Pablo Picasso fue un pintor español que revolucionó el arte del siglo XX al fundar el cubismo, el cual rompió con la representación tradicional al eliminar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su vida, Picasso exploró continuamente nuevos estilos e influyó en todas las facetas del arte del siglo XX. Una de sus obras maestras, el Guernica, ilustra su compromiso como artista con los problemas de su época.

1. Pablo Picasso
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de
Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió
definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único.
A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó
en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad
del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra
parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras,
el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.
Pablo Picasso
Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el
joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los
pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre
Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París,
mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el
simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y
establecerse en un estudio en las riberas del Sena.
En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y
con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución,
caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Al poco
de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio,
como los hermanos estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería ya para siempre su
marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.
A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a
cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron
numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y
elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en
compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena
parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la
representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e
introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del
cubismo.

2. Les demoiselles d'Avignon (1907)
y detalle de Guernica (1937)
.
LA VIDA

3. Georges Braque
Nació en una familia de artesanos. Él creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas
Artes (École des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899.
Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció
a Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes.
La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando
preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje
a Amberes y, durante el verano de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo
año, la exposición retrospectiva de Paul Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso,
que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de
ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano de 1908 pinta
paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon.
Estudiando metódicamente las líneas de contorno utilizadas por Cézanne, Braque fue
evolucionando progresivamente sus composiciones con ligeras interrupciones en las líneas.
Tras 1908 comienza a romper con la visión clásica, utilizando cada vez más formas
geométricas principalmente para naturalezas muertas. Asimismo introdujo textos en sus
pinturas y creó el collage. Creó asimismo en 1912 las esculturas en papel, realizando al final
de la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta, y abandonando
paulatinamente sus composiciones geométricas. La Primera Guerra Mundial le inspiró obras
más serias y austeras.
En 1930 se compra una casa en Varengeville-sur-Mer, cerca de Dieppe. A partir de 1947, su
trabajo se ve constantemente interrumpido por la enfermedad.
En 1961, se convierte en el primer pintor vivo cuya obra se exhibió en el Museo del Louvre al
organizarse una retrospectiva de su trabajo en ese lugar.
Murió en París el 31 de agosto de 1963, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio
en París con su nombre.

4. Jean Metzinger
En 1903 Metzinger llegó a París. Después de haber experimentado el neoimpresionismo y
el fauvismo, se dedicó a obras más personales (Retrato de Apollinaire, 1910). Amigo de Max
Jacob y de Guillaume Apollinaire, se convirtió pronto en un habitual del Bateau Lavoir y se
encaminó hacia un cubismo analítico ortodoxo (Desnudo, 1910).
Metzinger, gracias a su talento como escritor, fue el primero en relatar la práctica del pintor
de Montmartre, ausentes de los Salones. Así, en su artículo (Nota acerca de la pintura, 1910)
explica que Braque y Picasso se habían despojado de la perspectiva tradicional y se habían
tomado la libertad de girar alrededor de los objetos, lo cual le permitía hablar, por primera vez
de totalidad.1
En 1911 decidió librarse de la influencia excesiva de los pioneros de la vanguardia y se dedicó
a pintar obras más originales (La Merienda, 1911). Posteriormente comenzaría una frase más
analítica, con un estudio más complejo del tema, al que presentaba bajo diferentes ángulos
(La pluma amarilla, 1912). A partir de 1914-1915, mantendría este estilo de manera más
simplificada (Mujer con espejo, abril de 1916).2
Por la fragmentación de los objetos y su voluntad de mostrarlos en varias caras mediante el
giro del plano visual sobre un eje, el arte Metzinger está claramente emparentado con el
cubismo de los primeros tiempos (1908-1910). Pero por su preocupación por la anécdota y por
su sistema de iluminación clásico, pertenece también al arte tradicional (Las bañistas, 1913).
En este aspecto, se encuentra próximo a su amigo Albert Gleizes, con el que escribió el
libro Du cubismo (Sobre el cubismo)

5. Alphonse Mucha - Alfons Mucha
Nació el 24 de julio de 1860 en Ivancice, Moravia.
Fue uno de los representantes más destacados del periodo art nouveau.
Empezó trabajando con decorados teatrales en Viena.
Cursó estudios en Praga, Munich y París. Es en esta ciudad donde comienza a diseñar sus carteles,
fácilmente reconocibles por sus arabescos, las flores de tallos finos y sobre todo por sus mujeres
de largas y sueltas cabelleras.
Realiza asimismo los carteles de las actuaciones teatrales de Sarah Bernhardt y algunos anuncios
de productos comerciales. Diseñó también joyas.
De 1903 a 1922 viajó a Estados Unidos en diversas ocasiones. Con la ayuda del mecenas Charles
Richard Crane, pintó La epopeya del pueblo eslavo.
En 1922 volvió a la República Checa, donde trabajó diseñando sellos y billetes de banco. La pintura
suya fue El juramento de unión de los eslavos.
Alfons Mucha falleció el 14 de julio de 1939 en Praga a causa de una pulmonía. Fue enterrado en
el cementerio de Vysehrad.

6. Gustav Klimt
Gustav Klimt nació el 14 de julio de 1862 en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena,
el segundo de siete hijos —tres hombres y cuatro mujeres—.4
Ya desde la infancia, los tres hijos
hombres mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre,5
Ernst Klimt (1833-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de
soltera), cuyo hobby frustrado era dedicarse a la música. Klimt vivió en una relativa pobreza la
mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto
como las oportunidades de promoción social. Fue, por tanto, solo gracias a su talento que en
1876, con catorce años de edad, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la
Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de
interiores.56
Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt
admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los
dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede
considerarse académica.5
En 1877 su hermano menor Ernst —que con el tiempo se convertiría
en grabador, como su padre— también fue admitido en la escuela. Los dos hermanos, con la
compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya
gestionaban modestos encargos como un colectivo que se hacía llamar la "Compañía de
artistas", colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches
Museum de Viena.5
Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes
edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que
posteriormente se convirtieron en un rasgo distintivo de su obra.
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de
Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena.5 Fue nombrado miembro
honorario de las universidades de Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su
hermano Ernst murieron, Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus
parientes. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de la
definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt conoció también
a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del artista y
se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El componente sexual de esta relación
ha sido objeto de cierta discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos 14 hijos
durante esta relación

7. Charles Rennie Mackintosh
(Glasgow, Reino Unido, 1868 - Londres, 1928) Arquitecto y diseñador británico.
Manifestó tempranamente su vocación de arquitecto, a la que se opuso su padre, motivo
por el cual se vio obligado a estudiar en cursos nocturnos y compaginar los estudios con
el trabajo profesional. Sin embargo, gracias a su talento pudo abrirse camino
rápidamente a través de premios y becas, una de las cuales le permitió completar su
formación en el continente.
A su regreso de Europa se incorporó al estudio Honeyman & Keppie y, poco después,
fundó el grupo The Four con J. H. MacNair y las hermanas Frances y Margareth
MacDonald; posteriormente contraería matrimonio con ésta última. El grupo se dedicó
en particular al diseño y la decoración de todo tipo de objetos (vidrio, carteles, yeso,
metal) y se impuso rápidamente con su estilo abstracto y de gran pureza lineal.
La participación de The Four, en 1895, en la exposición de Arts & Crafts de Londres
propició su lanzamiento internacional, gracias a los favorables artículos que escribió el
famoso crítico Gleeson White, a quien impresionaron sobre todo los muebles diseñados
por Mackintosh, de roble tratado al natural y ornamentados con detalles de una gran
simplicidad.
Simultáneamente, Mackintosh se ocupó de la construcción de la Escuela de Arte de
Glasgow y de algunos otros edificios en la misma ciudad y sus alrededores. El estilo de
estas obras resulta más fácilmente asimilable con la tendencia estilizada de las obras
pictóricas de los prerrafaelistas que con las arquitecturas modernistas que se
desarrollaban por entonces en Europa. Se caracterizan esencialmente por el empleo de
la línea recta, la forma cúbica y la combinación de simetría y asimetría.
Después de la Primera Guerra Mundial, al afirmarse las nuevas tendencias arquitectónicas,
Mackintosh no recibió más encargos y se retiró a Port-Vendres, en Francia, donde se
dedicó a la pintura.

8. Mathieu, Georges (1921-VVVV).
Pintor francés, uno de los creadores del Art Informal, nacido en Bologne-sur-Mer
el 27 de Septiembre de 1921. Realiza su primera pintura al óleo en 1942 y en
1944 sus primeras pinturas abstractas. En 1947 expone en el Salón de las
Nuevas Realidades y organiza la exposición titulada L'Imaginaire, donde aglutina
a los pintores abstractos que se oponen a la abstracción geométrica; se une a la
Abstracción Lírica y la define como la encarnación de signos cósmicos a través
de la realización rápida, en un estado de éxtasis. En 1950 realiza sus primeras
pinturas tachistas y su primera exposición individual en la galería Drouin de
París. Hacia 1951 se interesa por las teorías de la gestalt y desarrolla la pintura
del signo, en la que éste precede a su significado. Mathieu ha sido calificado
como el Salvador Dalí del Arte Informal. A finales de la Primera Guerra Mundial
su estilo es caligráfico, en relación con el de Hartung. Su caligrafía consiste en
líneas salpicadas, hechas con la pintura extraída directamente del tubo, en
gestos impulsivos (Painting, 1953). En su opinión, la velocidad de ejecución es
esencial para la espontaneidad intuitiva... (Arnason). Su interés por el
espectáculo y la performance le lleva a pintar, en 1952, delante de la audiencia,
en el Studio Paul Facchetti de París. En 1953 publica el primer número de la
revista United States Lines Paris review, que dirigirá durante diez años.
A principios de los años sesenta realiza sus primeras esculturas monumentales
y se conciencia de la necesidad que tiene el artista de intervenir en todos los
aspectos de la vida colectiva y cotidiana; sus escritos e intervenciones entran en
los dominios de la arquitectura, el mobiliario y la tipografía. En 1963 el Museo
de Arte Moderno de la Villa de París le organiza una gran retrospectiva con ciento
veinte obras; la publicación de su libro Au-delá du Tachisme le coloca entre uno
de los artistas más importantes del momento. Durante los años sesenta realiza
numerosas exposiciones en Europa y diversos encargos. En 1971 pronuncia una
importante conferencia en el Círculo de las Naciones de Bruselas sobre el papel
y la misión del artista en nuestra sociedad y en 1973 realiza decorados a base
de proyecciones lumínicas para la ópera de Bartók, Barba Azul.

9. Wols
(Alfred Otto Wolfgang Schulze-Battmann; Berlín, 1913-París, 1951) Pintor
alemán. Tras una breve formación en la Bauhaus de Dessau, se trasladó a
París (1932). Trabajó como fotógrafo, y empezó luego a dibujar con tinta
china y a pintar acuarelas. Tras la II Guerra Mundial cultivó un tipo de pintura
realizada con improvisaciones de líneas y manchas de colores muy
expresivas (Le bateau ivre). Se le considera uno de los primeros pintores
informalistas, precursor del tachismo y del gestualismo.

10. Hans Hartung
Hartung nació en Leipzig, Alemania en una familia de artistas. Estudió con pintores
como Corinth y Nolde y también aprendió la base del cubismo y la pintura francesa.
Estudiando tanto en Leipzig como en Dresde, reprodujo las pinturas de sus maestros, y luego
entró en las Academias de Bellas Artes de Dresde y Múnich. Para evitar sucumbir al
provincianismo, decidió en 1926 abandonar su país natal. En consecuencia, después de un
viaje en bicicleta por Italia, se mudó a París.
Vivió con Anna-Eva Bergman y se estableció en las ciudades francesas de Leucate, y luego
estuvo en Menorca (Islas Baleares). Pasó gran parte de su tiempo pescando. Su primera
exposición se celebró en 1931 en Dresde. Sus últimos lazos con Alemania se rompieron
cuando su padre murió en 1932. Fue rechazado por la Alemania nazi al ser considerado un
artista “degenerado”, debido a que su estilo pictórico se relacionaba con el cubismo, un
movimiento artístico incompatible con los ideales de la Alemania nazi. En 1935 cuando intentó
vender pinturas estando de visita en Berlín, la policía intentó arrestarlo. Fue capaz de huir del
país con la ayuda de su amigo Christian Zervos.
Después de regresar a París como refugiado, su esposa, la también pintora Roberta
González, lo abandonó, lo que le provocó una depresión. Sus amigos intentaron ayudarlo
financieramente, pero sus pinturas se estaban convirtiendo en más abstractas y no se vendían
bien. Por entonces solo podía permitirse un pequeño taller donde podría trabajar en la mejora
de su técnica.
En diciembre de 1939, se hizo miembro de la Legión Extranjera Francesa. Fue seguido
estrechamente por la Gestapo y arrestado durante siete meses por la policía francesa.
Después de saber que era pintor, le colocaron en una celda roja para deteriorar su visión.
Después de ser liberado regresó a la Legión para combatir en el Norte de África, perdiendo
una pierna en una batalla cerca de Belfort. Obtuvo la ciudadanía francesa en 1945, y recibió
la Croix de Guerre.
Después de 1947 ganó más importancia como pintor francés. Ese año expuso su obra por vez
primera en París. En 1960 recibió el Grand Prix internacional en la Bienal de Venecia.1
Sus pinturas abstractas espontáneas sentaron un precedente muy influyente para muchos
jóvenes pintores estadounidenses de los sesenta, haciendo de él un importante predecesor de
la abstracción lírica estadounidense de los años sesenta y setenta.

11. Kazimir Malevich
(Kiev, actual Ucrania, 1878 - Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso.
Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de
tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en el fauvismo
de Matisse y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Kazimir Malevich
participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia; en sus
viajes conoció el cubismo de Picasso y Braque y el futurismo de Umberto Boccioni y Gino
Severini, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con
multiplicación de la imagen futurista.
Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas
sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista,
que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir
de entonces alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de
mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta
sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la
serie Blanco sobre blanco.
En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones,
Malevich abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura y exponer
sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk y en la Escuela
Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura
Artística de Leningrado. Simultáneamente proyectó estructuras tridimensionales que
ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.
Kazimir Malevich desempeñó un papel fundamental en el desarrollo de las vanguardias:
creador, junto con Piet Mondrian, de la abstracción geométrica e inspirador de la obra de
El Lissitzky y de Laszlo Moholy-Nagy, fue punto de partida de la posterior evolución del
arte abstracto europeo, así como del diseño gráfico. La mejor colección de su obra se
conserva en el Stedelijk Museum de Amsterdam.

12. Josef Albers
Nació el 19 de marzo de 1888 en Bottrop, Alemania.
Cursó estudios de arte en Berlín, Essen y Munich. En 1919 asiste a clases de Franz von Stuck en la
Academia de Múnich.
Estudiante en la Bauhaus de 1920 a octubre de 1923: curso preparatorio con Itten y, a
continuación, formación en el taller de pintura en vidrio.
En 1922 es nombrado oficial. Profesor de dibujo de la Bauhaus en Weimar entre 1923 y 1925, en
Dessau entre 1925 y 1932 y en Berlín desde 1932 hasta 1933.
Cuando los nazis cierran la Bauhaus en 1933, se traslada al Black Mountain College, en Carolina
del Norte, donde enseñó los principios de la Bauhaus a sus alumnos, entre los que se
encontraban Robert Rauschenberg y el compositor John Cage. Fue nombrado director en 1950 del
departamento de diseño de la universidad de Yale.
Se interesó por distintas ramas del diseño como la tipografía, las vidrieras y el mobiliario. Su obra
se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos. En su famosa serie
experimental Homenaje al cuadrado, que comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el
cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz
producen cambios en el color.
Estimuló la vanguardia americana de los 60 y 70 siendo precursor del "pop art". El punto
culminante de su pintura es la serie "Homage to the Square", en la que trabajó desde 1950.
Josef Albers falleció en New Haven el 26 de marzo de 1976.

13. Frank Stella
(Malden, 1936) Pintor estadounidense. Estudió historia en la Universidad de Princeton y
se trasladó luego a la ciudad de Nueva York. A partir de un expresionismo abstracto,
pasó a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o de colores planos,
montadas sobre bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X) dentro de la
abstracción geométrica, con las que preanunciaba el minimal art de los años sesenta.
Frank Stella
De esa etapa destacan una serie de pinturas monocromas de tonos oscuros (las llamadas
pinturas negras o rayadas, 1958-1960) cuyo interior estaba recorrido por líneas
paralelas al marco del bastidor. A través de ellas, Stella perseguía la síntesis entre la
estructura interna y la estructura externa del cuadro, búsqueda que sentaría las bases
del arte minimalista. Obras como A una profundidad de seis millas, (1960, Tate Gallery,
Londres) o La abadía de Newstead (1960, Stedelijk Museum, Amsterdam) son
paradigmáticas de una investigación en la que la pintura abandona el ilusionismo de la
profundidad para avanzar en su definición como "cosa en sí", como puro objeto.
A mediados de la década de 1960 comenzó a utilizar la policromía en una nueva etapa
que destacó por las formas curvilíneas geométricas entrecruzadas y los juegos de colores
vívidos y armónicos. Destacan las llamadas Series transportadoras (1967-1968), formadas
con semicírculos y círculos de gran tamaño. Posteriormente comenzó a realizar relieves
en técnicas mixtas, de colores sensuales, que presentan formas más orgánicas. En los
años setenta y ochenta, Stella abandonó la rigidez programática de sus inicios para
decantarse hacia la creación de barrocas pinturas tridimensionales.
De entre sus obras pueden destacarse de Protractor (1967), Polish Village Series (1970-
1973) y Brazilian Series (1974-1975). En los años ochenta realizó la serie Cones and pillars.
En 1970 y 1987 se realizaron exposiciones retrospectivas de su obra en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. En la década de los noventa mostró su obra en el MNCARS de
Madrid (1994) y en las galerías neoyorkinas Leo Castelli (1995), Knoedler & Company y
Sperone Westwater (1999).

14. Edgar Müller
Edgar Müller (Mülheim an der Ruhr, Renania del Norte-Westfalia, 10 de julio de 1968) es
un pintor callejero alemán, conocido por sus efectos ilusionistas tridimensionales. Su fama
creció gracias a sus vídeos en YouTube.1
Fue presentado como el "Maestro Madonnaro" en el
Festival de Tiza Sarasota.2
En la Avenida de Colores, Müller creó una pintura 3-D de 100 'x 40' que es la primera pintura
contemporánea de calle conocida, y en el Festival de Tiza Sarasota hizo junto con el
artista Vera Bugatti la primera pintura de calle con diseño de metamorfosis en 3-D, lo cual le
dio reconocimientos y premios del Libro Guinness de los récords.

15. Kurt Wenner nació en Ann Harbor, Michigan (EE.UU.) y creció en Santa Bárbara
(California). Asistió a la Escuela de Diseño y Centro de Arte de Rhode Island y al
Centro de Arte antes de trabajar para la NASA como avanzado ilustrador científico
del espacio. En 1982, Wenner dejó la NASA por Italia, para seguir su amor por la el
arte clásico. Viviendo en Roma estudió a los grandes maestros, y su inclinación
artística lo llevó hacia el arte figurativo neoclásico que le ayudó a desarrollar su
particular estilo.
En 1984, Kurt Wenner, comenzó a dibujar perspectivas anamórficas sobre
pavimento en pastel. Recibió especial influencia del Manierismo de Giulio Romano,
de su famosa obra en Mantova, el palazzo Te, donde hay frescos a modo de
ilusiones opticas.
Sus altos conocimientos adquiridos en técnicas renacentistas italianas durante sus
años de formación en Italia direon como resultado increibles trampantojos (trompe
l´oeil), creados para crear ilusiones ópticas desde determinados puntos de vista.
El propio autor indica (traducción aproximada):
«Mis cuadros invitan redescubrimiento de muchas tradiciones artísticas, y disfrutar
de la incorporación de la mitología, la alegoría, la literatura y el teatro en las
composiciones. Encuentro que incluso si un espectador no puede hacer referencia
a la historia, tendrá la sensación de que existió y llegan a comprometerse por la
curiosidad de aprender más. Particualermente me gusta desafiar al público con una
gran cantidad de alusiones históricas, estilísticas y de percepción. Mientras que
algunos espectadores reconocen y aprecian el contenido, otros admiran las
superficies muy bien decoradas, o la capacidad técnica. En especial me gusta
trabajar con obras grandes que «Abarquen» el espectador. Mediante la
combinación de pintura con la escultura y arquitectura, les obligo a interactuar en
formas nuevas, las cuales desdibujan la distinción entre ellos. El aspecto tradicional
de mi trabajo es mi mayor ilusión, ya que oscurece el uso audaz y original de la
perspectiva que empleo».

16. MANFRED
Manfred nacio y crecio en Alemania. Manfred empezo a pintar en su escuela
Städelschule en Frankfurt. En 1985 se combirtio en unos de los mas conocidos y asi
agarro el titulo "Master Madonnaro". El titulo solo lo an recibido unos pocos artistas
alrededor del mundo.

17. Tomory Dodge
Tomory Dodge; Arte Abstracto contemporáneo" de Incurable Bohemia
Unos de los más reconocidos pintores de la Abstracción contemporánea en América es Tomory Dodge.
Tomory Dodge (nacido el 23 de diciembre 1974) es un artista americano con sede en Los Ángeles, California.
Jason Tomory Dodge Nacio en Denver. Él comenzó a usar el nombre de Dodge Tomory mientras asistía a la
escuela de posgrado en el Instituto de Artes de California.
Sus Obras tienen mucho ritmo, formas con fuertes direcciones, rupturas y retorcimientos, generan muchas
connotaciones sobre lo que está ocurriendo en el cuadro.

18. ARMLEDER, JOHN
Ginebra, 1948.
Artista suizo.
Se forma en la École des Beaux Arts de Ginebra (1966 1967), y en la Glamorgan
Summer School de Bretaña (1969). En la década de los sesenta, y bajo la influencia del
fluxus, realiza diferentes instalaciones, performances y actividades colectivas, fundando
en 1969 el grupo Ecart junto con Patrick Lucchini y Claude Rychner. Durante los años
ochenta su obra se caracteriza por combinar objetos con pintura abstracta de
inspiración constructivista, en referencia constante a ejemplos anteriores abstractos y
en los que cuestiona el contexto en el que el arte es situado y su noción de autenticidad.

19. Bleckner, Ross
Pintor estadounidense, nacido en Nueva York, en 1949. Estudiante en la New
York University y en el California Institute of the Arts, se dio a conocer en 1975
a través de una exposición individual en la Cunningham Ward Gallery y su
participación en la Bienal del Whitney Museum de ese año. A partir de 1976
comenzó a figurar en las muestras de la nueva pintura neoyorquina: "New
Worl/New York", "Fine Arts Gallery de California", "New Painting"/New York", y
a partir de 1985, en aquellas que intentan una nueva definición de la pintura
abstracta: "Abstract Painting Redefined", "Post-Abstract Abstraction" y "The
Image of Abstraction". Expuso individualmente en los museos de San
Francisco, Milwaukee y Houston, destacando por su participación en el
"Prospect-89" de Frankfurt.