Tp historia del arte

1. El Renacimiento
Siglo XV
El Quattrocento
Historia del Arte

2. Se Denomina QUATTROCENTO
al periodo del Arte Italiano
Correspondiente al Siglo XV Comprendido
dentro de la corriente Renacentista,
encontrandose de esta manera tambien la
aplicacion de las denominaciones de PRIMER
RENACIMIENTO o BAJO RENACIMIENTO
Para la designacion de dicho momento.

3. La Republica de Florencia se constituiria en la sede central
de la misma, gracias al apoyo de mecenazgo realizado por
parte de grandes familias como los MEDICIS y al
extraordinario desarrollo economico del que sera
protagonista
Los Medici, dinastia de mecenas y coleccionistas, permiten
el desarrollo del Reanacimiento desde la ciudad de
Florencia con su dinero y su poder
La acumulacion de riquezas en los burgos italianos a lo largo
de la Edad Media debido a la situacion privilegiada de la
peninsula italica para las rutas comerciales del
Mediterraneo posibilito alli una abundancia de dinero y de
informacion cultural.
En esta epoca aparece la figura del artista genial, por lo que
se abandona definitivamente el anonimato, y surge el taller
del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes.
Este hecho podria denominarse com el nacimiento de la
categoria de autor.
Catedral de Santa María del Fiore

4. Escultórico
David de Michelangelo
En escultura se vuelve a la imitacion de la clasica
Griega y Romana.
El interes por la representacion de la naturaleza
Las composiciones siguen la pauta de la busqueda de la profundida por medio del
uso de la perspectiva
El arte escultórico renacentista se caracterizó por la representación de figuras
humanas con un gran realismo y una gran atención a los detalles.
Grandes artistas que trabajaran la escultura seran
Lorenzo Ghiberti (Puertas del Baptisterio de Florencia)
Donatello( del que seran obras especialmente representativas su San Jorge, el David
y la estatua ecuestre de el Gattamelata)

5. Mona Lisa, La Gioconda
En la arquitectura hay un retorno a las lineas del arte griego
y romano En general este arte es de lineas mas puras que su
predecesor europeo, el gotico, siendo de menor tamaño y
simplicidad.
El retorno a las formas clasicas en toda la serie de motivos
decorativos provenientes de la Antiguedad, tales como
guirnaldas, grutescos, capiteles corintios.
La sustitucion del pensamiento religioso por el espiritu
critico, tendra consecuencias en la forma de percibir el
espacio y el tiempo (la cual repercutira a su vez en la
arquitectura del momento)
Arquitectura
La arquitectura renacentista se caracterizó por su énfasis
en la proporción, la simetría y el equilibrio, así como por
el uso de elementos decorativos inspirados en la antigua
Grecia y Roma. Algunos de los arquitectos más
destacados del Renacimiento incluyen a Brunelleschi,
Bramante y Michelangelo.
Frente a la verticalidad propia de las catedrales
goticas ( simbolo del intento de union del hombre
con Dios), en el Renacimiento sera de
Horizontalidad
Desarrollo de la perspectiva, que concreta la
mirada en un punto de fuga, y la
proporcionalidad entre las partes.
Los espacios interiores se diseñan para que el
hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista,
estos van a ser unitarios, ligeros y diafanos
Se recurrira al uso de las matematicas a la hora de
proyectar el edificio.
La aparicion de una clase media profana con
influencia y dinero va a favorecer el desarrollo de la
arquitectura civil, dando como resultado la realizacion
de bellos ejemplos de palacio.
Desligandose asi la casi totalidad d ela arquitectura del
poder religioso.

6. Dante
La pintura de siglo XV va a experimentar una enorme evolucion, desde el empleo de la formas aun ligeramente
decorativas y el uso de dorados y vistosos colores de Fra Angelico.
El hombre es la obra perfecta de Dios. El centro de atencion es la figura humana, generalmente idealizada,
estudiadada en diversas posturas y movimientos.
Las proporciones humanas volvieron a normalizarse.
Los talleres de maestros enseñan a numerosos discipulos; los discipulos a veces pintan la cara de ellos en los
cuadros.La tecnica que predominantemente se utiliza sigue siendo el mural tanto en capillas, conventos e iglesias,
como en los palacios renacentistas. Ademas, se pinta sobre tabla e incluso sobre determinados muebles como los
arcones o los cassones de bodas, muy polpulares en el Renacimiento Italiano
Siguen siendo predominantes los temas religiosos, aunque los mecenas privados comienzan a encargar otros
asuntos, como la mitologia o las escenas historicas
La pintura renacentista se caracterizó por un gran realismo y una gran atención a los detalles. Los artistas
renacentistas representaron tanto escenas religiosas como temas profanos, y utilizaron técnicas como la
proporción, el equilibrio y la perspectiva para dar una sensación de profundidad y realismo. Algunos de los
pintores más destacados del Renacimiento incluyen a Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.
Pintura

7. Metalurgia
El arte de la metalurgia en el Renacimiento también se
desarrolló, con artistas que trabajaban en oro, plata y
bronce para crear objetos decorativos y utilitarios, como
candelabros, vajilla y objetos religiosos.
La literatura renacentista se caracterizó por una
mayor atención a la razón y la belleza, así como por
una mayor libertad en la expresión artística. Los
escritores renacentistas se inspiraron en la antigua
Grecia y Roma, y algunos de los autores más
destacados incluyen a Dante, Boccaccio y
Shakespeare.
Literatura

8. Arqueología
La arqueología ha descubierto un gran número de
objetos decorativos en el Renacimiento, como
cerámica, metalurgia, escultura y pintura, que
ilustran la creatividad y el arte de los artistas de la
época. Muchos de estos objetos se encuentran en
museos de todo el mundo y son considerados tesoros
culturales.

9. Arte y el mundo
El Renacimiento también
marcó un gran cambio en la
forma de ver el arte y el
mundo, con una mayor
importancia en la belleza, el
realismo y la razón, y una
mayor libertad creativa.
El Renacimiento también vio un gran aumento en el interés por la
ciencia y la tecnología, lo que se reflejó en el arte de la época. Los
artistas renacentistas comenzaron a utilizar técnicas científicas
como la perspectiva y la proporción para crear una sensación de
profundidad y realismo en sus obras. Además, muchos artistas
renacentistas también fueron científicos e inventores, como
Leonardo da Vinci, que hizo importantes contribuciones en
campos como la mecánica, la óptica y la hidráulica.
Ciencia y la tecnología
Hombre de Vitruvio

10. Batalla de Heráclito Piero della Francesca

11. Piero dellaFrancesca
Autoretrato de
Piero della Francesca con la
Madonna de la Misericordia
Uno de los más grandes artistas del
Renacimiento, fue un extraordinario
intelectual, de mente muy abierta. Con sus
obras abrió nuevas posibilidades
expresivas, desarrollando estudios sobre
perspectiva y matemáticas.
(1416-1492)

12. Piero dellaFrancesca (1416-1492)
Fusionando la visión "armónica" del Renacimiento italiano con
el flamenco, atomístico y dirigido al estudio de la luz y la
ciencia. El hombre entendido como el elemento central del
mundo, “medida de todas las cosas”, que con razón puede
controlar todos los aspectos de la realidad es un principio que
se refleja plenamente en sus obras, tanto en pintura, como en
sus puntuales tratados de matemáticas como en la práctica
artística. Son libros llenos de enseñanzas, observaciones y
ejemplos muy claros y precisos.

13. El panel con la Flagelación de
Cristo (1460)
La escena tiene lugar dentro de
una arquitectura clásica más
griega que romana (no hay
arcos, solo dinteles) y suelo
geométrico.
La línea recta de los elementos
arquitectónicos permite una clara y
perfecta planificación del sistema
prospectivo.

14. La Flagelación es una de las pinturas más destacadas y enigmáticas de
la historia del arte, a pesar de las diversas hipótesis. Aquí están algunas:
Durante muchos años se pensó que los tres hombres eran Oddantonio
da Montelfeltro (el joven del centro), el medio hermano de Federico
asesinado en la conspiración de los Serafini en 1444, Manfredo Pio y
Tommaso dell'Agnello (sus malvados consejeros), y que la escena de la
flagelación era una alusión al martirio del joven príncipe.
En tiempos más recientes se ha pensado que el hombre con barba es un
erudito griego y el otro el emperador Paleólogo. Según otros críticos, el
cuadro sería una simple narración evangélica aunque la colocación
sería anómala: la flagelación en el fondo y los personajes en primer
plano permanecerían desconocidos y son, sin duda, protagonistas del
cuadro. Según una nueva hipótesis, quizás más creíble, la flagelación
simbolizaría la condición atribulada de la Iglesia después la caída de
Constantinopla (1453) y en el grupo de personajes a la derecha estarían
representados algunos de los participantes en el Concilio de Mantua
convocado para organizar una cruzada.

15. Todo se estudia de forma científica, la luz, el color, la fina línea de contorno. El
espacio está dividido en dos partes por la sección áurea, muy conocida y utilizada
por Piero. La forma de la pintura, por otro lado, es el rectángulo irracional "raíz de 2"
(1.4142 = constante pitagórica). Es un rectángulo que tiene lados con la misma
relación que existe entre el lado de un cuadrado y su diagonal.

17. Probablemente sea del mismo año o un poco
antes “El bautismo de Cristo” (1440-1450). La
pintura parece estar construida sobre
relaciones matemáticas precisas y
geométricas. A lo largo del eje central se
encuentra la paloma (que simboliza el espíritu
santo y esta en el centro del círculo), el cuenco
del Bautista y la figura de Cristo. La luz del
cuadro es clara y omnidireccional.
Los tres ángeles a la izquierda del arbol y los
personajes con túnicas orientales en el fondo
hacen pensar en una referencia al Consejo de
Firenze de 1439 que intentó la reunificación de las
iglesias del Este y del Oeste.

18. En los años entre 1465 y 1470 Piero pinta para Federico
da Montefeltro un díptico con retratos de cónyuges
de perfil, según una disposición tradicional. tal lugar
ayuda a evitar la introspección psicológica inevitable
en los retratos con vista de tres cuartos y enfoque en
geometría de formas recortadas sobre el cielo.
La atención al detalle (las joyas de la
duquesa Battista) y los detalles
realistas (la nariz jorobada del duque
y las verrugas en su mejilla) de
muestran el conocimiento de Piero de
la pintura flamenca. aunque este se
reinterpreta en clave "italiana" a
través del control racional de espacio,
forma, luz y color.

19. Construida en 1472, La Sacra conversacion
(llamada Pala Brera) es la ultima obra conocida
de Piero y presenta una extraordinaria
complejidad donde todo se estudia y tiene
multiples significados. El niño celebra el
nacimiento de Guidobaldo, hijo de Federico
Montelfetro pero tambien el sacrificio de Cristo
ya que la posicion es la de la Piedad y porque el
niño tiene una ramita de coral alrededor del
cuello que recuerda la sangre que derrama
desde el lado.
Federico es el hombre arrodillado mientras a la
izquierda le falta su esposa Battista, fallecida
cinco meses despues del parto
Las referencias histórico-simbólicas son
muchas y culminan con el huevo de avestruz
(pájaro símbolo de los Montefeltro) suspendido
en la conchilla, símbolo de nacimiento.

20. Alessandro Filipepi (1445-1510), conocido como
Botticelli, nació en Florencia, donde pronto habría
frecuentado el taller de un orfebre. Hacia 1464 se
traslada a Prato y entra en el prestigioso taller del
pintor Filippo Lippi.
En 1467 regresó a Florencia y comenzó a frecuentar
el taller de Andrea del Verrocchio donde conocerá a
otros artistas de talento, incluido Leonardo da Vinci,
siete años más joven que él. Posteriormente también
tendrá importantes contactos con Piero dell Pollaiolo.
A partir de 1470 es autónomo, abre su propia tienda y pronto obtiene encargos de
prestigio, trabaja sobre todo para la poderosa familia Medici en Florencia. Después
de una estancia en Roma, entre 1481 y 1482, para pintar los frescos de las paredes
de la Capilla Sixtina, volvió a Florencia y permaneció allí de forma permanente hasta
su muerte en 1510.
Botticelli

21. Las caracteristicas fundamentales del estilo Botticelli son
La busqueda de un equilibrio compositivo y armonioso, en el que
elige sobre todo composiciones sueltas ritmicas;
Un diseño sutil y dinamico, preciso y con linea que modula los
contornos de las figuras y las aclara.
Lalinea para Botticelli es fundamental, porque todo en sus obras se
basa en los sinuosos recorridos y movimientos de sus dibujos.
Subordina todo a la linea:el color, la prespectiva, las formas,
volumenes.
En sus pinturas tiende a prevalecer el principio de abstraccion:no
hay busqueda de volumenes, masas, o profundidad o
claroscuro.Las formas parecen ligeras. ingravidas, como recortadas
en contornos finos e incisivos.
Los fondos no tienen profundidad, parecen paredes dibujadas o
bordadas. Los colores a menudo son fríos, antinaturales y abstractos.
La pintura de Botticelli es la de un mundo
imaginario, mental, y está lleno de referencias y
significados intelectuales y
complejos, vinculados a la élite cultural de los Medici, que hoy son un

22. Los fondos no tienen
profundidad, parecen paredes
dibujadas o bordadas. Los
colores a menudo son fríos,
antinaturales y abstractos.
La pintura de Botticelli es la de un
mundo
imaginario, mental, y está lleno
de referencias y
significados intelectuales y
complejos, vinculados a la élite
cultural de los Medici, que hoy
son un misterio casi
indescifrable.
Madonna del Magnificat, 1481.

23. El pintor presenta una gran alegoria, inspirada
en varias fuentes literarias, tanto clásicas, como
Il De rerum Natura de Lucrecio y las
Metamorfosis de Ovidio (ambas del siglo I a. C.)
como contemporáneas, como el poema delle
Stanze per la giostra, escrito por Angelo
Poliziano, con motivo de un torneo que tuvo
lugar lugar en 1475, ganado por Giuliano de
Medici.
La primavera de Sandro Botticelli además de
ser una obra en la que el estilo del artista
alcanza un muy alto nivel de calidad, es una de
las obras maestras más famosas del
Renacimiento italiano, y se conserva en
Florencia, en la Galleria degli Uffizi. Hecho
alrededor de 1478 para un amigo y mecenas
del artista, Lorenzo de Pier Francesco de Medici-
el primo del 'Magnífico' - esta obra parece que
estaba destinada a su villa en Castello

24. La figura central que domina la composición es Venus. Por
encima de ella revolotea Cupido, alado y con los ojos
vendados, mientras está disparando una flecha a las tres
Gracias danzantes, símbolos de belleza y elegancia.
En el extremo izquierdo, el niño con manto rojo es Mercurio,
el mensajero divino. Él está custodiando la arboleda
sagrada y ocupada para ahuyentar las nubes que no
deberían turbar la eterna primavera del jardín de Venus. A la
derecha, el personaje azul es Zefiro, el viento del oeste
anunciando la primavera.
Entra en escena volando, con las mejillas hinchadas de tanto
soplar. Alcanza a la ninfa Cloris que huye. El encuentro de los dos
personajes, según cuenta el relato de Ovidio en los Fastos, hace
brotar flores de la boca de Cloris. Su unión conduce a la
transformación de la niña en Flora, diosa de la juventud y la
floración, patrona del trabajo agrícola y la fertilidad femenina. Flora
es la mujer representada un poco más a la derecha, con un
vestido de flores blancas y llena de guirnaldas mientras esparce
rosas en el jardín.

25. La vegetación es muy frondosa y se pinta con diferentes tonalidades de
verdes muy intensos. El espacio está rodeado por un campo de naranjos,
cuyas plantas presentan flores y frutos juntos. En el centro del campo de
naranjos se abre un espacio con forma de arco perfecto, en el que se
reconoce la planta de arrayán, consagrada a Venus. Este lugar perfecto
representaría a Chipre, la mítica isla donde, según los antiguos, se ubicaba
el jardín de Venus.
Las plantas, los colores y el entorno son elegidos por Botticelli en virtud de
significados particulares que remiten a la filosofía neoplatónica ya las
reflexiones de Marsilio Ficino.
Un gran lienzo creado entre 1484 y 1485 tras una estadía en Roma,
toman forma los sofisticados ideales de belleza del neoplatonismo,
para los que la perfección exterior era manifestación de la belleza
interior, como está expresada en la estética del filósofo Marsilio Ficino,
fundador del neoplatonismo. Venus, nacida del mar, viene de la isla de
Chipre en una concha empujada por Zephyr viento y la brisa Aura y es
recibida por Horas, una de las ninfas que precede las estaciones, que
le ofrece una capa florida para cubrirla.
En el nacimiento de Venus

26. La iconografía de Venus recuerda la helenística Venus púdica, de la cual hay muchas
copias de la época romana. La fama de esta obra es comparable con pinturas como
La Última Cena y la Gioconda de Leonardo tanto que ha sido reinterpretada por artistas
del siglo XX.

27. La inconfundible expresión melancólica del rostro de la diosa es lo que caracteriza a todas las
figuras femeninas de Botticelli: representada como la clásica Venus pudica, es la encarnación de
la humanitas, es decir, de los aspectos espirituales y racionales del alma, y del Amor sublime, así
como un símbolo de la pureza del alma. Concentrado en la intención alegórica y filosófica y en la
consecución de una forma refinada y abstracta que la manifestara, Botticelli de hecho nunca
estuvo realmente interesado en la representación espacial en un sentido de perspectiva y en el
volumen de las figuras, que por eso aparecen evanescentes. y casi "recortadas".

28. Donato Bramante (1444-1514), pintor y arquitecto, nació en
Ducato de Urbino, centro ferviente cultural del Humanismo, pero
su actividad se desarrolla sobre todo en Milán y Roma. En Milán,
en 1482, se construye la iglesia de Santa María en San Satiro. El
edificio tenía forma de cruz y la iglesia estaba cortada y sin
ábside.
Donato Bramante
Bramante resuelve el problema con un falso estuco de 90 cm de
profundidad, pero capaz de crear la imagen de un ábside
monumental, profundo y una bóveda cubierta.
La obra maestra de los primeros años romanos es sin duda el
Tempietto de San Pietro in Montorio, construido en el patio de la
iglesia del mismo nombre en la colina Gianicolo. El edificio es un
pequeño templo perimetral redondo de inspiración romana. Es la
culminación de los estudios renacentistas sobre la idea de un
templo de planta central que, simétrico en todas sus partes, evoca
la perfección de los elementos naturales, del infinito y de la
divinidad.

29. Templo de San Pietro in Montorio (1502-08). Construido en el sitio donde cuenta la
tradición que se trataba de cruces mirando fijamente al apóstol Pedro, está
rodeado por una peristasis de dieciséis columnas rematado por un friso con
metopas y triglifos.
El pequeño templo debería haber estado en el centro de un vasto patio absidal circular
que, no fue construido por razones financieras. La imagen del círculo inscrito en el
cuadrado evoca el conjunto planimétrico de la conocida figura vitruviana de Homo ad
circulum, que se ha convertido en un símbolo para los teóricos y artistas del siglo XV.

30. Es probable que Rafael se haya R inspirado en el
pequeño templo ya en construido para pintar su
Matrimonio de la Virgen en 1504. Pero a su vez,
Bramante podría habersese inspirado, en
monumentos clásicos, incluso en el templo
circular colocado en el centro del cuadro titulado
“Ciudad Ideal” atribuido a Piero della Francesca
(1475).
Raffaello Sanzio, Sposalizio della Vergine, 1504

31. Anatello da Messina
Antonello di Giovanni d'Antonio (1430-1479) dijo que Antonello
da Messina estaba influenciado por estilos diferentes y lejanos:
el del Renacimiento de la Toscana, la de Urbino, con Piero della
Francesca, la de la Flandes de Van Eyck, rica endetalles y brillo.
Uno de los trabajos que lo demuestra es San Girolamo nel
studio (1474).
El observador ve la escena dentro de una ventana gótica.
El santo está sentado en el estudio. La madera insertada
en un espacio arquitectónico que presenta elementos
góticos (bóveda de crucería y la ventana ajimezada) y
elementos renacentistas (la puerta a la derecha). Las
fuentes de luz son múltiples y realistas, los detalles son
precisos y están cargados de significados simbólicos.

32. Unos años más tarde pintó el San Sebastiano
(1478-79). el mártir es atado a un árbol y está
en el centro de la composición. El punto de
vista rebajado le da majestuosidad. la
perspectiva de piso crea un espacio profundo
y aireado. A pesar de ser atravesado por
flechas, su mirada es inspirada y serena. La
luz, que viene de la izquierda, envuelve con un
suave claroscuro el cuerpo del santo..
También hay algunos elementos de puro
virtuosismo como la columna en el suelo y el
soldado dormido, ambos en escorzo. El santo
presenta una belleza clásica y el típico
contrapunto de las extremidades
(ponderación) pero no muestra tensión
muscular y tiene la evidente anatomía de las
estatuas griegas y romanas.

34. Un trabajo extraordinario e innovador, por supuesto y el
más famoso del pintor de Messina, entre los iconos del
arte de todos los tiempos, es la espléndida Anunciata de
1475, pintada por el maestro siciliano durante su estadía
en Venecia. La mano levantada de la Virgen. El manto
azul, gira en el espacio como si estuviera en un nicho: da
la impresión sólida de la escultura. se debe notar que el
atril, sobre el cual la Virgen ha abierto el libro, sigue
siendo de estilo gótico.
Frente a la iconografía tradicional de la anunciación,
todo está incluido en la figura de la Virgen, no hay
distracciones para el observador, como el ángel
anunciador.

35. Es uno de los artistas más originales del siglo XV.
Andrea Mantegna (1431-1506), representante en
pintura del clasicismo arqueológico
renacentista. Se formó en un taller en Padua y
expuso un fuerte interés en la antigüedad
clásica. A partir de 1448 comaenzó a trabajar
por su cuenta y después de unos años en la
Capilla Ovetari en Padua (de la que sólo quedan
algunos fragmentos).
Hacia 1460 se traslada a Mantova, a la corte
de Gonzaga (porque aquí pintó al fresco la
famosa Camera degli Casado en el Palacio
Ducal) donde, realiza viajes cortos a Roma y
Florencia, y se quedará hasta su muerte.
Andrea Mantegna

36. Mantegna pintó la figura de San Sebastián dos
veces.
El primer lienzo, conservado en el Museo de
Arte de Viena, se considera que es el
concluido
va desde la época juvenil (1456) y muestra al
santo atado a una columna, el fondo de la
ciudad de Verona y las nubes de curiosas
formas Una inscripción en griego dice "Obra
de Andrés".

37. El otro lienzo, pintado por Mantegna en 1481.
También en este caso se vincula al mártir con
una ruina clásica y a sus pies hay fragmentos
de esculturas antiguas que coleccionaba el
artista. El santo y sus verdugos muestran una
acentuación típica del claroscuro de las
arrugas faciales, un rasgo distintivo de las
obras de madurez. El realismo es más
marcado que la pintura vienesa con algún
detalle, cortes de gran virtuosismo como los
músculos del pecho, la flecha que pasa bajo la
piel del muslo o la carne del brazo atados con
cuerdas. En la distancia, un paisaje montañoso
bastante fantasioso, río y las nubes hinchadas
que llenan el cielo.

38. El Cristo muerto (1475-78), conservado en la
Pinacoteca di Brera, data de unos años antes. La
obra es famosa por la vertiginosa perspectiva
de la figura del Cristo yacente. Mantegna
estructuró la composición para producir un
impacto emocional sin precedentes, con los pies
de Cristo proyectados hacia el espectador y el
vuelo de líneas convergentes que arrastran el
ojo del espectador en al centro del drama. A la
izquierda, comprimidas en un rincón, hay tres
figuras lúgubres: la Virgen que seca sus
lágrimas, San Juan que llora y junta las manos y,
a la sombra al fondo, la figura de una mujer que
se desespera, tal vez Magdalena.

39. La llamada “Cámara picta” fue pintada al fresco por Mantegna entre
1465 y 1474 en el palacio ducal de Mantua. En el centro está el famoso
óculo con un admirable perspectiva "desde abajo" que abre en el cielo.

40. Renacimiento Aleman
El Renacimiento alemán adoptó influencias del Renacimiento italiano, pero mantuvo un fuerte arraigo en la
tradición gótica del norte de Europa. Fue un arte con gran atención al detalle, fuerte contenido simbólico y un
enfoque más espiritual y moral que en Italia.
Características principales:
Influencia gótica y realismo: A diferencia del idealismo italiano, los artistas alemanes se destacaron por el
realismo minucioso, con gran detalle en rostros, vestimentas y paisajes.
Grabado y dibujo: Alemania se convirtió en un centro importante del arte gráfico. El grabado en madera y en
cobre permitió reproducir imágenes en masa, lo que amplificó la difusión artística.
Contenido religioso y moral: El arte reflejaba temas cristianos, reformistas y alegóricos, influenciado por el auge
del pensamiento humanista cristiano y la Reforma protestante.
siglos XV-XVI:

41. Renacimiento Aleman
Artistas destacados:
Alberto Durero (1471-1528): El más reconocido del Renacimiento alemán. Maestro del
grabado, pintor y teórico del arte. Su obra combina la precisión nórdica con influencias
italianas en proporción y perspectiva. Obras importantes: El caballero, la muerte y el
diablo (grabado), Autorretratos, Adán y Eva.
Lucas Cranach el Viejo (1472–1553): Pintor de corte y amigo de Martín Lutero. Sus
retratos de líderes protestantes y escenas religiosas fueron clave en la difusión visual
de la Reforma. También pintó obras mitológicas y alegóricas.
Hans Holbein el Joven (1497–1543): Famoso por sus retratos realistas. Trabajó en
Inglaterra como retratista de la corte de Enrique VIII. Su obra más conocida: Los
embajadores, que incluye un famoso ejemplo de anamorfosis.
Temas recurrentes: Retratos (con enfoque psicológico), Escenas bíblicas, Alegorias
morales, grabados con bestiarios, figuras fantasticas y temas apocalipticos

42. El Renacimiento alemán, destaca principalmente la figura de Alberto Durero.
La importancia de Durero como uno de los artistas más relevantes del Renacimiento alemán, con
una trascendencia que lo sitúa como una figura clave a nivel europeo, contemporáneo de grandes
maestros italianos como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci.
La personalidad de Durero, marcada por una tradición germánica pero también permeable al
humanismo y al clima cultural de su época (nacimiento de la imprenta y las universidades). Se
destaca su habilidad como dibujante, su curiosidad científica que lo llevó a ser teórico (autor de un
tratado sobre las proporciones del cuerpo humano que se convirtió en referencia), y su capacidad
para el grabado, técnica en la que fue un pionero en Europa.
Algunas de sus obras más importantes, como el "Adán y Eva" del Museo del Prado (ejemplo de su
canon de belleza masculino y femenino, y los primeros desnudos a tamaño natural en la pintura
germánica), y diferentes grabados como otra versión de "Adán y Eva" (donde se aprecia su
detallismo y manejo de luces y sombras), la "Melancolía", la tabla de los "Cuatro Apóstoles"
(interpretada como una representación de los cuatro temperamentos), "El martirio de los 10.000"
(una composición compleja y dantesca con un autorretrato del artista), y varios autorretratos (como
el de los guantes, que muestra influencia italiana y una cierta frialdad en la mirada, y otro más
idealizado).
Renacimiento Aleman

43. Renacimiento Aleman
Finalmente, se señalan otras obras como el retrato de una joven, el de
Maximiliano I de Habsburgo (que se ajusta más a la tradición germánica), la
"Lamentación sobre Cristo muerto" (con elementos italianos y germánicos), y
varios grabados con complejas simbologías (como la pareja de enamorados y la
muerte, Neptuno y Anfítitre, San Jerónimo y el caballero y la muerte), destacando
su maestría en la xilografía y el grabado en cobre, y sus famosas series como el
Apocalipsis y la Vida de la Virgen. Se anticipa un breve vistazo al Renacimiento
español en la próxima sesión

44. La exposición organizada por el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid reúne más de
230 piezas para destacar el Renacimiento alemán, centrado en figuras como Alberto
Durero y Lucas Cranach el Viejo. A diferencia del Renacimiento italiano, que se basa en el
clasicismo, el alemán tiene una identidad propia, marcada por su vínculo con la Reforma
protestante, la naturaleza, la ciencia y una estética germánica.
Durero es considerado un artista total: técnico, teórico, intelectual, y pionero en la
autorreflexión artística. Influido por Italia, incorporó la proporción, la perspectiva y el ideal
de belleza, aunque con una visión personal y racional. Su obra abarca desde pintura y
grabado hasta diseño de armaduras, vidrieras y tratados teóricos.
Cranach, por su parte, estuvo más vinculado al movimiento protestante y representó los
ideales de Lutero en su arte, destacando temas bíblicos, austeridad visual y una crítica a
las imágenes religiosas tradicionales.
Ambos artistas y sus contemporáneos, como Hans Baldung y Altdorfer, definieron una
estética distinta a la italiana, más expresiva y dramática, con un profundo sentido del
conflicto, del pecado y de la naturaleza humana. La muestra evidencia cómo el
Renacimiento alemán, aunque menos conocido, tuvo un enorme impacto en la cultura
visual europea y sentó bases que influirían hasta el arte del siglo XX.

45. ¡Gracias!