Mobiliario siglo xx y xxi

1. 2º PROYECTOS Y DIRECCIÓN DE OBRAS DE DECORACIÓN

2. ÍNDICE
LIBRERÍA LOOS (1906) 1
SILLA TRANSAT (1925-26) 2
SILLA PAIMIO (1930-31) 3
SILLÓN MAE WEST (1937) 4
ESTANTERÍA NUBE (1952-56) 5
SILLA TULIP (1956-57) 6
SILLA PANTON (1959-60) 7
SILLA WIGGLE (1972) 8
SILLÓN PROUST (1978) 9
MESA NOMOS (1986-88) 10
SILLA GARRIRIS (1987) 11
SILLA BLACK LINES (2010) 12
KUKI CHAIR (2013) 13
SILLA 570 (2016) 14

3. 1

4. Silla Transat
Alumna: Alicia Ponce González 2

5. SILLA PAIMIO
1932
En la Europa de los años 30 la tuberculosis era la mayor
preocupación sanitaria y se construían gran número de sanatorios
con baños de sol y horas de descanso al aire libre. Alvar Aalto diseñó
el sanatorio Paimio, en una ciudad finlandesa con el mismo nombre,
e introdujo en él la silla Pimio, inspirada en la silla Wassily de Marcel
Breuer, pero sustituyendo el metal por madera curvada, ya que este
material presenta características más afines a un sanatorio: más
cálido, mejores condiciones acústicas y no genera reflejos.
Hugo Alvar Aalto fue un arquitecto y diseñador finlandés que
perteneció al Movimiento Moderno de principios del SXX,
convirtiéndose en uno de los máximos exponentes del diseño
orgánico. Estudió arquitectura en Helsinki y vivió en Estados Unidos.
Su arquitectura y sus diseños se caracterizan por la inspiración en la
naturaleza, la utilización de materiales naturales y formas curvilineas.
Aalto quería expresar la belleza en una armonía con la vida, dando luz
a los espacios, teniendo en cuenta las necesidades de las personas y
creando una arquitectura multisensional, donde los materiales
ayudan a la satisfacción del habitante.
En cuanto al diseño de mobiliario,
fundó Artek con su mujer Aino Marsio,
una empresa que sigue funcionando
hoy en día. Sus muebles de madera
laminada han sido muy influyentes en el
diseño de mobiliario contemporáneo.
Actualmente la silla Paimio se
encuentra expuesta en el
MoMA de Nueva York y
la comercializa Artek.
curvada
Basada en la técnica
desarrollada por Michel
Thonet. En este caso es
laminada de abedul.
Tanto la estructura
como el asiento se
fabricaban en madera,
aunque actualmente
hay otras versiones con
el asiento de plástico.
En la biblioteca de Viituri,
proyectada también por
Aalto, podemos ver la
inspiración en la
naturaleza, formas curvas
y la utilización de la
madera, características
también de su mobiliario.
Recursos Web:
- La silla Paimio, de Alvar Aalto. ARQUITECTURA. Recuperado de: http://losandes.com.ar/article/la-silla-paimio-de-alvar-aalto
- Silla Paimio de Alvar Aalto. Diseño y Arquitectura. Recuperado de: https://www.disenoyarquitectura.net/2009/05/silla-paimio-de-alvar-aalto-un-diseno.html
- Alvar Aalto. El viejo topo. Recuperado de: http://www.elviejotopo.com/articulo/arquitectura-organica-sintesis-y-armonia/
Es más que evidente que la silla Paimio
se basa en la silla Wassily de Breuer. En
esencia, su estructura es la misma, pero
la Paimio es más orgánica y sus
materiales más agradables.
INFLUENCIA
SANATORIO PAIMIO
RELACIÓN CON SU ARQUITECTURA
Lucía Presa Yllera
3

6. CRONOLOGÍA: 1937
ESTILO-ÉPOCA-CONTEXTO:
El estilo de este sillón es del Surrealismo, un movimiento artístico y literario que surgió en 1920
en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas
para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de
control racional. André Breton, poeta muy conocido en aquella época, fue el gurú del
surrealismo.
DISEÑADOR:
El sofá Mae Wesh fue diseñado por Salvador Dalí, un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y
escritor español del siglo XX y uno de los máximos representantes del surrealismo. Él, junto
con la colaboración del arquitecto Oscar Tusquets, consiguió un diseño que, aunque su
principal función no fue ser funcional, causó furor en la época.
ANÁLISIS DE LA OBRA
Dalí se inspira en la cara de la actriz Mae Wesh para el diseño de este sillón. Fue diseñado
para un apartamento de Edward James pero una de su copias está en un apartamento donde
se representa la cara de la mencionada actriz Mae Wesh, donde se muestra una escenografía
en la que la chimenea representa la nariz, los ojos eran dos cuadros iluminados por dos focos
situados a ambos lados del fuego y los labios son representados por el famoso sofá. Se
fabricaron 5 sofás y Dalí insistió en que fuera lo más satinado posible para así asemejarse a
los labios reales de Mae Wesh.
El sofá original estaba fabricado en madera y satén y tiene la forma de unos labios rojos. Este
tipo de diseños causó sensación en su época pero aún hoy siendo siendo un éxito e incluso
es una obra de arte que ha hecho historia por su originalidad. De hecho, en Italia, Studio 65
produjo un sofá inspirado en los labios de Marilyn Monroe y lo llamaron Marilyn Bocca.
COMITENTE:
Edward James, un millonario, poeta, escultor y mecenas ligado al movimiento surrealista, nacido
en agosto de 1907 en Greywalls, Escocia.
MUSEO
- Museo Dalí de Figueras, Cataluña, España
- Museo Moco, Amsterdam, Países Bajos
- Teatro-Museo Dalh
- Palacio de Gaviria en Madrid
- Casa de James Monkton House; Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
Hannah Andreu Verona
Sillón Mae West
“I speak two languages, body and English”
Mae West
Mae West Sillón de Studio 65 Marilyn Monroe 4

7. 5

8. ELISA JIMÉNEZ SANTANA
6

9. Un ícono de la Modernidad, de colores brillantes y visión futurista
Cynthia Artiles Cruz 2º PYD / Fecha: Abril 2018
TITULO: La Silla Panton; todo un clásico de la historia del mueble.
CRONOLOGÍA:; Diseñada por Verner Panton; 1960 en Copenhague, su producción en serie comenzó en 1967 en
colaboración con Vitra: la primera silla de una sola pieza que pudo ser producida industrialmente, con la que
buscó comodidad, para todo, todos y en cualquier lugar.
ESTILO-ÉPOCA-CONTEXTO: Silla de estilo Pop art, diseño Danés de los años 60 y los 70 del siglo XX; en
esta época tuvieron un material más que representativo; el plástico. Su libertad de manipulación llevó a los
diseñadores a explorar límites jamás vistos hasta el momento. Uno de ellos fue, sin duda, Verner Panton.
Impulsado por el funcionalismo industrial y en la búsqueda de nuevas formas y materiales, está silla nació en 1967
como una sola pieza.
DISEÑADOR: Diseñada por Verner Panton. Fue uno de los diseñadores industriales daneses más prestigiosos de
finales del Siglo XX. Nació en Dinamarca (1926-1998) Fue a la Escuela Técnica de Odense y estudia Arquitectura
en la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague. En 1955 abre su propio estudio de arquitectura y diseño. Le
gustaban los colores intensos y las formas geométricas. Son legendarias las composiciones espaciales, cuyo
objetivo consiste en fusionar suelos, paredes y techos, así como muebles, lámparas, tejidos y paneles de esmalte o
plástico para formar una unidad espacial tan perfecta como indivisible. Podemos ver la pasión por los colores
vivos, reflejada en sus diseños de interiores y, fundamentalmente, en sus asientos. Entre ellos, verdaderos iconos
pop como las sillas Heart Cone, Peacock o Banana. Nombres que definen a la perfección sus formas orgánicas: la
representación de un corazón, un pavo real o un plátano. Las naves “Visiona” de la Feria del Mueble de Colonia ,
las oficinas de la editorial Spiegel y el restaurante “Varna” de Aarhus son sólo algunos de los ejemplos más
famosos.
ANÁLISIS DE LA OBRA: La Silla Panton; está inspirada en la visión de una pila de cubos de plástico apilados
ordenadamente en uno encima del otro. Las medidas de la silla son; 50 cm de ancho, 60 de fondo y 83 de altura.
Hoy se comercializa en seis colores, es una silla confortable y se debe a la combinación de una estructura de tipo
cantilever (voladizo) combinada con una línea antropomórfica y un material ligeramente flexible. La expresividad
de la silla Panton la ha convertido en un icono del siglo XX.
Su origen se inspira en otro modelo del diseñador, la S Chair, una pieza de madera laminada con forma de S que
había desarrollado en 1955 para la firma Thonet. La fascinación por las posibilidades que ofrecían los plásticos le
llevó a aplicarlos a aquel diseño, al que modificó la base para lograr una mayor estabilidad. Tuvo un resultado
increíble; al convertirse en la primera silla fabricada íntegramente en plástico y en una sola pieza a través de un
procedimiento de moldeado por inyección.
OTROS ASPECTOS: Otros datos interesante fue que en; 2018 se hizo el 50 aniversario del lanzamiento de
la marca. Y coincidió con la feria de Colonia en la que Vitra ha presentado dos ediciones limitadas de este
clásico icónico: Panton Chrome y Panton Glow. A principios de los años 70 se planteó la posibilidad de dar a
la silla Panton esa superficie de espejo. “Las dinámicas curvas de la silla son especialmente adecuadas para un
revestimiento reflectante”. Pero la superficie no era muy resistente ha arañazos, fue un obstáculo técnico
insuperable en la época. Ahora, casi 50 años después, se ha conseguido un procedimiento complejo pero fiable,
que requiere la habilidad de artesanos especializados. Panton Chrome está disponible desde marzo de 2018.
Por otro lado tenemos la Panton Glow adquiere un aspecto casi fantasmal y un aire místico, en la que destaca
las cualidades esculturales del diseño con su fascinante efecto en la oscuridad.
MUSEO: Podemos ver uno de los primeros modelos de esta silla en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York, forma parte de una colección permanente.
RECURSOS EN RED: https://www.vitra.com/es-es/product/panton-chair-classic.
https://www.vitra.com/es-es/product/panton-chair.
https://www.naharro.com/tienda/details/9/12/mobiliario/sillas/silla-panton---vitra
https://www.juliagrup.com/blog/2015/02/13/mueblesdediseno-la-silla-panton-de-verner panton/
http://batavia.es/blog/verner-panton-icono-diseno-industrial-danes/
Panton Chrome Panton Glow 7

10. Silla Wiggle
RECURSOS EN RED:
Wiggle Side Chair Frank Gehry, 1972 por Vitra. Recuperado de https://www.vitra.com/es-es/product/wiggle-side-chair
Easy Edges por José Luis Esperón el 25 de octubre de 2015. Recuperado de http://historia-disenio-industrial.blogspot.-
com.es/2015/10/easy-edges.html
Frank Gehry por Wikipedia. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry
Frank Gehry
1972
Frank Gehry: "Un día vi un montón de cajas de cartón corrugado fuera de mi
oficina - el material que yo prefiero para la construcción de modelos de
arquitectura - y empecé a jugar con él, pegando y cortando en diferentes
formas con una sierra de mano y un cuchillo de bolsillo."
«Easy Edges»
610 350
Medidas
Material
Cartón duro
Cartón corrugado
Canadá fue el país que contempló el nacimiento, en 1929, de uno de los mayores
innovadores de la arquitectura contemporánea de la segunda mitad del siglo XX, el
arquitecto Fran Owen Gehry. Se trasladó a Estados Unidos en 1947 para comenzar sus
estudios de arquitectura, precisamente en los inicios de la Guerra Fría, una etapa de
gravedad por los conflictos económicos, políticos e ideológicos que marcaron gran parte
de la historia actual. Tras su paso por Europa en 1961, volvió a Los Ángeles con numerosas
influencias por parte del arquitecto funcionalista y racionalista Le Corbusier.
Gehry llegó a crear un carácter propio del estilo deconstructivismo en el que
trataba de realizar sus obras a partir de materiales baratos con un proceso de diseño de
carácter orgánico con la implicación de las líneas curvas. Era un interesado en manipular
las superficies de las estructuras y sus envolventes, buscando un caos controlado. Tenía
influencia en las vanguardias, sobre todo, en el cubismo. La calidad de sus diseños se
caracteriza por la gran cantidad y juegos de volúmenes existentes, lo que consideraba que
la arquitectura era un arte y sus edificios una gran escultura que tendría que ser
observada.
Aparte de arquitecto, Gehry fue un creador de nuevos retos, elaboró en 1972 una
nueva dimensión estética mediante una serie de muebles llamado “Easy Edges”.
Consistían en juntar en direcciones alternas una serie de capas de cartón corrugado
encoladas creando una escultura robusta. Tenían unas cualidades propias: conseguían
una reducción del ruido en los espacios, y la aplicación de materiales
renovables, que tenían una importante responsabilidad
ecológica. Su mueble más famoso fue la Wiggle Side Chair, -
Llamada Wiggle por la estructura ondulante que tiene,
formada a partir de una “S” que termina con el asiento y el
respaldo.
Gehry no tuvo una finalidad para crear estos
muebles, simplemente, como innovador que era, un día
decidió coger unas cajas de cartón y las elaboró, incorporó
ese concepto de curvilínea que se puede admirar en sus
edificaciones como en el Museo Guggenheim, en Bilbao.
Sin embargo, en 1986, Vitra, una prestigiosa
compañía suiza en fabricación industrial
de mobiliarios diseñados por
diseñadores de renombre la comenzó
a comercializar por 795,01€.
1993
1996
1997
2003
Museo Guggenheim,
Bilbao.
Sala de Conciertos Walt Disney
Los Ángeles.
Casa Danzante,
Praga.
Museo de Arte Weisman,
Minneapolis.
"Contour" Chair
Frank Gehry
Side Chair
Frank Gehry’s
nesting chairs
Realizado por Jose Javier González Santana 8

11. SILLÓN PROUST
Creador: Alessandro Mendini
Diseño : 1978
Producción : desde 1978
Fabricante: Studio Alchimia , Milan
Tamaño: 107 x 105 x 94 , altura del asiento 35 cms
Material: madera pintada , tapicería pintada
El sillón Proust de 1978,
diseñado por el italiano
Alessandro Mendini, para
el Studio Alchimia, fue
parte de una serie de
muebles de rediseño cuya
finalidad era transmitir
con humor la idea de que
el diseño realmente inno-
vador ya no podía seguir
el camino por el que iba
hasta entonces, además de
promover la idea del
diseño banal que preten-
día llenar el vacío inte-
lectual y cultural que
parecía existir en el
diseño industrializado.
El sillón Proust parte de una inves-
tigación hecha por Mendini para el
diseño de una tela para la marca
Cassina, en base a una reflexión
sobre el escritor francés Marcel
Proust entorno a la clase media alta
de esa época, cuando investigaba se
encontró con un sillón de estilo
neobarroco francés del siglo XIX, y
en base a este descubrimiento deci-
dió llevar su investigación a la
producción de un mobiliario.
El colorido diseño del tapiz del
sillón se basa en la reproducción
ampliada de una pintura puntillista
de Paul Signac. Haciendo referencia
al impresionismo que fue muy valo-
rado por Marcel Proust, haciendo de
esta manera referencia al autor y su
época.
Con esto logra enfatizar esta bana-
lidad que Mendini buscaba saturando
con colores brillantes y con recar-
gados ornamentos barrocos.
ALESSANDRO MENDINI
El grupo Alchimia nació cuando en Italia
se iniciaba un movimiento que se llamaba
arquitectura radical, nacida en el inte-
rior de la protesta estudiantil univer-
sitaria. Fue una contestación crítica
hecha por los arquitectos contra la Uni-
versidad. Este grupo, empezó a crear ob-
jetos críticos como respuesta al diseño
funcionalista.En ese momento nace Alchi-
mia, que toma para sí la idea de la ar-
quitectura radical para llevarla al
diseño. Inicia una experiencia distinta
construyendo sus propios productos sin
esperar a que lo haga una fábrica. Sin
una referencia comercial, proyectaba y
construía un objeto que después vendía.
ALCHIMIA
Pintura de Paul Signac
TANIA MONZÓN GONZÁLEZ
2º Proyectos y Dirección de Obras de Decoración
Historia del interiorismo 9

12. DISEÑADOR
Norman Foster nació en junio de 1935 en Reddish,
Cheshire.
Estudió arquitectura y urbanismo mientras trabajaba
en diferentes oficios para costearse los estudios.
Frank Lloyd Wright y Le Corbusier fueron sus
referentes.
Es el creador de la corriente arquitectónica High-
Tech.
La idea de esta tendencia era solucionar distintos
problemas arquitectónicos mediante medios
tecnológicos más sofisticados. Solo resultaba
adecuado en edificios de grandes dimensiones y
elevados presupuestos.
El concepto de Nomos es un término griego que
significa ‘distribución justa’, basada en la relación
entre los usuarios y el espacio que ocupan.
ANÁLISIS DE LA OBRA Y MATERIALES
Tipo de producto: Oficina/Mesas
Fecha de lanzamiento: 1986
Estructura cromada, lavada color blanco, gris
plomo o níquel negro pulido. Sobre laminado
blanco o negro lavado blanco o gris plomo,
madera de roble claro, roble grafito, roble
medio, late gris o lata moro. Cristal
transparente, cristal satinado negro, cristal
barnizado blanco, naranja, verde kiwi.
Dimensiones: Altura máxima 72cm, Anchura
180cm, Profundidad 80cm.
En 2013, por el 30 aniversario de Tecno y
Foster, se realizó una edición especial de la
mesa con nuevos acabados, como cemento,
nogal americano macizo, mármol negro
marquina y cristal fumé.
Empresa que
comercializa la
mesa Nomos.
CRONOLOGÍA
Tecno fue fundada en 1953, en Italia y en el
extranjero. La marca identifica a una empresa con
entusiasmo por la ingeniería y la innovación
tecnológica y que sigue considerando esenciales
las cualidades básicas del diseño, materiales y
mano de obra.
MESA NOMOS - HIGH TECH.
NORMAN FOSTER
RECURSOS EN RED
https://enlineabarcelona.com/product/nomos-table/
http://www.tecnospa.com/es/productos/hogar/nomos-table
Marta Rodríguez
10

13. Javier Mariscal
Javier Mariscal es un diseñador y artista español que estudió gráficos en la Escuela de Gráficos Elisava. Después de dejar la
educación, trabajó como ilustrador en cómics underground. A finales de la década de 1970 inventó un conjunto de
personajes cómicos llamado 'Los Garriris'. En la década de 1980 comenzó su carrera como diseñador de muebles y pintor,
pero la ilustración de cómic sigue siendo una parte clave de su trabajo. En 1985 comencé a convertir a los personajes de
'Los Garriris' en objetos. De todos sus muebles de dibujos animados, esta silla se parece mucho a Mickey Mouse, con las
orejas de ratón en la parte posterior. Los pies de dibujos animados en las patas de la silla se asemejan también a los pies del
personaje de 'The Garriris' Julian the dog.
Años 80, Postmodernidad, influencias del ​Pop Art​.
Silla Garriris
Objeto:
Silla
Lugar de origen:
España (diseñado)
España (fabricado)
Fecha:
1987 (diseñado)
Artista / Hacedor:
Mariscal, Javier, nacido en 1950 (diseñador)
Akaba S.A. (fabricante)
Materiales y técnicas:
Tubo de acero cuadrado cromado con aluminio, asiento de madera contrachapada y tapicería de cuero
Número del museo:
W.20-2010
Ubicación de la galería:
En almacén
Documentación de web:
http://collections.vam.ac.uk/item/O1174382/garriris-chair-chair-mariscal-javier
11

14. Eduardo Martín Batista
THE BLACK LINE CHAIR
Estilo
Op-Art (arte óptico). Los artistas en el tiempo se han visto
atraídos por la naturaleza de la percepción y los efectos
ópticos. En la década de 1950 estas preocupaciones junto con el
interés de las nuevas tecnologías y la psicología se convirtieron
en un movimiento. Se puede ver como el sucesor de la abstracción
geométrica, su énfasis en la ilusión y la percepción sugiere que
también podría tener antepasados más antiguos. Durante los años
de mayor éxito a mediados de la década de 1960, se decía que el
movimiento abarcaba una amplia gama de artistas cuyos intereses
en abstracción tenían poco que ver con la percepción. Algunos,
como Joseph Albers, que a menudo fueron etiquetados como artistas
de Op. Sys. Mucho después de la desaparición de este arte, su
reputación sigue colgando de una balanza.
Cronología: Actualidad, año 2010
Diseñador: Oki Sato (nendo)
Análisis
Está compuesta de varillas de acero dobladas y soldadas. Es un estudio en esquema y forma. Las varillas
de acero se asemejan a líneas esbozadas dibujadas en el aire, elementos gráficos simples que crean y
definen la superficie y el volumen. Al igual que una ilusión óptica, la silla parece cambiar de forma,
según la perspectiva del espectador. Tiene una altura de 77 cm, 52 cm de ancho y 60 cm de profundidad.
Nació en 1977 en Toronto, Canadá. En el seno de una familia japonesa que emigró a Canadá debido al
trabajo de su padre. En el año 2000 obtuvo el premio de mejor alumno en el Departamento de
Arquitectura, Facultad de ciencias de Ingeniería, Waseda University. Finalizando sus estudios en 2002,
ese mismo año abrió su primera oficina “nendo” en Tokio. Ha sido galardonado y reconocido a nivel
mundial. Entre los años 2012 y 2014 fue profesor a tiempo parcial en la Universidad de Waseda.
Mecenas: Phillips de Pury
Museo/Exposición: Una exposición individual de Phillips de Pury & Company en la Saatchi Gallery de
Londres desde el London Design Festival en septiembre hasta la Frieze Art Fair en octubre.
Algunos críticos continúan caracterizando sus diseños como “excitaciones retinales”. Otros al contrario,
argumentan que representaba una especie de arte pop abstracto, que emulaba el deslumbramiento de la sociedad de
consumo, pero que se negaba, a celebrar sus iconos.
El término “Op art” puede haber sido utilizado por primera vez por el artista y escritor Donald Judd. Pero se
hizo popular por su uso en un artículo de la revista Time de 1964, y sus origenes se remontan a muchos años
atrás. Uno podría ver sus raíces en “La teoría del arte y el color del siglo XIX” en las obras de Johann Wolfgang
von Geothe sobre el color y, particularmente en las pinturas de Georges Seurat. Sin embargo, el estilo que
ahora conocemos como Op surgió del trabajo de Victor Vasarely, quien primero exploró los efectos
perceptuales inusuales en algunos diseños de la década de 1930.
Recursos en red:
N/a. (S/f). Op Art. Abril 12, 2018, de The Art Story Sitio web: http://www.theartstory.org/movement-op-
art.htm
N/a. (S/f). Biography of nendo/ Oki Sato. Abril 12, 2018, de nendo Sitio web:
http://www.nendo.jp/en/biography/
N/a. (S/f). THIN BLACK LINES (21400 MM CHAIR) CHAIR, 2010. Abril 12, 2018, de COOPER HEWITT Sitio web:
https://collection.cooperhewitt.org/objects/68268439/
Victor Vasarely, Zebra. 1937.
12

15. Kuki Chair de Zaha Hadid
ESTILO‐ÉPOCA‐CONTEXTO: El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que
nació a finales de la década de 1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de
diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras
y, en apariencia, por ejemplo formas no rectilíneas ﴿ que se emplean para distorsionar y
dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura, como la estructura y la
envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela
deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un caos controlado.
a pesar de ser un movimiento arquitectónico Zaha lo utilizó en esta silla.
En cuanto a la época de la silla, es bastante actual, del año 2013.
DISEÑADOR/A: Dame Zaha Mohammad Hadid ﴾31 de octubre
de 1950 ‐ 31 de marzo de 2016﴿ fue un arquitecto iraquí‐británico
procedente de la corriente del deconstructivismo, aunque ella no
se describe en ningún estilo o escuela. Zaha Hadid ha sido firme
en su compromiso con la modernidad siempre inventiva, se alejó
de la tipología existente, de la alta tecnología, y cambió la
geometría de los edificios. Sin embargo no fue solo arquitecta,
también diseñó muebles, joyas, zapatos, etc.
Fue la primera mujer en recibir el Premio Pritzker de Arquitectura en 2004. Recibió el premio
de arquitectura más prestigioso del Reino Unido, el Premio Stirling , en 2010 y 2011. En 2012,
Isabel II le hizo Dama por sus servicios a arquitectura, y en 2015 se convirtió en la primera y
única mujer galardonada con la Medalla de Oro Real del Royal Institute of British Architects.
Tras su muerte a las 65 años, su estudio de Londres continúa produciendo diseños bajo el
liderazgo de su socio comercial, el arquitecto Patrik Schumacher.
ANÁLISIS DE LA OBRA: Zaha Hadid dobló una lámina redonda de plástico para crear
esta silla para la marca italiana Sawaya y Moroni , tiene un color índigo. En este diseño de
silla podemos leer los conceptos de líneas eléctricas, fluidez y dinamismo que caracterizan
el trabajo y la investigación de Zaha Hadid Architects y su equipo para todos sus proyectos.
OTROS ASPECTOS: La silla Kuki es emblemática de la fluida estética de Hadid, que
también podemos ver en otros proyectos como:
Jockey Club Innovation
Tower en la
Universidad Politécnica
de Hong Kong ﴾2007‐
2014﴿
COMITENTE: La marca italiana Sawaya y Moroni
Mesa Mew, diseñada
para la marca Sawaya
& Moroni
Joyas de plata,
diseñadas para Georg
Jensen.
La silla Kuki de Zaha Hadid fue rediseñada en 2016, por Design
Miami. Esta nueva versión está hecha de una sola hola de
Hypetex, un material compuesto por fibra de carbono
coloreado.
RECURSOS EN RED:
https://translate.google.es/translate?hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Zaha_
Hadid&prev=searchhttps://www.dezeen.com/2016/06/16/zaha‐hadid‐kuki‐chair‐carbon‐
fibre‐hypetex‐launch‐design‐miami‐basel‐2016/
Jockey Club Innovation Tower en la Universidad Politécnica de Hong Kong ﴾2007‐2014﴿
Alumna:Tiffany Tezna Montoya
Curso: 2º Proyecto y dirección de obras de decoración
Curso: 2017/2018
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16. Cronología:
año 2016
Estilo-Época-Contexto:
combina características
tradicionales y modernas. Diseño
contemporáneo. Siglo XXI.
Diseñador/a:
Patricia Urquiola,
arquitecta y diseñadora
española
Análisis de la obra:
En este sillón aparece una combinación
de materiales y colores consagrada a la
más amplia variedad de usos: la parte
interna acolchada dialoga con la parte
externa rígida, embellecida con bordes de
piel de colores que subrayan sus sinuosas
líneas. Los tejidos se adhieren a las
curvas del sillón, contrastando con la
rigurosa y formal estructura de la
carcasa, en cinco diferentes
combinaciones de color estándar. Este
acogedor y envolvente sillón es todavía
más confortable gracias a su respaldo,
que se inclina a 12º al presionarlo y,
luego, vuelve automáticamente a su
posición original.
Comitente:
Cassina, firma italiana
que distribuye mobiliario
de los más importantes
diseñadores
contemporáneos,
destacando especialmente
por sus habilidades en el
diseño y creación de
muebles tapizados.
Estructura:
bastidor del
asiento y
del respaldo
de tubo de
acero con
cinchas
Mullido:
espuma de
poliuretano
de densidad
diferenciada
sin CFCs.
Base: acero
pintado de
negro con
sección final
revestida de
cuero negro o
piel
brillante.
Tapicería:
tejido o piel.
Silla 570 Gender
EASD GC 2º Ciclo Formativo Superior de Proyectos y Dirección Obras de Decoración. Curso: 2017-18. Alumna: Dianelys González Barrabia
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