Los 40 principles

R E A L I ZADO P O R : I S A BEL M ª C O N T R ERA S P É R EZ
1 º D E E D UCA CI ÓN P R I MA RI A
T U R NO 5
LOS 40 PRINCIPLES

TIZIANO VECELLIO O VECELLI
Conocido tradicionalmente como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, 1477 - Venecia,
27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores
exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas” ,Tiziano es uno de los más
versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de
los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa.
Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente
de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y
diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen
problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan
salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y
luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin
precedentes en la Historia del Arte occidental.
ESTILO: Su estilo era Renacimiento- Cinquecento (Venecia)

OBRA RELIGIOSA
 Esta obra pertenece a la 2ª mitad del
Siglo XVI (1559).
 La técnica utilizada es óleo sobre lienzo.
 Sus dimensiones son 137 × 175 cm.
 Se encuentra actualmente en el Museo Del
Prado (Madrid).
 Esta obra nos transmite tristeza y
preocupación por la muerte de Cristo ya
que se encuentra muerto sobre el sepulcro.
 La esquina derecha del sepulcro nos
introduce violentamente en la escena,
agitada por el cuerpo ladeado de Cristo y
por los movimientos trágicos de los
protagonistas.
 En esta obra el elemento principal a
destacar es el cuerpo desnudo de Cristo.
 Podemos observar como ha desaparecido el
paisaje y los colores se han vuelto más
agrios.
SANTO ENTIERRO

OBRA MITOLÓGICA
 Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo
XVI(1553).
 Se encuentra actualmente en el Museo del Prado,
Madrid
 Lo mas sugestivo de esta obra es la poca vestimenta de
Adonis y la desnudez de Venus. El color del cielo, ese
azul tan brilloso y la opacidad de las nubes nos dan un
vuelco al corazón. La textura de los árboles se ve tan
verdadera, pareciera que al tocar la pintura se podría
sujetar el follaje en nuestras manos. Los perros me
cautivan por verse tan obedientes, no pierden la
postura aunque su amo les caiga encima.
 Una de las cualidades formales más importantes es la
variedad, hay muchos elementos en un mismo plano. A
mi parecer en primer plano se ve todo un poco
amontonado y en la parte posterior queda espacio libre.
 Adonis esta a punto de marcharse, los perros esperan
su señal para seguir adelante y Venus esta un poco
extasiada porque su amado se marcha.
 Adonis se ve intranquilo, parece estar haciendo fuerza
pero no la suficiente para soltarse de su amada. Al ver
las armas sabemos que Adonis iba a cazar.
 Esta obra nos expresa tristeza, melancolía y abandono.
VENUS Y ADONIS

RETRATO
XVI (1551).
 Se encuentra actualmente en el Museo del
Prado (Madrid).
 En esta obra destaca la figura del
retratado en posición de tres cuartos, con
una mano apoyada y la otra en actitud
solemne portadora de algún instrumento
alusivo a su poder, en este caso, una
espada.
 Abundan en el cuadro símbolos de la
majestad real, como la columna, la mesa
cubierta de un manto de terciopelo rojo, y
sobre todo la soberbia armadura de parada.
 La luz procedente de la izquierda ilumina el
rostro del joven príncipe y resbala por la
armadura, provocando excelentes reflejos
metálicos. El fondo neutro sobre el que se
recorta la figura hace que adquiera mayor
fuerza.
FELIPE II

PAOLO CALIARI
Paolo Caliari o Paolo Cagliari, conocido como el Veronés, fue un pintor italiano, figura
central del manierismo veneciano.
Hijo de un picapedrero, nació en Verona, donde se formó como pintor y ciudad de la que
toma su apelativo. En 1556 se estableció definitivamente en Venecia, donde desarrolló
su arte, siendo una de las figuras destacadas de la escuela veneciana. Desde 1541 fue
discípulo y ayudante del veronés Antonio Badile, con cuya hija Elena contrajo
matrimonio.
En 1555 o 1556 recibe en Venecia su primer encargo representativo: la decoración de
la sacristía y los techos de la iglesia de San Sebastián.
En 1560 viaja a Roma para estudiar los techos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel,
cuya influencia se deja notar en las obras posteriores, como los frescos de la Villa
Barbaro, en Máser. Esta colaboración entre Veronés y Palladio influyó en las
arquitecturas que se representan en sus cuadros posteriores.
A principios de los años 1570, la familia Cuccina le encargó una serie de cuadros de
gran formato sobre tema bíblico: La Virgen y la familia Cuccina, Adoración de los
Reyes, Las bodas de Caná y Camino del Calvario, en los que Veronés representa un
estilo renovado, profundizando en el color e incrementándose el claroscuro.
En 1573 fue llevado ante el tribunal de la Inquisición, al entenderse que pintaba los
temas religiosos con una excesiva libertad que rozaba la irreverencia. Veronés
argumentó que añadía personajes, animales y otros elementos por exigencias creativas.
ESTILO: Su estilo se caracterizaba por el lujo, la arquitectura clásica que enmarca
sus escenas y el rico aunque suave colorido.

PAOLO CALIARI “EL VERONÉS”

PRIMERA OBRA
XVI (1562).
 Se encuentra actualmente en el Museo de
Louvre (París).
 El cuadro tiene dos partes: la inferior, en la
que se amontonan hasta 130 figuras, y la
superior, dominada por la arquitectura en la que
personajes populares se representan en
arriesgados escorzos.
 En el centro del cuadro está Jesucristo,
sentado, con un halo alrededor de la cabeza; a
su derecha, la Virgen María con un halo más
débil; y junto a ambos, alguno de los Apóstoles.
 En el centro del patio se sientan un grupo de
músicos tocando instrumentos.
 Hay que destacar que aunque muchos personajes
en la pintura sostienen vasos de vino, ninguno
parece estar ebrio.
 Este eje vertical es sumamente simbólico, por
que detrás de Cristo está el cordero
sacrificado, debajo de él, los músicos y justo
en frente de los músicos hay un reloj de arena.
 El centro de la pintura está dominado por un
cielo azul, abierto, en el que se ve una airosa
torre.
LAS BODAS DE CANÁ

SEGUNDA OBRA
XVI (1583).
 Su técnica utilizada es óleo sobre lienzo.
 Sus dimensiones son 122 x 105 cm.
Prado.
 La santa aparece en primer plano, elevando
su mirada hacia Dios, en un maravilloso gesto
de ternura y arrepentimiento por su anterior
vida de lujo y prostitución.
 Viste un elegante traje carmesí, cubriéndose
el amplio escote con sus manos y sus largos
cabellos, postura muy del gusto de la época.
A su alrededor encontramos una calavera, un
libro y un crucifijo, elementos que aluden a
su vida de contemplación en el desierto, como
una eremita más.
 La luz divina ilumina su bello rostro,
provocando un ligero claroscuro.
 La pincelada empleada por el maestro es
bastante suelta, apreciándose la rapidez de
la factura en algunas zonas del vestido o del
cabello.
MAGDALENA PENITENTE

TERCERA OBRA
 Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVI
(1548).
 Se encuentra actualmente en el Museo del Prado
(Madrid).
 Esta obra presenta un importante número de
personajes, ataviados de manera lujosa, en el
interior de un templo de estructura típicamente
palladiana.
 Cristo joven protagoniza la escena, reforzando su
oratoria con el gesto de las manos, mientras los
doctores , en diferentes posturas, escuchan con
atención o charlan entre ellos.
 La luz está perfectamente estudiada, creando
espacios en contraste y obteniendo un efecto
atmosférico muy característico.
 El color es muy variado, debido al gran interés del
maestro por mostrarnos los trajes de la alta
sociedad veneciana.
CRISTO ENTRE LOS DOCTORES

LEONARDO DA VINCI
 Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio
polifacético, representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci,
Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un
abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina.
 Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero
gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde
permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o
Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes
plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los
edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto
sólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales.
 Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como
un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros
conservados, entre los cuales destacan La Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La
Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los
Magos, el Retrato de Ginebra Benzi… Son composiciones muy estudiadas, basadas en la
perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color
contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del
sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del
Quattrocento y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina
característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte pictórico como
«imitación de la naturaleza» en un Tratado de pintura que sólo sería publicado en el
siglo XVII.
 ESTILO: Renacimiento italiano, Cinquecento

PRIMERA OBRA
XV(1483-1486).
 Su técnica utilizada es óleo sobre tabla.
Louvre, París.
 Las figuras están en escena e
interrelacionadas hacia el centro, expresadas
en coordenadas geométricas piramidales.
 El cuadro parece más una visión poética que
una realidad, ya que expresa las figuras
emergiendo de la penumbra de una gruta,
solitaria y rocosa, en una atmósfera de
humedad, generada por un estanque, que vela
delicadamente sus formas (sfumato) con una
especie de neblina.
 Contrasta el uso de colores fríos (azul, verde)
y cálidos (naranja, marrones) que dan vitalidad
a las personas y acercan los objetos. Utiliza
la técnica del claroscuro en la que la luz es
creadora de sombras.
LA VIRGEN DE LA ROCA

SEGUNDA OBRA
Siglo XV(1495-1498).
 Su técnica utilizada es Témpera sobre
yeso.
 Se encuentra actualmente en la Iglesia
de Santa María de las Gracias, Milán.
 Recoge el momento en que Jesús
comunica a sus discípulos que alguno de
ellos le va a entregar o traicionar. Hay
en los apóstoles vibración y tensión
psicológica.
 Hay un gran predominio de líneas
horizontales y verticales, como por
ejemplo las ventanas, las puertas, el
techo o la mesa.
 La túnica de Cristo es roja y el manto
azul . La ropa de los apóstoles son de
colores cálidos y fríos. Los colores van
aumentando hacia los extremos desde los
tonos limpios en la vestidura de Cristo
hasta las sutiles mezclas que en las dos
zonas opuestas alcanzan su saturación.
LA ÚLTIMA CENA

TERCERA OBRA
XVI(1503).
 Su técnica utilizada es Óleo sobre tabla.
Louvre, París.
 La obra consigue un difuminado de los
contornos de la figura , jugando con luces y
sombras que dotan al personaje de relieve y
de misterio.
 La figura de la modelo adquiere una humana
vitalidad, con una inefable expresión en el
rostro, que parece observarnos y meditar.
Las manos parecen dotadas de movimiento.
 El paisaje se pierde en la lejanía,
diluyéndose en la nada, como sucede en la
observación de la realidad.
 Sus colores están sumidos en un claroscuro
ambiental.
LA GIOCONDA

RAFAEL SANZIO
 Rafael Sanzio , fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó
importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en
el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
 Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la
decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de
Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de
sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel
Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
 Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue
un artista muy productivo, dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y a
pesar de su muerte prematura, gran parte de su obra aún se conserva. La mayor parte de
su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, donde decoró con frescos las habitaciones
conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, quedando sin
terminar a causa de su muerte.
 Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por
Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en
Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente
su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.
 ESTILO: Renacimiento Italiano: Cinquecento.

PRIMERA OBRA
XVI(1509).
 Su técnica utilizada es el Fresco.
 Sus dimensiones son 7.70 x 5 m.
 Se encuentra actualmente en Stanza della
Segnatura, Vaticano.
 Toda la composición del fresco converge en
el centro por donde pasean Platón y
Aristóteles discutiendo acerca de filosofía.
 Rafael llenó el cuadro de los famosos
filósofos griegos (y algunos no griegos) de
todas las épocas.
 Unos gruesos muros reciben la enorme
bóveda que enmarca las figuras de filósofos
y sabios de la Grecia clásica.
 La composición es simétrica, con un gran
eje axial que, pasando entre Platón y
Aristóteles, divide en dos partes el cuadro.
 En cuanto al color, se intenta compensar los
fríos con los cálidos en un nuevo intento de
crear armonía.LA ESCUELA DE ATENAS

SEGUNDA OBRA
XVI (1513-1514).
 Su técnica utilizada es el fresco.
 Su base es de 660 cm.
 Se encuentra actualmente en el Museo
Vaticano, Roma.
 En el centro de la composición encontramos la
cárcel donde estaba preso san Pedro,
destacando el enrejado que permite ver al santo
y a los soldados dormidos junto al fulgurante
ángel que liberará al apóstol. En la zona de la
derecha se presenta la continuación de la
historia al mostrarnos a san Pedro junto al
ángel descendiendo por las escaleras de la
prisión mientras que en la zona contraría
observamos a los soldados despertándose
sobresaltados ante la fuga.
 La iluminación se convierte en la protagonista
absoluta de este trabajo, creando reflejos en
las armaduras de gran belleza. El ángel aparece
rodeado de un aura luminosa en las dos escenas
que está presente mientras que los soldados de
la zona izquierda cuentan con tres focos de luz:
la luna plateada, el sol que empieza a despuntar
y una antorcha.
LIBERACIÓN DE SAN PEDRO

TERCERA OBRA
XVI (1505).
 Su técnica utilizada es óleo sobre tabla.
Pinacoteca Tosio Martinengo de Brescia.
 Cristo nos presenta sus heridas, mostrando
en su rostro la dignidad y serenidad del Hijo
de Dios.
 La figura se ubica en primer plano, alzando
su mano derecha para bendecir, creando un
juego de escorzos en los que destacan las
líneas sinuosas que se refuerzan con el
paisaje.
 Un potente foco de luz ilumina su anatomía
amplia y escultórica jugando con el
claroscuro leonardesco y creando una
magnífica sensación atmosférica.
 Cristo nos inspira ternura, bondad,
humanismo.
CRISTO BENDICIENDO

REMBRANDT
 Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. Fue el noveno hijo del matrimonio de
Harmen Gerritszoon van Rijn y Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck. De familia
acomodada, su padre era molinero y su madre la hija de un banquero.
 En 1627, Rembrandt empezó a impartir clases de pintura, y entre sus numerosos
alumnos destacó Gerrit Dou.
 En 1629 Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens ,padre del
célebre matemático y físico Christiaan Huygens, quien le facilitaría importantes encargos
de la corte de La Haya.
 A finales de 1631, Rembrandt se mudó a Ámsterdam.
 En 1634 contrajo matrimonio con su prima Saskia.
 Durante la enfermedad de Saskia contrataron a Geertje Dircx como niñera de Titus, y
probablemente pasó a ser también la amante de Rembrandt.
 El nacimiento en 1654 de su hija Cornelia motivó el envío de una carta acusatoria de
parte de su iglesia reformada.
 En 1661, la agencia artística recibió el encargo de realizar una pintura para el recién
construido ayuntamiento, pero sólo después de que Govert Flinck, el artista que había
recibido inicialmente el encargo falleciese sin haber dado una sola pincelada.
 Su hijo Titus, murió el 7 de septiembre de 1668, dejándole una nieta. Rembrandt murió
un año más tarde que su hijo, el 4 de octubre de 1669.
 ESTILO: Barroco Centroeuropeo.

PRIMERA OBRA
XVII (1665-1669).
 Sus dimensiones son 2.65 x 2,04 m.
Ermitage, San Petersburgo.
 Rembrandt muestra al hijo, arrodillado,
descalzo de un pie, rapado de cabeza, vestido
andrajoso.
 A su encuentro sale el padre, una figura
amorosa, que se inclina colocando las manos
sobre las espaldas del hijo como abarcándolo
todo, en un claro gesto de acogimiento y
perdón; esa inclinación de la cabeza del anciano
padre resulta cargada de significado.
 Son dos figuras que sobresalen en todos los
niveles: ante el estatismo de los dos rostros,
uno sedente y el otro de pie, que observan la
acción casi saliendo de la oscuridad, y, sobre
todo, destacan por el color.
 El fondo oscuro, de tonalidades marrones, se
impone tanto el manto rojo del padre como los
vestidos harapientos de tonos ocres y canelos
del hijo.
EL REGRESO DEL HIJO PRÓDIGO

SEGUNDA OBRA
XVII (1632).
 Sus dimensiones son 1.69 x 2,17 m.
Mauritshuis.
 Vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo
de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha,
mostrando a sus alumnos la disección de un
brazo, los tendones y los músculos.
 El cuerpo del muerto en el que se realizan las
prácticas es el de un conocido criminal
ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos
del doctor que escuchan atentamente la lección,
destacando el realismo de las figuras a través de
sus expresiones: sorpresa, entusiasmo,
atención...
 Las miradas de cada una de las figuras hablan
por sí solas y hacen que el espectador se sienta
protagonista también de la escena y se integre
en la lección.
 Hay que destacar la austeridad cromática de los
trajes de aquella época, animada por los cuellos
y puños blancos.
LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL
DOCTOR TULP

TERCERA OBRA
XVII (1654 ).
Louvre, París.
 La expresión del bello rostro indica
preocupación como también se transmite en la
efigie de la criada que seca los pies de su
señora.
 La luz resbala por el cuerpo desnudo de
Bethsabé, destacando su protagonismo en la
composición al quedar el resto del escenario en
penumbra.
 Sólo se nos indica la zona más cercana a la
mujer por lo que sí observamos la colcha
dorada que se encuentra tras ella así como la
sábana de la derecha, ejecutada con una
pincelada larga que contrasta con la empleada
en el cuerpo de la dama.
 La criada aparece en semipenumbra,
demostrando el maestro su facilidad para
representar personas de edad avanzada.
BETHSABÉ CON LA CARTA DEL REY DAVID

SANDRO BOTTICELLI
 Nació en Florencia hacia 1444-1445 en el seno de una familia humilde de artesanos. Es
una de las grandes figuras de Renacimiento por su delicado dibujo y original colorido. Se
inicia en el arte de la orfebrería. A los 17 años entro en el taller de Fra Fillipo Lippi de
quien fue su discípulo, esa instrucción en Prato duro unos 5 años.
 En los 1º años de la década de 1470 realizará escenas de gran belleza como El regreso
de Judith a Betulia, una segunda Epifanía o la Virgen de la Eucaristía.
Posteriormente se iniciará una estrecha relación entre la familia de los Médici y
Botticelli. En Julio de 1481 es llamado por el papa Sixto VI para trabajar en la
decoración de la Capilla Sixtina . En la década de 1480 realizará sus obras más
significativas: La serie de Nostagio degli Onesti, La Madonna del Magnificat o de la
Granada y sus escenas mitológicas -El Nacimiento de Venus y la Primavera- creciendo
así su prestigio, en estos años aumentaran los encargos de las familias más notorias de
Florencia.
En la década de 1490, la influencia del monje benedictino Girolamo Savoranola en la
religiosidad de los florentinos, afecta al propio Botticelli y sus obras sufrirán un cambio
hacia el ascetismo -La piedad, La Coronación de la Virgen o la famosa tabla de La
Calumnia de Apeles.
 Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510 .
Él había desarrollado un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo,
su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Los críticos del arte
hallaron en Botticelli mayor sensibilidad conmoviéndose ante el aspecto desmañado pero
profundo, que muestran las imágenes de sus vírgenes melancólicas. Dedicó casi toda su
vida a trabajar para las grandes familias florentinas especialmente los Médici, para los
que pintó retratos -Retrato de Giuliano de Médici y La adoración de los magos. Integró
el círculo intelectual de la corte de Lorenzo de Médici, y recibió la influencia del
neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía acomodar las ideas cristianas con
las clásicas expresándose en; La Primavera y el Nacimiento de Venus.
 ESTILO : Renacimiento Italiano . Quattrocento


PRIMERA OBRA
 Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XV
(1482-1485).
 Su técnica utilizada es témpera sobre lienzo.
 Sus dimensiones son 1,75 x 2,79 m.
 Se encuentra actualmente en la Galería de los
Uffizi, Florencia.
 Venus aparece en el centro de la composición
sobre una enorme concha; sus largos cabellos
rubios cubren sus partes íntimas mientras que
con su brazo derecho trata de taparse el
pecho.
 La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el
dios del viento, junto a Aura, la diosa de la
brisa, enlazados ambos personajes en un
estrecho abrazo.
 En la zona terrestre encontramos a una de las
Horas, las diosas de las estaciones, en concreto
de la primavera, ya que lleva su manto decorado
con motivos florales.
 Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando
todos y cada uno de los pliegues y los detalles.
 Los colores parecen algo frío.
EL NACIMIENTO DE VENUS

SEGUNDA OBRA
XV (1478).
 Su técnica utilizada es Témpera sobre tabla.
 Se encuentra actualmente en la Galería de
los Uffizi, Florencia.
 En el centro aparece Venus, la diosa del
amor; a la derecha, Céfiro, el viento que
persigue a la ninfa de la Tierra, Cloris, que
al ser tocada por él se trasforma en Flora,
diosa de la vegetación y de las flores;
encima de Venus está Cupido, que dirige sus
flechas a las tres Gracias, en concreto a la
del centro, Castitas, que mira al dios
Mercurio.
 Se aprecia un ambiente melancólico, no se
usa la perspectiva, las líneas marcan ritmos
suaves, de manera que las figuras parecen
flotar, y se observa un gran detallismo; la
composición es equilibrada, con una luz
homogénea y un color delicado.
LA PRIMAVERA

TERCERA OBRA
XV (1489-1490).
 Su técnica utilizada es Témpera sobre
madera.
 Se encuentra actualmente en la Galería de los
Uffizi.
 Las dos figuras se insertan en un espacio
cerrado, destacando el contraste entre
paredes grises y baldosas rojizas. Tras ese
suelo embaldosado contemplamos una puerta
abierta a una balconada que permite observar
un paisaje.
 Tanto el ángel como la Virgen se sitúan en
posturas algo forzadas. Sus manos son el
elemento fundamental de la composición,
acercándose pero manteniéndose quietas a la
vez, colocándolas en el centro de la tabla.
 Los colores son de gran viveza, destacando la
minuciosidad de los detalles y los pliegues de
las telas.
 La llegada del ángel que porta el lirio blanco
simboliza la pureza y virginidad de María.
LA ANUNCIACIÓN

MASACCIO
 Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401,
hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo. El apellido
Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la familia paterna de
Masaccio: eran ebanistas. En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del
matrimonio . La madre volvió a contraer matrimonio con el mercader de especias
Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de
1417.
 Masaccio se trasladó a Florencia tal vez a causa de la muerte de su padrastro. Existen
documentos que demuestran que la madre de Masaccio alquiló una casa en esta ciudad,
en el barrio de San Niccolò Oltrarno, seguramente como vivienda para su hijo, ya que
ella continuó viviendo en casa de su difunto marido. Es posible que el joven artista
comenzara su andadura en Florencia en el taller de Bicci di Lorenzo o en el de algún
otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte de médicos y especieros, lo cual
indica que ejercía ya como pintor autónomo en la ciudad del Arno.
 Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia. Es posible, según da a
entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un viaje a Roma, con motivo del
jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente
este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla
Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426
empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
 En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para
decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el
Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los Santos Jerónimo y Juan
Bautista. Murió en Roma en otoño de 1428, cuando tenía sólo 27 años de edad.
 ESTILO: Renacimiento Italiano.

PRIMERA OBRA
 Esta obra pertenece al Siglo XV (1425-1428).
 La técnica utilizada es fresco.
 Sus dimensiones son 667 × 317 cm .
 Se encuentra actualmente en Santa María
Novella, Florencia.
 Las figuras se inscriben en un triángulo
equilátero que crea una movilidad pero sin
generar angustia o tensiones, subrayando el eje
central en el que se encuentra la Trinidad.
 En la parte inferior aparece una tumba con su
esqueleto, que simboliza la muerte.
 La obra está pintada con tal verosimilitud que
parece un espacio abierto en la pared.
 Su punto de vista ideal se localiza en la parte
superior del altar, de tal modo que permite
mirar el esqueleto desde arriba.
 La policromía aparece en las terracotas y en los
rosas y azules de los casetones de la bóveda; al
unir estos colores con el rosa, el rojo y el azul
oscuro de los vestidos, Masaccio establece un
equilibrio, abstracto en su orden pero enraizado
con las cosas materiales -la ropa, la piedra y la
terracota.
LA TRINIDAD

SEGUNDA OBRA
XV (1426-1428).
 Su técnica utilizada es témpera sobre madera.
 Se encuentra actualmente en el Museo de la
Galería de los Uffizi.
 María sostiene al Niño en brazos, haciéndole
cosquillas en la barbilla con su mano derecha a
lo que el pequeño responde con una sonrisa.
 Viste la Virgen un manto de color azul intenso
y una túnica roja, bordados ambos con una
tira dorada decorada con letras cúbicas.
 El Niño está rodeado en sus piernas de una
faja llevando una camisa transparente y un
collar con un coral, amuleto habitual en los
recién nacidos para evitar enfermedades y
obtener suerte.
 Ambas figuras se recortan sobre un fondo
dorado, destacando su monumentalidad y el
naturalismo de sus rostros, especialmente el
gesto de preocupación de María por el destino
de su hijo.
VIRGEN CON NIÑO

TERCERA OBRA
 Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XV
(1424-1428).
 Su técnica utilizada es el Fresco.
 Se encuentra actualmente en la Iglesia del
Carmine de Florencia.
 En el centro contemplamos al recaudador
solicitando el tributo a Cristo y éste indicando a
Pedro que en el agua encontrará el dinero; en el
fondo, a la izquierda, observamos a san Pedro
sacando una moneda de la boca de un pez; y en
la derecha el pago del tributo ante una
construcción.
 Las figuras del grupo principal se sitúan en un
paisaje, formando casi un círculo y vestidas a la
manera griega.
 la expresividad de los rostros aportan una
tremenda sensación de realismo.
 La luz inunda la composición, resaltando los
colores empleados y el efecto volumétrico de los
personajes.EL TRIBUTO

TINTORETTO
 Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin , nació en Venecia el 29 de septiembre de
1518 y falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.
 Fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran
pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo
Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una
manera bastante robusta. Su verdadero apellido, 'Comin' ha sido descubierto
recientemente por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del
Prado, Madrid, y se ha hecho público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en el Prado
(2007).
 Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su
dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor
del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de
Jesús y la Virgen María en la escuela de San Rocco.
 ESTILO: Renacimiento Italiano.

PRIMERA OBRA
Siglo XVI (1594).
 Se encuentra actualmente en San Giorgio
Maggiore, Venecia.
 Cristo, colocado en el centro de la mesa,
está representado con una aureola.
 Una sinfonía de luz proveniente de una
lámpara invade la escena . Ésta se
desarrolla en presencia de los apóstoles ,
a los que unen objetos varios
principalmente recipientes llenos de
comida y bebida.
 A ella también asisten personajes de la
corte celestial.
 Tintoretto celebra aquí la institución de la
Eucaristía, la participación del pan y del
vino y minimiza la traición de Judas.
LA ÚLTIMA CENA

SEGUNDA OBRA
XVI (1570-1580).
Gemäldegalerie de Dresde.
 En esta obra, la dama dirige la mirada
hacia un lateral, apoyando en este caso su
brazo izquierdo en un pedestal.
 Su vestido negro se confunden con el fondo
neutro sobre el que se recorta la figura,
centrando su atención en el rostro,
iluminado por un potente foco de luz que
resalta la belleza de la dama.
 Las transparencias de su escote enmarcan
la cabeza togada, a la moda de la época.
 Las manos son el otro elemento de la
composición que destaca el artista, creando
un efecto atmosférico.
DAMA DE LUTO

TERCERA OBRA
 Esta obra pertenece a la 2ª mitad del Siglo XVI
(1577).
 Se encuentra actualmente en el Museo Scuola
Grande di San Rocco de Venecia.
 La figura de Moisés se emplea como premonición de
Cristo; el agua que mana de la roca simboliza la
sangre que brotará del costado de Jesús tras la
Crucifixión.
 Junto al profeta está Dios Padre, sobre una nube
tormentosa. En la zona baja de la composición se
hallan los israelitas que esperan el agua milagrosa
para aliviar su sed durante la travesía del
desierto, destacando la madre que sostiene a su
hijo en el regazo.
 Las figuras están muy escorzadas, interesándose
por las torsiones contempladas desde abajo para
crear una sensación de mayor dinamismo.
 La verdadera protagonista de la escena es la luz,
que crea un soberbio ritmo a través de los
claroscuros para organizar un movimiento rotatorio
de resultado espectacular.MOISÉS HACE MANAR AGUA
DE LA ROCA

EL GRECO
 Doménikos Theotokópoulos nació en 1541 en Candía en la isla de Creta. Su padre,
Geórgios Theotokópoulos, era comerciante y recaudador de impuestos y su hermano
mayor, Manoússos Theotokópoulos, también era comerciante.
 Doménikos estudió pintura en su isla natal, convirtiéndose en pintor de iconos en el estilo
posbizantino vigente en Creta en aquellos tiempos. A los veintidós años, era descrito en
un documento como "maestro Domenigo", lo que significa que ya desempeñaba
oficialmente la profesión de pintor.En junio de 1566, firmó como testigo en un contrato
con el nombre Maestro Menégos Theotokópoulos, pintor .
 En diciembre de 1566, el Greco pidió permiso a las autoridades venecianas para vender
una «tabla de la Pasión de Cristo ejecutada sobre fondo de oro» en una subasta.
 Se trasladó a Venecia alrededor de 1567. Como ciudadano veneciano era natural que el
joven artista continuara su formación en esa ciudad.
 Luego, el pintor se encaminó a Roma. El Greco fue expulsado del Palacio Farnesio por el
mayordomo del cardenal.
 En 1578 nació su único hijo, Jorge Manuel. La madre era Jerónima de las Cuevas, con la
que no se llegó a casar.
 El 7 de abril de 1614 falleció con 73 años, siendo enterrado en Santo Domingo el
Antiguo.
 ESTILO : Manierismo

PRIMERA OBRA
Siglo XVI (1570).
 En esta obra destaca la calidad de las
telas y los adornos de la dama,
recortada su figura sobre un fondo
neutro muy oscuro.
 Su bello rostro parece mostrar cierta
frialdad y distancia con el espectador.
 Especial atención merece el conjunto
formado por los ojos, el mentón y la
frente, donde el Greco nos presenta una
retratística nueva no preocupada por el
carácter o estado de ánimo, sino por la
espiritualidad íntima y escondida del
personaje.
LA DAMA DEL ARMIÑO

SEGUNDA OBRA
XVI (1586-1587).
 Su técnica utilizada es Óleo sobre tela.
 Se encuentra actualmente en la Iglesia de
santo Tomé (Toledo).
 Es una obra donde El Greco consigue uma
profunda visión y fusión entre el mundo real y
sus prolongaciones en el más allá .El Greco
pinta aquí lo humano y lo divino.
 En la parte baja, nos presenta el entierro.
 Las figuras están agrupadas por orden
jerárquico, representando a los grupos del
clero más importante de la ciudad.
 La cabeza de Orgaz forma el centro óptico
de la obra.
 La ausencia de espacio , la iluminación
indeterminada y el colorido frío subrayan la
intemporalidad del milagro.
EL ENTIERRO DEL CONDE
ORGAZ

TERCERA OBRA
Siglo XVI (1580).
del Prado, Madrid.
 Es un retrato de busto, con las ropas de
terciopelo oscuro. Adornado tan sólo por
una cadena fina con una medalla, con el
puño y la gola almidonada de encaje.
 La elegancia y sutileza de El Greco se
aprecia en el rico pomo de la espada
española que presenta en primer
término, así como el gesto de la mano
sobre el pecho, con los dedos sobre el
corazón.
 La expresión del caballero es grave y
melancólica.
EL CABALLERO DE LA MANO EN
EL PECHO

FRANCISCO DE GOYA
 Nació en 1746 en el seno de una familia de mediana posición social de Zaragoza.
 Su padre era un artesano de cierto prestigio, maestro dorador, cuyas relaciones laborales
sin duda contribuyeron a la formación artística de Francisco.
 Cuando Francisco tenía poco más de diez años, la familia atravesó dificultades económicas
que pudieron obligar al jovencísimo Goya a ayudar con su trabajo a superar la crisis.
 Goya parte hacia Roma, Venecia, Bolonia y otras ciudades italianas, donde consta su
aprendizaje de la obra de Guido Reni, Rubens, El Veronés o Rafael, entre otros grandes
pintores.
 En 1771, Goya vuelve a España, urgido por la enfermedad de su padre o por haber recibido
el encargo de la Junta de Fábrica del Pilar de realizar una pintura mural para la bóveda del
coreto de la capilla de la Virgen.
 Goya se había casado con la hermana de Francisco Bayeu el 25 de julio de 1773 y tuvo el
primer hijo el 29 de agosto de 1774.
 En 1828 muere Goya en Burdeos.
 ESTILO : Rococó y Neoclásico.

PRIMERA OBRA
XVIII (1777).
Prado, Madrid.
 Los personajes conforman una composición
triangular y disfrutan de un leve movimiento.
 En esta obra se centra la atención en la sonrisa
de la muchacha y en su gesto seductor, mirando
abiertamente al espectador para hacernos
partícipes del galanteo; tras ella, un joven le
quita el sol con una sombrilla de color verde, en
el mandil blanco de la joven se acurruca un
perrillo negro con una cinta roja.
 La sombrilla es la que sirve para sombrear
diferentes zonas, haciendo la luz solar que se
resalten los colores en los que incide.
 Los tonos cálidos empleados (amarillos) otorgan
una enorme alegría a la composición, alegría
reforzada por las expresiones de las dos
figuras. La pincelada utilizada es bastante
disuelta, como se aprecia en el perrillo.
EL QUITASOL

SEGUNDA OBRA
XIX (1800).
Prado.
 Este cuadro constituye un remanso de paz y un
oasis de dulzura, y que parece alojado en un
más allá poético y melancólico.
 Lleva en el pelo un tocado con espigas de trigo
verde, alusión a la fecundidad.
 El vestido tiene un escote casi cuadrado,
blanco, con adornos azules.
 La condesa se presenta embarazada. La luz
ilumina plenamente la delicada figura,
resbalando sobre el traje de tonos claros,
creando un especial efecto atmosférico.
 A su alrededor no hay elementos que aludan a
la estancia, reforzándose la idea de soledad
que expresa el bello rostro de la joven.
 El fondo es neutro.
LA CONDESA DE
CHINCHÓN

TERCERA OBRA
XIX (1814).
Prado, Madrid.
 Entre los héroes, uno grita, otros rezan,
otros se tapan los ojos, otros se muerden los
puños, debido a la impotencia.
 Los muertos yacen. Mientras, al fondo, la
ciudad duerme.
 Destaca principalmente el patriota de camisa
blanca y calzón amarillo.
 Goya utiliza en este cuadro una paleta
principalmente oscura, donde predomina el
negro, color de la muerte por excelencia, con
importantes mezclas de colores relacionados
con la gama del verde. La otra gran familia
cromática la forman los ocres y marrones.
EL FUSILAMIENTO DEL 3 DE
MAYO

VELÁZQUEZ
 Nació en Sevilla y fue bautizado el 6 de junio de 1599 en la Iglesia de San Pedro. Fue el
mayor de siete hermanos. Su padre era João Rodrigues da Silva, de origen portugués.
 Su talento afloró a edad muy temprana. Recién cumplidos los diez años comenzó su
formación en el taller de Francisco de Herrera el Viejo. Herrera tenía muy mal carácter y
el joven alumno no pudo soportarlo, así que unos meses después, cambió de maestro y
formalizó contrato de aprendizaje con Francisco Pacheco con el que permaneció seis años.
 Terminado el periodo de aprendizaje, en 1617, aprobó el examen ante el gremio de
pintores de Sevilla. Recibió licencia para ejercer como maestro de imaginería y al óleo
pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices.
No se sabe si abrió taller. Antes de cumplir los 20 años, en abril de 1618, se casó con la
hija de Pacheco y luego nacieron en esta ciudad las dos hijas del pintor.
 Desde 1648-51 hace su segundo viaje a Italia . Pinta el Retrato del Papa Inocencio X.
 En 1660 muere en Madrid.
 ESTILO : Barroco Español.

PRIMERA OBRA
 Esta obra pertenece a la 1ª mitad del Siglo XVII
(1634-1635).
 Se encuentra actualmente en el Museo del Prado,
Madrid.
 El príncipe aparenta en este retrato unos 5 ó 6
años. Está erguido sobre su silla, en una actitud
de nobleza .Viste banda y bastón de mando de
general, acentuando los símbolos de autoridad con
el caballo encabritado.
 El niño mira hacia el espectador de manera
penetrante. La composición se organiza con una
diagonal típica del Barroco que sale del interior
del cuadro hacia fuera.
 Es también digno de mención el paisaje de la
sierra de Guadarrama, que parece tomado
directamente del natural, obteniendo una fría luz
invernal.
 Se puede observar la amplitud del vientre y pecho
del caballo, esto era pensado para ser visto desde
abajo.
 El tono de la cara es pálido, el cabello es de un
rubio que contrasta con el negro mate del
chambergo.EL PRÍNCIPE BALTASAR
CARLOS

SEGUNDA OBRA
XVII (1656–57).
Prado, Madrid.
 Esta obra es una escena de vida familiar que
se desarrolla en el estudio del pintor, un
espacio que no tiene demasiada luz.
 Velázquez se autorretrata en el cuadro.
 Velázquez realiza un importante tratamiento
de la luz y del espacio, la perspectiva aérea
es utilizada de modo magistral, especialmente
si tenemos en cuenta que el suelo es liso, sin
enlosado, por lo que su geometría no puede
ayudar a desarrollar la perspectiva.
 Dos focos de luz iluminan el cuadro.
 La puerta del fondo , abierta, al igual que el
espejo, representa un juego escénico y un
espacio sin medida.
LAS MENINAS

TERCERA OBRA
XVII (1645).
 Su técnica utilizada es óleo sobre tal.
Prado, Madrid.
 Velázquez retrata aquí a uno de los enanos
bufones de la corte de Felipe IV, lisiado de
nacimiento que era objeto de burla y abuso
por los poderosos.
 Velázquez lo pinta de cuerpo entero, sentado
en tierra, con sus cortas piernas hacia
delante, en una posición nada elegante que
recuerda a una marioneta. Viste un rico
jubón.
 Sebastián de Morra mira directamente al
espectador, inmóvil, sin hacer gestos de
diversión, a modo de denuncia del trato que
la corte daba a estas personas.
 Su expresión es severa y triste, y contrasta
con su profesión, casi queriendo reflejar el
tormento del hombre.
 Está vestido con un sobretodo de color rojo y
unos galones amarillos que destacan sobre el
color verde de sus pantalones y su coleto.
DON SEBASTIÁN DE
MORRA

FRANCISCO DE ZURBARÁN
 Zurbarán nació en la población de Fuente de Cantos (Badajoz). Pintor conocido por sus
cuadros religiosos y escenas de la vida monástica. Su estilo, adscrito a la corriente
tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza
básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez
y la ternura en los detalles, las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, la
monumentalidad en las figuras y el apasionamiento en los rostros.
 Residió en Sevilla durante más de diez años, realizando trabajos para diversos conventos.
En 1629 se instaló en la ciudad durante los siguientes treinta años.
 La década de 1630 fue la más fructífera de su obra, incluso fue llamado a la Corte de
Felipe IV, participando en la decoración del Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro,
con la serie de lienzos sobre los "Trabajos de Hércules". En la siguiente década comenzó su
declive, al cambiar el gusto pictórico en Sevilla.
 Murió en 1664, en Madrid, sumido en una gran pobreza.
 ESTILO: Barroco Español.

PRIMERA OBRA
XVII ( 1655).
Bellas Artes, Sevilla.
 La escena refleja un milagro acontecido a
San Bruno, fundador de los cartujos, y a
los seis primeros monjes de la Orden,
quienes comían gracias a la generosidad de
San Hugo, obispo de Grenoble.
 La maestría de Zurbarán se refleja en los
hábitos blancos propios de los cartujo.
 Sobre la mesa, los objetos ordenados
(platos, jarrones, panes…), constituyen una
auténtica naturaleza muerta.
SAN HUGO EN EL REFECTORIO

SEGUNDA OBRA
Siglo XVII (1640).
Thyssen Bornemisza.
 Zurbarán no pinta toda la escena
completa, sino que se limita a mostrar a
la joven con sus rosas en la falda.
 La riqueza del atuendo es muy superior
así como la gama de colores, con el
vestido rojo adornado en plata y oro que
contrasta alegremente con la estola
violeta.
 Se pueden ver las flores medio
escondidas.
SANTA CASILDA

TERCERA OBRA
XVII (1631).
 Se encuentra actualmente en la Galería
Nacional, en Londres.
 Zurbarán representa a Santa Margarita con
los trazos de una elegante pastora, con un
atuendo muy refinado.
 El bastón que sostiene en la mano, que podría
pasar por un báculo de no estar terminado
por un gancho. El gancho alude a una de las
torturas que padeció, según la leyenda: ser
lacerada con un gancho. La presencia
inquietante de un dragón a la izquierda induce
a pensar que se trata de una tragedia.
 Esta pastora parece salida de una escena
teatral.
 Zurbarán trabajó con gran detalle la
vestimenta, las pintorescas alforjas que
cuelgan del brazo izquierdo, así como el
sombrero de paja y alas curvadas con el que
va tocada.
 El rostro de la Pastora es rígido y frío.
SANTA MARGARITA

VICENT VAN GOGH
 Vincent van Gogh nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. El
mayor de seis hermanos, era hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés,
Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus.
 Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le
enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en
1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años.[5] Aunque no fue
buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció
de ser un gran autodidacta.
 empezó a trabajar como aprendiz en 1869 en Goupil & Co. de La Haya -luego Boussod &
Valadon.
 En el año 1873, le propusieron el traslado a Londres, para el suministro de obras de arte
directamente a los comercios de esta ciudad. En mayo de 1875 fue destinado a París,
donde creció su amor por el arte.
 A fines de marzo de 1876 regresa a Inglaterra, donde permanece dos años. Por aquel
tiempo a van Gogh le aumentó su fanatismo religioso, probablemente como un refugio a sus
fracasos laborales y amorosos.
 El 29 de julio de 1890 muere Van Gogh con 37 años.
 ESTILO: Neo-Impresionismo.

PRIMERA OBRA
Siglo XIX (1889).
Nacional de Baviera (Munich).
 El jarrón se sitúa sobre un espacio ocre,
posiblemente una mesa, delimitado por una
gruesa línea de la pared pintada en tonos
verdoso-azulados. El jarrón también está
delimitado por una línea similar.
 Los girasoles se distribuyen por el espacio
de manera arbitraria, contrastando sus
tonalidades con el fondo. La pincelada
empleada por Van Gogh es muy rápida,
aplicando el color con facetas.
 Los tonos empleados, azules, ocres,
amarillos y verdes, son muy del gusto del
pintor.
DOCE GIRASOLES EN UN JARRÓN

SEGUNDA OBRA
XIX (1888).
Nacional de Van Gogh.
 Van Gogh quiere inspirar tranquilidad y
sosiego en este lienzo en el que solamente se
observa su austero dormitorio. La pequeña
estancia está vista en perspectiva, marcando
las líneas del suelo y de las paredes para
crear el volumen de la habitación.
 Sin embargo, abandona las sombras y la
textura tradicional, creando superficies
planas de clara inspiración oriental.
 Los tonos empleados son los más apreciados
por Vincent; el amarillo y el azul aparecen en
la mayor parte de su producción,
convirtiéndose en sus tonalidades
emblemáticas.
 Añade a estos colores pequeñas pinceladas de
verde y rojo para jugar con los contrastes.
La pincelada suelta a la que recurre el
artista se aprecia claramente en algunas
partes del lienzo, especialmente en la zona
de la izquierda. Pero esa pincelada suelta no
implica que olvide el detallismo de los
objetos.
DORMITORIO DE VAN GOGH

TERCERA OBRA
Siglo XIX (1888).
 Sus dimensiones son 35 x 24,5 cm.
Nacional de Van Gogh.
 Destaca la figura del bebé Marcelle
recortada sobre un fondo verdoso.
 El bebé destaca por sus orondos
mofletes y sus ojos negros, única
tonalidad oscura en el conjunto.
 Viste un trajecito blanco y juega con sus
manitas a la altura del pecho.
 La pincelada empleada es bastante
empastada contrastando con las líneas
más marcadas de las siluetas.
MARCELLE ROULIN

RENOIR
 Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se
mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años.
 En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a
Monet, Bazille y Sisley.
 El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes
pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana.
 Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco.
 De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos
impresionista e ingresco.
 En 1894, Renoir es padre por segunda vez. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período
de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su
tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz.
 Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para
ahogar su pena. Renoir muere el 3 de diciembre de 1919.
 ESTILO: Impresionismo.

PRIMERA OBRA
XIX (1876).
Orsay, París.
 El efecto de multitud ha sido perfectamente
logrado, recurriendo Renoir a dos
perspectivas para la escena: el grupo del
primer plano ha sido captado desde arriba
mientras que las figuras que bailan al fondo
se ven en una perspectiva frontal.
 La composición se organiza a través de una
diagonal y en diferentes planos paralelos que
se alejan. Las figuras están ordenadas en
dos círculos: el más compacto alrededor de la
mesa y otro más abierto en torno a la pareja
de bailarines.
 La sensación de ambiente se logra al
difuminar las figuras, creando un efecto de
aire alrededor de los personajes.MOULIN DE LA GALETTE

SEGUNDA OBRA
Siglo XIX (1880).
 Sus dimensiones son 46,2 x 55,4 cm.
de Chicago Art Institute.
 Dos figuras situadas en primer plano, a
la sombra, sirven de antesala al
espectacular lago soleado que aparece al
fondo.
 Con seguridad y maestría, Renoir ha
sabido transmitir la alegría y el calor
estival.
 Los colores son especialmente vivos,
destacando el amarillo, el rojo y el
verde, aplicados con una pincelada
rápida.
 Las sombras adquieren una tonalidad
malva.
 La luz tomada directamente del natural
diluye los contornos y aboceta las
figuras, lo que llevará a la pérdida de la
forma.
A LA ORILLA DEL LAGO

TERCERA OBRA
Siglo XIX (1884-1887).
de Arte de Filadelfia.
 En esta obra varias jóvenes desnudas se
bañan en un riachuelo, se presenta a las
figuras bajo una resplandeciente
iluminación solar.
 Las líneas que crean esos sensuales
volúmenes son las principales
protagonistas.
 Los brazos, las piernas o los pechos son
dibujados a la perfección, sin
enfrentarse al color como apreciamos
claramente en el paisaje, tratado incluso
con una pincelada rápida y vigorosa.
GRANDES BAÑISTAS

MONET
 Nació en París en 1840 y creció en Le Havre.
 Es el miembro del grupo impresionista más conocido.
 Boudin le convenció de que fuera pintor de paisajes y le introdujo en la pintura al aire libre
cerca de Le Havre.
 Fue a París en 1859, estudió una breve temporada en el estudio de Gleyre y conoció a los
pintores principales del período.
 Continuó leal al principio de fidelidad a la sensación visual, el fundamento del impresionismo,
mucho después de que otros miembros del grupo lo hubieran descartado.
 Realizaba series de dibujos sobre un mismo tema para captar los efectos cambiantes de la
luz y del color en horas y estaciones diferentes: almiares, alamedas, la fachada de la
catedral de Rouen, el Támesis.
 En sus últimas pinturas de lirios de agua, la forma está casi totalmente disuelta en charcos
de color, anticipándose así al posterior arte abstracto.
 En 1926 muere Monet en Giverny.

PRIMERA OBRA
Siglo XIX (1872).
de Orsay, París.
 La línea del horizonte divide el cuadro
en dos partes : cielo y agua.
 La fuerte luz veraniega difumina los
contornos de los barcos y de las casas,
creando magníficos reflejos en el agua,
representando de manera perfecta el
movimiento. Con esos reflejos Claude
forma el espacio de la escena.
 Las líneas parecen consumirse ante esa
soberbia sensación atmosférica que
permite contemplar las casas de Petit-
Gennevilliers de manera muy
esquemática.
 Monet está lanzado a la "creación" de un
estilo novedoso donde los principales
elementos serán la luz y el color.
LAS REGATAS DE ARGENTEUIL

SEGUNDA OBRA
Siglo XIX (1894).
de Arte Moderno, París.
 En esta obra los objetos varían
dependiendo de la luz que se les aplique.
No es lo mismo una iluminación matutina
que vespertina cuando incide sobre un
mismo elemento.
 Aquí observamos la fachada de la
catedral a pleno sol por lo que las líneas
de sus contornos se difuminan y casi
desaparecen.
 Los arcos de las portadas, el rosetón o
la decoración gótica son absorbidos por
el sol, provocando profundos contrastes
de luz y sombra, sombra que ahora es
más oscura aunque dominan en ella las
tonalidades malvas.
 La rapidez del trazo refuerza la idea de
inmediatez.
LA CATEDRAL DE ROUEN

TERCERA OBRA
XIX (1880).
Hamburger Kunsthalle.
 Este bodegón muestra el alejamiento de
Monet de la tradición barroca al eliminar el
detallismo clásico a la hora de trazar una
naturaleza muerta.
 Las peras, las uvas y las manzanas reciben un
tratamiento totalmente impresionista,
aplicando el color con rápidos toques de
pincel, desinteresándose de las formas y de
los contornos para crear una sensación, un
efecto atmosférico.
 La luz impacta en algunas frutas, resaltando
los reflejos con cortas manchas blancas.
 Las sombras coloreadas serán otro elemento
imprescindible de este estilo que descompone
la pintura en efectos de luz y de color,
resultando imágenes de enorme belleza.
BODEGÓN CON PERAS Y UVAS

MANET
 Nació en París en 1832, en una familia burguesa acomodada.
 Estudió con Couture, retratista y autor de pintura histórica y un destacado maestro.
 Su pincelada libre y sus intensos contrastes tonales prepararon a Manet para las obras de
Velázquez, Goya y Hals, algunos de sus principales modelos.
 Deseoso de lograr el reconocimiento oficial, pero poco dispuesto a contener sus nuevas
ideas de estilo y composición, sus pinturas fueron criticadas por falta de acabado y por una
pobre base de dibujo.
 Influyó en los impresionistas, pero negó toda vinculación con ellos, aunque al final de su
carrera iluminó su paleta bajo su influencia.
 Cuando se estaba muriendo, amargado por la larga demora de su reconocimiento oficial, se
le concedió la Legión de Honor.
 En 1883 muere Manet en París.

PRIMERA OBRA
Siglo XIX (1863).
 Su técnica utilizada es óleo sobre tela.
Orsay, París.
 Los tres se sitúan entre los árboles,
apreciándose el Sena al fondo y a otra
joven que sale del baño; la mujer desnuda
ha colocado sus vestidos a su izquierda,
junto a una cesta de fruta.
 Resulta sorprendente el contraste entre
los negros trajes masculinos y la clara
desnudez de la modelo, que elimina las
tonalidades intermedias para marcar aún
más ese contraste. Al fondo recurre al
abocetado que caracteriza sus primeras
escenas, quizá para marcar la sensación de
profundidad y de aire.
 El fuerte foco de luz incide directamente
sobre el grupo, sin apenas crear sombras.
EL DESAYUNO EN LA HIERBA

SEGUNDA OBRA
XIX (1863).
Orsay, París.
 El pintor presenta la figura de una
prostituta de alto postín, desnuda, tumbada
sobre un diván, acompañada de su dama y
de un gato negro.
 La figura se recorta sobre un fondo neutro,
utilizando una iluminación frontal.
 La pincelada de Manet es muy segura,
define con brillantez los detalles de las
telas y emplea la mancha para las flores o
las cortinas verdes del fondo.
 La bella figura de Olimpia mira con descaro
al espectador, como si de un cliente se
tratara; su sensual cuerpo se ofrece con
los zapatos de tacón puestos.LA OLIMPIA

TERCERA OBRA
Siglo XIX (1868).
de Orsay, París.
 Los trazos son muy sueltos y las
pinceladas se aprecian claramente.
 La suave luz que penetra por la ventana,
filtrada por los visillos, ilumina con
mayor fuerza una parte del rostro de la
dama y deja a la segunda figura en una
zona de semipenumbra.
 Las tonalidades oscuras del fondo
contrastan con el primer plano,
apareciendo diferentes notas de color
oscuro entre el blanco del vestido, del
sofá y de las cortinas, en concreto, los
collares de Suzanne, el cinturón y las
plantas.
 La transparencia de las mangas del
vestido está perfectamente conseguida.
LA LECTURA

PAUL GAUGUIN
 Nació en París en 1848.
 Es uno de los pocos artistas que escribieron una autobiografía (Noa-Noa, ca.
1893-1894).
 Su vida y su abandono de la civilización por los Mares del Sur tuvo casi tanta
significación simbólica como su propio arte.
 Pasó parte de su infancia en Lima (Perú). En 1874 comenzó su dedicación parcial a la
pintura, inspirado por la primera Exposición Impresionista y por su encuentro con
Pisarro, después de una carrera de marino mercante y de corredor de bolsa.
 Dos años después, el Salón aceptó un paisaje suyo, y en 1879 comenzó a exponer con
los impresionistas.
 En 1883 se dedicó ya totalmente a la pintura, y se estableció en Pont-Aven (Bretaña),
en donde bajo la influencia de Émile Bernard desarrolló las teorías sintetistas del
simbolismo.
 Después de viajar a Panamá y a Martinica, y de un desafortunado intento de trabajar
con Van Gogh en Arles, renegó de la civilización occidental y se marchó a Tahití
buscando la «unidad con la naturaleza» Pintó ¿De dónde hemos venido? ¿Qué somos? ¿A
dónde vamos? en 1897.
 En 1903 murió Gauguin en La Dominique (islas Marquesas).
 ESTILO: Impresionismo , Neo-Impresionismo.

PRIMERA OBRA
Siglo XIX (1889).
Albright-Knox.
 El Cristo se convierte en el protagonista
de la escena, con ese color amarillo y las
líneas de los contornos muy marcadas.
 Junto a Cristo aparecen tres mujeres
bretonas, lo que sugiere que nos
encontramos ante una nueva visión
provocada por la intensa devoción de las
mujeres.
 Al fondo, una figura salta una valla, lo
que puede indicar el deseo de evasión,
continuamente presente en el ánimo del
artista.
 Lo primitivo, con las mujeres, y lo
simbólico, intentando transmitir un
mensaje, están presentes en la escena, al
igual que lo real y lo imaginario. El
colorido es típico del otoño bretón, con
unos maravillosos colores amarillos
mezclados con naranjas y verdes, en
paralelo con el Cristo.EL CRISTO AMARILLO

SEGUNDA OBRA
Siglo XIX (1894).
de Orsay.
 En esta obra Gauguin presenta un molino
de agua junto a un gran caserón
mientras que, en primer plano, aparecen
las mujeres bretonas y un perro rojo.
 El colorido es interesante, empleando
verdes, marrones, azules y malvas,
aplicados con una pincelada rápida y
larga.
 Las figuras son extrañas, inspiradas en
el arte oceánico y egipcio, alejadas de
la tradición académica.
 El colorido empleado es casi tradicional
de esta etapa, destaca por su viveza y
plenitud, influencia una vez más de la
estampa japonesa.
EL MOLINO DAVID

TERCERA OBRA
siglo XX (1902).
Folkwang.
 Retrato de una joven polinesia, llamada
Tohotaua.
 Vemos a una bella joven sentada en una
enorme silla, con un abanico blanco en la
mano derecha, símbolo de distinción en la
Polinesia.
 Muestra su pecho desnudo y un vestido
blanco.
 Los colores suaves y cálidos caracterizan
esta bellísima escena, en la que recorta la
figura de Tohotaua sobre un fondo neutro
realizado en colores ocres y naranjas,
destacando el colorido anaranjado del
cabello y de la piel tostada de la joven, en
contraste con el color blanco del vestido y
del abanico.JOVEN CON ABANICO

PICASSO
 Nace en Málaga en 1881.
 En 1895 Se traslada con su familia a Barcelona.
 En 1990 inicia su primer viaje a París.
 En 1901 inicia el período azul, denominado así por el predominio de los tonos azules y
caracterizado por su temática de signo pesimista: la miseria humana y la marginación se
representan con figuras ligeramente alargadas.
 En 1904 se instala definitivamente en París. Inicia el período rosa, más vital, en que
predomina la temática cirquense.
 En 1931 Trabaja en sus primeras esculturas.
 En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés.
 En 1961 se instala en Mougins.
 En 1973 muere en Mougins.
 ESTILO: Cubismo.

PRIMERA OBRA
 Esta obra pertenece a la a la 1ª mitad del
Siglo XX (1937).
Arte Reina Sofía, Madrid.
 La composición está distribuida a manera de
tríptico, cuyo panel central está ocupado por
el caballo y la mujer de la lámpara ; el
lateral derecho, por la visión de incendio y
la mujer que grita, y el izquierdo , por el
toro, la mujer y el niño muerto.
 El guerrero caído simboliza los soldados
muerto , el toro simboliza la muerte,
brutalidad.
 En la obra solo aparece el color negro,
blanco y gris.
 La luz parece que surge de los cuerpos, ya
que se ilumina las cabezas y las manos,
donde se concentra la expresión del
sufrimiento.
 El espacio es plano.
 Produce la impresión de que la escena tiene
lugar en un escenario teatral : la mitad
izquierda ofrece un fondo de cortinajes y
tablas que contrastan con el incendio de la
derecha.
LA GUERNICA

SEGUNDA OBRA
Siglo XX (1906).
de Arte de Filadelfia.
 El cuerpo es volumétrico, casi
arquitectónico, definido gracias a
intensas líneas de color negro con las
que consigue aportar mayor volumetría,
tanto a la cabeza como al brazo.
 Sin embargo, el resto de la composición
pertenece claramente al periodo rosa
como podemos apreciar en la postura
frontal de la figura o el colorido
empleado, jugando con tonos rosas,
azules, blancos y grises.
 Los ojos abiertos del artista parecen
indicar la expectación sobre lo que
pronto va a llegar: la revolución cubista.
AUTORRETRATO CON LA PALETA EN LA MANO

TERCERA OBRA
Siglo XX (1907).
Arte Moderno de Nueva York.
 En el cuadro aparecen cinco mujeres
desnudas.
 La figura, gracias a la multiplicidad de
planos, puede verse de frente, de perfil
y de espaldas a un tiempo, como la mujer
en cuclillas de la derecha, con lo que se
rompe el sentido del volumen y la
perspectiva tradicional.
 El color anaranjado aparece en los
cuerpos desnudos de las mujeres,
simbolizando el color de la piel.
 El fondo está representando por la gama
de colores azules y por la gama de
colores marrones.LES DEMOISELLES D´AVIGNON

SALVADOR DALÍ
 Dalí nace en Figueras (España) en 1904. Entre 1921 y 1925 estudia en la Academia San
Fernando de Madrid donde entabla amistad con el poeta Federico García Lorca y el
cineasta Buñuel. En 1925 la Galería Dalmau de Barcelona le organiza su primera
exposición personal, exposición a partir de la cual Picasso y Miró empiezan a interesarse
por sus trabajos. Dalí se deja influir primero por el futurismo, por el cubismo después.
En abril de 1926 Dalí viaja por primera vez a Paris donde visita a Picasso. En su
segundo viaje a París, en, asiste al rodaje de la película de Buñuel “El perro Andaluz“ de
la cual Dalí es coguionista, y Miró le presenta al grupo de los surrealistas. Dalí
encuentra a André Breton y a Gala, su futura esposa y musa. Adhiere al movimiento
surrealista en 1929. Dalí se interesa por las teorías sicoanalíticas de Freud y define su
método “paranóico-critico“. Pinta en aquel periodo espacios oníricos y fantasmagóricos
poblados de elementos simbólicos :animales fantásticos, personajes retorcidos.
 Los temas recurrentes tanto en su obra pintada como en la obra grabada son la mujer,
el sexo, la religión, las batallas. Tras diez años de esfuerzos, Dalí abre su propio museo
: en 1974, tiene lugar la inauguración del Teatro Museo Dalí.
 El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Wagner— murió
a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años.
 ESTILO: Surrealismo.

PRIMERA OBRA
XX (1929).
Nacional Centro de Arte “Reina Sofía”.
 El tema central es una masa viscosa dentro
de lo blando, que es entendido como lo
sentimental y lo duro. En la izquierda
aparece una cabeza.
 El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y
ceja; en el lugar de la boca aparece el
saltamontes como animal repulsivo, idea de
la muerte, desintegración de la materia ya
que lleva hormigas en el abdomen. El peinado
es muy marcado y en la cabeza está
pinchada un ancla.
 El lirio representaría la idea de purificación.
El escenario crea una atmósfera desolada,
un paisaje extenso.
 La pareja abrazada debajo del saltamontes
hace referencia a Gala y a Dalí. Por su
parte, la mujer modifica su sustancia con
carácter rocoso.
EL GRAN MASTURBADOR

SEGUNDA OBRA
Siglo XX (1951).
de Glasgow.
 La originalidad del cuadro estriba, sobre
todo, en la gran perspectiva de la
crucifixión y en la extraña calma que
ofrece el paisaje de Port Lligat con un
cielo claroscuro ante el hecho que está
sucediendo.
 Cristo se retuerce en la cruz, así lo
demuestra el movimiento de dolor de sus
manos y su espalda.
CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ

TERCERA OBRA
XX (1949).
 Se encuentra actualmente en el Minami
Museum, Tokio.
 Dalí representa a Gala como la madre en un
sentido muy religioso, y sobre ella un pequeño
niño. Ambos contienen dos ventanas que se
abren hacia el infinito; la del niño sostiene el
pan de la vida. Estas dos ventanas tienen un
doble significado. Por un lado, simboliza el
nacimiento de la madre y, por otro, el
nacimiento en espíritu.
 El niño sostiene la bola del mundo y el libro
del conocimiento que, junto a la posición de
sus piernas, si nos fijamos bien, forma una
cruz y el número cuatro como símbolo de la
materia, la duración del tiempo.
 La Virgen está dotada de altura, longitud y
profundidad como representación del espacio
y tiempo. Por encima de madre e hijo se
sitúa una concha de la que cuelga un huevo.
 A la izquierda del altar hay un rinoceronte, a
la derecha, un busto humano tan blando que
se transforma en masa viscosa.MADONNA DE PORT LLIGAT

JOAN MIRÓ
 Joan Miro nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona.
 Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali de su ciudad natal.
 En el año 1920 Miró viaja a París donde hace amistad con Picasso, conoce a Tzara y Max
Jacob y asiste a eventos dadaístas.
 Joan Miró volvió a España en 1940 tras el inicio de la II Guerra Mundial . Experimentó con
otros medios, como grabados y litografías, a los que se dedicó especialmente en la década
de 1950.
 También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías
teatrales y cartones para tapices.
 Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra
pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales
cerámicos La pared de la Luna y La pared del Sol (1957-1959) para el edificio de la
UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.
 La Fundación Miró de Barcelona fue inaugurada en 1975.
 Joan Miro falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el
cementerio de Montjuïc, en Barcelona.
 ESTILO: Surrealismo.

PRIMERA OBRA
XX (1937).
Arte Moderno, New York.
 Un cuadro que reproduce la sensación de
angustia, de dolor, de pánico. Esa sensación
brutal se intensifica por el empleo de una
luz nocturna, irreal, agobiante, represora.
 Miro lleva a cabo una división de las
superficies en negros, verdes, amarillos y
rojos, que parecen manchas
fantasmagóricas.
 Los objetos elegidos son muy sencillos y
simples, y están tratados con esa sencillez y
simpleza que caracteriza al pintor, pero
adquieren un carácter simbólico, por ello
distorsiona el zapato que se hace enorme y
el tenedor descomunal, tenedor que pincha
de forma salvaje una patata, convirtiéndole
así en un aparato de torturar en lugar de
utensilio para comer
 El zapato que parece enterrado en la tierra,
parece un elemento represor al tener la
puntera como levantada hacia arriba. La
botella parece vigilar la escena.
BODEGÓN CON ZAPATO VIEJO

SEGUNDA OBRA
Siglo XX (1921-1922).
Nacional de Arte de Washington.
 Los temas que aparecen en esta obra
son: el sol, la mujer, los animales del
campo, los utensilios domésticos.
 En el centro de este pequeño universo se
yergue un eucalipto que proyecta sus
ramas al cielo. Bajo su presencia
protectora conviven, en un orden
preciso, sus pobladores, los utensilios
del hombre y una naturaleza
domesticada.
 Ciertas audacias formales perturban, no
obstante, la relajada visión del paisaje:
el ritmo escalonado que precede ala casa
o la singular concepción del corral.
LA MASÍA

TERCERA OBRA
XX (1924-1925).
 Se encuentra actualmente en el Albright-
Knox Art Gallery. Buffalo.
 A pesar del aparente desorden en el que los
diferentes personajes se sitúan hay un orden
de carácter cromático, un juego
zigzagueante de azules, amarillos, blancos y
rojos.
 Siguiendo el colorido saltamos de un
personaje a otro, pero sin que haya una
imagen, o una dirección del recorrido que
prime sobre la otra, todo está permitido.
 Miró consigue en este cuadro plasmar la
autonomía de las figuras y a ella se une la
autonomía de los signos gráficos que no
representan nada, una línea zigzagueante, un
perfil, una mancha son elementos que le
sirven para enlazar unas figuras con otras y
crear una vinculación puramente plástica.
EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN

AUGUSTE RODÍN
 Nació en París el 12 de Noviembre en el año 1840.
 Educado en la Escuela de Artes Decorativas de París, en un ámbito no sólo ajeno al de las
bellas artes, sino además menospreciado por éstas, Rodin dedicó gran parte de su juventud
a acumular conocimientos sobre anatomía que en más de una oportunidad le valieron la
envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas
Artes de París.
 Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura.
 En el año de 1867 se casó felizmente con la Condesa Elda Hurtado Leere, Hija de la Reina
Cochinta de Madagascar.
 Rodin fué contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían
como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la
formas idealistas a manera de Miguel Ángel.
 Rodín fallece el 17 de noviembre de 1917.
 ESTILO: Impulsó un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo.

PRIMERA OBRA
Siglo XIX (1877).
 Su técnica utilizada es el bronce.
 Sus dimensiones son 180 cm. Altura.
 Auguste Rodín, en esta obra, utilizó
como modelo a un joven carpintero
belga, llamado Auguste Neyt, el cual era
físicamente perfecto y, aunque
inteligente, sin mucha cultura.
 El jurado no acostumbrado a este tipo
de obra, la tachó de excesivamente
realista.
 Esta obra está hecha al desnudo.
EDAD DE BRONCE

SEGUNDA OBRA
Siglo XIX (1880-1917).
 Su técnica utilizada es Yeso.
 Sus dimensiones son 4 x 6,35 m.
de Orsay.
 Las referencias clásicas en esta obra
son claras: el dintel a modo de tímpano
o el ático, así como las pilastras en las
jambas.
 El papel de la luz, los claroscuros y la
poco definida línea de sus figuras, que
parecen inacabadas , son elementos
netamente modernos que nos permiten
aproximarlo a los impresionistas y que
determinan claramente su modernidad.
LAS PUERTAS DEL INFIERNO

TERCERA OBRA
Siglo XIX (1884-1886).
 Sus dimensiones son 231 cm. Altura.
Rodín.
 Esta obra de Rodín intenta plasmar el
dramatismo de una escena en la que los
derrotados aparecen cabizbajos,
descalzos, cubiertos con harapos y en
actitud de entregar la llave de acceso a
la ciudad hasta entonces defendida.
BURGUESES DE CALAIS

DONATELLO
 Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia,
probablemente en 1386.
 Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un
levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de lana.
 Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de su
Historia de Florencia.
 Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en contra de Florencia, que le
condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un personaje muy diferente
a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido
bajo el nombre de Donatello.
 Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna,
sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin
poder trabajar.
 Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San
Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo.
 ESTILO: Clásico Romano.

PRIMERA OBRA
Siglo XV (1416).
 Su técnica utilizada es mármol.
 Mide 209 cm de altura.
del Bargello de Florencia.
 El San Jorge de Donatello posee una
dimensión radicalmente equilibrada.
 El escultor traduce en esta obra la idea
de clasicismo en monumentalidad y
presencia compacta del volumen.
 Todo ello tratado con la armonía que
proporciona la verticalidad de la figura y
el equilibrio compositivo de la cruz del
escudo.
SAN JORGE

SEGUNDA OBRA
Siglo XV (1440).
 Su técnica utilizada es bronce.
 Mide 158 cm.
 Es una figura de un joven adolescente en
línea praxiteliana, de gran perfección
anatómica: cuerpo expresivo, silueta
firme.
 Tocada de un sombrero coronado de
laurel, la figura está completamente
desnuda; rompe este desnudo el calzado
y el yelmo de Goliat.
 Se aprecia un gran contraste entre la
serenidad del rostro de David y la
expresividad de la cabeza de Goliat.
DAVID

TERCERA OBRA
Siglo XV (1433-1439).
dell´Opera del Duomo de Florencia.
 En esta obra predomina un equilibrio
compositivo marcado por las columnas
que contrasta con la tensión y
movimiento que desarrollan las figuras.
 Donatello demuestra en esta obra que el
clasicismo no es un lenguaje sometido a
la norma, sino creador de sus propias
leyes en cada momento y circunstancia.
CANTORÍA

ANTONIO CÁNOVA
 Nace el 1 de noviembre de 1757 en Possagno.
 Tras la muerte de su padre, cuando él tenía 3 años, su madre contrajo segundas nupcias
dejándolo al cuidado de su abuelo. La familia Canova había sido rica, aunque
desafortunadas especulaciones los habían arruinado.
 A causa de sus modestos orígenes familiares, Antonio no pudo realizar estudios
artísticos y comenzó practicando otros oficios, como carpintero aprendiz de Georga
Borghese, conocido como jorjina.
 Su abuelo se vio en la necesidad de que Antonio aprendiera un oficio siendo joven, con lo
cual comenzó a trabajar en una cantera.
 Por recomendación del senador Blaz, dueño de la mansión donde su abuelo trabajaba de
jardinero, en 1768, comenzó a estudiar con el escultor Coballa en Venecia.
 En 1792 fue inaugurado el monumento y fue para Antonio, su día de triunfo.
 Tras el destierro de Napoleón a la isla de Santa Elena, Canova fue enviado
especialmente a París por el Papa para pedir la devolución de los monumentos quitados a
Italia.
 El 21 de septiembre de 1821 regresó a Possagno, su ciudad natal, con el propósito de
reponer su quebrantada salud. Pero no pudo resignarse a la inactividad. Falleció en
Venecia al año siguiente.
 ESTILO: Neoclasicismo.

PRIMERA OBRA
Siglo XVIII (1786-1793).
 Mide 155 cm. Altura.
Nacional del Louvre.
 Esta obra ilustra su vinculación teórica
con las ideas de Winckelmann, no sólo en
cuanto a la imitación analógica de las
estatuas griegas, a las que como
señalaba el erudito alemán había que
imitarlas para alcanzar a ser inimitables,
sino también en relación al método de
realización, abocetando fogosamente y
realizando con flema, procedimiento
seguido ejemplarmente por Canova.
EROS Y PSIQUE

SEGUNDA OBRA
Siglo XIX (1805-1808).
Borghese (Roma).
 La retratada tenía 25 años cuando el
escultor empezó su trabajo en un único
bloque de mármol de Carrara.
 Paolina aparece indolente, tumbada en
un diván, extendiendo la pierna derecha
sobre la que reposa la izquierda.
 En su mano izquierda sujeta una
manzana, aludiendo a su triunfo en el
juicio de Paris, mientras el brazo
derecho sostiene su atractiva cabeza,
dirigiendo su altiva mirada hacia el
espectador.
PAOLINA BORGHESE COMO VENUS
VEMCEDORA

TERCERA OBRA
 Esta obra pertenece entre la 2ª mitad
del Siglo XVIII y la 1ª mitad del Siglo
XIX (1798-1805).
 Mide 574 cm de altura.
 Se encuentra actualmente en la Iglesia
de los Agustinos de Viena.
 Del lado izquierdo parte una procesión
que se dirige a la entrada, integrada por
un anciano acompañado por una joven, la
Piedad, mientras una mujer de avanzada
edad , la Virtud, junto a dos niñas, lleva
las cenizas a la sepultura mientras la
Felicidad porta una medalla que simboliza
la inmortalidad.. En la esquina contraria
se ubica el ángel de la muerte sobre un
león.
MONUMENTO FUNERARIO DE MARÍA
CRISTINA DE AUSTRIA

MARIANO BENLLIURE
 Mariano Benlliure nació en el Grao de Valencia, en el seno de una familia de amplia
tradición artística. Sería además, un artista precoz, pues desde muy niño dejó muestra de
su don para la escultura. Sus primeros concursos y exposiciones tuvieron lugar antes de
cumplir los diez años.
 El que sería uno de los más famosos escultores españoles del siglo XX comenzó a cultivar en
su juventud una materia en la que ocupa un lugar destacado: la tauromaquia, con
representaciones en bronce de las distintas suertes y protagonistas del toreo. A los trece
años participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1876 presentando un grupo
escultórico de cera llamado La cogida de un picador.
 En 1879 fue a Roma, donde, fascinado por Miguel Ángel, abandonó los pinceles para
dedicarse exclusivamente a la escultura.
 En 1895 obtuvo la medalla de honor por la escultura del poeta Trueba, instalada en Bilbao,
ciudad para la que también hizo la estatua de su fundador, don Diego López V de Haro.
 Fallece el 9 de noviembre de 1947 en Madrid.
 ESTILO: Su estilo lo formó a partir del clasicismo, realismo y naturalismo.

PRIMERA OBRA
Siglo XX (1913).
 Realizado en mármol blanco, representa
el traslado del cadáver hasta su última
morada.
 Sobre la base de mármol, dos hombres,
ayudados por una mujer, sostienen el
cadáver de Canalejas y lo conducen
hasta la puerta de la cripta.
 Sobre el dintel se ha representado la
figura del Redentor, con los brazos
abiertos, como si de una aparición divina
se tratara.
 En el lado posterior del bloque de piedra
se representa una cruz latina y dos
guirnaldas de laurel y de encina, símbolo
de la inmortalidad.
SEPULCRO DE JOSÉ CANALEJAS

SEGUNDA OBRA
Siglo XX (1904).
 Sobre tres gradas se levanta un cuerpo
arquitectónico en forma de severo
túmulo sobre el que yace la estatua de
Sagasta, vistiendo levita y ostentando el
Toisón de Oro.
 En la cabecera del sepulcro encontramos
una figura femenina sentada,
semidesnuda, presentando a la historia
en actitud de cerrar el libro de la
época. A sus pies se representa un joven
obrero, simbolizando al pueblo,
descansando su brazo sobre los
Evangelios, símbolo de la verdad. El
joven sostiene en su mano derecha una
espada en cuya empuñadura se
representa la Justicia, recorriendo toda
la hoja una rama de olivo como símbolo
de la paz.
SEPULCRO DE PRÁXEDES MATEO SAGASTA

TERCERA OBRA
Siglo XX (1908).
 En la parte trasera del monumento a
Castelar se aprecian ocho figuras de
hombres, mujeres y niños sobre los que
se lee: "Levantaos esclavos porque
tenéis patria".
 Sobre estos personajes se sitúa un
cañón y el soldado que controla la pieza
artillera.
 Las figuras son de color verde.
MONUMENTO A CASTELAR (MADRID) DETALLE

LORENZO GHIBERTI
 Lorenzo Ghiberti nació en Florencia en el año 1378. Fue un Escultor,orfebre, arquitecto y
escritor de arte italiano del Quattrocento.
 Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401,
cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la
catedral de Florencia, resultando ganador.
 Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea
requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la
ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como
Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete.
 Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le
encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que
acabó en 1452.
 Murió el 1 de Diciembre de 1455 en Florencia, Italia.
 ESTILO: Gótico.

PRIMERA OBRA
Siglo XV (1402-1424).
 Las puertas siguen las líneas del
quehacer del Gótico, enmarcando las
escenas en unos casetones
cuatrilobulados, en forma de trébol de
cuatro hojas, pero expresado con
elegancia y suavidad.
 En el casetón de la escena del sacrificio
, el tronco de Isaac muestra la
vinculación con el arte clásico.
 Todos los personajes parecen animar el
conjunto de la escena.
EL SACRIFICIO DE ISAAC

SEGUNDA OBRA
Siglo XV (1425-1452).
Baptisterio de Florencia.
 El formato rectangular de los relieves, al
tiempo que rompe con la forma lobulada
tradicional, subraya el esquema
perspectivo desde el que se proyectan las
diferentes composiciones.
 En estos relieves el escultor introduce,
como fondos escenográficos de las
composiciones, arquitecturas de tipo
clásico plasmadas en una visión
perspectiva. Pero, además de este
recurso como medio para articular una
perspectiva de carácter lineal, la técnica
del relieve se adapta para subrayar este
sistema de representación.
 En las diez escenas se representan
diferentes episodios del Antiguo
Testamento.
LAS PUERTAS DEL PARAÍSO

TERCERA OBRA
Siglo XV (1425-1452).
 El relieve se plantea concebido como un
espacio tridimensional perspectivo en el
que la técnica acentúa los efectos de
profundidad, graduando el volumen de
las figuras y objetos y la definición de
los contornos.
HISTORIA DE CAÍN Y ABEL

ALESSANDRO ALGARDI
 Nació el 31 de Julio de 1595.
 fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde
durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini.
 Algardi nació en Bolonia, donde a temprana edad entró como aprendiz en el taller de
Agostino Carracci, pintor de tendencia clasicista. Sin embargo, su aptitud para la escultura
le hizo trabajar para Giulio Cesare Conventi (1577—1640), un artista de talento modesto.
 A los veinte años, en 1608, entró al servicio del Fernando I, Duque de Mantua, que
comenzó a encargarle obras; también fue empleado de los joyeros locales para que hiciera
diseños figurativos.
 Tras un corto periodo en Venecia, se trasladó a Roma en 1625, con una presentación por
parte del Duque de Mantua al sobrino del último papa, Ludovico Cardinal Ludovisi, quien le
empleó durante un tiempo en la restauración de estatuas antiguas.
 Falleció el 10 de Junio de 1654 en Roma.
 ESTILO: Barroco.

PRIMERA OBRA
Siglo XVII (1646).
 Se encuentra actualmente en la Galleria
Doria (Roma).
 Busto de la potente cuñada de Inocencio
X, retratada en edad avanzada.
 Su arrogancia fue admirablemente
traducida al mármol por Algardi, el
retratista oficial de la familia Pamphili a
través del firme modelado de sus
facciones y de la finísima elaboración de
la materia.
 El inflado velo que enmarca su rostro,
ayuda a potenciar su expresión de
distante y autoritaria nobleza.
DOÑA OLIMPIA MAIDALCHINI

SEGUNDA OBRA
Siglo XVII (1646).
 Se encuentra actualmente en la Basílica
de San Pedro del Vaticano.
 En esta obra, mediante la progresiva
disminución del relieve, consigue dar la
sensación de profundidad e implicar
emotivamente al espectador en la
escena, sobre todo por ese primer plano
con las figuras tratadas como
verdaderas esculturas exentas que se
salen del relieve.
 Al alejarse de Bernini y de la plástica
barroca con su negativa a fundir las
distintas artes, afirmaba la
especificidad de la escultura, frente a
la pintura sobre todo, y el valor de la
materia por sí misma.
ATILA EXPULSADO POR EL PAPA LEÓN I EL
MAGNO

TERCERA OBRA
Siglo XXI (2005).
 Las caras de los personajes transmiten
tristeza, angustia...
 En la parte superior izquierda hay un
angelito.
LA TUMBA DE LEÓN XI

ANTONIO LEÓN ORTEGA
 nace en la ciudad de Ayamonte de la provincia de Huelva el 7 de diciembre de 1907.
 Desde adolescente, muestra una fuerte inquietud y facultades innatas por y para la
escultura, realizando sus primeras obras de forma autodidacta, años más tarde cuando se
las enseña a Mariano Benlliure las elogia como propias de un escultor formado.
 Se forma en Madrid entre los años 1927 y 1934. Cursa los estudios de Escultura y de
Profesorado de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
 Trabaja en Huelva desde el año 1938 en su primer taller en la calle San Cristóbal, que
comparte con el pintor Pedro Gómez.
 En el año 1964 se traslada a un nuevo taller en la calle Medico Luís Buendía hasta el año
1985 en el que una enfermedad le aparta de toda actividad. En 50 años de duro trabajo
realiza más de cuatrocientas obras, entre pequeño y gran formato, en madera, barro,
piedra, bronce y otros materiales.
 León Ortega representa una de las esculturas más serias, rigurosas y personales del siglo
XX español, creando un estilo propio fácilmente distinguible.
 Una mañana del 9 de enero del año 1991 fallece en su casa de Huelva siendo velado en la
Escuela de Arte León Ortega.
 ESTILO: Sus primeras obras religiosas tienen un sabor barroco, pero luego conforma un
estilo personalísimo.

PRIMERA OBRA
Siglo XX (1963).
 Se encuentra actualmente en Moguer,
Huelva.
 Esta obra realizada por Antonio León
Ortega, es una obra realizada en
representación a la obra de Juan Ramón
Jiménez, Platero y Yo.
PLATERO

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