Temas de cine

EL CINE COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN:
* EL CINE
El rol del cine en el negocio publicitario está determinado por su fuerza audiovisual, la
cual provoca en el público un impacto comunicacional superior al del medio televisivo.
La pantalla gigante, el sonido estereofónico y la oscuridad de la sala, permiten un nivel
de abstracción o concentración del público en la pantalla, produciendo un ambiente
óptimo para el anuncio publicitario. Sin embargo, se debe admitir que el cine ha
perdido posición en el negocio publicitario ante el reinado de la televisión, el uso del
video en el hogar, la televisión por cable y satélite. Esto ha provocado escepticismo
entre anunciantes y publicistas, ante el escaso rendimiento comunicacional-comercial
sobre públicos masivos. No obstante, auxiliado por la promoción televisiva e impresa
de las superposiciones fílmicas, ha pasado a jugar el rol de medio secundario o
complementario ante públicos objetivos específicos, como jóvenes de quince a
veinticuatro años, y para la publicidad de campañas corporativas e institucionales.
Ventajas del Cine
Los defensores del cine en el medio publicitario argumentan que este es el medio de
comunicación más completo que existe: reúne el sonido de la radio, el color de las
revistas e impresos, el texto y la imagen de la prensa y el tamaño gigantesco de las
vallas.
Debido al ambiente de abstracción propio de una sala de cine y la imposibilidad de
desertar durante los comerciales, como sucede con los espectadores del medio
televisivo, los cine videntes se interesan más en lo que ocurre en la pantalla y por ende
en los comerciales, convirtiéndose así en un público extraordinariamente cautivo.
De lo anterior se deriva que los espectadores de este medio recuerdan mucho mejor y
captan con más facilidad y precisión los detalles del comercial. Esto ha sido claramente
en estudios y muestreos realizados sobre el medio.
Es ideal para ciertos segmentos del público objetivo. Los jóvenes, por ejemplo, han
heredado de sus padres el gusto por el cine como medio recreativo de accesibilidad
económica. En países como Venezuela está permitida la inserción de comerciales de
cigarrillos y bebidas alcohólicas, vedados en el medio televisivo, lo que hace que
publicistas y anunciantes incluyan al cine en sus planes de medios para estos
productos.
Desventajas del Cine
En relación a otros medios como la prensa y la televisión, el costo del impacto
publicitario es muy alto. Independientemente de que el anunciante pueda usar una
simple transparencia para su comercial, la producción fílmica es costosa. Esto, aunado
a las limitaciones en la capacidad de las salas y la deserción del público en las últimas
décadas, han convertido al cine en un medio bastante venido a menos en el negocio
publicitario.

El cine es un lenguaje que al mismo tiempo es comunicativo (por que comunica y
expresa algo) y estético (por que no es comparable a las lenguas habladas por que no
es un sistema de signos homogéneo).
Por estas razones se puede considerar el cine como un medio de comunicación, incluso
fue utilizado por Hitler y Goebbels como un nuevo medio para defender y difundir sus
ideas totalitarias.
A lo largo de la historia del cine se han producido largometrajes y documentales
históricos que han ido relatando gráficamente los acontecimientos principales que se
han ido sucediendo hasta nuestros días: desde la época de Cristo, con numerosas
películas bíblicas ( la historia más grande jamás contada , Jesucristo Superstar , Rey de
Reyes ...y más recientemente La Pasión de Cristo son sólo algunos ejemplos), pasando
por la época griega y romana ( Espartaco , los 10 mandamientos, Quo Vadis , la caída
del Imperio Romano , Ben Hur ... y las actuales Gladiator , Troya , Alejandro Magno o
300 ).
Posteriormente al cine ambientado en época romana o griega, se reproduce
cinematográficamente la época medieval, con películas tan famosas como las de Sissi
Emperatriz o el reino de los cielos , que se ambienta en las conocidas "Cruzadas ". Así
hasta llegar a nuestra época más cercana, el siglo XX, con películas incluso sobre la
figura de Hitler , que nos enseñan su forma de pensar y actuar, que nos hacen conocer
los acontecimientos tal y como sucedieron.
El cine nos enseña valores y principios, nos puede llevar a cambiar nuestras ideologías,
nos puede enseñar algo que no sabíamos… por lo tanto, vamos a decir que el cine es
comunicación.
EL CINE COMO 7º ARTE
Riccioto Canudo, escritor, poeta y crítico cinematográfico italiano, fue
el primero en etiquetar al cine como ‘Séptimo arte’ en 1911.
Hasta entonces, y desde la antigüedad, se había estado etiquetando los diferentes
movimientos artísticos y disciplinas, hasta quedar a principios del siglo XX en seis artes.
Canudo veía el cine como un “arte plástico en movimiento” y quiso que estuviera
presente entre las diferentes disciplinas artísticas. Su influencia dentro del movimiento
teórico, intelectual y artístico era muy importante, lo que llevo a que se acogiese al
cine como un arte más.
La lista con la nueva incorporación quedaba del siguiente modo:
o Arquitectura

o Escultura
o Pintura
o Música
o Danza
o Poesía
o Cine
En la antigüedad, el arte se relacionaba muy directamente con las ‘9 Musas’ y cada
disciplina estaba relacionada con cada una de ellas:
• Calíope: La poesía épica
• Clio: Historia
• Erato: La poesía lírica
• Euterpe: Música
• Melpómene: Tragedia
• Polimnia: El arte de la escritura y la pantomima
• Terpsícore: Danza
• Thalia: Comedia
• Urano: Astronomía
En la Edad Media, la clasificación era diferente, ya que no se distinguía el arte de la
ciencia. Las “artes liberales” eran siete en total, divididas en dos grupos:
• El trivium: retórica, gramática y dialéctica
• El quadrivium: aritmética, geometría, astronomía y música
Las “artes mecánicas” se referían a la arquitectura, escultura, pintura y joyería.
El cine es sin dudas la más internacional de las artes. Nace oficialmente
el 28 de Diciembre de 1893 en París. Su historia se remonta
mucho tiempo atrás, cuando en la prehistoria, nuestros ancestros
pintaban animales- en espera de buen augurio para la caza- con manos
que simulaban atraparlos o con la repetición múltiple de los miembros
del mismo, deseando hacer explícita la idea del movimiento. Desde
entonces fue una aspiración reflejarse y reflejar el mundo circundante.
Visto desde esta óptica: la plástica, la danza, la música, el teatro y el
resto de las manifestaciones artísticas son antecedentes del cine.
Sin embargo, no cabe dudas que es la fotografía su más cercano
pariente. ¿Qué es el cine, por qué no pasa de moda?

Cine es el arte de la sucesión de imágenes -hoy día comúnmente
audiovisuales- recreadas (proyectadas, transmitidas) en una superficie a
partir de una matriz1.
El cine no pasa de moda porque es un lenguaje, no es la copia de la
realidad, es una opinión. A través del cine se expresan, se transmiten,
se sugieren ideas, sentimientos y emociones. Entre otras, esta es la
razón que lo convierte en el centro de miradas, especulaciones y
críticas.
El espectador no recibe un simple mensaje o idea, sino que realiza todo
un proceso de comprensión, interpretación, asimilación y respuestas o
reacciones emocionales e ideológicas: extrae de la obra un sentido
propio dado por el carácter polisémico que le caracteriza.
He aquí una de las principales causas que hacen de él un arte con
tendencia a olvidar una de sus principales funciones "la estética",
convirtiéndolo en unproducto a la venta donde es más importante
saber cuánto se recauda, que los logros artísticos que este pueda
alcanzar.
El cine es hijo de la técnica y la industria contemporánea, pero ¿hasta
qué punto debe ser fiel a éstas?
EL CINE COMO 7º. ARTE
El cine surgió, de acuerdo a registros históricos y como fecha oficial, el 28 de
diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière presentaron al mundo su
Cinematógrafo, un antiguo sistema que presentaba imágenes una tras otra, dando
la sensación de movimiento. Sin embargo, esta idea no era nueva. La búsqueda de
plasmar el movimiento en imágenes data desde muchos siglos antes, con las
pinturas rupestres mencionadas en otra sección de nuestro sitio.
El cine es llamado el “séptimo arte” debido a su inclusión a la lista de las demás
expresiones artísticas: pintura, escultura, arquitectura, literatura, música y danza
completan el septeto. Actualmente es quizá el presenciado por más personas en el
mundo, en cualquiera de sus formas. Técnicamente, cualquier película, documental
o video de cualquier índole presentado ante un grupo de personas puede ser
llamado cine.
El cinema digital se está convirtiendo en una realidad. Con el tiempo, todas las
salas de cine del mundo estarán proyectando sus películas en formato digital, pues
elimina muchos de los problemas de imagen presentados en las funciones actuales.
Sin embargo, esto no ocurrirá pronto debido a la gran cantidad de espacio virtual
que los cines tendrán que tener para almacenar todas las películas que les sean
enviadas por las compañías cinematográficas.

Historia del Cine
El cine inicia en el momento en que el ser humano se da cuenta de que
puede, utilizando inicialmente dibujos, hacer creer al ojo humano de
que existe una figura en movimiento delante de él. Como se mencionó
anteriormente, el cine tiene su inicio oficial en 1895 con los hermanos
Lumière, pero existen datos históricos anteriores que fungen como los
primeros experimentos cinematográficos. Un ejemplo de esto es el
inventor francés de nombre Charles Émile Reynaud, quien ideó un
cilindro giratorio con imágenes en su interior. Introdujo un espejo justo
en el centro del mismo, y tuvo, al girar el cilindro, las imágenes
reflejadas en el espejo simulando movimiento.
Otro invento que sería clave para el desarrollo del cine sería la
fotografía. Todos los experimentos llevados acabo antes de 1852 tenían
a simples dibujos para simular movimiento. Sin embargo, después de
mucha investigación y pruebas por William Henry Fox en Inglaterra y
Louis Daguerre en Francia, la fotografía era una realidad para el año
mencionado. Para 1889, Hannibal Goodwin y George Eastman habían
creado un sistema de fotografías impresas en una banda de celuloide
especial, el cual permitía su muestra a gran velocidad logrando así
simulación de movimiento de manera relativamente sencilla.
El Inicio Oficial del Cine
Louis y Auguste Lumière lograron lo que Thomás Alva Edison no pudo (o no le
interesó) hacer con un invento de su propio ingenio: la proyección a más de un
espectador. El cine tiene como una de sus principales características que es
presentado a un grupo de persona, y no solo a una. Los hermanos Lumière crearon
los primeros documentales de la historia a manera de cortometraje, y después de la
presentación inicial de su invento el 25 de diciembre de 1895, comenzaron a
establecer estándares sobre los cuales el mundo del cine comenzaría a rodar ya a
nivel internacional.
Poco después del surgimiento de estos primeros documentales, más inventores y
ahora directores de cine comenzaron a surgir. Un ilusionista francés, Georges
Méliès, mostró en cine lo que sería la primera película (El Caso Dreyfus, de 1899) y
los primeros efectos especiales en pantalla. Posterior a esto y hasta 1912, las
películas eran cortas, de máximo 15 minutos de duración, y cabe destacar, mudas.
El “boom” Cinematográfico: Cine Mudo

En 1912 se dio por terminado un monopolio del cine existente en los Estados
Unidos, con lo cual se dio la libertad a productores y directores independientes a
entrar en escena. Europa estaba adelantándose en la producción de obras
cinematográficas, con Italia como el país con mayor número de películas rodadas
en ese mismo año.
En los años siguientes, Estados Unidos tuvo el cambio de sede de sus principales
productores de cine de Nueva York al pequeño pueblo de Hollowood, cerca de Los
Ángeles. Todo es historia de ese momento en delante, convirtiéndose el nombre del
pueblo en un icono del cine. Las películas que se filmaban en aquellos entonces
eran principalmente de vaqueros, acerca de la guerra civil estadounidense,
melodramas o de situaciones cómicas. Las salas de cine (llamadas entonces
“nickelodeon”) se expandieron por todo el país de forma inusitada, y fue
precisamente la gran demanda que tenían lo que impulsó a productores como
Thomas Harper Ince y Mack Sennet a producir películas como pan caliente en sus
recién construidos estudios cinematográficos.
Para terminara la Primera Guerra Mundial, el cine era una industria millonaria, y
poco a poco comenzaron a surgir actores con los cuales la gente se identificaba,
admiraba e incluso idolatraba. Figuran entre ellos nombres como Greta Garbo, John
Barrymore y Norma Shearer. Otro maestro del cine, Charles Chaplin, ya estaba
haciendo cine exitoso para estos entonces.
Cine Sonoro
“El Cantor de Jazz”, película lanzada al público por la Warner Brothers en 1927, se
convertiría en la primera película con audio. Sin embargo, este sistema llamado
Vitaphone, fue sustituido por otro llamado Moviephone, dado que el primero se
basaba en un sistema poco eficiente de grabación de audio ajeno a la filmación de
la película, para después sincronizar ambos. Moviephone, inventado por Lee de
Forest en 1931, grababa el audio del set de filmación, convirtiéndose en un
estándar.
LENGUAJE OBJETUAL EN LAS ESCENOGRAFÍAS:
(Aplicación de las técnicas visuales. Lectura, de composición de imagen).
1.-MATIZ
2.-BRILLO
3.-TEXTURA
4.-ESCALA
5.-LEY DE CIERRE

6.-LEY DE LA COMUNIDAD
7.-LEY DE FIGURA DE FONDO
8.-CONTRASTE
9.-CONTRASTE DE ESCALAS
10.-INESTEBILIDAD
11.-FRAGMENTACIÓN
12.-ECONOMÍA
13.-PASIVIDAD
14.-PLANA
15.-PROFUNDIDAD
GÉNEROS CINEMATROGÁFICOS
1.- GÉNERO CINE MUDO: Se vale de gesticulaciones y expresiones que
luego son explicadas en recuadros negros y enmarcados; esto con el fin
de dar un entendimiento adelantado a la acción que se vaya a presentar
o se esté presentando.
2.- GÉNERO “CINE DEL OESTE” (Western): Se enfoca en los paseos por las
llanuras del oeste para así transportar el espectador y al personaje al
pasado salvaje y caluroso en la época de finales de los 60's.
3.- GÉNERO FANTASÍA: Se presenta de dos formas:
 Ciencia Ficción: Este género está lleno de efectos especiales, montajes,
iluminaciones y representaciones hoy en día digitales; para así
transmitirle a los espectadores emociones y vivencias que van más allá
de una simple proyección, es decir; llevarlos a un nivel de
transportación e identificación con los personajes, de una manera
virtual.
b) Terror: Este tipo de género se especializa en la crueldad, videncia y
crímenes que se ejercen en un grupo bien sea de personajes o
protagonistas para infundirles miedo.

4.- GÉNERO DEL DISCO-FILM O MUSICAL: Se involucra el sonido como
forma de darle al protagonista un desenvolvimiento artístico y bailable
dentro del desarrollo de la película; es decir incluirle un movimiento
innovador y revitalizador como otra manera de darle forma a una nueva
expresión.
5. GÉNERO COMEDIA: Este género es característico en el arte de hacer
reír a la gente creando diversas situaciones de frenesí, descuidos
exagerados, etc. Que sean de agrado y jocosidad para el público.
6.-GÉNERO SUSPENSO: Dentro de este género se presentan los
siguientes sub-géneros:
 Cine Negro: Se enfoca en hechos o sucesos llenos de ironía,
desesperación y tensión.
 Cine Detectives: Se especializa en mafias y desenvolvimiento de
crímenes.
 Sir Alfred Hitchcock: Llamado el “Mago” del género, quien se ha
desempeñado y caracterizado dentro de este género, creando las más
altas escenas llenas de miedo, terror y total suspenso.
7.- GÉNERO BÉLICO: Sirve o se desempeña para reflejar una visión clara
acerca de ciertos conflictos universales o simplemente para hacer
referencias históricas, de hechos o acontecimientos históricos
importantes para el mundo entero.
8.- GÉNERO ANIMACIÓN: Este género se encarga de crear imágenes o
muñecos que serán los protagonistas; este tipo de género es
básicamente para el público infantil ya que se desarrollan historias en
base a personajes animados, alegres, divertidos y llenos de
sentimientos e imaginación.
9.- GÉNERO ROMÁNTICO: Se basa en la expresión pura acerca del
sentimiento que invade o ataca a todos los seres humanos como lo es el
amor.
10.- GÉNERO PORNOGRÁFICO: Este tipo de género es totalmente de
esencia física y erótica ya que se representan las vivencias íntimas entre
las parejas

CORRIENTES CINEMATOGRÁFICAS
Surrealismo
El movimiento surrealista resume una de las tendencias vanguardistas más originales del siglo
XX. Fue el intelectual francés André Breton quien publicó el primer Manifiesto surrealista
(1924), a partir del cual se definieron algunos de sus compromisos más destacables. Al
evolucionar a partir de ciertas nociones del dadaísmo, el surrealismo admitió entre sus
principios fundacionales el automatismo en la creación. A tal fin, el inconsciente se convertía
en animador de toda propuesta, independientemente de su corrección moral o de su respeto a
las normas impuestas por la tradición estética. Obviamente, Breton manejó en todo momento
la teoría psicoanalítica de Sigmund Freud, particularmente en lo referido a la construcción
psíquica del deseo y la sexualidad. De ahí que, para desarrollar este fundamento en el discurso
creativo, los surrealistas debieran guiarse por las pasiones libidinales, yuxtaponiendo toda una
diversidad de elementos en su imaginería. Como el lenguaje de lo inesperado es, justamente,
aquello que modula el humorismo, no es extraño que ese primer empuje de los surrealistas
contuviese todos los ingredientes del humor negro.
Expresionismo
Antes de precisar un movimiento cinematográfico, el expresionismo fue
una corriente pictórica, iniciada en 1911, cuando fueron expuestos en la
muestra de la Secesión berlinesa los cuadros de varios representantes
del fauvismo, una tendencia pictórica que practicaron artistas como
Matisse. A partir de esa fecha, diversos creadores alemanes aplicaron
en el lienzo los principios de dicha vanguardia, fortaleciendo la
expresividad de sus pinturas, estilizando en cada trazo el estado
particular de su sociedad y de sus propias inquietudes personales. De
ahí que figuras como Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Otto Dix
desatendieran los elementos formales de su obra para privilegiar la

inmediatez de las emociones, el sentido amargo e incluso trágico de sus
criaturas y la excitación social promovida durante el periodo de
entreguerras. A ese mismo fin se aplicaron muy pronto músicos,
narradores y dramaturgos.
Con todo, la referencia pictórica no es casual cuando se habla de expresionismo
cinematográfico. A diferencia de lo que sucede con otros movimientos, esta corriente no se
fundó en una filosofía peculiar, común a todos cuantos en ella participaron. Muy al contrario,
los cineastas expresionistas -en particular los alemanes- hallaron en su estética el elemento
común. Por esa razón, el estudio inicial de esta fórmula se mueve entre dos ejes: el uso de los
decorados y la cualidad tenebrosa de su fotografía. Rodados siempre en estudios, los filmes
expresionistas enfatizaban la inquietud más sublime a través de todos los elementos a su
alcance, desde el maquillaje hasta los movimientos de cámara, pasando por un tipo de
ambientación deliberadamente artificial, a veces desfigurada, como si el fotograma fuera un
marco sobre el que delinear esa gama de contrastes.
Neorrealismo
Si hay un término que resume toda una filosofía a la hora de plantear el
oficio cinematográfico, ése es el neorrealismo, puesto en práctica en
Italia a lo largo de la década de los cuarenta del siglo XX. A la teoría más
específica del movimiento precede una tradición que arranca del cine
mudo. Sin duda, el verismo de esas producciones de los años diez
resulta equiparable a las producciones canónicas de esta tendencia
particular. En todo caso, la etiqueta neorrealista no supone una
vanguardia, sino un retorno a valores ya existentes en la cinematografía
anterior, tanto en Italia como en la URSS y el Reino Unido. Valores que,
por otro lado, eran los mismos que luego defendieron los teóricos
franceses del cinéma vérité. Las cualidades que vinieron a definir el
conjunto tampoco eran novedosas, pero reaparecieron en un entorno

sumamente propicio. Entre esos ingredientes cabe señalar el empleo de
actores no profesionales, el naturalismo a la hora de plasmar la trama,
el uso de localizaciones reales y el rechazo de lo pintoresco y
esterotipado en los personajes, de forma que fuera posible conmover y,
a un tiempo, estimular la reflexión socio-política.
Cinéma Vérité
Las características de esta corriente cinematográfica provienen del
documental, y más específicamente, de los documentales rodados con
cámara portátil y un equipo de sonido sincronizado. Por esa razón, la
tendencia que comentamos debe mucho al desarrollo tecnológico que
se dio a lo largo de la década de los sesenta en el siglo XX. El diseño de
equipos de filmación más pequeños y manejables fue indispensable
para que los documentalistas ampliasen su margen de maniobra y, a un
tiempo, desarrollaran un estilo narrativo capaz de influir en los
cineastas dedicados a la ficción. Obviamente, los teóricos del nuevo
estilo reclamaron la herencia de un cineasta soviético, Dziga Vertov,
que años atrás había planteado esa eficaz metáfora que se dio en
llamar Cine-Ojo, por identificar ambos conceptos.
Al hilo de los pensamientos de Vertov, los impulsores del cinéma vérité
destacaron la frescura de este nuevo modo de entender el cine. Al
carecer de un guión previamente estructurado, la realidad fluía de un
modo natural ante el objetivo, que no añadía elementos de subjetividad
narrativa a esas imágenes.

Nouvelle Vague
La corriente así denominada involucra diversos ingredientes, entre los
que sobresale la idea de que un concepto vanguardista de la
cinematografía debía escapar de la exuberancia formal, tendiendo a un
naturalismo expresivo cada vez más alejado de la comercialidad. En
esta perspectiva teórica fue muy digna de crédito la revista "La Revue
du Cinéma" (1947), fundada por André Bazin y Jacques Doniol-Valcroze.
Implicándose en la línea más renovadora del cine francés, ambos
cambiaron el título de esta cabecera, que pasó a llamarse "Cahiers du
Cinéma" (1951). Aparte de las fórmulas expresivas que fue irradiando
dicha revista, fue destacable su primera plantilla de colaboradores,
entre los que figuraban Eric Rohmer, Jean-Luc Godard y François
Truffaut. El propósito de todos ellos era redefinir la crítica
cinematográfica y, por medio de esa actividad intelectual, ser
portavoces de una nueva ola en el cine francés.
Cinema Nôvo
En su vertiente internacional, el neorrealismo italiano fue
consolidándose como paradigma de una cinematografía viable en
situaciones de subdesarrollo económico. Aparte de perfilar un modelo
cinematográfico austero y sencillo, los neorrealistas difundieron un
ideario social muy asumible por parte de la izquierda intelectual,
decidida a emplear el celuloide como vía difusora de sus inquietudes
políticas. A mediados de los cincuenta, esa fórmula se vio enriquecida
por dos movimientos afines, la nouvelle vague y el free cinema, que

fascinaron a toda una generación de cineastas iberoamericanos. En
Brasil fue el cinema nôvo la corriente que canalizó todas esas
influencias, oponiéndose a los géneros comerciales que llenaban las
pantallas del país lusoparlante.
Siguiendo esa filosofía militante, el ciclo del cinema nôvo fue tomando
forma gracias a productores independientes, a veces enfrentados a las
principales corporaciones cinematográficas del país. A imagen de sus
modelos europeos, también esta corriente consumó un proceso
iniciado en el ámbito de la crítica. De hecho, varios de sus principales
creadores procedían del entorno de los estudios fílmicos y las revistas
especializadas, repletas por esas fechas de alusiones ideológicas. En una
evolución francamente fluctuante, el nuevo modelo del cine brasileño
partió de antecedentes tan notables como el largometraje O
Cangaceiro (1953), de Victor Lima Barreto, donde se relataba la historia
de Virgulino Ferreira "Lampiâo", un famoso bandido que actuó en el
deprimido nordeste del Brasil.
Free Cinema
Reaccionando frente a la tradición cinematográfica y dramatúrgica
británica, un grupo de autores propuso, a fines de la década de los
cincuenta, una renovación de esas actividades, atendiendo en mayor
grado a los temas que interesaban a las clases más populares. Ese
conjunto de creadores recibió el nombre de "Los jóvenes airados", y
uno de sus principales activistas e impulsores fue el escritor John
Osborne. En torno suyo, fueron reuniéndose varios cineastas, influidos
por las nociones puestas de actualidad por la nouvelle vague francesa.

Su intención de elaborar un cine socialmente comprometido dio lugar a
la corriente denominada british social realism (realismo social
británico), también llamado free cinema, que no era sino un modo de
reaccionar a la artificialidad narrativa de Hollywood.
Vanguardia estadounidense
Mientras el cine de los grandes estudios moderaba la rebeldía de sus
creadores, el cine independiente norteamericano fue, durante los años
60 y 70, un foco de creatividad desaforada y provocativos
planteamientos temáticos y formales. Si bien no hubo, como en otros
casos, una etiqueta general que abarcase toda esa producción, suele
hablarse de nuevo cine estadounidense a la hora de citar a esta
generación de creadores. En otro orden, también suele emplearse el
neologismo underground para especificar el cine contracultural
elaborado con fines experimentales.
La evolución del cine independiente arranca a finales de la década de
los cuarenta. Coincidiendo con la etapa de posguerra, finaliza el
monopolio comercial de los grandes estudios de Hollywood. Por partida
doble, éstos se ven enfrentados a la creciente oferta televisiva y a las
pequeñas compañías cinematográficas que procuran hacerles la
competencia con presupuestos muy menguados y temas mucho más
atrevidos. No sujetos a los modelos canónicos, estos cineastas
independientes introdujeron en su obra contenidos que, hasta muy
poco antes, hubieran sido rechazados por los comités de censura y por
las juntas directivas de las productoras.

Dogma
Reaccionando ante lo que consideraban un progresivo adocenamiento
del cine internacional, un grupo de cineastas daneses urdió en 1995 los
principios del movimiento Dogma. Su propósito era recuperar la esencia
del arte cinematográfico. A juicio de estos creadores, sólo despojando
al cine de efectos y recursos especiales podría volverse la verdad
esencial que, con la naturalidad de una instantánea, es posible captar
en el celuloide.
Los principales impulsores de esta nueva fórmula fueron Lars von Trier, Søren Kragh-
Jacobsen, Thomas Vinterberg, Åke Sandgren, Lone Scherfig y Kristian Levring. De todos
ellos, el más exitoso es Von Trier, autor de filmes como El elemento del crimen (1984),
Europa (1991), Rompiendo las olas (1996) y Bailando en la oscuridad (2000). Kragh-
Jacobsen es responsable del largometraje Mifune (2000), y en cuanto a Scherfig, cabe
destacar que es la primera directora que se incorporó a la nueva tendencia,
cumpliendo sus normas en películas como Italiano para principiantes (2000).
ETAPAS DE PRODUCCIÓN
Preproducción: Todas las actividades previstas que conciernen a la producción de la
película antes de que empiece el rodaje real (producción).
La cooperación entre el productor, guionista y director hay que resaltarla en la pre-
producción. La producción moderna de películas enfatiza la importancia de la pre-
producción: Una buena preproducción significa que los costos pueden ser mantenidos
a un nivel mínimo durante las etapas posteriores de trabajo.
Producción:Toda creación audiovisual es el resultado de la combinación de varias
necesidades, a saber: industriales, comerciales, de entretenimiento, culturales o
artísticas. Tras todas estas necesidades existe siempre, a partes iguales en lo que a
importancia se refiere, una inversión de capital, una mezcla de trabajo y recursos
técnicos y un plan organizativo. Es a esta planificación a la que se conoce, tanto en el
mundo de la industria cinematográfica como en el de la industria televisiva, como

producción audiovisual. Debido a la importancia del proceso de producción, el modo
de organizarlo será primordial para el éxito o fracaso de la obra. En referencia a la
producción, las diferencias entre la empresa audiovisual y empresas que actúan en
otros sectores son mínimas. La producción audiovisual es todo un arte y requiere de la
especialización, la adquisición y el dominio de diversas técnicas, que van desde lo
elemental (qué es un plano, un sonido...) hasta conceptos más complicados, como el
montaje y los tiempos narrativos.
Postproducción: consiste en la manipulación de material digital, usada para cine,
publicidad, programas de televisión o radio. Usada para producir efectos digitales y
edición en el material.
Implica diversos procesos:
-Digitalización o captura
-Edición
-Creación de material
-Composición de material
-Filmado o volcado
Guion
Existe una máxima incontestable en el mundo del cine: un buen guión no garantiza una
buena película, pero sin un buen guión no puede haber una buena película; y un
corolario complementario: un mal director puede estropear un buen guión pero ni el
mejor director salvará un mal guión (quizá con la sublime excepción del trabajo
mexicano de Luis Buñuel). Pero ¿qué es el guión?
La definición exacta de Guión se antoja compleja y con variaciones según los autores.
En cierta manera se establece en un punto de equilibrio entre la fuerza creativa de
literatura y la del séptimo arte. De igual modo que hay guiones que se convirtieron en
novelas como 2001, una Odisea del Espacio de Arthur C. Clarke son multitud los
ejemplos de novelas que se transforman en guiones y luego en películas o series
televisivas (desde El Quijote hasta Harry Potter o El señor de los anillos). El resumen
más simple podría indicar que un guión es un texto escrito concebido desde su origen
para transformarse en imágenes. Cierto es que, como indica Jean Claude Carrière,
coguionista habitual de Luis Buñuel, el guión se halla más próximo a la imagen, al
director, que a la forma escrita, al escritor.
Ya hemos indicado en otros epígrafes que la narrativa fílmica es causal. Es decir que los
guiones comienzan o parten de un punto (con frecuencia sin dar ninguna información
sobre los procesos acaecidos con anterioridad) y se constituyen como trayecto que

avanza por medio de acciones y conflictos de los personajes para llegar a otro punto
que se determina como final (y deja conscientemente al margen la evolución futura).
Dos ejemplos: ¿qué era de la vida de Torrente antes de entrar en el bar, plano con el
comienza el primer film de la saga? o ¿qué hacen ‘los otros’ en la actual sociedad de la
información en la que las islas del canal son paraísos fiscales?
Como se sabe, la progresión lineal de incidentes, episodios y acontecimientos
relacionados entre sí que conducen a una resolución dramática se han definido
ancestralmente como planteamiento o principio, nudo o medio y desenlace o final. El
norteamericano Syd Field, la autoridad más reconocida entre los autores de manuales
de escritura de guiones, hasta tal punto que sus libros se han traducido a 17 lenguas y
han vendido unos 600.000 ejemplares en todo el mundo, establece unas normas para
la escritura de los guiones por las que se considera que cada página Din A 4 de un
guión equivale a un minuto de proyección en pantalla, de lo que puede deducirse que
debe trabajarse con un promedio de unas 120 páginas por guión.
Con este modelo tripartito, paradigma en las palabras de Syd Field, utilizaremos las
primeras 30 páginas como planteamiento de la historia, las siguientes 60 páginas
equivaldrán al segundo acto o nudo y las 30 últimas páginas serán de resolución, el
tercer acto. Recordemos que estas medidas son promedios, hay películas que duran 90
minutos y otras que llegan a las cuatro horas de proyección, hay films que pueden
llevar su planteamiento hasta el minuto 40 o reducirlo al 25, pero salvo elecciones
azarosas podremos aplicar proporcionalmente el paradigma a cualquier película o
guión que analicemos.
Según Doc Comparato, otro autor cuyos libros tienen gran circulación en el mercado
español y latinoamericano, todo guión se compone de tres elementos esenciales:
Logos, el discurso sustentado por la palabra, la organización verbal del guión; Pathos,
el drama, la acción convertida en conflicto y que genera los acontecimientos y Ethos, el
significado último de la historia, lo que se quiere decir, el motivo por el que se escribe,
las preguntas y las respuestas.
Con independencia de que en la actualidad sea relativamente habitual la publicación
editorial de los guiones de las películas de éxito, lo cierto es que un guión como forma
escrita es perecedero. Su existencia depende del tiempo que se tarda en convertir en
producto audiovisual y luego permanece como sustrato de la forma visible que es el
film. Como cada uno de los elementos que intervienen en el proceso creativo fílmico
su virtud se basa en su invisibilidad para el espectador medio. Lo que no obsta para
que un buen ejercicio de análisis fílmico consista en tratar de ver una película,
aconsejablemente de corte comercial, e intentar cronometrar en qué minutos
situamos el final de la presentación y el inicio del desenlace.
ETAPAS DE PRODUCCIÓN
Preproducción: Todas las actividades previstas que conciernen a la producción de la
película antes de que empiece el rodaje real (producción).

La cooperación entre el productor, guionista y director hay que resaltarla en la pre-
producción. La producción moderna de películas enfatiza la importancia de la pre-
producción: Una buena preproducción significa que los costos pueden ser mantenidos
a un nivel mínimo durante las etapas posteriores de trabajo.
Producción:Toda creación audiovisual es el resultado de la combinación de varias
necesidades, a saber: industriales, comerciales, de entretenimiento, culturales o
artísticas. Tras todas estas necesidades existe siempre, a partes iguales en lo que a
importancia se refiere, una inversión de capital, una mezcla de trabajo y recursos
técnicos y un plan organizativo. Es a esta planificación a la que se conoce, tanto en el
mundo de la industria cinematográfica como en el de la industria televisiva, como
producción audiovisual. Debido a la importancia del proceso de producción, el modo
de organizarlo será primordial para el éxito o fracaso de la obra. En referencia a la
producción, las diferencias entre la empresa audiovisual y empresas que actúan en
otros sectores son mínimas. La producción audiovisual es todo un arte y requiere de la
especialización, la adquisición y el dominio de diversas técnicas, que van desde lo
elemental (qué es un plano, un sonido...) hasta conceptos más complicados, como el
montaje y los tiempos narrativos.
Postproducción: consiste en la manipulación de material digital, usada para cine,
publicidad, programas de televisión o radio. Usada para producir efectos digitales y
edición en el material.
Implica diversos procesos:
-Digitalización o captura
-Edición
-Creación de material
-Composición de material
-Filmado o volcado
DIFERENCIA ENTRE TELEVISIÓN Y CINE
La televisión y el cine son medios parecidos, dado que comparten
similitudes, aunque no iguales. La televisión es un medio de
comunicación de masas. Transmite de forma sincrónica sonidos e
imágenes para su recepción simultánea. Este medio vehicula programas

que puede ser de diferentes modalidades como la educación, la
información y el entretenimiento. La televisión incorpora gran variedad
de géneros narrativos como mesas redondas, magazines, informativos,
concursos, programas didácticos…además tener en consideración la
presencia del directo. Algo que no es encontrado en el cine, dado que
en este medio no encontramos nada en directo. Todo es filmado,
etalonado, editado, colocando efectos especiales con programas de
postproducción, retocando las imágenes, colocando voces de doblaje…y
todo un sinfín de efectos que no encontramos en programas de
televisión. Los géneros que nos encontramos en televisión son shows,
magazines, concursos, informativos…
Sin embargo en cine nos encontramos otro tipo de géneros como lo son
el drama, comedia, terror, romántico, cine de autor, acción, biopic… Los
objetivos de la televisión son formar, informar y entretener, pero el
cine tiene otro tipo de objetivos más emotivos, como el comunicar una
historia apelando al interior del espectador y provocarle todo un
número de emociones como la risa, llanto, intriga, suspense, horror,
romanticismo… El narrar una historia para transmitir toda una serie de
sentimientos es un arte.
MOVIMIENTOS DE CÁMARA
PAN O PANEO: Es el giro de la cámara sobre su eje de izquierda a derecha.
PAN RIGHT: Paneo a la derecha
PAN LEFT: Paneo a la izquierda
TILT: Es el movimiento de la cámara de abajo hacia arriba o de arriba hacia abajo sobre
su eje
TILT UP: Hacia arriba
TILT DOWN: Hacia abajo
TRAVEL: Consiste en desplazar el transporte con la cámara horizontalmente y en línea
recta, puede hacerse hacia la derecha o izquierda.
TRAVEL LEFT: Hacia la izquierda
TRAVEL RIGHT: Hacia la derecha
TRAVELING: Es el desplazamiento del transporte con la cámara sin dirección definida
DOLLY: La cámara con su transporte se desplazan hacia delante o hacia atrás, en línea
recta

DOLLY IN: Desplazamiento hacia delante
DOLLY OUT O DOLLY BACK: Desplazamiento hacia atrás
PEDESTAL: Es el movimiento de elevar la cámara por medio del pistón del transporte
PEDESTAL UP: Elevar la cámara
PEDESTAL DOWN: Bajar la cámara
BOOM: Movimiento hacia arriba o hacia debajo de la cámara cuando ésta se encuentra
montada en una grúa. Es el correspondiente al movimiento de Pedestal
BOOM UP: Elevar la cámara
BOOM DOWN: Bajar la cámara
ZOOM: Aunque no es un verdadero movimiento de cámaras, se le considera como tal,
pero en realidad es el cambio de distancia que se hace por medio de la lente
ZOOM IN: Acercamiento óptico del objeto
ZOOM OUT: Alejamiento óptico del objeto
TOMAS DE CÁMARA
Podemos dividir la serie de Tomas en tres apartados principales:
 CU : Close up : Toma cerrada
 MS : Médium Shot: Toma media
 LS : Long Shots : Tomas abiertas
TOMAS DE CÁMARA SHOTS
EXTREME CLOSE UP: Toma cerrada extrema : Toma más cerrada a un área de la cara;
como podría ser los ojos, la nariz, la boca u oreja.
BIG CLOSE UP: Gran toma cerrada: Esta toma abarca lo que es la cara, desde la barba
hasta la parte superior de la frente
CLOSE UP: Toma cerrada: Abarca desde los hombros hasta la parte superior de la
cabeza. Con criterio a aire o espacio superior
MÉDIUM CLOSE UP: Toma cerrada media. Hace resaltar detalles. La toma se extiende
desde el tórax hasta la parte superior de la cabeza.
TOMAS MEDIAS O MÉDIUM SHOT
MÉDIUM SHOT: Toma media : Abarca desde la cintura hasta la parte superior de la
cabeza
MÉDIUM FULL SHOT: Toma medio llena. Desde la rodilla hasta la parte superior de la
cabeza
FULL SHOT: Toma llena. Cubre el cuerpo completo desde los pies hasta la parte superior
de la cabeza
TOMAS ABIERTAS O LONG SHOTS
LONG SHOT: Toma larga: Abarca todo el set y varias personas en escena

EXTREME LONG SHOT: Toma extrema abierta. Para mostrar grandes panoramas . Hasta
afuera del set.
OTRAS TOMAS
TWO SHOT: Toma de dos. Toma de dos personas y puede ser en abertura cerrada o
abierta
Puede ser TWO SHOT en Close up ,en Medium Shot o TWO SHOT en Full.
TWO SHOT OVER THE SHOULDER: Toma de dos personas sobre hombros
THREE SHOT: Toma de tres personas
GROUP SHOT: Toma de Grupo
1. Panorámica: Consiste en un movimiento de cámara sobre el eje vertical u horizontal
(X o Y) . Normalmente la cámara está situada sobre un trípode y gira alrededor de su
eje. Tiene un gran valor descriptivo y también puede tener valor narrativo. Se emplea
para descubrir una acción o un escenario que no puede abarcarse de una sola vez. Su
efecto práctico es similar al que se produce cuando se gira la cabeza hacia un lado u
otro para visionar un gran espacio. Podemos distinguir:
Panorámica horizontal: Movimiento de derecha a izquierda o viceversa.
Panorámica horizontal de seguimiento: es el movimiento de cámara más común. Se
hace un seguimiento del sujeto que se mueve.
Panorámica horizontal de reconocimiento: se hace un recorrido lento por la escena
para permitir al espectador que se fije en todos los detalles del escenario. Puede crear
dramatismo y expectación o puede servir para mostrar cierta decepción.
Panorámica horizontal interrumpida: consiste en un movimiento largo y suave que se
detiene de repente para crear un contraste visual. Se emplea en situaciones
dramáticas o lacónicas.
Panorámica horizontal en barrido: el barrido es una panorámica rápida que produce
una serie de imágenes transitorias generalmente borrosas. El espectador no tiene
tiempo de verlas nítidas. Trata de atraer la atención hacia la siguiente imagen. Se
produce una relación dinámica o de cambio comparativo. El barrido puede tener
muchas funciones: mostrar diferentes aspectos de la misma escena, proporcionar
continuidad de interés (conectando entre sí una serie de sujetos o temas similares),
cambiar los centros de atención, mostrar la causa y el efecto, comparar o contrastar,
trasladar en el tiempo y en el espacio, etc.
Panorámica vertical: Movimiento de arriba abajo o viceversa.

Panorámica de balanceo: Movimiento de balanceo.
2. Travelling: Consiste en un deplazamiento de la cámara variando la posición de su
eje. Estos movimientos suelen ser por desplazamiento de la cámara por una persona,
travelín, grúa, etc. Tiene un gran valor expresivo, de relieve y perspectiva narrativa.
Existen diversos tipos:
Avanti o avance: la cámara se acerca. Refuerza la atención.
Retro o retroceso: la cámara se aleja. Relaja la tensión, a no ser que aparezcan otros
objetos que antes no se veían, despertando nuevos focos de atención.
Ascendente/descendente: La cámara acompaña al personaje, o muestra alguna cosa
en movimiento, hacia arriba o hacia abajo.
Lateral: La cámara acompaña en paralelo a un personaje que se desplaza
horizontalmente o muestra alguna cosa con un movimiento lateral. Permite mantener
cerca la expresión del personaje que se mueve. Los objetos dan la sensación de
moverse más deprisa.
Circular o en arco: La cámara se desplaza en círculo alrededor del personaje u objeto.
Este movimiento suele ser de exploración, permite ver la escena desde distintos
puntos.
3. Rotación consiste en rotar la cámara sobre el eje o dimensión Z, se puede hacer
hacia la derecha o hacia la izquierda, y se mide en grados, generando desviación en el
plano.
Movimientos ópticos
Zoom: El movimiento del zoom se realiza con las cámaras que tienen objetivos de focal
variable, es decir, objetivos zoom. Permite hacer que los objetos se acerquen o se
alejen sin desplazar la cámara. También se llama travelín óptico, aunque, a diferencia
del travelín, con el zoom los objetos que se acercan se comprimen, no descubrimos las
áreas escondidas detrás de los objetos como lo podemos hacer con el travelín. En el
cine y la televisión se puso de moda en los años 60 y 70 y su uso fue excesivo. Valerio
Lazarov fue uno de los más conocidos cineastas que abusaba del zoom en sus trabajos.
Actualmente se evita abusar del zoom, ya que su uso injustificado cansa y marea al
espectador. También existen usos destacados por su resultado en Fellini-Satyricón,
aplicado por Giuseppe Rotunno en forma magistral.
foco: El desplazamiento de foco puede ser considerado como un movimiento óptico
pues permite descubrir nuevos elementos dentro de un plano, a partir de
enmascararlos o desenmascararlos con el foco.

1. Movimiento del foco basado en la distancia: Este movimiento de foco es el clásico,
enmascara o emborrona objetos con base a la distancia del objeto a la cámara, y a la
distancia focal en la que esté colocado el anillo de enfoque del objetivo. Funciona con
base a la dimensión Z de la imagen, a la profundidad, y puede afectar de manera
sustancial las dimensiones X e Y, a partir de la cantidad de desenfoque que se produce
en los bordes de los objetos.
2. Movimiento arbitrario del foco o enmascaramiento del punto de foco: Este
movimiento óptico se genera con lentes o filtros especializados, como los lensbaby,
que logran a partir de la manipulación de la posición de las unidades de un lente con
respecto a las otras unidades y al respaldo de la cámara, discriminar la zona y la
magnitud en la que se encuentra el foco dentro de la imagen, independientemente de
la distancia del objeto a la cámara. es decir, independientemente a la profundidad de
campo obtenida por el lente y el diafragma. este movimiento mueve ópticamente el
plano en las dimensiones X e Y. (funciona con base al alto y el ancho, de manera
arbitraria, puede dar la ilusión de basarse en la dimensión Z, aplicando el desenfoque
arbitrariamente a las zonas más cercanas o más lejanas, dando la ilusión de
desenfoque de distancia)
3. Movimiento de la profundidad de campo: A partir de cerrar o abrir el diafragma de
un lente, se genera un movimiento en la profundidad de campo, revelando u
ocultando detalles de el plano en cuestión dentro de el eje Z o profundidad de la
imagen. (funciona con base en la profundidad, puede afectar levemente la dimensión
X e Y de el plano, y usualmente se realiza con lentes de diafragma continuo sin saltos
entre valores de diafragma)
4. Movimiento de manipulación de perspectiva: A partir de lentes de tipo tilt and shift,
se pueden realizar movimientos que deforman, alargan, corrigen o expanden el foco y
las líneas de perspectiva de la imagen, haciendo aparecer más anchos los objetos
cercanos que los lejanos, o los de la parte de abajo de la imagen, o los centrales,
pudiendo así, realizar movimientos que crean distorsiones o manipulaciones de la
imagen en las tres dimensiones X, Y, Z.
Movimiento digital
Escala o zoom digital Las cámaras digitales permiten realizar el zoom digital, el cual,
consiste en una ampliación de la imagen para lograr cubrir todo el plano con una
porción más pequeña del rayo focal proyectado por la lente. En la mayoría de los casos
produce pixelación, sin embargo, en algunas cámaras de alta resolución, con sensores
de más pixeles que el tamaño final de imagen, puede realizar un movimiento de zoom
digital sin pérdida de calidad. A diferencia del zoom óptico, que comprime los objetos,
la escala digital simplemente agranda la imagen o revela detalles a medida de la
utilización de pixeles nuevos en el sensor..

Desplazamiento o estabilización del sensor de imagen: El sensor de la cámara se
mueve sin cambiar la posición de la misma, este movimiento actúa como un leve
traveling, sin embargo, no es exactamente lo mismo pues el sensor de imagen se
mueve dentro del rayo focal del lente sin cambiar la perspectiva de mirada.
Fases de la producción
La producción de un proyecto audiovisual requiere de 3 fases para su realización:
• Preproducción. Es la fase más importante del proceso de producción.
Comprende desde el momento en el que nace la idea hasta que empieza la
grabación. El mayor esfuerzo productivo se realiza en esta fase. El equipo de
producción atenderá a la resolución de los problemas que planteen las
personas y los medios precisos para la realización del programa. En primer
lugar, se encargarán de la supervisión y corrección del guion técnico, del que se
distribuirán copias a los miembros del equipo técnico y artístico, así como al
resto de personas que precisen de información sobre el mismo. Según las
indicaciones del guion, el equipo de producción seleccionará los lugares donde
se llevará a cabo la grabación e iniciará los trámites necesarios para evitar
posibles problemas durante el rodaje en los escenarios y localizaciones. Del
mismo modo, debe conseguir los permisos pertinentes para poder hacer uso de
determinadas piezas musicales que poseen copyright). En esta fase de
"preproducción" se contratan ya los equipos técnicos, artísticos, de edición, de
vestuario, de maquillaje, etc. con los que se contará durante la realización del
programa. Por otra parte, los equipos de producción y realización deberán
elaborar una serie de listas en las que se detalle con la mayor exactitud posible
las necesidades de atrezo y mobiliario. En definitiva, en esas listas se precisará
qué personas, materiales y medios serán necesarios en cada momento de la
grabación. Todo el material previamente citado, será de vital ayuda para que el
equipo de producción pueda visualizar el volumen de trabajo a desarrollar. El
final de la fase de preproducción se resume en la confección de un plan de
trabajo en el que quedará programado las actividades que día a día se deberán
efectuar para ajustarse a las previsiones del equipo de producción.
Normalmente, el plan de trabajo incluye una serie de formularios que recogen
toda la estructura administrativa del producto audiovisual.
• Producción y rodaje. Es la puesta en práctica de todas las ideas pensadas en la
fase de preproducción. Una mala planificación supondría un gasto importante
de tiempo y capital. En esta etapa de la producción se incorporan el equipo de
cámaras, los técnicos de sonido, el equipo de dirección artística y decoración,
los iluminadores, etc. El trabajo que se efectúa en esta fase queda recogido en
la orden de trabajo diaria, que se materializa en datos reales en el parte de
producción. La jornada de trabajo finaliza con el visionado del material grabado
y la preparación del día siguiente.

• Postproducción. Consiste en la selección del material grabado.De esta forma se
eligen las tomas que servirán para la edición y montaje de la obra. La
producción se encarga en esta última fase de la obtención del producto final, es
decir, el máster de grabación a partir del que se procederá al proceso de copia.
Para ello debe asegurarse de que se respeten los plazos de postproducción de
la imagen, así como controlar el alquiler de las salas de edición y sonorización,
supervisar el trabajo de doblaje y el grafismo electrónico.
SEMANA DE LA COMUNICACIÓN.
• LA SEMANA DE LA COMUNICACIÓN DE LA COMUNICACIÓN 2013, FUE EL 28, 29
Y 30 DE JUNIO DE 2013, EN EL CETIS 49 ADONDE SE PRESENTARON VARIOS
PONENTES Y LAS AUTORIDADES DE LA ESCUELA DIERÓN APERTURA AL EVENTO,
CONTAMOS CON LA PARTICIPACIÓN DEL DIRECTOR DEL PLANTEL JOSÉ VÍCTOR
REA FEREGRINO, AUTORIDADES D LA DGETI, EX ALUMNOS DE LA ESCUELA,
MAESTROS Y EL PRESIDENTE D LA COMUNICACIÓN EL MAESTRO OCTAVIO
MANCILLA MARTÍNEZ, DANDO VARIAS CONFERENCIAS ENTRE ELLOS
EXPUSIERÓN PERIODISTAS, LOCUTORES Y GENTE DEL MEDIO DE LA
COMUNICACIÓN.
• EN EL AUDITORIO DE LA ESCUELA SE DIERÓN LAS CONFERENCIAS ADONDE LOS
PONENTES COMPARTIERÓN TODO LO QUE SABEN SOBRE LA COMUNICACIÓN,
DEBEMOS ESTAR INFORMADOS DE LOS AVANCES, PELIGROS, CONSEJOS, RETOS
Y EXPERIENCIAS D LOS COMUNICADORES.
• EN LA PRIMERA CONFERENCIA SE PRESENTÓ MARCO ANTONIO GONZÁLEZ
NÁJERA Y NOS COMENTÓ QUE EN LA RADIO TENEMOS QUE SER OBJETÍVOS,
EN LO QUE SE DICE DE LOS HECHOS, NO USAR PALABRAS “COMODINES” COMO
MADRE, GUEY; ETC EL RADIO ES UN MEDIO DE COMUNICACIÓN ADONDE
PUEDES EXPRESAR A TODO LO QUE DÁ, HAY MUY MALA ÉTICA EN EL PAÍS
(POLÍTICA, CORRUPCIÓN EN EL PODER).
• HAY MUCHAS LIMITANTES, LAS PERSONAS QUE TIENES DE RADIO ESCUCHAS,
TE SIGUEN Y VAS A CAMPO TE RECONOCEN POR LA VOZ Y HACEN UN CONTROL
REMOTO, LA GENTE TE RCONOCE POR LA VOZ, HACEN CONTROL REMOTO ES
UNA SATISFACCIÓN VER A LA GENTE COMO TE IDENTIFICA FUERA DE CABINA,
TODO LO QUE HACES NO SE QUEDA EN PAPELES NI ARCHIVADO, LA GENTE LO
VIVE CONTIGO.
• ¿QUÉ HARÍAS CUANDO HAY MUCHA COMPETENCIA ENTRE LOS PERIODISTAS,
YA QUE ESTÁN BIEN RECONOCIDOS? QUÉ HACER PARA UNO QUE APENAS
EMPIEZA?

• HAY QUE TENER ESTILO ÚNICO UNA FORMA DE EXPRESIÓN UN ENFOQUE
DEFERENTE Y PUEDE UNO ENTRAR A PRODUCCIÓN DE LOCUTORES,
PUBLICIDAD, DEPORTES; ETC.
• EN LA SEGUNDA CONFERENCIA FUE UN INVITADO DE RADIO FÓRMULA ;
MARTÍN AARÓN ALONSO VELÁZQUEZ SU SERVICIO SOCIAL LO HIZO EN LAS
OFICINAS DEL DEPARTAMENTO DEL DISTRITO FEDERAL, A EBRAD LE GUSTÓ
COMO REDACTABA SU TRABAJO Y LO INVITÓ A SU EQUIPO DE TRABAJO, LE
TOCABA DIARIO REVISAR TODOS LOS PERIÓDICOS Y TODAS LAS COLUMNAS .
• COMENTÓ MARTÍN ALONSO QUE EN EL PERIODISMO HAY PELIGROS Y RIESGOS
LO MÁS DIFÍCIL ES LA PARTE ESCRITA, ES LA QUE MÁS HA DESAPARECIDO LA
GENTE Y QUE EN EL PERIODISMO LA NOTICIA REAL ES LA MÁS DIFÍCIL, LOS
ESTADOS D VERACRUZ Y DURANGO SON LOS MÁS PELIGROSOS PARA LOS
PERIODÍSTAS.
• EL PERIODÍSMO PARA ÉL HA SIDO MUY PLACENTERO PARA DEDICARSE A ESTO
HAY QUE SER DISCIPLINADOS Y NUNCA PERDER DE VISTA EL OBJETIVO QUE SE
TIENE, EN TRAPITOS AL SOL (PROGRAMA QUE EL DIRIGE) HUBO CENSURA, LO
QUE LO MOTIVÓ EL IMPULSO A LA PROPUESTA DE LA SECCIÓN SON POCOS LOS
PERIODÍSTAS QUE SE ATREVEN A HABLAR DE POLÍTICA, NARCOTRÁFICO,
JÓVENES, ETC.
• NOS RECOMENDÓ PARA NOSOTROS QUE ESTAMOS ESTUDIANDO, ESTAR BIEN
INFORMADOS DÍA A DÍA, HAY QUE LEER MUCHO NOS RECOMENDÓ DOS
LIBROS, EL PRIMERO, EL PRINCIPIO DEL PLACER DEJOSÉ PACHECO Y EL
SEGUNDO JUVENTUD EN ÉXTASIS.
• HAY MUCHA CENSURA POR PARTE DE LOS JEFES, LOS PERIODISTAS QUE
DECIDEN NO DECIRLO, LA AUTO CENSURA, CUANDO TÚ DECIDES NO
DECIRLO,LAS REDES SOCIALES HAN TENIDO UN BOOM QUE NO NOS DEJEMOS
ENGAÑAR, HAY QUE SER BUENOS CRÍTICOS, HAY QUE COMPARAR LA
JORNADA, MILENIO Y EL UNIVERSAL.
• LA PRENSA ESCRITA ES LA MÁS DAÑADA A LA CENSURA, ¿QUÉ TAN
CENSURADO ES EL MEDIO DE LA TELEVISIÓN? TIENE MÁS IMPACTO
MEDIÁTICO.NOS COMENTÓ MARTÍN ALONSO, QUE EL ARTÍCULO 19 SE
MANTIENE CON CONTRIBUCIONES DE INGLATERRA, COMO ES POSIBLE QUÉ
TENGAMOS MÁS APOYO DE OTROS PAÍSES QUE DEL NUESTRO.
• PARA FINALIZAR AGREGÓ, NO ES CORRECTO QUE LOS PERIODISTAS SE
GUARDEN INFORMACIÓN.
• EN LA TERCERA CONFERENCIA OSCAR A. HERNÁNDEZ ORTÍZ NOS PLATICÓ LOS
RIESGOS DE SER PERIODISTA HUBIERON NUEVE PERIODISTAS ASESINADOS

DURANTE LA GESTIÓN DE DUARTE FUENTRE MAYODE 2011 Y JUNIO DE 2012.
DESDE LA LLEGADA DE DUARTE SE LES HA PUESTO UN BOZAL A LOS MEDIO DE
COMUNICACIÓN INDEPENDINTES.
• NOS DIO EL EJEMPLO DEL LOS CASOS COMO: ETC. MIGUEL
ÁNGEL LÓPEZ VELASCO: PERIODISTA DE LA FUENTE POLICIACA
DEL DIARIO NOTIVER. DESTACADO POR SU TRAYECTORIA EN
INVESTIGAR TEMAS RELACIONADOS CON EL NARCOTRÁFICO. FUE
ASESINADO EL 20 DE JUNIO DE 2011 JUNTO CON SU ESPOSA Y SU
HIJO FOTÓGRAFO, MISAEL LÓPEZ SOLANA: FOTÓGRAFO DEL
DIARIO NOTIVER E HIJO DE LÓPEZ VELASCO. ASESINADO EL 20 DE
JUNIO DE 2011, YOLANDA ORDAZ: REPORTERA DEL
DIARIO NOTIVER. FUE SECUESTRADA POR UN COMANDO
ARMADO Y SU CUERPO FUE ENCONTRADO EL 27 DE JULIO DE
2011. EL FISCAL ESTATAL DE VERACRUZ, REYNALDO ESCOBAR
PÉREZ, TRATÓ DE VINCULARLA AL CRIMEN ORGANIZADO, LO QUE
EL PERIÓDICO PARA EL QUE TRABAJABA NEGÓ TAJANTEMENTE;
ETC. FALTARON POR MENCIONAR MUCHOS MAS.
CONCLUSIÓN:
• *EL PRIMER CONFERENCISTA ME GUSTÓ POR QUE ES MUY
EXPERIMENTADO EN LA MATERIA, FUE MUY OBJETIVO, DIO SU
EXPONENCIA MUY CLARA Y CONCISA NOS DIO UNOS CONSEJOS
MUY BUENOS PARA NOSOTROS QUE ESTAMOS ESTUDIANDO.
• *EL SEGUNDO CONFERENCISTA ESTÁ MUY JOVEN PERO MUY
PREPARADO SU CONFERENCIA FUE MUY BIEN EXPLICADA, SE DIO
SUS TIEMPOS EL PARA EXPLICARNOS, COMENTAR Y RESPONDER
NUESTRAS INQUIETUDES FUE DE LAS MEJORES EXPONENCIAS Y
FELICITO AL JOVEN MARTÍN AARÓN ALONSO VELÁZQUEZ.
• *EL TERCER CONFERENCISTA REALMENTE NO ME GUSTÓ POR
QUE PARECIA QUE LO IBAN CORRETEANDO, Y LO QUE EXPUSO LO
LEYÓ NO PREPARÓ NADA VERBAL, NO DIO TIEMPO PARA
PREGUNTAR Y NO SE PRESTABA PARA QUE SU EXPONENCIA SE
ALARGARA.
COMENTARIO:
• A MI EN LO PARTICULAR ME PARECIÓ MUY BIEN LA SEMANA
DELA COMUNICACIÓN POR EL ESFUERZO DE TODOS LOS QUE

PREPARARON Y PARTICIPARON, ASISTÍ POCO PERO APRENDÍ
BASTANTE NOS DIERON BUENOS TIPS, CONSEJOS Y LO MÁS
IMPORTANTE EL POR QUÉ SON COMUNICADORES Y LO
IMPORTANTE QUE ES.
• DOY LAS GRACIAS AL MAESTRO MANCILLA POR SU TIEMPO Y
ESFUERZO Y POR TODA LA RESPONSABILIDAD Y CARIÑO QUE
PUSO EN LA SEMANA DE LA COMUNICACIÓN GRACIAS.

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