1. LICEO “JOSÉ V. LASTARRIA”
DEPTO. DE artes Musicales
El Barroco
La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural
europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII hasta la
mitad del siglo XVIII (hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Origen del término
El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una
construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un
lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en
sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior,
que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».
Características generales
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus
características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la
armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes
sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado
en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de
sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas:
profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio
para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.
Textura
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas
del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son
ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la
escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar
o de monodia acompañada.
La aparición de la monodia acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal
recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de
ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.

2. Estética y nuevas formas
En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el
oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música instrumental pura, es
decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o
funcionales como en el caso de la música de danza.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven
armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética
lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión
de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del
arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las
complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía
(más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado),
dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno
a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el
texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora
de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la
composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y
adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con
algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o
en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias
partes donde podían improvisar.
Periodización y evolución
El Barroco temprano (1580-1630)
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico
renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las
novedades principales:
- La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni
Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales
situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una
evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan
instrumentos contra voces , o solistas contra el conjunto general.
- La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical.
Su acompañamiento instrumental suele escribirse en forma taquigráfica en forma de bajo

3. continuo, consistente en una línea de bajo más unas cifras que indican los acordes con que
se rellenan las faltantes voces intermedias. La Camerata Florentina y la aparición de la
ópera fueron decisivas en la difusión de esta monodia acompañada.
Alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual
talento: Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos estilos entonces preponderantes: la
prima prattica (el polifónico género madrigal) y la seconda prattica o recitativo de la música
vocal solista (un subgénero de la monodia acompañada, esto es, una o varias voces solistas
y bajo continuo). Compuso una de sus obras más famosas, el "Lamento d'Arianna", tanto en
versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. Monteverdi sería el
máximo representante de la recién creada ópera en aquella época. En esta época comenzaría
a tener éxito en varios países, excepto en Inglaterra, debido a la proclamada "guerra contra
los espectáculos". En paralelo a la profana ópera se desarrolló el oratorio, religioso, gracias
a San Felipe Neri.
El Barroco medio (1630-1680)
El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió
por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodía y del
estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi
Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera
belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La ópera francesa (bajo
diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y
lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos
(oboe, fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.
En esta época sobresalieron, entre otros compositores, Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y
Henry Purcell (1659 - 1695), en Francia e Inglaterra respectivamente, y su contemporáneo
alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).
El Barroco tardío (1680-1730)
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el
país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:
- La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli,
Stradella) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal,
progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta...
- La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de
ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono,
homofonía gobernada por el bajo continuo...

4. La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó
incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos,
como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel
como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.
Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la
generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel en
Inglaterra, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania, Jean Philippe
Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.
La transición al Clasicismo (1730-1750)
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730,
el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental
(Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de preclasicismo. Carl Philipp
Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre
de la sonata clásica.
Los géneros y las formas
En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y
géneros vocales. En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se
crean tres importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: la cantata,
la ópera y el oratorio, siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y
uno de los de la música académica.
En esta época, los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean formas
instrumentales como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.
Los géneros vocales
La ópera
Las corrientes humanistas buscaban una puesta al día del antiguo teatro griego, en
particular el grupo conocido como Camerata Florentina, basándose al mismo tiempo en
formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias
madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Les
interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara.
Vincenzo Galilei, padre de Galileo el astrónomo, escribió en 1581 un tratado contra el
género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Música Antica e della
Moderna. Los géneros musicales recitativo, espressivo y representativo llevan a nuevas
libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones (disonancias y
modulaciones).

5. Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue
tomado de Las metamorfosis de Ovidio, Eurídice, también de Jacopo Peri y Orfeo de
Claudio Monteverdi.
La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a
la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden
números de cuatro tipos:
- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en
un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.
- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy
elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se
impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.
- Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial
y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.
- Coros, generalmente a cuatro voces.
El oratorio
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una
temática religiosa y no era representado escénicamente (esto es, era ejecutado al modo de
las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los
oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de
Händel.
La cantata
La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio
lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías
instrumentales, recitativos, arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de
cámara, como la muy conocida Cantata del café de Bach.
El motete
El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva
para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente
en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el
XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.

6. Los géneros instrumentales
Este periodo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término, y conoció la
transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más
flexibles. Nacida durante el siglo XVI, la familia del violín (violines, violas, violonchelos)
alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que
entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos
durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los
Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación
de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. Los instrumentos de
madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de
Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.
La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música
académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la
historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música instrumental
alcanzó su madurez: hay un gran florecimiento en géneros, técnicas, intérpretes y
compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos.
El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la
técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional. Se destacó el caso del violinista
Arcangelo Corelli quien, según el testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en
público "perdía el dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto,
lograba expresarse a la perfección.
Sonata
Al igual que la palabra cantata designaba una composición para canto solista y bajo
continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para uno o dos
instrumentos de cuerda o viento (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo, dividida
en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro
(sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). Derivó de la canzona
del Barroco temprano; la alternancia contrastante de movimientos sucesivos es paralela a la
de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.
A mediados del siglo XVIII la palabra sonata designa también obras para tecla, tales como
las más de quinientas sonatas para clave de Domenico Scarlatti.
La triosonata o sonata en trío
La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de cámara del Barroco
es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines), uno bajo, y el
continuo, (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el
encargado de completar las armonías, de modo que la triosonata requiere cuatro

7. ejecutantes, pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba, el bajón o un
instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico". Se
destacan las obras de Corelli, Pergolesi, Sammartini, Händel, Buxtehude y Bach.
El concerto grosso
A mediados del siglo XVII se convierte en el género instrumental más típico de la época. A
diferencia de la música de cámara, cada parte es ejecutada por más de un instrumento,
como ocurre típicamente en la orquesta. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la
manera de la triosonata.
Importantes centros del género instrumental concertante son Módena, Bolonia y Venecia.
Preludios, tocatas, fantasías y fugas
Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de
teclado) de carácter improvisatorio, y como tales de ornamentación cargada, forma
indefinida y textura variable. Solían ir seguidos de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces).
Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que
crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Una vez imitado,
transpone (cambia de tonalidad), hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones
conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo, sino
que simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los casos, de tonalidad).
Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero el motivo debe de repetirse tres veces (en
voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...).
La suite
Una suite es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados.
La suite habitualmente tenía seis partes:
Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás
ternario y frecuentes hemiolias.
Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo
pulso, de origen español.
Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.

8. Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D,
etc.).
La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica,
uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.
Complemente la información de los compositores que aparecen
en la Guía en el sitio, http://www.epdlp.com/framesmepoca.php, además
podrán escuchar las obras más importantes de ellos.