La música electrónica se originó con el uso de la tecnología electrónica para crear y manipular sonidos. A lo largo de los años, varios inventos revolucionaron la creación y grabación de sonidos electrónicos, dando origen a géneros como la música concreta y la música electrónica. Hoy en día, la música electrónica continúa evolucionando con nuevos sonidos, efectos, software y hardware.

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MÚSICA ELECTRÓNICA
ANTONIO PADILLA
FERNANDO JIMÉNEZ
JESÚS LINOS
YOATZIN RODRÍGUEZ
Universidad Autónoma Metropolitana
La música electrónica es un genero musical caracterizado por partir del uso de
tecnología electrónica para la creación de sonidos así como la manipulación de
sonidos ya existentes. Actualmente hay una gran variedad de géneros y subgéneros
y aunque exista una gran diferencia entre ellos, como por ejemplo la velocidad con
la que se ejecuta, todos van de la mano con los medios electrónicos. Entre la
diversidad de géneros de la música electrónica podemos encontrar el techno,
house, ambient, disco, minimal, psy-trance, entre otros. Nuestra investigación se va
a enfocar en los géneros techno y house, incluyendo los subgéneros que se pueden
encontrar en estos dos géneros de la electrónica.
Para conocer mas sobre la música electrónica tenemos que saber su origen,
esto no lleva a la primera aparición de sonidos asistidos mediante un sistema
electrónico, en 1876 el estadounidense Elisha Gray junto con el italiano Antonio
Meucci y el británico Alexander Graham Bell crean el electroarmonio, caracterizado
por su forma de piano, podía mandar ondas electromagnéticas a través del teléfono.
Posteriormente Alva Edison inspirado por estas tres mentes patenta el fonógrafo,
capaz de registrar sonidos sobre cilindros envueltos en carbono (discos de acetato).
En 1899 los sonidos transmitidos por un medio electrónico tiene una nueva creación,
el físico británico William Duddell crea el arco cantante, una lámpara de arco a la
cual se le aplicaba una variación de voltaje, esta variación de voltaje podía crear
frecuencias audibles que podían ser controladas. Siete años después de la
invención del arco cantante, en Lowa, Estados Unidos, Thaddeus Cahill crea el
primer instrumento electrónico y polifónico en su totalidad, característico por tener

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sonidos similares al de un piano y órgano pero con frecuencias entre los 40 a 4000
Hertz, a este instrumento se le denomina telearmonio, gracias a todos estos
inventos es que en 1910 se publica el primer “Manifiesto de la música futurista” por
el compositor italiano Balilla Pratella.
En el año 1911 la música tiene un cambio revolucionario, Luggi Russolo de
la mano Hugo Piatti construyen maquinas generadoras de ruido, estas maquinas,
construidas en cajas de madera con una manivela o botón para poder reproducir el
sonido contaban con una palanca con la finalidad de que al reproducir el sonido
esta palanca pueda medir los tonos y semitonos dependiendo de su movimiento,
estas maquinas generadoras de sonido fueron denominadas Intonarumori. Es esta
misma década Russolo publica el libro “L'Arte dei rumori” (El arte de los ruidos) en
el cual argumenta lo siguiente: “Es necesario reemplazar la restringida variedad de
timbres de los instrumentos orquestales por la variedad infinita de timbres obtenidos
a través de mecanismos especiales”. El mismo Russolo en 1914 dirige el primer
“concierto de ruidos” en el cual el uso del Intonarumori es la clave para su
realización.
Tres años despues de que Russolo haya realizado su “concierto de ruidos”
aparece en Rusia Léon Theremin inventer del eterófono o mejor conocido como
teremín, esta instrumento tiene la particularidad de crear ondas electromagnéticas
sin que exista contacto físico entre el interprete y el artefacto. El campo de los
sonidos creados por tecnología electrónica daba a luz a un nuevo artefacto y es
cuando aparace Maurice Martenot y crea las ondes-Martenot u ondas Martenot, este
instrumento conformado por una bocina, un teclado y un generador de baja
frecuencia tiene la desventaja de no producir notas simultaneas, es decir que solo
puede reproducir una nota a la vez.
El año 1935 tiene 2 inventos importantes para lo que hoy conocemos como
música electrónica y los aparatos que utilizamos para su creación, uno de ellos
para la creación y otro para la grabación de ondas magnéticas. Por el lado de la
creación, en Estados Unidos de América nace el órgano Hammond creado por

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Laurens Hammond este instrumento en forma de piano funcionaba con
electromagnetismo y la amplificación de altavoces individuales, el órgano Hammond
es el instrumento que inspira los actuales instrumentos MIDI de la actualidad. Por la
parte de la grabación, en Alemania la empresa Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft
crea e inicia la comercialización del magnetófono conocido como el primer grabador
de cinta magnética, gracias a esta invención se pueden grabar sonidos reales y
manipularlos hasta tornarlos casi irreconocibles, es así como de la mano de Pierre
Schaeffer se da la primera manifestación de música asistida por medios
electrónicos y que lleva como nombre música concreta.
Con el paso del tiempo la música concreta evoluciona a música electrónica,
a diferencia de la música concreta, utilizaba sonidos 100% abstractos en lugar de
concretos, la electrónica no partía de sonidos extraídos del ambiente, si no los
sonidos eran totalmente creados por un medio electrónico. El ambiente de la música
electrónica abría muchas posibilidades, una de ellas es que ahora se podían
reproducir sonidos de instrumentos tradicionales a través de medos electrónicos, ya
que el autor toma el sonido como: “Materia prima creándolo y manipulándolo a
voluntad en infinitas posibilidades” (Vivares 2015)
En la actualidad, la música electrónica sigue sin ser explorada en su totalidad,
cada día nacen nuevos sonidos, nuevos efectos, nuevos softwares y hardwares esto
con la finalidad de que la creación de la música electrónica siga evolucionando.
Social Cultural
Los eventos de música electrónica los podemos separar en dos, los que se llevan a
cabo en espacios interiores, que son más frecuentes (fines de semana) y los que
son organizados con mucho tiempo de anticipación en espacios al aire libre.
Decenas de jóvenes y otros no tan jóvenes coinciden en un sitio tipo loft1
que se han
adaptado como sofisticados bares en las ciudades. (Ospina 2004: 193)
1 Actualmente el término, se usa para designar la arquitectura de antiguas bodegas o
fábricas adaptadas. Se han hecho muy populares en algunos sectores acaudalados.

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En este tipo de lugares predominan las luces controladas por ordenador, rayos
láser, los colores neón y proyecciones que destacan desde la decoración del lugar
hasta los asistentes.
La música siempre está reproduciéndose en un volumen alto y se caracteriza por
su marcado ritmo repetitivo y sus sonidos industriales. Desde luego que en este tipo
de lugares hay un marketing de sonidos y el orden en el que las reproducen, para
que den tiempo a los asistentes de consumir bebidas y de ir al sanitario.
Los eventos musicales independientes electrónicos que se realizan al aire
libre normalmente son en locaciones en los que se tiene una conexión cercana con
la naturaleza, como montañas, bosques o grandes áreas verdes. En cambio, los
eventos comerciales, como grandes festivales nacionales o internacionales se
realizan en espacios ya designados previamente para la realización de eventos
masivos.
Dentro del análisis antropológico de Ospina, M. (2004) se establece una
analogía entre el tipo de fiesta y los cultos extáticos, ya que es lo que buscan la
mayoría de los jóvenes que asisten a estos eventos; una experiencia de éxtasis.
“El trance extático supone un proceso cognitivo que pretende alcanzar
un estado, también cognitivo, en donde el [yo] sobrepasa sus fronteras
ordinarias”
(Ospina, 2004: 192)
Este trance es practicado en actuales discotecas o fuera de ellas. Su finalidad no
es meramente la adaptación en ningún sentido, sino la búsqueda de placer que
conlleva a experimentar la amplificación emocional. Es cierto que el consumo de
psicotrópicos se encuentra vinculado con la experiencia extática aunque no se trate
de un elemento primordial.
Los efectos de una anfetamina sintetizada (ícono de la cultura techno), como
el de cualquier estimulante, incluyen una excitación del sistema nervioso y una
sensación de euforia; mejoramiento del estado de ánimo y resistencia física.

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Simbología y Estética
La música techno se desarrolló a partir de la mezcla de otros ritmos, y más adelante
con la mezcla también de “sonidos industriales”, gracias a la influencia de la cultura
obrera británica.
En esta composición es reflejo de una cultura de la industria y tecnología, en donde
se evocan los sonidos de máquinas grandes o aparatos electrónicos. Así mismo hay
una evocación de la cultura industrial urbana.
Este tipo de comunicación que se recrea por medio del baile y la estética,
reduce al mínimo el contacto físico erotizado y privilegia lo visual; la mirada es el
único vínculo interpersonal. (Montenegro 2004: s.p.). La combinación de
psicotrópicos y música se soporta en la estética de las imágenes visualizadas.
Los eventos de música electrónica se presentan a ciertos sectores de la
población urbana juvenil, y hay dos sectores, los que pueden pagar las tarifas de
lugares exclusivos y los que no. Por lo tanto suelen concurrir desde estudiantes de
los colegios más costosos y de las más prestigiosas universidades. Algunos emulan
la moda juvenil europea y norteamericana de fines del siglo XX y muchos otros
adecuan estilos extranjeros a escenarios locales.
El estilo extravagante, tiende a la androginia, cortes de cabello corto, prendas de
colores neón o ácidos, piercings. En cuanto a la vestimenta suelen usar camisetas,
pantalones de mezclilla o colores, y zapatos cómodos tipo tenis, funcionales para
las intensas jornadas de baile y brinco.
El tipo de valores es de una ideología de paz, amor, unidad y respeto; las banderas
son esenciales en el movimiento rave.
La escena electrónica hoy en día abarca el matiz de lo local y lo global. La
ideología universal y las redes de intercambio de información y mercancías se
instalan en los ambientes de fiesta concurridos. Los jóvenes vinculados por la
música electrónica son parte de una red global de consumo musical cuyo sostén de

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hoy en día es Internet. Ahí es donde diversos jóvenes en creciente popularidad
empezaron a compartir sus creaciones musicales, a organizar eventos por medio
de las redes sociales y a compartir masivamente su contenido. El contenido musical
hoy en día no tiene fronteras.
Bibliografía
Ospina, M. A. (2004). Ágapes urbanos:una mirada sobre el vínculo entre
música electrónica y communitasen la ciudad deBogotá. Bogotá: Red Tabula
Rasa.
Vivares, J. (2015, mayo). Aproximación A La Música Electrónica. Instituto
Superior de Música "José Hernández", N.7368, 11 p.
Supper, M. (1947). Música electrónica y música con ordenador: historia,
estética, métodos, sistemas / Martin Supper; traducción de Alex Arteaga.
Madrid: Alianza.
Canetti, E. (1994). Masa y poder. Barcelona: Muchnik.