Diapositivas PAEG del Romanticismo al Impresionismo

HISTORIA DEL ARTE 1
DIAPOSITIVAS PAEG DEL ROMANTICISMO AL IMPRESIONISMO

DIAPOSITIVAS PAEG DEL ROMANTICISMO AL
IMPRESIONISMO

1. EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA (Manet, 1863)
Expuesto por primera vez en el Salón de los
Rechazados de 1863, tras haber sido desestimado por
el Salón oficial. Se inspira en el concierto campestre
de Giorgione y Tiziano y provocó un sonado escándalo
al mostrar un desnudo de forma vulgar, sin un motivo
mitológico de por medio y unos modelos reconocibles.
El centro está ocupado por tres figuras, dos elegantes
hombres vestidos (para los que utilizó de modelos a su
hermano y su cuñado, el escultor holandés Leenhoff).
A su lado, una mujer desnuda, mirando al espectador
sin ningún tipo de vergüenza (para la que utilizó a su
modelo, Victoria Meurent). Al fondo, otra mujer se refresca en el Sena, completando la escena del
desayuno. En un primer plano, coloca un pequeño bodegón y las ropas de la mujer.
Toda la escena se enmarca en un bosque, tratado con despreocupación por el autor. Pero la modernidad
del cuadro radica no solo en su temática provocadora, sino en la planitud de las formas (influencia
estampas japonesas, el desnudo que resalta por su luminosidad, la yuxtaposición de zonas claras y
oscuras: las sombras son de color. Las pinceladas son manchas y el gran formato del lienzo, hasta ese
momento, sólo era usado para grandes temas.
MANET (1832-1883). Considerado padre del impresionismo, inicia la ruptura con el arte oficial.
Perteneciente a la alta burguesía, se dedicó a la pintura en contra del deseo de su familia. Influido por
la pintura española y la estampa japonesa, presentó obras que escandalizaron a la sociedad parisina de
la época.
No olvides hablar de: Estilo (Del Romanticismo al Impresionismo), Etapa (Impresionismo), Título/Obra
(Desayuno sobre la hierba), Autor (Edouard Manet), Situación (Museo de Orsay en París, Francia),
Cronología (siglo XIX), Época histórica/cultural (Edad Contemporánea), Relacionar/comparar (situar
esta obra en su lugar cronológico-estilístico dentro de la evolución de la pintura contemporánea del
siglo XIX), Influencia obra-época (la influencia de los cambios sociales, económicos, políticos,
culturales… y la biografía personal del artista en su obra).

2. IMPRESIÓN, SOL NACIENTE (Monet, 1872)
Es una de las 165 obras de 30 artistas rechazados por los Salones oficiales, y que en 1874 organizaron
una exposición colectiva en el estudio del fotógrafo Nadar en el bulevar de los Capuchinos en París. El
título del cuadro fue utilizado por el crítico Louis Leroy, que bautizó a los integrantes de la exposición
(Monet, Sisley, Cezanne, Renoir…) como los impresionistas.
Representa el puerto de Le Havre, donde navegan tres botes entre la niebla matinal y el humo de las
fábricas, que también ocultan el sol y el fondo, donde solamente se adivinan las siluetas de los barcos
mercantes y las fábricas.

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Las pinceladas son sueltas y vigorosas. Persigue captar
la luz, sobre todo en las manchas naranjas que
reflejan el sol sobre el agua. La técnica es rápida,
como exige una obra que pretende captar la fugacidad
de una atmósfera en ese preciso instante. En sus
propias palabras Monet dijo: “He enviado a la
exposición algo que hice en Le Havre, desde mi
ventana. Me han preguntado por el título, pero no
puede ser una vista de Le Havre, así que les he dicho
“Poned Impresión” El redactor del catálogo le añadió
“sol naciente” para facilitar su comprensión.
MONET (1840-1926). Parisino, es paisajista e impresionista puro, deseando pintar lo imposible “quiero
pintar el aire” Viajó por Europa (Londres, Provenza, Fiordos noruegos…) para captar las distintas
atmósferas, instalándose en Argentuil, a las orillas del Sena. Realizó numerosas series que captan a la
perfección las variaciones de la atmósfera.
(Impresión, sol naciente), Autor (Claude Monet), Situación (Museo Marmottan en París, Francia),

3. EL DESCANSO (Degas, 1874 aprox.)
Representa un salón de baile, donde las
bailarinas ensayan. En un primer
término, un de ellas descansa sentada
entre otras de sus compañeras,
ayudadas con el vestuario por sus
madres. Al fondo, en segundo plano, el
profesor que sigue las evoluciones de
sus alumnas. Destaca la luz que se filtra
por las ventanas, las líneas horizontales
del suelo de madera. Como tanto le
gustaba, Degas capta perfectamente la
atmósfera y el espectador siente estar
dentro de la sala y poder moverse en ella. Usa una técnica fotográfica, los cuerpos y objetos se cortan
para dejar ver la inmediatez y fugacidad del momento.
A diferencia de los demás impresionistas, Degas pinta sobre todo interiores y está obsesionado por dos
temas: las bailarinas y los caballos de carreras. Tanto le gustaban las dos cosas que pintó series de
cuadros de cada uno de estos temas. Por lo demás, sigue las directrices de sus compañeros: captación
de lo fugaz e instantáneo, ausencia del negro y de los contornos, estudio profundo de la luz y la
"atmósfera", que casi se puede respirar.

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DEGAS (1834-1917). Nació en París y estudió en la Escuela de Bellas Artes donde tuvo como maestro a
Ingres. Aunque está relacionado con el impresionismo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo
por la pintura directa al aire libre hacen que Degas represente, en realidad, un estilo alternativo al
impresionismo. En la mayoría de las obras de Degas suelen aparecer teatros, cafés, teatros de
variedades, bailarinas, sombrereras, lavanderas.....
(El descanso), Autor (Edgar Degas), Situación (Glasgow Museums en Escocia, G. Bretaña), Cronología
(siglo XIX), Época histórica/cultural (Edad Contemporánea), Relacionar/comparar (situar esta obra en
su lugar cronológico-estilístico dentro de la evolución de la pintura contemporánea del siglo XIX),
Influencia obra-época (la influencia de los cambios sociales, económicos, políticos, culturales… y la
biografía personal del artista en su obra).

4. EL MOLINO DE LA GALETTE (Renoir, 1876)
Después de la primera exposición impresionista,
Rendir pinta una de sus obras más ambiciosas.
Representa el baile matinal de los domingos en uno
de los molinos del barrio parisino de Montmartre.
Es un tema amable, donde la gente baila y
conversa de modo alegre, aprovechando para
retratar a sus amigos (los hombres sentados a la
derecha, o la pareja que baila en primer plano,
formada por Margot, una de sus modelos y el
pintor cubano Solares), que como él frecuentaban
estos bailes. En el centro, las hermanas Estella y
Jeanne que también fueron modelos del pintor.
El resto son anónimos que disfrutan del baile de la Galette, que los días de buen tiempo se celebraba en
el patio, así el artista pudo pintar directamente al aire libre. La técnica es impresionista: la pincelada
suelta, el color es luminoso y la luz, que se filtra entre las hojas de los árboles, imprimen al cuadro una
belleza que hace sentir al espectador la alegría, la música e incluso el viento que se filtra entre las
ramas de los árboles.
RENOIR (1841-1919). Nació en Limoges. Estudió en la Academia de Bellas Artes. Alcanzó
reconocimiento como pintor impresionista en 1874 haciéndose famoso por sus pinturas resplandecientes
e íntimas, por la armonía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus más variados
temas pictóricos. Durante los últimos 20 años de su vida padeció una artritis que le imposibilitaba para
mover las manos libremente por lo que pintaba con un pincel atado al brazo. Falleció en Cagnes, en la
costa azul francesa.
(El Molino de la Galette), Autor (Auguste Renoir), Situación (Museo de Orsay en París, Francia),

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5. BAILE EN EL MOLINO ROJO (Toulouse-Lautrec, 1890)
Un año después de su inauguración, el pintor
retrata las fiestas del Moulin Rouge, lugar
frecuentado y que decoró y publicitó con sus
carteles. Los bailes y la música hicieron de
este local el templo del ocio parisino, capta a
la perfección la alegría del lugar retratando
a sus amigos y famosos habituales del lugar.
Los hombres en la barra, vestidos con
sombrero de copa, dejando claro que el lugar
es de más categoría que el Moulin de la
Galette, conversan entre ellos y observan a
las bailarinas. Retrata a algunos de sus
amigos y a su musa, la bailarina Jane Avril.
En el centro, bailan los que se ha identificado como Valetín el deshuesado (le Desossé) y la bailarina
conocida como La Golosa (le Goulue). En primer término destaca dos mujeres de perfil, y un hombre que
se recorta, por influencia de la fotografía. Toulouse-Lautrec usa un color vivo, alegre, como el lugar. La
influencia de las estampas japonesas y su interés por el dibujo se aprecia en los claros perfiles de las
figuras que culmina una obra ante todo llena de dinamismo y movimiento.
TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901). Nació en Albi, en el seno de una familia aristocrática, aficionada a
la caza, a la equitación y a la pintura. Su primera infancia transcurrió en el castillo situado en el valle de
Viaur. Fruto de la consanguinidad de sus padres y de varias y aparatosas caídas, Henri se convirtió en
un ser de piernas absolutamente atrofiadas, pero la deformación le proporcionará una soledad y
marginación desde la que observa el mundo que le rodea con una perspectiva física y psicológica inédita.
En 1881 se trasladó a París, allí conoció a Degas y a Van Gogh, allí descendió de las alturas para
mezclarse con el pueblo más bajo, obligando también al arte a bajar del pedestal de los museos y
mansiones para derramarse por la calles y los burdeles. Henri es el creador del cartel publicitario. En
1901 sufrió un ataque de parálisis debido al abuso con el alcohol, su madre le trasladó al castillo de
Malromé, donde falleció cuando aún no había cumplido los treinta y siete años.
(Baile en el Molino Rojo), Autor (Toulouse-Lautrec), Situación (Museo de Philadelphia, EE.UU.),

6. JUGADORES DE CARTAS (Cezanne, 1890-1895)
En estos años pintó una serie de cinco sobre el tema de los jugadores de cartas. Éste es el que se
expone en el museo de Orsay (París) y que por su simplificación se cree sería una de las últimas
versiones.
Presenta dos jugadores, sentados en torno a una mesa, presidida por una botella de vino que actúa como
eje de simetría. El juego de naipes era común entre las clases populares, la taberna donde se desarrolla
ha quedado muy reducida, y sólo se aprecian los dos personajes, el de la izquierda, más joven y

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recortado en el lienzo, y el de la derecha, para el cual
sirvió como modelo Alexandre, el jardinero del padre
de Cezanne, fumando en pipa.
A pesar de pertenecer al impresionismo, a partir de
la Exposición de 1887, decidió continuar por otros
caminos. El color pierde importancia y las formas se
reducen a figuras geométricas (cono, esfera y
cilindro) Aquí el color es apagado y con fuertes
contrastes como en las chaquetas de los jugadores.
El color también delimita las figuras, que se reducen
a volúmenes geométricos (el cuerpo y el brazo son
cilindros). La mirada del espectador se centra en la
mesa, donde se posan las manos con los naipes, verdadero centro de acción de la escena.
CEZANNE (1839-1906). Nació en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto se fue a estudiar
arte a París donde se empezó a sentir atraído por la obra de Delacroix, Courbet y Manet. Bajo la tutela
de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la vida rural utilizando colores brillantes,
pero, más tarde, descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza
simplemente mediante el color y formas geométricas. «Todo en la naturaleza está modelado según la
esfera, el cilindro y el cono», según sus palabras. Es considerado como el padre del arte moderno,
influyó en el cubismo, fauvismo y expresionismo, reconocido por Picasso como “el padre de todos
nosotros”.
No olvides hablar de: Estilo (Del Romanticismo al Impresionismo), Etapa (Postimpresionismo),
Título/Obra (Jugadores de Cartas), Autor (Paul Cezanne), Situación (Courtauld Institute de Londres,
Inglaterra), Cronología (siglo XIX), Época histórica/cultural (Edad Contemporánea),
Relacionar/comparar (situar esta obra en su lugar cronológico-estilístico dentro de la evolución de la
pintura contemporánea del siglo XIX), Influencia obra-época (la influencia de los cambios sociales,
económicos, políticos, culturales… y la biografía personal del artista en su obra).

7. LA NOCHE ESTRELLADA (Van Gogh, 1889)
Pintado durante su estancia en el psiquiátrico de Saint-
Remy en la Provenza francesa, pocos meses antes de su
muerte a los 37 años. Durante esta estancia, se dedica
a pintar paisajes, desarrollando un estilo muy personal
de largas y sinuosas pinceladas y colores intensos
donde prevalece el amarillo.
Refleja un paisaje irreal, deformado como recurso
expresivo de la propia angustia de Van Gogh. Usa dos
de sus recursos predilectos de esta época: los
cipreses, que ondulantes ascienden hacia el cielo, y una
escena nocturna donde abunda el azul, mitigado por la
intensa luz de las estrellas y una luna naranja que ilumina el horizonte. Abajo un pequeño pueblo,
reducido a formas geométricas simples que contrastan con las curvas celestes.

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VAN GOGH (1835-1890). Aunque de origen holandés, vivió casi toda su vida en Francia. Al llegar, fue
influenciado profundamente por los impresionistas y la estampa japonesa. En 1888 se instala en Arlés,
donde inicia su estilo más personal de pinceladas ondulantes, escenas rurales y el masivo uso del
amarillo, verde y azul intenso. Ingresó en el sanatorio mental de Saint Remy donde pintó sus Girasoles.
El 27 de Julio de 1890, tras acabar Cuervos sobre el trigal se dispara un tiro sobre el pecho en medio
de uno de los trigales que tantas veces retrató. Murió dos días después en brazos de su hermano Theo,
quien lo había mantenido económicamente, ya que a pesar de que sus cuadros han alcanzado cifras
desorbitadas, él sólo vendió un cuadro en vida La viña roja.
Título/Obra (Noche estrellada), Autor (Vicent Van Gogh), Situación (MOMA de Nueva York, EE.UU.),

8. AREAREA (Gauguin, 1892)
Realizado en su primera estancia en Tahití,
presenta a dos jóvenes sentadas bajo un árbol, una
de ellas tocando la flauta; en primer plano,
encontramos un perro rojo y, al fondo, tres
mujeres que adoran a un ídolo. El título está
escrito sobre el lienzo.
Como ocurre en múltiples obras de este periodo, la
mujer es la protagonista de la escena, junto al
colorido empleado. Las tonalidades son aplicadas de
manera plana, sin dar sensación de profundidad
(influencia de la estampa japonesa), jugando con
verdes, amarillos, naranjas y blancos, que dotan de
inmensa alegría a la imagen. El primitivismo que tanto interesaba al artista se encuentra en las figuras
del fondo, presentes en otras obras, así como la pose hierática de las dos protagonistas, pintadas como
si fueran esculturas. Las líneas ondulantes que surcan la composición muestran la influencia japonesa.
Cuando la obra fue expuesta en París en el año 1893, el perro rojo causó risas y escándalo, signo
inequívoco de la incomprensión hacia la pintura de Gauguin.
GAUGUIN (1848-1903). Nació en París. En 1884 se trasladó a Ruán, y más tarde a la Bretaña donde se
convirtió en el centro de un grupo de pintores experimentales que se hacían llamar "La escuela de Pont-
Aven". Poco a poco se fue alejando del impresionismo adoptando un estilo menos naturalista al que
denominó sintetismo. Sus obras están inspiradas en el arte indígena y en los grabados japoneses, con
una utilización de amplias zonas planas de colores. En 1891 se fue a vivir a Tahití, escapando de la
civilización europea, y comienza a relatar su autobiografía titulada Noa. La falta de dinero y una
enfermedad en los ojos, le hicieron regresar a Francia, pero al recibir la herencia de un tio suyo,
regresó definitivamente, donde permaneció el resto de su vida, primero en Tahití y más tarde en las
Islas Marquesas. Las obras de Gauguin son un antecedente directo del Fauvismo e influyeron en Munch
y el expresionismo. Falleció en las Islas Marquesas en 1903.

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Título/Obra (Arearea), Autor (Paul Gauguin), Situación (Museo de Orsay en París, Francia), Cronología
(siglo XIX), Época histórica/cultural (Edad Contemporánea), Relacionar/comparar (situar esta obra en
su lugar cronológico-estilístico dentro de la evolución de la pintura contemporánea del siglo XIX),
Influencia obra-época (la influencia de los cambios sociales, económicos, políticos, culturales… y la
biografía personal del artista en su obra).

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