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1. LA PINTURA
El interés persuasivo de la iglesia y la monarquía y la
valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo
cotidiano determinan la PRINCIPAL CUALIDAD DE LA
PINTURA BARROCA: SU VINCULACIÓN A LA
REALIDAD, que es también consecuencia de una evolución
estilística, fruto del agotamiento del manierismo
antinaturalista.
Debido al independiente desarrollo de las escuelas
pictóricas no son muchas las notas comunes que
caracterizan a la pintura barroca; señalamos las
siguientes:

2. Realismo.
Se buscan los modelos
de la naturaleza, sin
proceder a su
idealización, incluso
llegando al naturalismo,
la preocupación por la
representación del
estado psicológico, de
los sentimientos (dolor,
alegría), etc. En no
pocas ocasiones la luz se
pone al servicio del
realismo.

3. Predominio del color
sobre el dibujo.
En los grandes maestros
las manchas son las
definidoras de las formas
(Velázquez o
Rembrandt). Se pintan las
cosas como se ven en la
realidad, con manchas de
color y luz, perdiéndose
los detalles y con el
contorno no precisado.

4. Profundidad continua.
En el barroco se abandona el rigor de la
perspectiva lineal, para obtener la
sensación de profundidad los
procedimientos utilizados pueden ser
líneas convergentes, series de escorzos,
un primer término desmesurado, un
primer término oscuro, juegos de luces,
plasmación de efectos atmosféricos…

6. Hegemonía de la luz.
Se abandona el esfumato de Leonardo pasando
a planos de luz y sombras donde las formas se
dibujan con gran precisión. El barroco es el
arte de plasmar pictóricamente la luz y en
correlación, la sombra juega un papel hasta
entonces inédito, especialmente en los
primeros ensayos del estilo que han venido a
denominarse Tenebrismo. En el Barroco la
forma se subordina a la luz, y en algunas
ocasiones las formas pueden desvanecerse por
debilidad o intensidad del centelleo luminoso

8. Libertad en la composición, es decir composición
asimétrica y atectónica.
La tendencia instintiva a colocar la figura principal
en medio y a pintar dos mitades de telas
semejantes (simetría) se pierde, de la misma
manera que se desecha la malla de horizontales y
verticales del arte clásico (composición
tectónica). Se prefiere todo aquello que muestre
desequilibrio o sugiera que la escena continúa más
allá de los límites del marco. Esta composición
atectónica se consigue mediante las líneas
diagonales que sustituyen a las composiciones
piramidales del siglo anterior; a veces se usan
formas partidas que indiquen que no todo cabe en
la tela.

10. Preocupación por plasmar el movimiento.
La pintura barroca es la pintura de la vida y
ésta no puede representarse bajo formas
estáticas. La turbulencia se antepone a la
quietud; las figuras son inestables y los
escorzos y ondulaciones se multiplican. A
veces este movimiento no existe y el exceso
de quietud y austeridad se debe relacionar
con el deseo de vincular la obra con la
trascendencia religiosa.

12. Técnicas.
La importancia del color y el deseo de
mostrarlo en toda su brillantez hace que
se abandone el temple y se generaliza el
óleo y el uso del lienzo, a veces de
grandes proporciones y la pintura sobre
tabla casi se abandona. La técnica del
fresco se sigue utilizando para la pintura
decorativa de las paredes.

13. Temas.
Aquí es donde la multiplicidad de escuelas provoca una
absoluta variedad en los temas:
En cuanto a los temas religiosos abundan la
representaciones de la Virgen, como Inmaculada
Concepción, la Piedad, los pasajes evangélicos más
relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la
penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los
santos y sus experiencias religiosas, la visión de la
muerte.
El desnudo es proscrito de las representaciones
religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y
mitologías.

14. La fábula pagana se cultivará en Francia y
Flandes.
Los holandeses destacarán en el retrato de
grupo y el paisaje se convierte en género
independiente y dentro de él temas
especiales como, escenas realistas ( de
interiores y de vida cotidiana), marinas,
batallas navales, etc.
También se desarrolla el cuadro de
arquitectura, el bodegón, los de naturalezas
muertas.

15. Michelangelo Merisi
(1571- 1610), llamado
IL CARAVAGGIO
Su vida está marcada por la
bohemia y su arte por la
incomprensión. En 1590 se
traslada a Roma, donde su
carácter arrogante y
pendenciero lo lleva varias
veces a la cárcel y al asesinato
de un hombre por riñas de
juego. Condenado por homicida,
huye en 1606 a Nápoles, Malta,
Siracusa y Mesina. Obtenido el
perdón, muere de malaria
cuando regresaba a Roma con
37 años. Autorretrato en cabeza de Goliat

16. Realismo o naturalismo
 Una forma sencilla pero
impactante de pintura
según el modelo sacado
del natural.
San Juan Bautista

17. Tenebrismo
 Un rasgo prioritario de la obra de Caravaggio
es, desde luego, el modo de tratar los
aspectos lumínicos y cromáticos en sus
pinturas.
 Intensos contrastes entre luces y sombras.
 También, la luz como "personaje" o como
elemento capaz de transformar plástica,
psicológica, e ideológicamente una obra.

18. Vocación de San Mateo

19. La fisonomía de los desheredados
 Las pinturas según modelos sacados del natural
implicaba para Caravaggio la absoluta inmediatez y
presencia física de los tipos y personajes
representados, sin concesiones a la idealización.
 La novedad introducida por Caravaggio en la escena
romana fue plantear los modelos realistas en relación
con la elaboración de pinturas emblemáticas o en
relación con pinturas que se proponía como "obras
mayores".
 La voluntad de encuentro con lo real no es sólo
representar los modelos con veracidad, es elegir,
prioritariamente, determinado tipo de modelos, y este
tipo determinado no es otro que el del lumpen, es decir,
el de las capas más pobres de la sociedad urbana.

20. Duda de Santo Tomás

21. San Mateo y el Ángel

22. Ausencia de decoro
 Por decoro se entendía que cada tipo físico representado
debía adecuarse a aquello que representaba. Debía ser
adecuado, no sólo en su mero aspecto superficial, sino
también con respecto a la edad y condición del personaje al
que daba forma, y al que se le suponían un determinado
porte, gesto y actitud.
 La pintura en general, y cada personaje en particular, debían
ser también coherentes en su escenario y en el vestido de
los personajes, con las características históricas y
ambientales de aquello que se representaba.
 Y, en fin, el decoro implicaba, además, el acuerdo con lo
"correcto" según el buen gusto, y con lo "conveniente" según
la moralidad vigente y la normativa religiosa.

23. La muerte de la Virgen

24. Las primeras obras romanas
 Formato propio del coleccionista privado: cuadros
pequeños, de medias figuras, que el pintor vendía en
los mercadillos ambulantes para subsistir.
 Da vida en ellos al mundo callejero de la picaresca:
jugadores de cartas, hampones y gitanos.
 En este período temprano inventa el bodegón
moderno con "La cesta de frutas" y representa a un
grupo de jóvenes lánguidos y afeminados, bajo la
apariencia mitológica de "Baco", o disfrazados de
músicos travestidos, como "El tañedor de laúd".

25. Baco enfermo

26. Baco

28.  Las interpretaciones religiosas también
encuentran cabida en su paleta, legándonos la
bellísima "Cena de Emaus". Todos estos
cuadros están construidos con figuras
sólidas, recortadas sobre fondo neutro y de
rico colorido, que proclaman la conquista de
la realidad en su vertiente cotidiana.

30. La “gran manera”
 De mayor envergadura figurativa.
 Se abandona la presencia de lo cotidiano, íntimo o
anecdótico.
 Se busca un intenso verismo figurativo unido a una
técnica depurada en su sensación de acabado.
 También inicia Caravaggio un planteamiento de lo
tratado mediante una acción dramática.
 Junto a la verosimilitud, la intención de Caravaggio es
que todo lo descrito haga evidente su cualidad
material, ese aspecto físico de las cosas que
apreciamos simultáneamente a través de la vista y del
tacto.

31. Martirio de San Pedro

32. Martirio de San
Mateo

33. La esencialidad
 Búsqueda de lo esencial, la reducción de la imagen global a la
parquedad de unas pocas figuras y el escenario vacío. Los
escenarios suelen ser desnudos, el vacío es un valor con
significado. Los fondos de Caravggio suelen ser planos. La luz
incidental de sus obras enfatiza la presencia escueta de las
figuras. En cada composición, los elementos descritos en las
obras del pintor tienden a ser siempre los mínimos.
Caravaggio huye de cualquier añadido decorativo o superfluo.
Caravaggio plantea una dicotomía absoluta entre lo vivo de
sus personajes y la ausencia total de contexto ambiental
relativo a la escena. Sólo el trabajo con una mínima gama de
color modificada sirve de fondo. Esto hace que la pintura,
apoyada en la veracidad de los modelos, adquiera de
inmediato una economía de recursos que la hace ser más
enunciativa y abstracta y menos narrativa y anecdótica

34. Virgen de los Peregrinos

35. Virgen de la Sierpe

36. La fotografía
 Capacidad de Caravaggio para escoger,
precisamente, el fotograma, la imagen más
lacerante y dramática de una escena; de una
escena, se podría decir, en vivo,
desenvolviéndose.
 Los gestos expresivos de los personajes
son instantáneas precisas y contenidas -
vivas- , totalmente opuestas o alejadas de los
amaneramientos o de la gestualidad retórica
y teatral propia de la época.

38.  Términos como "primer plano", "contrapicado",
"efectos ambientales, plásticos y psicológicos de la
iluminación",..., se empezaron a utilizar para explicar
el lenguaje figurativo de Caravaggio.
 Preferentemente se aprecia en el gusto por situar
las figuras poderosamente en primer plano, llegando
incluso a estar fragmentadas arbitrariamente, en
un encuadre que, al parecerse al fotográfico, llega a
ser anticipador.