulante. Dos colaboraciones con Brian Eno,
notablemente No Pussyfooting (1973), muchos álbumes solistas,
notablemente Exposure (1979), el manifiesto de su "frippertronics", dos
colaboraciones con el guitarrista de Police Andy Summers, notablemente I
AdvanceMasked (1982), una colaboración con David Sylvian, TheFirst Day (1993),
eran solo la punta del iceberg.

Van Der GraafGenerator (12) eran en muchas formas la banda más original del primer
rock progresivo. Su sonido (ya de por sí único por ser conducidos por saxofones y
teclados, no guitarras) no podía ser fácilmente relacionado con los arquetipos del folk,
blues, rock o jazz, a pesar del hecho que contenía elementos de todos ellos. Su énfasis
en composiciones extensas era sobre el patetismo y el melodrama, como en el caso de
King Crimson, pero también en miedo y vulnerabilidad. El grado de angustia era
aumentado aun más por el pesimismo y claustrofobia de las letras de Peter Hammill, y
por sus vocales agonizantes. Las torturas psicológicas de TheLeastWe Can Do Is
Wave ToEachOther (1970), los poemas conmovedores y litúrgicos de H To He Who
Am TheOnlyOne(1970), y las visiones yermas, terribles y delirantes
de PawnHearts (1971) combinaba el vacío existencial y la pesadilla gótica. Hammill y
sus secuaces habían inventado una nueva forma de expresar la angustia adolescente
que había sido el combustible emocional del rock'n'roll desde el inicio.

Yes (12), posiblemente los músicos más consumados de la generación del rock
progresivo, fueron también lo último en grandilocuencia y exhibicionismo. Su sonido
nació de la fusión del pop, rock, folk, jazz y música clásica. Ellos tomaron ideas de los
Nice, de la música del renacimiento y barroca, de las armonías vocales de Crosby

Stills& Nash, del funk-jazz después de Davis, de las sesiones psicodélicas, y de
melodías antiguas. Si la fusión no era única, la compostura glacial si lo era: Los
álbumes de Yes sonaban más como experimentos científicos que como música de
fiestas. The Yes Album (1971) introdujo su esquizofrenia: YoursIs No
Disgrace y StarshipTrooper buscaron la bravura instrumental laboriosa, mientras
que I'veSeenAllGoodPeople giraba alrededor de un estribillo pegajoso. Los intérpretes
virtuosos (particularmente el baterista Bill Bruford y el tecladista Rick Wakeman)
alcanzaron un grado de equilibrio sublime Fragile (1971), del cualRoundabout, South
Side Of TheSky y Heart Of TheSunrise fluían como mecanismos de relojería. El ápice
de la contradicción aparente de Yes (un estilo que era frígido y romántico a la vez) se
alcanzó en CloseToTheEdge (1972), del cual CloseToTheEdge y And I And You eran
fantasias complejas y densamente cromáticas, y la definición del "art-rock". Por el otro
lado, las cuatro suites monumentales de Tales FromTopographicOceans (1973)
probaron que las composiciones extensas requieren algo más que mero virtuosismo.


Dos alineaciones que trabajaron para John Mayall generaron dos de las bandas más
creativas del rock progresivo inicial. Colosseum (10) grabó ValentyneSuite(1969),
cuya canción que le da titulo al álbum era una fantasmagoría de un solo lado de jazz,
blues, música clásica y sonidos de hard-rock, brillantemente cromática y llena de lujo,
una de las obras maestras del rock progresivo británico. Mark-Almond (2), el dúo
formado por los músicos de John Mayall, Jon Mark (guitarra) y Johnny Almond
(armonio), se especializaron en suites de un tipo diferente, melodiosas y relajadas,
centradas en melodías folk-jazz, abarcando lounge-music y easy-listening, tales
como The City (1971), en su primer álbum, y SausalitoBay Suite (1972), en su
segundo álbum.

Gótico, étnico y variaciones folk


Un número de bandas progresivas introdujeron música oriental en sus sonidos
psicodélicos y progresivos. Por ejemplo, East Of Eden, con MercatorProjected(1969),
y Ian "LemmyKilmister" Willis' Sam Gopal, con Escalator (1969).

Sin embargo, ninguna banda alcanzó el grado de fusión étnica como los ThirdEar
Band (102) lo alcanzaron en Alchemy (1969), uno de los álbumes que inventaron la
"world-music". Un ensamble de cámara acústico de (esencialmente) tablas, oboe, viola
y violonchelo ejecutaban música india, medieval, estadounidense nativa, gitana, del
Medio Oriente, minimalista, jazz, clásica y folk, todo dentro de la misma canción. Las
cuatro suites en su segundo álbum, ThirdEar Band (1970), llevaron la idea aún más
lejos: las fuentes étnicas ya no podían ser reconocidas, y la música fluye a como una
corriente de conciencia, una experiencia espiritual, un soñar despierto. Fuera de
contexto, la música "thirdear" está más cercana a la meditación budista que a la
composición occidental. La banda fue igualmente exitosa en Macbeth (1972), que
agregaba sonidos eléctricos y electrónicos a su guiso étnico.

Alrededor de 1970, siguiendo el éxito de Black Sabbath, un número de bandas
introdujeron temas y atmósferas góticas dentro de estructuras innovadoras: High
Tide II (1970) por High Tide (1), un clásico del rock gótico, una colección de bailes
macabros llevados por el violín que enlazaban el acid-rock y el hard-
rock;Sacrifice (1970) por Black Widow (1), el cual unía la suite jazz y clásica de

Colosseum con, otra vez, armonías góticas; DeathWalksBehindYou (1970)
porAtomicRooster; Ceremony (1970) por SpookyTooth (1), una misa rock arreglada
por el compositor de vanguardia Pierre Henry, un concepto audaz que mezclaba la
estética del art-rock con las vibraciones del hard-rock; y QuicksandDream de
Necromandus (1990), grabado en 1973 pero lanzado hasta después de 17 años.

El espíritu "progresivo" afectaba el renacimiento folk también. Después de todo,
Pentangle ya había combinado el jazz y el folk, y la IncredibleString Band ya había
combinado el folk y el acid-rock. Otras bandas procedieron a preparar fusiones
basadas en el folk. Mientras que ninguna banda tuvo la importancia de sus primeros,
algunos álbumes sobresalen: FantasiaLindum (1971) por AmazingBlondel, inspirado
por baladas medievales y madrigales el renacimiento; Dando Shaft (1971) por Dando
Shaft, el cual ofrecía quizás la fusión más competente folk-jazz; StRadigunds (1971)
por Spirogyra, también inspirado por el folk y el jazz; FirstUtterance (1971) por la
primer banda folk y psicodélica, Comus (1); y, el mejor de todos, Grave New
World (1972) por los Strawbs (1), una misa psicodélica que mezclan la liturgia
occidental y el raga indio.

La segunda generación


Las bandas progresivas se habían multiplicado en la Gran Bretaña durante principios
de los 1970s, pero sus álbumes teniendo tendencia de reciclar las más ideas una y otra
vez, y frecuentemente con ostentación injustificada. Unas cuantas gemas, sin
embargo, se podían encontrar: el barroco Quatermass (1970)
por Quatermass(1); Galactic Zoo Dossier (1971) por Kingdom Come, una mezcla
extraña de teclados electrónicos, rhythm’n’blues y payasadas en el escenario de Arthur
Brown;Phantasmagoria (1972) por Curved Air (1), cuyos arreglos barrocos eran
agraciados por el violín (DarrylWay), sintetizadores (Francis Monkman) y vocales
femeninas sensuales; Argus (1972) por WishboneAsh (1), cuyas sesiones energéticas
eran propulsadas por un ataque doble de guitarra.

El trío de bajo, batería y saxofón Back Door (1), dirigidos por el bajista
ColinHodgkinson, fue uno de las más originales unidades de jazz-rock instrumental.
SuBackDoor (1972) e indulgente en sesiones breves, agitadas e instrumentales en el
borde entre el jazz, funk, soul, blues y hard-rock.

También originales eran: Las suites en cuatro movimientos de
JodyGrind OneStepOn (1969); el concepto de su excepción de Julian'sTreatment A
Time BeforeThis (1970); Titus Groan de Titus Groan (1970), con la suite Hall Of
Bright Carvings; Ben de Ben (1971), conteniendo cuatro sesiones jazz-rock; el
místicoThreePartsToMySoul de Dr Z (1971); Speech de Steamhammer (1972), con
la suite Penumbra; la ópera electrónica jazz-rock improvisada JourneyToThe Center
Of TheEye de Nektar (1972) y su suite melódica RemembertheFuture (1974).

Jade Warrior (5) empezó como una copia de King Crimson de segunda mano,
distinguiéndose a sí mismos solo con el énfasis místico y étnico
de LastAutumn'sDream (1972), pero subsecuentemente desarrollaron un sonido que
no era narrativa sino pictórico en naturaleza, mientras que adoptaron los teclados
electrónicos y enfocándose en el jazz-rock como su principal
inspiración. Waves (1975) y Kites (1976), suites continuas que emplean muchos

instrumentos y muchos estilos, llevaron al rock progresivo a su cúspide formal. Way
Of TheSun (1978) era de hecho un nuevo género: música new-agehiper-arreglada.
Más adelante la banda se convertiría a la música cósmica con la fría imaginería sonora
de Images Of Dune (1984) y las tres suites celestiales 1985 coleccionadas en At
Peace.

Quizás la más audaz (o, por lo menos, la más cerebral) fusión de jazz, rock y música
clásica fue intentado por GentleGiant (2), particularmente en ThreeFriends(1972)
y In A GlassHouse (1973).

Emerson Lake & Palmer (1), formado por el tecladista original de Nice, Keith Emerson,
el bajista original de King Crimson, Greg Lake, y el baterista original de AtomicRooster,
Carl Palmer, unos cuantos meses después el éxito de Crosby Stills& Nash, llevaron al
rock progresivo hacia excesos técnicos que, básicamente, desintegraron cualquier
mérito que la fusión jazz-clásica tenía. Esta arte ofuscadora funcionó bien con el album
conceptual futurista/mitológico Tarkus (1971), aunque su pico tecnológico era
quizás KarnEvil 9 (1973). Su música, aún más pretenciosa y grandilocuente, estaba
fundada en un malentendido fundamental de lo que significaba ser "virtuoso".


Los primeros tres álbumes grabados por RoxyMusic (12) revolucionaron el rock
progresivo y prepararon el camino para el new wave y el synth-pop. Los estilos de Pink
Floyd (panorama sonoro surrealista), Soft Machine (jazz-rock), Traffic (sesiones
armoniosas), Cream (virtuosidad), LedZeppelin (escándalo y frenesí), King Crimson
(énfasis y patetismo) y la vanguardia (minimalismo y cacofonía) se unieron en los
bacanales inventivos de su álbum debut, RoxyMusic (1972), el cual incluye el himno
futurista Virginia Plain y muchas piezas de avant-rock alimentadas por la electrónica de
Brian Eno. El canturreo vigoroso de Bryan Ferry se elevaba sin restricciones
en ForYourPleasure (1973), que contiene la hipnótica bailable BogusMan; y
alcanzaba una calidad efusivamente emocional enStranded (1973), cuyas
baladas Mother Of Pearl y A SongForEurope mezclaban los temas del decadentismo y
el existencialismo europeo con arreglos lujosos y producción de primer
nivel. LoveIsTheDrug (1975) y álbumes subsecuentes simplemente venderían la idea
en las discos.

Europa Continental


El contagio del rock progresivo se extendió a la Europa continental: el rock progresivo
claramente apelaba más a la audiencia "intelectual" de Europa más que el rock'n'roll lo
hizo. El primer grupo de rock progresivo de Suecia fue SamlaMammasManna (1), el
cual debutó con SamlaMammasManna (1971). AlgarnasTradgard (1) preparó las
enigmáticas y extrañas suites orquestradas de Framtiden Ar
EttSvavandeSkeppForankrat I Forntiden (1972), una mezcla de sesiones de rock
progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.

La banda de psicodelia y rock progresivo más famosa de Holanda era Focus (1),
cuyo MovingWaves (1972) contiene el número novedoso rápido HocusPocusy la
sesión colosal Eruption, su equivalente de Valentyne Suite de Colosseum. Pero la
canción más excitante que emergiera de la escena próspera de Holanda fueVenus de

Shocking Blue (1969), una canción delirante y sexy que sonaba a los ritmos febriles de
Creedence Clearwater Revival.

Italia


Italia incubó una de las escuelas más prolíficas del rock progresivo. Italia no tenía
alguna tradición principal del rock. La escuela progresiva fue una consecuencia
inesperada de dos fenómenos: un auge de músicos educados clásicamente y los
disturbios estudiantiles del 1968. En 1969, Italia estaba inundada de jóvenes eruditos
musicales que querían cambiar el mundo. Ellos se identificaban con la ideología de los
hippies, pero retenían el lenguaje de Bach. El rock progresivo nació de esta
contradicción. Los álbumes notables incluyen: la sinfonía Concerto Grosso #1 de
New Trolls (1971), Storia di un Minuto de PremiataForneria Marconi (1972), el
concepto apocalíptico Ys de IlBalletto di Bronzo (1972), básicamente el producto
intelectual del tecladista Gianni Leone, PassioSecundumMattheum de Latte E Miele
(1972), Darwin de Banco del Mutuo Soccorso (1) (1972), el
psicodrama ConcertoDelleMenti de PholasDactylus' (1973), la saga de ciencia ficción
basada en Hammond Felona e Sorona de Le Orme (1973), el concepto
sinfónico Contaminazione de IlRovescioDellaMedaglia (1973), Zarathustra de Museo
Rosenbach (1973), con la suite epónima de cinco movimientos.
Precediendo a todos esos álbumes estaba proyecto de Antonio Bartoccetti, Jacula, que
preparó la pesadilla gótica/decadente In Cauda Semper StatVenenum(1969).

Un subgénero del rock progresivo italiano era el jazz-rock italiano, bien representado
por álbumes tales como la pesadilla jazz-rock Palepoli de Osanna (1973), el ejercicio
de jazz-rock de cámara Tilt de Arti&Mestieri (1974), y Genealogia de Perigeo (1974).
Aktuala de Walter Maioli agregó sabores étnicos a las improvisaciones del jazz en
su Aktuala (1973).

La más grande banda del jazz-rock era Area (1), lidereada por el vocalista Demetrio
Stratos, uno de los cantantes más originales de su época, cuyo ArbeitMacht
Frei (1973) unió letras de protesta, sesiones de jazz-rock, electrónica cruda, escalas
del medio oriente, el gorjeo psicópata de Stratos. Mientras el grupo se desarrollaba
hacia el extraño free-jazz de CautionRadiationArea (1974)
y Maledetti (1976), Demetrio Stratos grabó álbumes experimentales enteramente
dedicados a la voz humana tales como Metrodora (1976) y especialmente Cantare la
Voce (1978).

Los últimos años del rock progresivo italiano dieron Gudrun de Pierrot Lunaire (1976),
la idea original de Arturo Stalteri, PicchioDalPozzo de PicchioDalPozzo(1976), que se
compara con la mejor de las imitaciones de Canterbury, Corte deiMiracoli de Corte
deiMiracoli (1976), un tour de force de doble teclados,Dentro de La BottegaDell'Arte
(1977), que pone a la par hazaña instrumentales y melodías memorables, y Forse le
Lucciole Non Si AmanoPiu` de LocandadelleFate (1977), un trabajo refinado que se
mantiene como una especie de canto de cisne en el movimiento entero. Goblin se
especializó en bandas sonoras para las películas de horror del director Dario Argento,
particularmente ProfondoRosso (1975) y Suspiria (1977).

Francia


El panorama francés del rock sinfónico estilo británico era menos vital que el italiano,
pero un manojo de grupos desarrollaron nuevos subgéneros.

Magma de Christian Vander (12) debutó con su concepto de ciencia ficción en el
ambicioso e ingenuo Magma (1970), tomando ideas del free-jazz y Gong, y
perfeccionándolo en su primer obra
maestra, MekanikDestruktiwKommandoh (1973), una ópera rock ecléctica e
idiosincrásica que abarca una sorprendente variedad de estilos, desde Verdi hasta
Frank Zappa. Kohntarkosz (1974) fue su mayor trabajo musical, inspirado
principalmente por el jazz-rock de MahavishnuOrchestra; y UduWudu (1976) fue más
un desliz electrónico.

Red Noise escribió Sarcelles-Locheres (1971), destacando la suite instrumental de
19 minutos SarcellesC'estL'Avenir, una ridícula combinación de demencia de los Fugs,
el pop ruidos y satírico de Frank Zappa y jazz-rock de Soft Machine.

Jean-Claude Vannier (1) el arreglista de Historie De Melody Nelson de
SergeGainsbourg (1971), compuso otro álbum conceptual, el
instrumental L'EnfantAssassin des Mouches (1972), que abarcaba la gama de
collages de sonidos al rock sinfónico demencial, de música exuberante antigua de feria
a la música easy-listening orquestal.


Vangelis (13) dirigía Aphrodite'sChild, un grupo de músicos griegos residiendo en
Francia, cuyo póstumo 666 (1970) es una colección única de enfrentamientos
mágicos, invocaciones satánicas y sesiones psicodélicas. Vangelis persiguió una carrera
de suites instrumentales, majestuosas, melodramáticas (y cada vez más electrónicas),
cuyo arquetipo fue L'Apocalypse Des Animaux (1973) y Heaven And Hell (1975).
Especializándose en apoteosis orquestales, Vangelis sería celebrado por las bandas
sonoras para películas. Uno de los pioneros y estrellas de la música new-age,
regresaría con piezas más ambiciosas con Invisible Connections (1985)
y TheMask (1985).

Estados Unidos


En los Estados Unidos, un ímpetu tremendo al rock progresivo vino
con BitchesBrew de Miles Davis (1969), un álbum que combinaba ritmos de soul e
instrumentos rock electrónicamente amplificados. UncleMeat de Frank Zappa (1969)
fue la respuesta más competente (e irreverente) del rock a Miles Davis. El arreglista
veterano de jazz Quincy Jones fue otro pionero del sort, combinando una sección de
metales de jazz y ritmos de funk-rock en Walking In Space (1969).

Chicago (3) intentaron una fusión explosiva de metales de jazz y la guitarra del
rock'n'roll en Chicago TransitAuthority (1969), Chicago II (1970) y Chicago
III(1971), cada uno de ellos un álbum doble, caracterizado por por la creatividad
salvaje y a veces brutal.

Ten Wheel Drive, formado por el vocalista GenyaRavan (una voz parecida JanisJoplin),
el tecladista Mike Zager y el guitarrista AramSchefrin, fueron uno de los primeros
grupos de fusión jazz-rock con una sección de metales, debutando con Construction
#1 (1969).

Insect Trust (1) intentaron una super-fusión de jazz, blues, country y acid-rock algo
entre las baladas sofisticadas de Blues Project y las sesiones demenciales de
CaptainBeefheart en Insect Trust (1968), y viró hacia el free-jazz en su segundo
álbum, HobokenSaturdayNight (1970).

Gil Scott-Heron, un poeta y novelista quien transformó la música y precedió a la
música rap con sus piezas habladas, buscó una fusión de jazz inspirada en Miles Davis,
funk y rock (encima de sus letras de protesta inspiradas en Phil Ochs) en, por
ejemplo, Pieces Of A Man (1971) y TheBottle (1973).

Dos bandas conducidas por violinistas eran notables: Flock (1), cuyo Truth (1969) fue
una de la sesiones más completas de la época, dirigidos por Jerry Goodman (quien
después se uniría a la MahavishnuOrchestra); y It's A Beautiful Day (1), cuyo It's A
Beautiful Day (1969) esparcía acid-rock con perfumes exóticos.

Joy Of Cooking (1), una de las primeras bandas dirigidas por músicas femeninas
(cantautoras Terry Garthwaite y Toni Brown) y una de las primeras en manejar los
asuntos feministas dentro de la música popular, lanzaron tres álbumes deleitosos, Joy
Of Cooking (1971), ClosertotheGround (1971) y Castles (1972), que
experimentaban con estructuras elásticas de la canción sobre una infraestructura de
fusión de folk-jazz-blues relajado.

El así llamado "rock progresivo" (básicamente, toda la música rock que no era
principalmente melódica) llamó a incorporar los estilos inventados por el jazz y la
vanguardia clásica en el formato de los ensambles rítmicos eléctricos y electrónicos (la
banda de rock), un programa que inconscientemente llevaba hacia la música
interdisciplinaria y total, una ambición claramente visible en los estilísticos pastiches de
Frank Zappa.

En 1970 JimiHendrix moría y SydBarrett se retiraba. Una era había terminado. Pero
sus semillas estaban plantadas.

Rock progresivo 1968

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