La música electrónica ha evolucionado desde los primeros experimentos con sonidos electrónicos en la década de 1910, pasando por pioneros como Pierre Schaeffer y Pierre Henry con la música concreta en la década de 1940, el desarrollo de sintetizadores en la década de 1970 y el surgimiento de géneros como la house y la techno en la década de 1980, hasta convertirse en una parte integral de la música moderna con múltiples subgéneros.

1. Historia de la Música Electrónica
desde que la música es música, desde que se escucho por primera
vez un sonido musical, muchos son los estilos que han surgido a
través del tiempo, o por fusiones con otros estilos musicales o por
creación de algunos que supieron
mezclar sonidos sacando nuevos géneros y nuevas tendencias, la
música en general hoy por hoy va por un camino incierto, ya que
con tanta tecnología nos sabemos lo que nos deparará en el
futuro, pero justamente para tratar de entender hacia
donde vamos trataremos de hacer una breve reseña de la
evolución musical, en este caso de la música electrónica, desde el
uso del primer sampleo hasta la incorporación de nuevas
maquinas y robots, si bien la electrónica abarca un sin fin de
subgéneros, trataremos brevemente de contar algo de su
historia.
Compositores e inventores
El movimiento "The Art of Noise" de principios de siglo fue lo que
de verdad dio a luz a lo que se llama hoy cultura rave, mediante
composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la
ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los
sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos futuristas ya estaban
haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el
siglo, compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry
comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas (un ejemplo
antiguo del sampling)paracrear piezas con pedazos de sonidos
provenientes de distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs
usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, Luigi
Russolo y el compositor americano John Cage incorporaban tanto

2. como 42 platos en una
sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas
contemporáneos, como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim
y Coldcut, entre otros.
Minimalismo
A principios y mediados del siglo, los vanguardistas se
convirtieron en precursores de la instrumentación de la música
dance electrónica, y continuaron sus experimentos durante los 60
y 70. También debemos agregar a Brian Eno, el
productor y músico pop que "inventó" el término de música
Ambient en 1978, sacando álbumes como music For Films and
Ambient I y Music for Airports. Eno compuso melodías complejas
que podían ser usadas como música de fondo.
Kraut Rock
En los últimos años, casi todos los grupos alemanes de rock
progresivo han sido influenciados por Kraftwerk: Can, Faust,
Tangerine Dream y Cluster. A finales de los 60 y principios de los
70 estos rockeros comenzaron a experimentar con sintetizadores
y osciladores, y crearon música psicodélica del espacio exterior
-trips de drogas y tecnología-, de los cuales todos se mantienen
como temas
principales de la música electrónica. Kraftwerk podría ser el único
y más importante precursor de la música
electrónica. También podrían ser los originales artistas
desconocidos, que siempre usaron robots como reemplazo en
fotos y en tarima. Crearon música pop electrónica impecable que
aún suena bien hoy en día. Fueron los discos de
Kraftwerk que utilizó y sampleó Afrika Bambataa, para crear uno
de los primeros grandes hits del electro/rap, Planet Rock. Era
Kraftwerk lo que estaba escuchando la gente de Detroit cuando se
les ocurrió su propia variación de la
misma: el Tecno.
Dub
Usando el estudio de grabación como instrumento, los pioneros
del dub jamaiquino(King Tubby, Lee "Scratch" Perry y Sly and
Robbie) trabajaron al revés. Tomaron los éxitos del reggae y le
quitaban básicamente todo menos la batería y los bajos. Luego
tomaban los pedazos y agregaban ecos de guitarras,
reverberaciones y cualquier sonido espacial. La cultura del dub y
el reggae giraban alrededor de los Sound Systems, y viajaban de
ciudad en ciudad mientras los presentadores cantaban sobre la
música, cosa que tuvo mucha influencia en los principios del rap.
En casi cualquier subgénero de la música electrónica, -ya sea

3. drum and
bass, ambient, tecno- hay algo que remite a la música dub.
Disco
Antes de que Saturday Night Fever lograra que la música disco
surgiera de los clubs de gays y negros, había mucha innovación.
Entre las influencias más grandes está Giorgio Moroder, quien le
agregó esas dulces tonalidades a los
himnos de Donna Summer. El instrumental de Hot Butter Popcorn
sonaba como tecno antes de que el término tuviera significado
alguno. Tan importante como la música fue la manera en que el
disco music transformó la vida nocturna de los clubs.
Synth Pop
Evolucionando del punk a finales de los 70, surge el New Wave, el
cual se transforma mucho antes de tener una influencia en la
música electrónica. Bandas de la época son New Order, Depeche
Mode y Yaz, en particular; aunque también hay que agregar a
aquellas agrupaciones que heredaron la obsesión por la
tecnología de Kraftwerk: Gary Numan, The Art of Noise, DAF, Yello
y Yellow Magic Orchestra, sin olvidar los grupos industriales que
le agregaron un lado más duro a la música electrónica: Cabaret
Voltaire, Throbbing Gristle, Ministry y Front 242.
Electrofunk
Se podría decir que el Electrofunk tomó al disco y reemplazó a las
divas con robots. Zapp, Parliament Funkadelic y Prince ayudaron
a pavimentar el camino para grupos de principios de los 80, como
Afrika Bambaataa, Uncle Jam´s Army, Mantronix, Newcleus,
George Kranz y World Class Wreckin´ Kru, los cuales construían
canciones con sintetizadores, drum machines, sampleos de James
Brown
y vocales humanas sintetizadas a través de un "vocoder". Esta fue
la respuesta de los negros ante Kraftwerk, demostrando que el
funk podía ser tocado por máquinas al igual que el rock. En esta
era también fueron importantes los primeros discos de Break
Beat.
House
Chicago, 1984. The Warehouse es considerado normalmente como
el lugar donde comenzó la movida de la música electrónica
moderna. Ahí el disco nunca murió, simplemente se fue al
underground. Marshall Jefferson, Steve "Silk" Hurley, Jamie
Principle, Farley "Jackmaster" Funk y otros retiraron el pop y
comenzaron a usar melodías de piano, ritmos latinos, baterías y

4. bajos muy, muy profundos.
En The Warehouse, el dj Frankie Knuckles le agregaba sus efectos
y baterías a los hits de música club. Al contrario de los estilos
anteriores, la música House continúa creciendo.
Acid House
Acid Trax es el nombre de una discoteca de house en Chicago. No
se sabe si se refiere a los altos sonidos que creaban los 303
(sintetizadores de bajo) o si se refiere a la droga alucinógena.
Cuando los djs ingleses regresaron de Chicago
con muchos de los discos de Acid Trax, a finales de los 80,
empezaron a crear su propio acid house tomando esos ritmos
importados y agregándole sampleos de televisión, efectos y
sonidos, ayudados además por la droga traída de Norteamérica: el
"écstasy". La juventud inglesa se congregó alrededor de la música
sin importar la raza, edad o cultura y así celebraron su propio
verano del amor en 1988. Aquí participaron djs como Danny
Rampling y Paul Oakenfold, y
bandas como A Guy Calle Gerald, 808 State y T-Coy.
Tecno (Detroit)
Si en el House se trata del momento, el Tecno trata del futuro
gracias (en gran parte) a Electryfyin' Mojo, un dj que dio a
conocer a Kraftwerk, New Order y Devo a los jóvenes de Detroit.
Comenzaron a hacer música mas rápida incorporando cada vez
más funk y house y creando así el primer hit de tecno en 1989:
Big Fun, de Inner City. Esos djs continúan sacando singles y
álbumes al tiempo que se les
une una nueva generación de compositores de Detroit como: Carl
Craig, Jeff Mills, Richie Hawtkin y Kenny Larkin, los cuales llevan
la música a un nivel de abstracción cada vez mayor.
Techno (Inglaterra)
Grandes capos de la droga, artículos de prensa, redadas de
policías y leyes prohibiendo reuniones sin permiso, obligan al
movimiento a volver al underground, en donde se transformó en
el tecno que conocemos y amamos hoy en día. Esta vez la
inspiración no fue Chicago, sino Detroit. Ya que la era de raves
gigantescos había terminado, las fiestas volvían a los pequeños
clubs donde se podía dirigir a un público más específico: había
sitios para house,
drum and bass, hardcore, etc. La música se regó por toda Europa,
llegó a Asia y, finalmente, volvió a Estados Unidos en donde
muchos músicos, anteriormente ignorados por la industria,
consiguen contratos con las grandes disqueras (Josh Wink,
Crystal Method entre otros).

5. Ambient
Como consumían drogas y bailaban durante toda la noche, los
chicos necesitaban un lugar de descanso. Así nació el chill-out,
donde los oídos y mentes eran estimulados mientras los pies
descansaban. Alex Paterson, de The Orb, se imaginó
haber escuchado algo nuevo en una mezcla de Tony Humphries y
comenzó a mezclar música dance con sonidos de trenes, animales
y otros. Finalmente, la música dance se había librado de la tiranía
de los beats con canciones como 3 AM
Eternal, de KLF. Otros artistas, como Irresistible Force, Future
Sound of London y Aphex Twin ayudaron en el progreso de la
movida.
Jungle
El choque entre jóvenes enamorados del hip hop y djs que
tocaban acid house -como Fabio y Grooverider, que querían algo
más rápido, duro y oscuro- produjo la respuesta inglesa del rap
ante el dub: el Jungle. Este contenía vocales de MCs de reggae,
líneas de bajo muy profundas y baterías que eran distorsionadas
de cualquier modo posible. En 1994, el Jungle fue sacado de los
barrios e introducido al mercado, donde artistas desde David
Bowie hasta U2 y Everything But The Girl lo usaron en su música.
Como el tecno, el Jungle (ahora conocido como Drum and Bass)
se dividió en varios subgéneros: tech step, jump up, hard
step y jazz step, entre otros.
Música con máquinas
Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye
la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe
sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música
electrónica en vivo (creada en
tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la
música concreta(creada a partir de sonidos grabados y luego
modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en
vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música
se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología
y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos
claras. Hoy está en uso otra terminología como música por
computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas
definiciones que suelen referirse más a la estética que a las
tecnologías utilizadas.

6. Antecedentes históricos
En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el
compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con
ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando
aparecieron los primeros instrumentos
musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos
compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell
habían soñado una música creada solamente por medios
electrónicos, aunque este tipo de música electrónica
no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la
grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en
1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un
generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de
piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de
grabacion asociados a los nombres de figuras
destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En
Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer
fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por
varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas.
Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en
cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos
fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación
de las cintas
dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con
mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido
provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados
como música concreta, un término que aún se sigue
utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer
experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de
grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves
estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la
Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su
colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos
prácticos de Schaeffer en la composición de
música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre
el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer
atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre
Boulez.

7. Antecedentes históricos
En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el
compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con
ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando
aparecieron los primeros instrumentos
musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos
compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell
habían soñado una música creada solamente por medios
electrónicos, aunque este tipo de música electrónica
no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la
grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en
1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un
generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de
piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de
grabacion asociados a los nombres de figuras
destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En
Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer
fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por
varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas.
Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en
cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos
fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación
de las cintas
dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con
mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido
provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados
como música concreta, un término que aún se sigue
utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer
experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de
grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves
estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la
Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su
colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos
prácticos de Schaeffer en la composición de
música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre
el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer
atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre
Boulez.