1. HISTORIA DEL ARTE
TAREA GLOBAL II
MARI CARMEN RUIZ BAUTISTA

2. EXPOSICIÓN
“DIVERSIDAD ARTÍSTICA”

3. Las obras elegidas están ordenadas
según el tiempo de creación, siendo la
primera la más antigua.
La sala en la que nos encontramos se
llama “De Al-Ándalus hacia el Barroco”.
Podemos encontrar obras desde la época
hispanomusulmana hasta el barroco.
Elegidas con suma delicadeza, hacen que
este conjunto maravilloso sea digno de las
personas que aman el arte. Este delicado
conjunto hace que la exposición sea
memorable, atraviesa varias épocas y todas
ellas cuentan con una diversidad artística
muy variada.

4. 1. TORRE DEL ORO
Nos encontramos ante
una obra arquitectónica
del siglo XIII. Su autor es
desconocido. Pertenece a
la arquitectura islámica
andalusí,
más
concretamente a la época
almohade. He elegido esta
obra porque me parece
una maravilla, goza de
una sencillez innata. Con
solo mirarla nos rememora
a la época de su
construcción.

5. Esta torre albarrana se encuentra en la
ciudad de Sevilla. Cuenta con una altura
total de 36 metros. El material de
construcción es el ladrillo para los dos
cuerpos superiores y el sillar de piedra para
el cuerpo inferior. Está compuesta por tres
cuerpos. El primero es un prisma
dodecagonal, fue el primero en ser
construido. El segundo también es un
prisma dodecagonal, fue construido en
segundo lugar. Por último el tercer cuerpo
es cilíndrico y en el final tiene una cúpula.

6. La mandó a construir el gobernador
almohade de Sevilla.
El cuerpo inferior
está compuesto en su
interior por bóvedas de
arista unidas por
mortero y en su exterior
podemos ver ventanas de tipo saetero; en
este cuerpo existe la única puerta que hay. El
segundo cuerpo, está rematado por almenas
y merlones, se encuentra decorado por arcos
ciegos alternados con arcos túmidos y arcos
lobulados enmarcados por otros de
herradura, todos ellos están decorados con
azulejos en tonos azules y blanco.

7. El tercer y último cuerpo está rematado
por una cúpula semicircular cubierta con
azulejos en tonos dorados. Con el paso de
los años ha servido tanto como para
guardar tesoros, hasta como una vivienda.

8. En torno a esta torre existe una
anécdota. Esta era que el rey Pedro I
guardaba sus tesoros en esta torre.
Cuando decimos sus tesoros, no solo
corresponde a monedas y joyas, sino como
él decía guardaba su mayor tesoro, a su
amante. Esta torre sirvió de morada para
su amante y cuentan que le puso el nombre
a la torre porque ella quería cubrir la torre
de tonos dorados.

9. 2. ÁBSIDE.
El ábside de la Iglesia de San Clemente
de Tahull. Esta pintura románica del siglo
XIII. Su autor es el Maestro de Tahull. He
elegido esta obra porque de las obras
románicas es la que más me gusta. Admiro
el juego de tonalidades que utilizan que
hacen muy llamativa la obra.

10. Este fresco de tema
religioso se encontraba
en el ábside de la Iglesia
de San Clemente de
Tahull. En él podemos
apreciar que el que
aparece en el centro es
Cristo, que permanece
sentado y dentro de una
mandorla, aunque su
cabeza sobre pasa la
mandorla. Su ropa está
compuesta
por
una
túnica y un manto.

11. Su mano derecha aparece levantada
con la palma hacia el exterior, sus dedos
corazón y meñique permanecen doblados y
los dedos índice, anular y pulgar
permanecen derechos. Sus pies están en
forma de V, muy característica de este
estilo. En su mano izquierda porta un libro
abierto que lo apoya en su rodilla. Al lado
de sus hombros aparece dos símbolos: alfa
y omega que simbolizan que Cristo es el
principio y final de todo.

12. En la parte superior aparecen dos
ángeles, uno porta un libro y otro porta un
águila, ambos representan a San Mateo y
San Juan respectivamente. En la parte
inferior podemos ver que aparece de
izquierda a derecha: Tomás, Bartolomé,
María que posee un cáliz, Juan, Santiago y
Felipe, todos ellos ataviados con ropas
coloridas. Todas las figuras que aparecen
en la obra carecen de expresividad.

13. El colorido que utiliza se basa en
amarillo y azul pero también usa el negro
para el contorno de las figuras, aunque en
general los colores son planos.
Las
pinceladas son finas, con líneas bien
definidas para diferenciar zonas. No existen
zonas muy luminosas ni muy oscuras,
poseen una armonía en cuanto a luz se
refiere.

14. En cuanto a esta obra
ronda una anécdota. Su
autor al realizarla cuenta
que tras un largo día de
trabajo y tras cerrar bien
el lugar en el cual la
estaba realizando, se fue
a su casa a descansar y
al volver al siguiente día a
terminar la obra encontró
que la figura de Cristo
estaba terminada y en el
libro habían escrito: “ego
sum lux mundi” (yo soy la
luz del mundo).

15. Él se extrañó porque al irse la noche
anterior no había dejado terminada la
figura. Extrañado por el suceso, examinó el
lugar con detenimiento pensando que
alguien había entrado, pero se dio cuenta
que las pinturas se las había llevado a su
casa, por lo que no sabía quién ni cómo
terminaron de pintar a Cristo. Por lo que la
figura de Cristo está rodeada por un gran
enigma.

16. 3. EL MATRIMONIO
ARNOLFINI.
Esta obra está realizada por Jan van
Eyck en el siglo XV. Pertenece al estilo
gótico. He elegido esta pintura porque me
gusta mucho la manera en la que el
hombre expresa fidelidad y amor a su
mujer. Es una obra muy llamativa que invita
a observarla detenidamente, ya que se
encuentra llena de enigmas.

17. Esta
obra
perteneciente
a
la
pintura flamenca del
gótico data del año
1434. Es un óleo sobre
tabla.
En la obra
podemos observar que
aparecen dos personas
de diferentes sexos.
Estos son el joven
matrimonio
Arnolfini;
ambos aparecen de
pie, en su alcoba. El
marido aparece con
actitud
seria,
con
ropajes
caros
compuestos por una

18. Su mano derecha está levemente
levantada mientras que la izquierda
sostiene la de su esposa.

19. Ella posee una expresión de timidez, va
ataviada con un vestido verde que es el
color de la fertilidad y un velo blanco, se
puede apreciar que se encuentra en estado
de buena esperanza por su abultado
vientre.

20. Ambos personajes están en primer
plano. Podemos observar que en la escena
aparece un pequeño perro de color marrón;
él simboliza la fidelidad del matrimonio. En
la lámpara que cuelga del techo, una de las
velas está encendida, lo que simboliza la
llama del amor.

21. A la izquierda del espejo, encontramos
varios rosarios colgados, simboliza la
oración del matrimonio. El espejo que se
encuentra en la zona central, está
compuesto por un marco que muestra 10
de las 14 escenas del Vía crucis y refleja la
escena del matrimonio; pero si nos
detenemos podemos apreciar que en el
reflejo aparece otra persona más vestida
de azul, posiblemente sea el autor de la
obra.

22. En
la
ventana
podemos apreciar que
aparecen
algunas
frutas,
más
concretamente
naranjas. En ésta
época las naranjas
simbolizaban
la
riqueza.

23. La cama representa el lugar de
nacer y de morir, además los colores
rojizos que la componen simbolizan
la fertilidad. Los zuecos nos acercan
también a conocer más de la obra;
los zuecos del marido son los
blancos, que están cerca del exterior
lo que simboliza que él es el que sale
al mundo exterior, mientras que los
de ella, de color rojo, están cerca de
la cama simbolizando que ella se
encarga del hogar; ambos aparecen
descalzos porque pisar el suelo
descalzos simbolizaba la fertilidad.

24. Podemos
concluir que la obra
está
llena
de
pequeños
detalles
que nos acercan a
esa época. La obra
goza de luz que
proviene
de
la
ventana situada en
el lateral izquierdo.

25. En torno a esta
obra
giran
varias
anécdotas.
Por
ejemplo, una de ella
era que el marido
obligó al pintor a
realizar la obra con el
tema de la fertilidad, él
quería
que
cada
objeto que apareciera
en ella simbolizara la
fertilidad, para que
todos dieran cuentan
de que él era un
hombre fuerte y fértil.
Por eso cada objeto y
cada color rememoran

26. 4. GIOCONDA.
Realizada por Leonardo Da Vinci en el
siglo XVI. Perteneciente
al estilo renacentista.
He elegido esta pintura
porque me parece una
de las mejores obras
del renacimiento. Es
una obra sin excentricidades pero con
suma elegancia, por su expresión de
timidez hace captar la atención de todos.

27. Este óleo propio del renacimiento del
cincuecentto muestra a una dama sentada
en un sillón con el brazo izquierdo sobre el
antebrazo del sillón y la mano derecha
descansa sobre la mano izquierda. Las
dimensiones de la pintura son 77 cm x 53
cm. El retrato de la mujer podemos apreciar
que carece de pestañas y cejas, labios
finos, manos grandes, cabello oscuro, largo
que se posa sobre sus hombros y sonrisa
enigmática.

28. Su mirada está dirigida hacia el lado
izquierdo. Su rostro posee principalmente
dos importantes rasgos: la comisura de la
boca y las puntas de sus ojos. Aparece
sentada en una galería, ya que en el lateral
izquierdo podemos apreciar el borde de
una columna. Esta mujer es la esposa de
Francesco de Giocondo

29. La técnica utilizada por el autor es el
sfumato, que consiste en difuminar los
contornos para crear un difuminado y dar
una sensación tridimensional, podemos
apreciar esta técnica en sus ojos y manos,
dando así sensación de volumen. Las
tonalidades usadas son ocres para las
sombras y colores amarillentos para la piel
de la dama; para el paisaje utiliza
tonalidades oscuras en las que predominan
los azules y marrones.

30. El paisaje que rodea este retrato es
salvaje y agreste, con diversidad de rocas y
un puente con tres arcos, posee una
atmósfera húmeda, todo en tonalidades
azules y verdosas.

31. Son varias las
incógnitas que rodean
a esa pintura. Una de
ellas es la sonrisa, Da
Vinci decía que si
mirabas a la dama
directamente,
su
sonrisa desaparecería
y si mirabas a otras
partes de su cuerpo
volvería a aparecer.
También se habla
sobre
un
posible
embarazo y de ahí la
postura de sus brazos
para
disimular
el
estado.

32. 5. INMACULADA DE SOULT.
Realizada
por
Bartolomé Esteban
Murillo en el siglo
XVII. Pertenece al
estilo barroco. He
elegido esta obra
barroca porque me
parece que posee
una
elegancia
suprema y una
sencillez que la
hacen inigualable.

33. Este óleo sobre lienzo data del año
1678 tiene como tema la religión. La pintura
podemos observar que representa a la
Virgen en el centro rodeada de pequeños
ángeles. La dimensión del cuadro es 274
cm x 190 cm.

34. La
Virgen
podemos
apreciar que es morena,
bella y con rostro joven y
dulce; va vestida con una
túnica blanca y un manto
azul; en posición vertical, se
posa sobre una media luna y
unas nubes esponjosas que
dan la sensación de que está
flotando y parece estar
ascendiendo al cielo; sus
manos están juntas a la
altura del pecho en actitud de
plegaria y la cabeza se
encuentra
levemente
ladeada con la vista hacia el

35. El canon de la Virgen es muy estilizado.
La técnica de luz utilizada es iluminista. El
fondo de la pintura es dorado, con luz
alrededor de la Virgen pero existe un
contraste de luces y sombras. El colorido
es vivo, lleno de matices, tonos cálidos
frente a tonos fríos. Las pinceladas son
sueltas y fluidas. La composición helicoidal
goza de movimiento, con muchas líneas
curvas y diagonales.

36. En general, esta obra posee muchas de
las características del barroco, como son:
colores variados, contrastes de luces y
sombras, falta de claridad, composición
movida y con abundancia de líneas curvas.

37. En esta obra encontramos una
anécdota significativa. La obra fue
encargada por Justino de Neve para el
Hospital de los Venerables de Sevilla a
Murillo pero durante la
Guerra de la
Independencia, fue robada y trasladada a
Francia por el mariscal Soult. Por eso se le
conoce como la Inmaculada de los
Venerables o de Soult.

38. 6. APOLO Y DAFNE.
Perteneciente al estilo
barroco, esta escultura es
del siglo XVII. Su autor es
Gian Lorenzo Bernini. He
elegido esta obra porque
me parece que las figuras
gozan de una expresividad
muy atrayente. Me gusta la
manera de plasmar el
proceso
que
están
atravesando las figuras.

39. Esta escultura data de entre los años
1622 y 1625. Este conjunto escultórico
realizado en mármol, está compuesto por
otros tres conjuntos.
Esta obra está
compuesta por dos figuras una femenina y
una masculina, formadas por diferentes
bloques.
Representan un momento de
tensión, con mucho movimiento porque el
momento
representado
es
una
transformación.

40. La figura masculina es
Apolo,
posee
unas
proporciones clásicas y
sus facciones transmiten
fuerza,
ya
que
se
encuentra luchando por
detener la transformación,
su rostro expresa tensión
y asombro por lo que está
sucediendo; se encuentra
apoyado en su pierna
derecha,
su
brazo
izquierdo y su pierna
izquierda se encuentran
extendidos.

41. La joven es Dafne, que se encuentra en
plena transformación a un árbol. Ella tiene
los brazos levantados
hacia el cielo,
el tronco posee
mucho movimiento
en forma ascendente
y su rostro transmite
horror por la inminente transformación, ella
se encuentra mirando hacia atrás por
encima de sus hombros.

42. Podemos
observar que del
pelo y de los dedos
empiezan a crecer
ramas y de sus pies
nacen las primeras
raíces. La obra está
realizada en planorelieve, la superficie
está muy pulida,
para transmitir así
más sensación de
movimiento.

43. Como anécdota de esta
escultura encontramos el tema
de la transformación. Se
produce por un mito, que
cuenta como Apolo quiso
competir con Eros lanzando
flechas. Eros enfadado lanzó
una flecha de oro para causar
el amor inmediato y otra
flecha, pero ésta vez de plomo,
fue
lanzada a Dafne para
causarle que no se enamorase
nunca de nadie. Por lo que
ambos
al
encontrarse,
sintieron
sentimientos
contrarios. Esto llevó al padre
de Dafne a convertirla en

44. FIN