abstracto

1. Arte que no imita ni representa directamente la realidad
Arte Abstracto
rte exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si
el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el
color y la forma tienen su propio valor artístico.
Este movimiento artístico está considerado como una de
las vanguardias históricas que se comienza a desarrollar du-
rante los primeros años del siglo XX.
Behind the sun (1943) Ciel Noir
Óleo sobre lienzo
Lola Massieu
Anni Alberts
Bodegón (1950-54)
Diseño para una manta
Óleo sobre lienzo Jacqueline Lamba
(1910-1993)
Ha sido
Sonia Delaunay conocida hasta
(Ucrania 1885-1979) ahora por ser la
esposa de André
Breton.
Estudia dibujo Ucrania y en París
Independiente de
en la Académie de la Palette. Colabo-
carácter y de
ra en el desarrollo del orfismo reali-
elegancia
zando un tipo de pintura pura y abs-
excéntrica en sus
tracta donde el color es a la vez for- In Spite of Everything (Spring 1942)
Sin título atuendos, fue una
ma y tema.
Durante la década de los años pintora notable
veinte Sonia trabajó fundamental- cuya obra está
mente en tejidos y tapices estampa- inmersa en el
dos a mano, y como diseñadora pro- surrealismo
dujo un fuerte impacto en el mundo primero y en una
internacional de la moda. Trabajó co- abstracción lírica
mo diseñadora de decorados y ves- más tarde. Su rasgo
tuario para los ballets rusos. Tras una más personal son
temporada en Madrid, se establece las luces: extrañas,
en París, donde se integra en los am- metafísicas, como
bientes surrealistas. llamas, primero, y
Sonia Delaunay se convirtió en como chispazos
la primera mujer que vio en vida sus después, que
cuadros expuestos en el Louvre. aparecen en casi
Su trabajo se caracteriza por una todas sus obras.
reconstrucción de la forma sólo por
el color. Le Puits
Boceto de diseño de moda Óleo sobre lienzo

2. Arte optico
rte
El arte óptico es, sobre todo, un arte abstracto, basado muchas veces en figuras geomé-
tricas, que explora en particular las posibilidades de la luz y el color para producir sensa-
ciones ópticas, visuales, de tipo dinámico.
Por encima de lo demás, es un arte ilusionista.
Se trata de crear una ilusión visual; por tanto, conceptos como óptico, visual, retinal,
sirven para descubrir estas obras.
La imagen es casi una, y los colores ondean con una intensidad tan deslumbrante que
parecen distorsionar el lienzo.
Se usa la repetición de las formas simples. Los colores crean efectos vibrantes, con gran
efecto de profundidad.
El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve; aunque la ondulación no
sea real, el efecto es de total dinamismo. En la retina se perciben oscilaciones, altibajos,
formas que emergen y se retraen.
Bridget Riley
(Inglaterra 1931)
Pintora inglesa, sus primeras obras muestran un
estilo impresionista, para evolucionar hasta el pun-
tillismo hacia 1958, época en la que pintaba sobre todo
paisajes. Creó complejas configuraciones de formas
abstractas diseñadas para producir efectos ópticos
llamativos.
Alcanzó una gran reputación a través de las obras
abstractas que ejecutó en la década de 1960, una pintura
de grandes superficies de colores planos, antes de rea-
lizar numerosas obras en blanco y negro. En su segunda
etapa se concentró en la creación de series de formas
geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma
para conseguir un remarcado sentido de movimiento.
Riley experimentó con otro tipo de mecanismos
ópticos, pintando líneas con colores puros complemen-
tarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción bri-
llante de los colores.
Mosaico Arcane
Acrílico sobre tela

3. ubismo
Cubismo
El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por
Braque, Picasso y otros artistas en el periodo de 1907 a 1914 y que
rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas.
El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representa-
ción desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y
fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplici-
dad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos
Mirta Cerra y figuras en la misma pintura.
(La Habana1904-1986)
Su obra se interesa por lo social, refleja
personajes de la ciudad o del campo, o el pai-
saje urbano.
En sus paisajes de La Habana rescata una
ciudad colonial antes que moderna en cua-
dros en los que irrumpe a veces el neón; se
introduce en ellos el reclamo comercial, pero
ello sólo para contrastar y subrayar la belleza
del vitral, de los guardavecinos, de la persia-
nería francesa, de los balcones y las tejas.
Retrata una urbe romántica, por momentos
caótica.
El cubismo resulta una fuente de las más
preciadas para Mirta. Considerada neocu-
bista, vuelve su mirada al momento inicial del
cubismo (fragmentación de las formas en
Bodegón
planos).
con instrumentos
La Habana Liubov Popova
(1889-1924)
Nadezhda Udaltsova
(1885-1961) Nace en Ivanovskoe en una familia de comerciantes
culta y acomodada. Estudia arte, viajó por Rusia e Italia y
Asimiló los postulados cubistas y asistió en 1912 trabaja en un estudio en Moscú, donde coincide
a las clases de la Académie de La Pallette en con Vladimir Tatlin y Alexei Grishchenko entre otros, y
París. se adhiere al cubismo interesándose más tarde por el
A lo largo de su carrera Udaltsova de- futurismo.
sarrolló el cubismo hasta sus últimas con- Diseñó trajes y decorados para diferentes obras de
secuencias como un ejercicio de análisis y teatro y trabajó en diseños textiles. Impartió clases en la
«deconstrucción». Escuela de Arte y Teatro Vkhutemas e ingresó en el Insti-
Para ella la forma, la estructura y la tuto de Cultura Artística Inkhuk, centro de las teorías
composición eran la esencia de la pintura. Se constructivistas.
familiarizó también con el futurismo italiano Popova fue una de los miembros principales de la
y la representación de movimientos rápidos vanguardia rusa a pesar de su prematura muerte. Prestó
a través del espacio. gran atención al color y al espacio y le interesaba mucho
Expuso con el grupo de “La Sota de el valor arquitectónico de un cuadro. Rechaza la cualidad
Diamantes”, defensores de la importancia de perspectivista del color, lo que apunta a una concepción
Cézanne y Picasso. Realizó algunas compo- de la pintura como un arte de superficie alejado del papel
siciones suprematistas en acuarela y aguada tridimensional y por ello ilusionista, al abandonar la pers-
pero sobresale por sus magníficos óleos pectiva, el espacio y el volumen más propios del relieve y
Cocina (1915) cubistas. de la arquitectura.

4. adaísmo
Dadaísmo Mujeres
y Pintura
El dadaísmo tiene su origen durante la Primera Guerra Mundial, cuando coincidieron en Zurich varios exi-
liados procedentes de distintos países europeos.
Expresaron su visión del mundo y del arte a través de una serie de acciones destructivas, y con un sentido del
humor imaginativo y crítico, utilizaron las palabras libres y los ruidos-música.
Entre las negaciones del dadaísmo se encuentra el arte mismo, que es rechazado como una parte importan-
te del sistema que ha hecho posible la guerra.
Son características del dadaísmo la repulsa de la «artesanía», de la intención, de la «seriedad», etc. Esta
actitud permite liberar fuerzas creadoras, y aparecen nuevos medios expresivos: el fotomontaje, el colaje, la
«pintoescultura matérica», los «objetos encontrados», etc .
Hannah Hoch
(Alemania 1889-1978)
Artista alemana. Miembro del dadá berlinés. Practicó el fotomontaje y
el colaje; y a partir de 1916 se dedicó a la pintura abstracta y surrealista y creó objetos dadaístas.
Fotomontaje (1919) Fotomontaje (1919-20) Fotomontaje (1923)

5. El expresionismo persigue la expresión de los sentimientos y emo-
ciones dejando en segundo término la representación de la realidad.
El objetivo es lograr el impacto emocional del espectador a través
del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc.
Se vale de una acentuación o deformación de la realidad para con-
xpresionismo
Expresionismo
seguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner
en evidencia.
Para ello cualquier recurso plástico es válido, y la técnica y el em-
pleo de materiales es elegido por la artista.
O’Keeffe (1970) O’Keeffe (1908)
Georgia O'Keeffe Antonieta Raphael Antonieta Raphael Antonieta Raphael
La Pettinatrice Fantasía Desnudo
(Estados Unidos 1887-1986)
Estudió arte en Chicago y Nueva York, se dedicó a la enseñanza, que abandona en 1917 para dedicarse íntegramente al arte.
Sus cuadros son casi abstractos, basados en ampliaciones de plantas y flores. Se trata de obras de gran elegancia y vitalidad, con formas sensuales
llenas de sugerencias sexuales, paisajes urbanos en los que la ciudad se transforma en unas imágenes fantásticas con unas composiciones de formas
geométricas muy coloristas, y es frecuente que aparezca el paisaje del desierto en sus cuadros.
A partir de 1953 comenzó a viajar intensamente visitando Egipto, Grecia, Oriente Medio... y en la década de los sesenta, inspirándose en los vuelos
aéreos, introduce en sus telas vistas de la tierra, del cielo y de las nubes contempladas desde un avión.
Tenía el don de ver y el interés por pintar las formas abstractas de las cosas visibles sin abandonar del todo la apariencia natural de éstas.
Sin título Flores (1925) Serie Desnudos VIII Desnudo XII

6. El fauvismo es el primer movimiento revolucionario artístico del siglo XX.
La denominación deriva de la palabra «fauves» (fieras).
auvismo
Fauvismo Se desarrolla durante los años 1903 a 1907.
Se caracteriza por una desmedida pasión por un uso violento y salvaje del
color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color
se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de éste respecto de la
naturaleza, cuyo resultado son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,
rosáceos o violetas, sus tonos preferidos.
Además se recurre a la extrema simplificación de formas y elementos: los
objetos y los contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se
rellenan con manchas de color planas.
Destaca la interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agra-
dables, en especial paisajes o retratos.
La profundidad desaparece.
María Blanchard dando clase
María Blanchard Natalia Gontcharova
Títulos desconocidos
(1881-1932)
María Gutiérrez-Cueto Blanchard nace en Santander en
una familia de la burguesía culta que apoyó siempre su temprana
vocación artística.
Estudia pintura en Madrid y se traslada a París con una beca,
donde su pintura se acerca al fauvismo. Con posterioridad su
obra deriva hacia el cubismo. Ejerce de profesora de dibujo en
Salamanca y vuelve definitivamente a París en 1916.
Su obra fue figurativa académica, de dibujo firme y tonos
sobrios con predominio de las escenas costumbristas, pasando
por una etapa fauvista y más tarde una etapa cubista, de intensos
contrastes cromáticos y construcción monumental en la forma,
con unas notas expresionistas muy personales.
Al final de su carrera, la figura humana, sobre todo seres
enfermos y dolientes situados en ambientes tristes, será el cen- Natalia Gontcharova
tro de su obra. Son pinturas de color delicado y ritmos angulares
que reflejan la infancia, la soledad, el abatimiento, la tristeza, la (1881-1962)
enfermedad.
Nace cerca de Tula en el seno de la alta burguesía rural rusa. Se dedica
en principio a la escultura hasta que el pintor Michail Larionov la orienta
hacia la pintura, al observar su predisposición al color. Sus primeras obras
tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que
se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas
de la vida campesina.
Formó parte, al lado de Larionov, de diferentes grupos dentro de la
vanguardia rusa y definen juntos un nuevo estilo pictórico: el rayonismo.
La creatividad de la pintora no se limita a un solo movimiento sino que
recoge aspectos de los diversos lenguajes vanguardistas. Trabajó para los
decorados y el vestuario de algunos de sus ballets rusos. En los años veinte
La convaleciente (1930-1932) Natalia conoce a Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Léger y Cocteau
La echadora de cartas Museo Nacional Centro entre otros.
(fragmento) (1925-1926) de Arte Reina Sofía, Madrid

7. Proclama el rechazo del pasado y el advenimiento de una estética nueva, apropiada al mundo de la velo-
cidad y de las máquinas, y a la ciudad moderna. Boccioni, Carrà, Russolo, Severini y Balla redactan el
Manifiesto de los Pintores futuristas (1910) e insisten en la velocidad y el dinamismo como expresión
de modernidad.
Movimiento iniciado en la literatura, se extiende a todos los campos del arte con connotaciones políticas
muy fuertes y contradictorias.
Utilizan técnicas puntillistas y colores neoimpresionistas, y las temáticas de todos ellos son similares,
basadas en el dinamismo y el movimiento, la metrópolis caótica y el trabajo.
Buscan una audiencia masiva, tratan de difundirse con técnicas publicitarias.
Olga Rozanova
(Rusia 1886-1918)
Empezó ilustrando libros y posando para otras grandes pintoras del
momento.
Vinculada al futurismo italiano, sus pinturas, dibujos y diseños poseen una
gran fuerza. Evolucionó desde la exploración del color al novedoso desplaza-
miento rítmico del futurismo para llegar a sus obras suprematistas.
Rozanova consideraba el color como la esencia y justificación de la
pintura abstracta. Ella misma denominaba su sistema pictórico como «Pintura
de color», insistiendo en que el arte no debía imitar sino simplemente tomar
los objetos como referencia.
Hombre en la calle Vuelo de un avión

8. mpresionismo
Impresionismo
Considerado la última versión del realismo, se desarrolla entre el
final del s. XIX y principios del XX. El nombre se deriva de una obra de
Monet titulada «Impresión».
A partir de aquí, se produce la mayor revolución estética de la histo-
ria del arte abandonando la imitación de la naturaleza para centrase
en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los
estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un gru-
po de artistas. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura.
Paseo en barca (1893-94)
National Gallery of Art, Washington D. C.
Mary Cassatt
Lilla Cabot Perry Lilla Cabot Perry Lilla Cabot Perry (1844-1926)
Tocando con el corazón Bailando
Óleo Óleo El palco (1882) Desde muy pequeña desea convertirse en artista y, en
National Gallery of Art, contra de la opinión de su padre, se inscribe en la Pennsylvania
Washington Academy of Fine Arts. Pintora norteamericana establecida en
Eva Gonzalés París a partir de 1875, fue la única artista de esta nacionalidad
(1849-1883) que presentó regularmente sus obras en las exposiciones del
grupo de los impresionistas.
Hija del escritor francés, La singular aportación de Cassatt al arte se concreta en
Enmanuel Gonzalés, la joven burguesa su exploración artística de la relación entre aquello que con-
empezó sus enseñanzas en el estudio vertía en moderna a la pintura y en «nuevas» a las mujeres. En
de Chaplin en 1865 y más tarde en el reconocimiento a su importancia como principal mujer de la
Retrato de la artista (1878) modernidad y principal pintora feminista, se le pidió que
taller de Edouard Manet para conver-
tirse en modelo y alumna. Metropolitan Museum of Art, realizara un gran mural para el Edificio de la Mujer de la
La influencia de Manet en su pin- Nueva York Exposición Colombina Universal, (Chicago, 1893).
tura es muy significativa hasta 1872, en
que empieza un estilo más personal, Berthe Morisoth
especializándose en obras al pastel y
tonalidades claras.
(1841-)
Comienza su educación, primero en la música y después con lecciones de
dibujo y pintura.
Alumna del famoso pintor paisajista Camille Corot, conoce al grupo de pin-
Marie Bracquemond tores impresionistas: Degas, Renoir, Sisley... Expone con ellos en la muestra que
tiene lugar en el estudio de Félix Nadar en el Boulevard des Capucines en 1874.
(1840-1916) Pintora impresionista de lo cotidiano y de lo minucioso, compone delicadas
escenas familiares en interiores cuyos protagonistas son su madre, su hermana o
Expuso en diversas muestras im- su hija. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas
presionistas, hasta que abandonó la direcciones, propia del impresionismo, dio a sus obras
pintura en 1890 mortificada por la se- unas calidades transparentes, iridiscentes y tornasoladas.
vera crítica y comentarios adversos de
su marido.
Aquellas mujeres que se aventu-
raban a hacer carrera como pintoras
tuvieron que sufrir los numerosos pre-
juicios sociales, que consideraban este
tipo de actividades como esencialmen-
te «masculinas» y, por tanto, impropias
de una mujer. Destacar como profe- Edouard Manet
sionales era considerado como subver- Berthe Morisot con un ramillete
sivo e, incluso, peligroso. La cuna (1872) En el balcón (1871-72) de violetas (1872)
Dibujo a lápiz Musée d'Orsay, París Colección privada Musée d'Orsay, París

9. Minimal Art
inimal
La simplicidad, la abstracción total, el orden y el perfeccionamiento son las características claves del
«minimal art» o minimalismo. El fundamento básico de este movimiento radica en la práctica del «reduc-
cionismo». Sus obras son sencillas, frescas y con poco contenido.
Los minimalistas emplean formas elementales: cubos, pirámides, esferas repetidas en series con algu-
nas variaciones. La escultura fue una de las expresiones artísticas más utilizadas por los minimalistas.
Busca formas simples, reducidas a lo esencial, y las trata con gran rigor intelectual. Es un arte agresivo y
duro. Reclama una concepción normativa del arte y la adopción de unas pautas estrictas, por lo que recu-
rre a elementos geométricos.
M
i
n
i
m
Harbor number 1
a
La Ola
Agnes Maklin Martin
l
(Estados Unidos 1912-2004)
Comienza a interesarse por el arte hacia 1940;
mientras, estudia en la Universidad de Columbia;
combina esta residencia con la de Nuevo México,
llegando a impartir clases de pintura.
A
Su obra en principio se caracteriza por la fi-
guración, que da paso a la abstracción. Regresa a
Nueva York y conoce a Ellsworth Kelly y a James
r
Rosenquist, entre otros. Opta entonces por la abs-
tracción geométrica de gran simplicidad, quedando
su obra ligada tanto al expresionismo abstracto
t
americano como al minimalismo y al Hard Edge:
lienzos estructurados por una rígida trama lineal de
trazo fino en los que se observan sutiles variaciones
cromáticas.
Sin título

10. odernismo
Modernismo
Conocido como art nouveau en Francia,
jugendstil en Alemania y modernismo en España,
es el nombre que se da al movimiento artístico
con el que se culminó el siglo XIX y comenzó
el XX.
El Modernismo significa libertad, la posibili-
dad de desarrollar cualquier forma, color o idea,
y la pintura no fue una excepción, con una gran
variedad y riqueza de temas.
Tamara de Lempicka Etienne Dinet
(1898-1980) La Femme Repudiée
Nace en Varsovia, su infancia transcurre entre San Petersburgo, Karlsbad, Marienbad, Montecarlo e Italia,
donde visita los museos de Florencia, Roma y Venecia. Se integró en la rica sociedad de San Petersburgo y allí
conoció a Tadeusz Lempicki.
Huye a París y comienza a dedicarse a la pintura, desarrollando un estilo enigmático y personal adscrito al
art decó, y en los años veinte se convierte en retratista de moda de la aristocracia, deslumbrando con la Etienne Dinet
deliberada sensualidad de su arte. A street in Laghaut Algeria
Hermosa y elegante, mundana y sofisticada, se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época.
Autorretrato en el Bugatti Verde (1925) Las jóvenes (1927) Retrato del Marqués de Sommi (1925)
Colección privada Óleo sobre madera. Colección privada Óleo sobre lienzo. Colección privada
Kizette (1927)
Musée National d' Art Moderne, París
Primavera (1928) Primavera (1929) Las chicas (1928) Mujer durmiendo (1935)
Óleo sobre madera Óleo sobre madera Óleo sobre lienzo. Colección privada Óleo sobre lienzo. Colección privada

11. Durante la primera mitad de siglo el arte oscila entre dos
Nueva figuración
ueva corrientes artísticas: la figuración y la abstracción. Este fe-
nómeno abre camino a una nueva corriente llamada nueva
figuración, que tiene una amplia difusión en Europa y América
Latina y sigue dando resultados plásticos en la producción
artística de la actualidad.
El artista refleja en sus obras la realidad que lo rodea tal
como es y por más cruda que resulte. Otorga vida a las figuras
estáticas y las ubica en contextos desgarradores y dramáticos.
La libertad es una característica propia de estos artistas,
quienes confieren a la figura humana un sentido de vitalidad al
sacarla de sus propios límites.
Mariona Brines
(Valencia 1962)
Estudió diseño de moda en Hamburgo, trabajó como diseñadora de
moda en Alemania, y como maquetadora y directora artística en dife-
Mariona Brines Lola Massieu rentes agencias publicitarias en los ámbitos de la moda y la fotografía.
La casa del mago Serie manzana podrida Se la relaciona con la pintura, la fotografía, el land-art, la fabricación
Técnica mixta sobre lienzo de papel, el grabado y la xilografía.
Su acercamiento no académico a la pintura puso en movimiento
reflexiones sobre el proceso pictórico en sí, sobre la importancia de la
Amelia Peláez propia percepción y su plasmación, sobre el saber ver y, en definitiva,
(1896-1968) sobre cómo encontrar y crear nuevos mundos pictóricos.
En 1999 la artista se trasladó nuevamente a Valencia, donde trabaja
como pintora en la actualidad.
Estudió arte en La Habana y perfeccionó sus conocimientos artísticos en
varios países de Europa, donde ha expuesto con frecuencia, así como en Cuba
y los Estados Unidos.
Su obra es abundante no solo en pintura, sino también en piezas ce-
rámicas, grabados y murales.
En sus naturalezas muertas los elementos aparecen enmarcados en
gruesas líneas negras que provienen de la admiración que la pintora siente por
determinadas tallas en madera de puertas y mamparas o del embe-llotado de
los vitrales de La Habana. Gracias al grosor de tales líneas Amelia Peláez con-
sigue que sus pinturas presenten composiciones con una contundencia similar
a la de la arquitectura. Aprendiendo a volar (2005) Criptograma (2005)
Acrílico, U.P.V. Acrílico, U.P.V.
Mujeres (1958) Jugadores de cartas Elca. Acrílico

12. NaÍ f
a Mujeres
y Pintura
El término naíf se aplica a la corriente artística caracterizada por la búsqueda de la candidez y la ingenuidad,
la espontaneidad, el autodidactismo de las artistas y los artistas, los colores brillantes y antinaturalistas, y una
perspectiva acientífica. Otros rasgos son los siguientes:
NaÍf
Contornos definidos con mucha precisión.
Falta de perspectiva.
Extraordinario color. Gamas cromáticas muy refinadas.
Pintura muy detallista y meticulosa.
Gran potencia expresiva.
La sensación volumétrica se consigue por medio del color.
El dibujo puede ser incorrecto. Las firmas suelen ser de gran tamaño.
Ángeles Violán
(España)
Nace en Los Realejos,Tenerife. En su juventud recibió clases de Manuela Miranda,
Felipe Mesa y Armenia Acosta, artistas de Tenerife, hasta que descubrió el naíf, un estilo
ingenuo, libre y personal. A partir de los años 80 presenta su obra en numerosas ex-
posiciones colectivas e individuales. El Ayuntamiento de Puerto de la Cruz y El Cabildo
Insular de Tenerife cuentan con algunos de sus cuadros. Últimamente ha pintado por en-
cargo, mientras hacía realidad la Guía naíf de costumbres canarias.
El chorro
Mujeres calando Alfombras de flores

13. Arte pop
rte
Movimiento artístico de los años sesenta, que ha evolu-
cionado hasta nuestros días, y que utiliza en sus composi-
ciones productos habituales de consumo y procedentes de
la publicidad.
La inclusión de estos productos tan banales en las imáge-
nes artísticas nos provoca sorpresa y los convierte en obje-
tos de arte.
Esperanza Casa
Carmen Roig
Aquí hay tomate
Consiga por fin lo que la naturaleza no le pudo dar
EQUIPO LÍMITE
(España)
Está compuesto por Esperanza Casa Carmen y Esperanza
Guillén (Cuqui) y Carmen Roig Castillo (Cari), Cuando rugen los leones
dos artistas valencianas que se conocieron
primero en el Instituto San Vicente Ferrer y
coincidieron después en la Universidad de
Valencia.
Una de las características de sus obras
neo-pop es la de mezclar en su iconografía
elementos homogéneos, procedentes de la
baja cultura, haciendo casi nula referencia a
ningún icono del arte, reciclando imágenes
que apelan a la trivialidad de un discurso, de
modo deliberado y antifeísta, antimoderno,
anticrítico y superkitsch. En sus comienzos
hay un uso constante del método colaje que
con posterioridad va cediendo paso a un
montaje pictórico que le ha dado a los títulos
de sus obras un trascendental protagonismo
provocador, revelando un valor añadido en el
lenguaje. Carmen y Esperanza Carmen y Esperanza
Atadas Cariño, dale de comer al pajarito

14. El siglo XIX supone para Europa la consolidación de la bur-
guesía en el poder. En el terreno artístico se produce una reac-
ción contra los valores idealistas y metafísicos que inspiraron
al neoclasicismo y al romanticismo.
Realismo del siglo XIX
ealismo
Algunos autores consideran función de la pintura reproducir
la realidad tal como es, libre de todo prejuicio filosófico,
moral, político o religioso. La función del artista consiste en
reproducir la realidad con toda su problemática, sin ideas
prefijadas. Muestra la vida cotidiana de la clase obrera, presen-
tando la situación social en toda su crudeza y de forma comba-
tiva, lo que no le impide conseguir efectos de gran belleza
incluso cuando se representan los temas más escabrosos.
Cecilia Beaux Cecilia Beaux Cecilia Beaux
Sita and Sarita Mrs. Richard Lox Mother and Son
Ovejas junto al mar (1869)
National Museum of Women
in the Arts, Washington D. C. Sophie Anderson
(Francia 1823-1903)
Francesa, de soltera Sophie Gengembre. Fue una pintora de
género, conocida por sus sentimentales retratos de niños
victorianos.
De formación autodidacta, estudió la técnica del retrato con
Retrato de la artista Rosa Bonheur (ca. 1871) el Baron Charles von Steuben en París. En 1848, con la Revo-
La feria de caballos (1853-55) Andrè Adolphe Eugëne Disdèri (fotógrafo) lución, viajó con su familia a America, residiendo en Cincinnati y
Metropolitan Museum of Art, Nueva York Fine Arts Museums of San Francisco Pittsburgh. Allí se convirtió en una retratista famosa y se casó con
el artista británico Walter Anderson. Regresó más tarde a
Inglaterra.
Su obra más conocida es «No Walk Today».
Rosa Bonheur
(Francia 1822-1899)
Recibió su formación artística de su padre y se especializó en pintar
animales salvajes, llegando hasta la perfección. Su obra obtuvo gran éxito
mercantil y de crítica. En 1865 Bonheur fué la primera mujer que recibió la
Gran Cruz de la Legión de Honor.
Le gusta representar escenas campestres con animales. Para poder
pasar inadvertida, solicita un permiso especial a la policía para vestir ropa de
hombre en público. Seguía también los usos masculinos al montar a caballo,
fumaba en público y llevaba el cabello corto.
Su pintura, dentro de las tendencias realistas, parte de la más estricta
observación de la naturaleza.
Cuestionó las opciones personales y profesionales que tenían las
mujeres en el siglo XIX y ayudó a comenzar a poner fin a las verdades
profundamente arraigadas en su tiempo. Se identificaba a si misma como
«contra sexual», perteneciente al «tercer sexo», una «mujer masculinizada».
Peek a Boo No walk today

15. omanticismo
Romanticismo
El Romanticismo es el responsable de la gran revolución que se produce en el
arte pictórico y escultórico del siglo XIX. La importancia que el romanticismo
concede a la representación de la naturaleza provoca un gran desarrollo de la
pintura del paisaje, en el que el artista proyecta su interior, con la intención de
El vals (1895-1905) comunicar una emoción o un sentimiento al espectador.
Colección particular
Algunas de las características que definen el Romanticismo son: el protagonis-
mo del individuo, la búsqueda entusiasta de los vestigios del pasado, el amor a la
naturaleza, la preeminencia de la pasión y la sensibilidad por encima de la razón.
Retrato de Camille Claudel
(ca. 1884)
fotografía de César
El abandono (1888) Musée Rodin, París
Colección privada
Camille Claudel
(1864-1943)
Mientras su padre comprende la inclinación de Camille hacia el arte, su madre se opone duramente a lo que considera una desviación radical de las reglas
que rigen la vida burguesa en la sociedad del momento.
Cursa estudios artísticos en la Académie Colarossi, conoce al escultor Auguste Rodin, su amante y maestro. Camille posa para él y colabora en la
realización de las figuras. La obra de la escultora, muy cercana a la de su maestro, no es nunca una copia. Se produce entre ambos un clima de colaboración y
enfrentamiento que enriquece la labor mutua, mientras, sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte.
Más conocida por su atormentada existencia que por la calidad de su producción y la extraordinaria modernidad de sus obras, Camille posee una gran
habilidad técnica para la escultura dominando a la perfección la talla del mármol, llegó incluso a permitir que Rodin firmara alguna de sus obras.

16. Siglo XVII
iglo Mujeres
y Pintura
Rosalva Carriera
(Italia 1675-1757)
Nace en Venecia. Conocemos muy poco de su biografía, aunque se conservan muchas
obras firmadas por la pintora por toda Europa.
Retratista de miembros de la nobleza y de las clases adineradas, realizó miniaturas
sobre marfil, una de las cuales le abre las puertas de la Accademia di San Luca en Roma. Es
admitida en la Accademia di Bologna y también en la Académie Royale de Peinture et Sculpture
de París.
Mujeres
y Pintura

17. Angélica Kauffmann
(Suiza1741-1807)
Siglo XVIII
iglo
Se inició en la pintura siendo aún muy
pequeña y se forma junto a su padre, pintor
suizo, en Florencia y Roma.
Artista respetada por sus contempo-
ráneos, a los 23 años forma parte de la
Accademia di San Luca de Roma. Desarrolla
una parte importante de su carrera pro-
fesional en Inglaterra, ingresando en la Royal
Academy de Londres como una de sus miem-
bros fundadores, junto a otra mujer, Mary
Moser, pero con las restricciones que las
Academias imponían a las mujeres (por ejem-
plo, la prohibición de asistir a las clases de
desnudo).
Retratista, también se dedicó a la pintura
de temas religiosos, históricos o mitológicos,
despertando el interés de cortes y coleccio- Retrato de mujer como una Anna von Escher van Muralt Autorretrato
nistas de toda Europa.
vestal
Elisabeth Louise Vigée-Lebrun
(1755-1842)
Empieza a pintar desde muy pequeña en París. Con quince años ya puede sustentar a su madre y su hermano pequeño con la
venta de sus retratos. Casada con el pintor, coleccionista y marchante de arte Jean Baptiste Pierre Lebrun, puede ampliar sus
conocimientos en pintura observando los cuadros de los grandes maestros de su colección privada. Comienza una carrera de
éxito que la llevará a ingresar en 1783 en la Académie Royale, lo que le abrirá las puertas de la corte de Francia. Realizó un retrato de
María Antonieta que la convirtió en pintora oficial de la reina.
Se dedicó principalmente al retrato, género para el que demostró una gran habilidad, siempre en la línea de la moda y el gusto
de la época y con una gran capacidad para adaptarse a los deseos de sus modelos. Es espléndido el del pintor Hubert Robert
realizado en 1788 (Musée du Louvre). Consciente de su belleza, que contribuyó en alguna medida a su éxito, dejó numerosos
autorretratos, destacando el Autorretrato con la hija de 1789 (Musée du Louvre).
Dejó escritas unas Memorias y también unos Consejos para la práctica pictórica.
Autorretrato
Condesa A. S. Stroganova y su hijo Autorretrato Retrato de la reina María Antonieta Retrato de Hubert Robert

18. Este movimiento artístico se desarrolló entre las dos Guerras Mundiales
urrealismo
Surrealismo y gozó de gran repercusión internacional.
Los surrealistas expresaron sus ideas en poesía, pinturas, ensayos, o en su
manera de vivir. Rechazaban la religión, la lógica, el sentido común, la fe, la
ley, la burocracia, la obediencia a la autoridad, y el militarismo. Se expresan
de diversas maneras: figuración de gran realismo o de carácter onírico, abstracción, cubismo...
Mujeres en el movimiento surrealista: ninguna mujer fue considerada como surrealista por los
miembros de este movimiento. Los surrealistas pensaban en la mujer como una mediadora
entre la naturaleza y el subconsciente, una «femme-enfant», una musa, y un objeto de los deseos
de los hombres. El concepto de la mujer objetivado por las necesidades de los hombres estaba en
conflicto directamente con la necesidad (subjetiva) de las mujeres individuales a expresarse
libremente.
Amelia Peláez
El mantel blanco
Óleo sobre tela
Remedios Varo
Frida Kahlo (España 1908-1963)
(Méjico 1907-1954)
Figura de primer orden del surrealismo.
En sus obras vemos identificaciones de la mujer
Obra y personalidad son consecuencia de dos con poderes misteriosos y regenerativos co-
factores fundamentales: su desmedido amor y obse- nectados a la naturaleza. Ella rechazaba las re-
sión por la figura de su marido, el muralista mejicano presentaciones de la mujer impuestas por los
Diego Rivera, y su quebradiza salud, fruto de todos hombres del movimiento surrealista, como Dalí
los procesos quirúrgicos que sufrió a lo largo de su y Bellmer, porque representaban a la mujer
vida. Destaca la forma tan cruda y desgarrada de ex- como un objeto de deseo de los hombres; ella
presar sus sentimientos y anhelos más profundos, a pintaba a la mujer en la perspectiva de su propia
través de sus numerosos autorretratos. experiencia.
Ilustradora de investigación científica, crea
un espacio para lo racional en el mundo de la Dolor reumático
fantasía. Aguada sobre cartulina
Frecuentemente los caracteres de sus di-
bujos tienen ojos como almendras, similares a
sus propios ojos, para demostrar el parecido de
su experiencia con los temas de sus obras.
Diego en el pensamiento
(1929) Las dos Fridas (1939)
Banqueros en acción Emigrantes (1962)
El venado herido (1949) Óleo sobre mansonite Mixta sobre cartulina