El documento describe el contexto sociocultural en el que surgió la danza moderna a principios del siglo XX, incluyendo las guerras mundiales, las migraciones, el progreso tecnológico y científico, y el surgimiento de nuevas ideologías políticas. También describe las vanguardias artísticas de la época y algunas de las precursoras clave de la danza moderna como Isadora Duncan y Ruth St. Denis. Finalmente, brinda una definición breve de lo que es la danza moderna y cómo se desarrolló en Estados Un

1. Danza Moderna
PUEF – UnPaz
Materia: Danza Creativa Educacional
Profesoras: Ornella Desimone y Carla Hayet

2. Contexto Sociocultural: principios del SXX
Realizaremos un breve punteo del contexto sociocultural en el que surge la
danza moderna. No es completo, simplemente nombramos algunos puntos
fundamentales para entender los cambios que se produjeron en el mundo
de la danza.
 Fue una época de crisis de los regímenes sociales, políticos, culturales y
económicos.
 Confrontaciones armados: el primer tercio del siglo XX se caracterizó por
grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. La
crisis de los regímenes políticos y económicos devinieron en las Guerras
Mundiales y la Revolución Soviética. Los horrores vividos en estos
enfrentamientos - los bombardeos y destrucción de ciudades, las
muertes, los campos de concentración, etc. – trajeron consigo profundos
cambios en todos los ordenes de la vida.
 Política: conformación de nuevos partidos políticos (como el comunismo)
e ideologías totalitarias (como el fascismo y nazismo).

3.  Migraciones: producto de las guerras hubo grandes
migraciones de Europa hacia América, incluidos gran números
de artistas que se vieron obligados a dejar sus hogares.
 Progreso científico y tecnológicos: avances vertiginosos en
distintos campos (el cine, la radio, el avión, el rascacielos, el
ascensor, el automóvil, nuevas armas de guerra, etc.) que
funcionan como origen de una nueva sensibilidad artística pero
a la vez como inspiración de una nueva iconografía.
 Reacción intelectual vanguardistas: empieza el estereotipo de
artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie
de valores contrarios a todo ese mundo convulso que
provocaba situaciones miserables y desafortunadas
 Revalorización del rol de la mujer. Incursionan en la vida
social, política, económica y cultural. Si bien no es el único
motivo, vale nombrar que las guerras mundiales “obligaron” a la
mujer a trabajar mientras los hombre peleaban. También en el
arte gana más lugar; especialmente en la danza moderna, las
mujeres son las pioneras y protagonistas.
Martha Graham y Doris Humphrey

4. Vanguardias artísticas
El vanguardismo se refiere a las personas y a las obras
experimentales e innovadoras, en particular en lo que
respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura;
representa un empuje de los límites de lo que se acepta con
la norma o status quo, sobre todo en el ámbito cultural.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad
de expresión, la cual se manifiesta alterando la estructura de
las obras, abordando temas tabú y desordenando los
parámetros creativos.
Estos movimientos artísticos renovadores —generalmente
dogmáticos – estaban relacionados con la promoción de
reformas sociales.
Surgen corrientes de vanguardias, diferentes “ismo”: cubismo,
impresionismo, futurismo, surrealismo, dadaísmo, etcétera.
CARACTERÍSTICAS
 La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio
de la libertad individual y la innovación
 Audacia y libertad de la forma.
 El carácter experimental y la rapidez con que se
suceden las propuestas, unas tras otras.
 Provocadores
 Creación de Manifiestos: documentos que registraban
las leyes que debería seguir el arte. En paralelo con
esto, en la danza encontramos la creación de “técnicas”
de danza moderna. Es decir, sistemas de movimientos
organizados y reproducibles que se basan en principios
axiomáticos. Por ejemplo, la Técnica de Graham se
organiza a partir del concepto de contracción y
relajación.

5. ¿Qué es la danza moderna?
 Se entiende por danza moderna a un conjunto de técnicas de danza creadas a principio del SXX que buscan incorporar al
movimiento una sensibilidad y expresividad que reflejara la naturaleza humana. Esto tiene una fuerte relación con el contexto
histórico, que se ve plagado de cambios sociales, políticos y culturales. Entonces, la danza clásica ya no es suficiente para
expresar todo el abanico de sentimientos y sufrimientos que atraviesa la humanidad.
 Se desligan de los limites de la técnica clásica: bailan descalzos, incorporan los movimientos en rotación interna, abandonan la
pantomima y las historias romancistas divididas en actos.
 La expresividad del torso se convierte en una característica fundamental de la danza.
 Se construyen técnicas organizadas y transmisibles que se continúan entrenando hasta el día de hoy. Se crean siguiendo
principios que reflejan una posición política y filosófica en relación al arte. Muchas de ellas surgen de pares dicotómicos: caída –
recuperación, contracción – reléase, etc.
 Se pueden ubicar dos grandes centro de la danza moderna: Estados Unidos, donde se desarrollaran varias técnicas de danza
moderna (principalmente en Nueva York) y Alemania, donde tendrá lugar el expresionismo alemán.
 Influencia de las vanguardias modernistas: estos artistas estaban en relación directa con artistas de otras disciplinas, de las
llamadas vanguardias del SXX. Intercambiando con artistas de otras disciplinas, muchas obras han sido colaboraciones con
artistas de vanguardias pictóricas. Además, así como las vanguardias crean manifiestos, la danza moderna crea técnicas y
comienzan a escribirse tratados sobre danza en fuerte oposición a la danza clásica.

6. “Guernica” de Pablo Picasso -1937 Trabajo grupal de Mary Wigman
Nota: Estas imágenes son a modo de ilustración sobre el cambio de expresividad en el arte, haciendo un
paralelo entre artes visuales y danza.
Todas las disciplinas artísticas se ven afectadas por el contexto histórico, por los horrores de la guerra que
implican un punto de inflexión en la sociedad. Así, las vanguardias exploran nuevas formas de expresión,
incursionando en una estética “feista”, entre otras cosas. De diferentes formas, imprimen nuevas
expresividades dentro del movimiento, en el caso de Mary Wigman, y de la imagen, en el caso de Pablo
Picasso.

7. Precursoras de la Danza Moderna
Si bien Isadora Duncan y Ruth St. Denis no son consideradas como coreógrafas de la danza
moderna, y no crearon técnicas en sí misma, son fundamentales para comprender la danza
moderna. Ellas fueron las precursoras que iniciaron el cambio de paradigma en la danza.

8. Isadora Duncan (1877 – 1927)
Isadora fue un personaje excéntrico y paradójico. Oriunda de estados unidos, decide
transformar la danza para que la misma sea reflejo de lo que siente. Movida por la musa
inspiradora, sus presentaciones tendían a ser improvisadas. Inspirándose en fuentes de la
naturaleza y en la estética griega, baila generalmente con túnicas y descalza.
Libera a la danza de convenciones: se despoja de las zapatillas y el vestuario de ballet, incluso
de la música creada específicamente para la danza y hasta de las coreografías. Isadora baila
descalza, improvisando en el escenario, creando una comunión entre el “alma” del artista y la
“música”. Fue la primera artista que decidió usar música para danzar que no había sido
compuesta específicamente para la danza
Además, fue la primera bailarina que utilizo la gravedad como un medio de expresión. Vimos
en el teórico anterior de que la danza clásica es antigravitatoria y verticalista. La danza
moderna en cambio hace uso del peso y la gravedad como generador de movimiento.
Si bien esta artista no es considerada como una coreógrafa de la danza moderna, es una
precursora que influenció a un gran numero de coreógrafos: tanto de la danza clásica - como
por ejemplo Fokin - como en la danza moderna – como por ejemplo Doris Humphrey.

9. Resulta difícil dimensionar lo que significo esta figura tan
polémica en su contexto histórico. Tanto en el mundo del
arte como por fuera de el, había personajes que la
admiraban y otros que la detestaban.
Quizás, un ejemplo que ilustra a Isadora fue su aparición en
Argentina 1916. Esta excéntrica artista hizo una
presentación en el Teatro Colón, cambiando en cada
jornada la obra que deseaba presentar, a pesar de lo
estipulado y programado con anterioridad. Una de estas
presentaciones consistió en bailar el Himno Nacional
Argentino vestida únicamente con una bandera Argentina.
Podrán imaginarse el escándalo que significo bailar el
himno nacional semidesnuda en una institución como el
Teatro Colón a principios del siglo XX.
Lamentablemente, casi no hay registros fílmicos de Isadora,
ya que ella creía que las filmaciones afectarían su alma y
espíritu. Sólo quedan registros de “Las Isadorables”, nombre
con el que denominaba a sus discípulas. Observen en el
video “001 Isadora Duncan” el vestuario (similar a una
túnica griega) y sus movimientos libres en el que priorizan
la expresión y comunión con la música por encima del
virtuosismo técnico.

10. Ruth St. Denis (1877-1968)
Esta bailarina estadounidense se formó en Europa para luego volver a
estados unidos y desarrollar allí su carrera. Además, viajo a Oriente, donde
aprendió las danzas típicas de la India, que luego incorporaría a su técnica.
Ruth propone una danza en donde prioriza la sensibilidad, transformando
los movimientos. En sus propias palabras: “Intentamos unir ciertos
elementos de la vida y el movimiento en una identificación más profunda
con las expresiones naturales del ser”. En decir, unir el movimiento a la
expresión y los sentimientos propios de los seres humanos, representando
la naturaleza humana.
Sin embargo, no niega la danza clásica sino que toma elementos de la
misma para transformarlos. Al igual que Isadora, baila descalza pero en
vez de inspirarse en los cánones griegos, manifiesta una gran atracción por
el teatro y el exotismo oriental, creando gran numero de obras en torno a
esto (ver imágenes).

11. Escuela Denishawn
Ruth St Denis, junto con su pareja Ted Shawn, crean la escuela “Denishaw”.
Fundada en 1915 en Los Ángeles, California, fue la primera escuela de danza
en Estados Unidos en formar una Compañía de Danza.
Ellos crearon una guía pedagógica y coreográfica para su escuela, en la cuál
la rítmica era un elemento fundamental al igual que la expresividad.
Citándolos, podría resumirse su visión de la siguiente manera:
“El arte de la danza es demasiado grande para ser abarcada por un único
sistema. Por el contrario, la danza incluye todos los sistemas y escuelas de
danza. Cualquier forma en que cualquier ser humano de cualquier raza o
nacionalidad, en cualquier periodo de la historia se haya movido
rítmicamente para expresarse a sí mismos, pertenece a la danza. Nosotros
nos esforzamos por reconocer y utilizar todas las contribuciones del pasado
de la danza y continuaremos utilizando cualquier nueva contribución en el
futuro.”
Esta escuela, si bien conforma un estilo más que una técnica, será el semillero
de gran número de coreógrafos de la danza moderna, entre ellos Martha
Graham y Doris Humphrey. A pesar de que la mayoría de sus alumnos decidió
crear sus propias técnicas, muchas de ellas en oposición a lo aprendido en
esta escuela, no se puede negar la influencia de Ruth St. Denis y Ted Shawn
en la danza moderna formando a las coreógrafas que crearían las Técnicas de
Danza Moderna.

12. Expresionismo alemán

13. Mary Wigman (1886 – 1973)
Coreógrafa y bailarina, fue el mayor exponente del expresionismo alemán.
Experimenta en torno al concepto de “Danza Absoluta”, acabando con la idea de
que la danza “representa” para afirmar que la danza “es”.
Su técnica se caracteriza por una angulosidad y un tratamiento descarnado y
oscurantista. Es decir, su danza acentúo el lado oscuro de la realidad y de la
psique en un intento de que la danza se alejara del preciosismo que hasta
entonces la había caracterizado, especialmente en el ámbito del ballet.
Realizó un gran número de solos coreografiados por y para ella. Una de sus obras
mas icónicas fue “Witch Dance” (La danza de la Bruja). En la imagen de esta obra
se puede ver la utilización de movimientos tensos y angulosos. Además, como en
muchas de sus danzas, la artista baila descalza y lleva una máscara para
caracterizar a su personaje.
Hanya Holm fue enviada por Mar Wigman a USA a difundir su técnica. Pronto ella
se dedicaría a coreografiar musicales de Broadway, influenciando fuertemente
este género.

14. Kurt Jooss
Kurt Jooss pertenece a la segunda generación de la danza moderna en Alemania.
A diferencia de Mary Wigman, no se opone a la danza clásica sino que la incorpora con los
movimientos expresionistas de la danza moderna. Su lenguaje de movimiento incorpora un
ingrediente teatral a la danza.
Su obra más famosa fue “La mesa verde”, creada en 1932. Esta pieza resulta icónica y muy
representativa de la época, articulando la danza con elementos teatrales compone una
representación y crítica a la situación política de ese momento. Presenta un retrato de los
efectos de la guerra en la población. La obra cuenta con un prólogo en el que un grupo de
políticos, con máscaras, discuten sus proyectos para mantener la paz alrededor de una mesa
verde. La sátira de esta producción se basa en el código de etiqueta mantenido por los
miembros de esta mesa que, en actitudes aparentemente conciliadoras, no dudan en sacar
sus armas a la primera oportunidad. La obra, declarada la guerra, toma el mito medieval de
la Danza de la Muerte y este personaje va llevándose consigo a los diferentes personajes
que aparecen en escena. La obra concluye con la mesa verde de nuevo y los políticos a su
alrededor emulando el Prólogo.
Esta obra da cuenta no solo del cambio del lenguaje de la danza sino también de la
posibilidad de crear obras críticas sobre temas sociales y políticos del momento.
En el video “002 La Mesa Verde de Kurt Jooss” verán el Prólogo de esta obra.

15. Danza Moderna en USA

16. Dentro de este teórico solamente vemos los principales exponentes de la Danza Moderna.
Por supuesto, existen muchos más valiosos artistas de la danza moderna, pero en esta
ocasión nos limitaremos a los que más influenciaron la historia de la danza.
Nueva York fue un centro de gran influencia en todas las artes y uno de los motivos es que
muchos artistas europeos se repatriaron allí debido a las guerras mundiales. Convivían
entonces, artistas de todas disciplinas, influenciándose mutuamente.
A fines ilustrativos y de organización visual, pueden encontrar un listado de técnicas de danza
moderna y, luego, un cuadro conceptual en donde se vislumbra la red de algunos
coreógrafos de Estados Unidos durante el S XX.

17. Técnicas de danza
moderna
En USA se desarrollaron gran número de técnicas de danza
moderna. En este teórico sólo veremos tres de ellas. Pero a
la izquierda pueden encontrar un listado completo de
técnicas de danza moderna.
o Técnica Graham
o Técnica Humphrey
o Técnica Horton
o Técnica Limón
o Técnica Cunnigham
o Técnica Muller
o Técnica Taylor

18. Ted Shawn
Ruth St. Denis
Isadora Duncan
Escuela
Denishawn
Doris
Humphrey
Martha Graham
José Limón
Paul Taylor
Alvin Ailey Freddie Romero
Merce
Cunningham
Judson Church
Ana Itelman
PRECURSORES DANZA MODERNA
INICIO DE LA DANZA
CONTEMPORÁNEA

19. Martha Graham (1894 – 1992)
Martha Graham es uno de las artistas más reconocidas de la
danza moderna. No sólo por sus cualidades como bailarina,
maestra y coreógrafa, sino porque su escuela y compañía fue el
semillero de gran número de coreógrafos, tanto de danza
moderna como de danza contemporánea. Entre ellos, Merce
Cunningham, Paul Taylor y Alvin Ailey y muchos más artistas que
conformarían la siguiente generación de la danza.
Hasta el día de hoy su técnica se estudia en todo el mundo como
base de la formación de bailarines.
Martha se forma en la escuela de Denishawn pero, en desacuerdo
con su estética orientalista, decide crear su propia técnica.
Proclamando que “de la emoción surge la forma”, decide
“desaprender” los códigos de ballet para crear los suyos propio.

20. Técnica Graham
o Esta técnica se basa en la oposición contracción
– relajación.
o La pelvis es una fuente, un motor de
movimiento, surgiendo desde ahí los espirales
que viajan por la columna y extremidades.
o Las clases de Graham se dividen en Piso y
centro (en vez de barra y centro como en la
danza clásica) Así, durante toda la primera parte
de la clase se trabaja fundamentalmente la
movilidad y expresión del torso y la cadera
o La Técnica Graham se organiza en una serie de
secuencias coreográficas a partir de los motores
de movimiento antes mencionados.
En el video “003 Técnica Graham” se pueden
observar todas las características antes descriptas

21. Lamentation
Es evidente que para Martha Graham es fundamental
poder plasmar la expresividad a través del movimiento.
Una de sus obras más icónicas fue su solo “Lamentation”
(Lamentos). Ver el video “004 – Lamentation de Martha
Graham”
Lamentation significa Lamento. En palabras de Martha
Graham, esta obra "Es sobre un tema muy antiguo. Es la
tragedia que obsesiona un cuerpo. El vestuario es
simplemente un tubo de tela pero es como si te
estiraras/retorcieras dentro de tu propia piel."
Como coreógrafa, explora sobre los temas nacionalistas al
principio de su carrera. Un claro ejemplo seria la obra
“Appalachian Spring” que retrata la vida en los Montes
Apalaches en 1800. Luego, crea obras inspiradas en
temáticas griegas como, por ejemplo, “Clitemnestra”.
Trabaja en colaboración con gran número de artistas:
músicos, escenógrafos y vestuaristas. Sus puestas
escénicas tienden a ser minimalistas en cuanto a
escenografía, y cada elemento tiene un valor dramático.

22. Consagración de la Primavera
Clitemnestra

23. Doris Humphrey (1895 – 1958)
Doris Humphrey tiene el objetivo de crear una técnica propia que pudiera
expresar “nuevas actitudes y sentimientos sobre la vida en un mundo de
grandes cambios sociológicos, psicológicos e históricos”
Opuesta a Martha Graham, afirma que “de la forma surge la emoción”.
Basa su técnica en la dicotomía “caída – recuperación”. Siguiendo la filosofía
de Nietzsche, afirma que el arte debe basarse en lo Apolíneo (Dios griego del
arte, las formas y la belleza) y lo Dionisiaco (Dios griego de los deseos y el
placer) . De la dicotomía entre el equilibrio y la pérdida de equilibrio surge
toda su técnica basada en la caída y recuperación.
En 1953 escribe el libro “El arte de crear danzas” que hasta el día de hoy es
considerado uno de los mejores tratados escritos sobre composición
coreográfica. Allí describe el uso del espacio escénico, los niveles de
movimiento, las diferentes calidades, ritmos y velocidades del movimiento. En
resumen, una guía sobre como componer una coreografía correctamente.

24. Alvin Ailey
Alvin Ailey fue bailarín y coreógrafo, discípulo de Martha
Graham. En 1958 funda su propia compañía, siendo el primer
coreógrafo de raza negra.
Sus obras se caracterizaron por retratar la historia y contexto
sociocultural de la raza negra, especialmente en Estados Unidos.
Al día de hoy su escuela es reconocida mundialmente.
“Revelation” (Revelaciones) fue su obra más icónica. En el video
“005 Sinnerman – Reveletion de Alvin Ailey” verán una de las
escena “Sinnerman” (Pecador), en donde se presentan tres
protagonistas agraviados por sus pecados. En el video “006
Wade in the Watter – Revelation de Alvin Ailey” la escena “ola en
el agua” retrata un bautismo en el rio y las fiestas religiosas
consiguientes.
Freddy Romero, bailarín de su compañía, fue un reconocido
maestro de danza moderna en Argentina.

25. Merce Cunningham (1919 – 2009)
Merce Cunningham es reconocido como un artista que influenció no solo la danza, sino también la música, el cine y las artes
visuales. Se propone cuestionar todas las convenciones de la danza, alterando sus principios de espacio, tiempo, composición y
técnica de entrenamiento
Cunningham fue discípulo de Martha Graham, y se formo a su vez con George Balanchine (coreógrafo de danza clásica trabajado
en el teórico anterior). En 1945 abandona la compañía de Martha para crear su propia técnica y en 1953 crea su propia compañía.
Técnica Cunningham combina el entrenamiento de piernas de la danza clásica con la expresividad y movimientos de torso de la
danza moderna.
Realiza un trabajo de des-jerarquización del espacio. Abandona la idea de frente único propuesta por el ballet y sostenida por la
mayoría de las danzas modernas. El movimiento puede realizarse en cualquier dirección y en cualquier plano. Los movimientos
pueden ser vistos entonces de frente pero también de espalda, perfil, diagonal. Esto significa que todo el cuerpo en todas sus
caras tiene valor. De hecho, sus obras comienzan a presentarse en espacios no convencionales y que no fueron pensados para la
danza, como plazas y museos. Además, experimenta con el video y las posibilidades de enfocar ciertas partes del cuerpo o
movimiento.
Sus clases se realizan en su totalidad en el centro, consistiendo en una serie de secuencias que siguen el orden de los pasos de
ballet (grand plié, Tendu, dégagé, etc – vistos en los videos tutoriales prácticos) a los que incorpora el trabajo de espirales,
contracción y reléase propio de la danza moderna. El movimiento es pensado en función de las direcciones del propio cuerpo,
por lo tanto las secuencias se realizan variando los frentes para entrenar esta lógica.
Ver video “007 Clase Técnica Cunningham”

26. Cunningham y el azar
Las obras de Merce Cunningham presentan un gran
nivel de abstracción. No tiene una narrativa que las
sostenga. Más bien, como dice la cita, hace
simplemente una presentación del elementos y queda
en manos del espectador hacer cualquier interpretación
sobre ellos.
Utilización del azar como método de composición. Por
ejemplo, antes de la función tiraba los dados para
determinar las estructuras coreográficas, definiendo así
que secuencia haría cada bailarín y con qué frente. De
esa forma, ni él mismo sabía el resultado de su obra
hasta verla en escena. Merce afirma que este método
libera a su mente de convenciones a la vez que
posibilita momentos escénicos de belleza inesperada.
“No interpretamos algo, presentamos algo.
Cualquier tipo de interpretación queda en quien está
observando en la audiencia.”

27. Cunningham trabaja en colaboración con numerosos y reconocidos artistas. Entre otros, su pareja John Cage, compositor
contemporáneo que cambio la historia de la música. Ellos trabajan particularmente en la relación, o mejor dicho, falta de
relación entre el movimiento y la música.
Afirmando que ningún arte era más importante que otro, la danza no estaba supeditada a la música ni ninguna otra
disciplina artística. Ya no es necesario bailar a tiempo (de hecho resulta casi imposible ya que la música que utiliza no
tiene un tempo regular). Se puede incluso bailar en silencio o acompañados de un texto.
Así, en las obras de Cunningham, cada una de las disciplinas artísticas de sus obras eran independientes y cada una
disfrutaba de libertad creativa. Muchas veces, lo único que tenían en común era que se presentaban al mismo tiempo en
el mismo lugar.
Merce experimentó y creó un gran numero de obras. En el video “008 Merce Cunningham” se pueden ver algunas
imágenes de diferentes obras, apreciando la versatilidad y variaciones estéticas del coreógrafo.
Es considerado como el un artista bisagra entre la Danza Moderna y la Danza Contemporánea, incentivando siempre el
cuestionamiento de lo preestablecido. De hecho, fueron sus estudiantes quienes conformarían un colectivo llamado
“Judson Church” en el que crearían la danza contemporánea.
Desjerarquización De Las Artes

28. Exponentes de la Danza Moderna en
Argentina
•Pionera de la
•Danza moderna en
•argentina. Formó a
•Ana Itelman entre
•otros.
Paulina
Ossona
• Bailarina,
• coreógrafa
• directora. Pionera
• de la danza
• contemporánea en
• Argentina
Ana Itelman
•Bailarina y
•coreógrafa
•Argentina.
•Reconocida por
•crear la compañía
•Tangokinesis
Ana Stekelman
•De origen venezolano,
•estudio en Nueva York.
•Luego se erradicó en
•Buenos Aires donde
•continuo su carrera de
•bailarín y docente.
Freddi Romero