El documento describe la danza como una forma de arte que utiliza el movimiento del cuerpo y los gestos para expresar sentimientos de manera artística o religiosa. Explica que existen dos grandes ramas de danza: la danza clásica, que se sujeta a técnicas rígidas, y la danza moderna, que busca liberar el cuerpo. Además, resume brevemente la historia de la danza desde las pinturas rupestres hasta el desarrollo de estilos como el ballet, la danza moderna y danzas populares en

1. PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL
ECUADOR SEDE IBARRA
LA DANZA EN EL ECUADOR
Y EL MUNDO
Ana Córdova

2. LA DANZA EN EL ECUADOR Y EL MUNDO
LA DANZA EN EL MUNDO
CONCEPTO
La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo,
gestos para expresar sus sentimientos, es una manera de comunicación entre los seres
humanos, acompañados a un ritmo musical, con fines de entretenimiento, artísticos o
religiosos. Según Marazzo, la danza recoge los elementos plásticos de los movimientos
utilitarios de los seres humanos y los combinan en una composición coherente y dinámica
animada por el espíritu. Esto la convierte en una obra artística.
- El conocimiento de sus medios de expresión: el cuerpo y las técnicas existentes que lo
modelan hasta lo abstracto. El abrir una puerta a la fantasía, a los sueños y al mundo.
Observando la danza de forma global existe un:
Aspecto limitado. Técnica específica que acota de alguna manera la acción del cuerpo y su
movimiento. Exige entrenamiento con métodos tradicionales comunes a las destrezas
motrices.
Aspecto libre. Coincidente con el mundo de la expresión, en la que no existen más límites
de acción y posibilidades de movimiento que los que uno mismo quiera imponerse. La
danza es la más antigua de todas las artes. En las civilizaciones antiguas la danza es un
medio esencial para manifestaciones del sentido emocional de la tribu. Se danza para
obtener la curación de enfermedades, para pedir la victoria en los combates, para
asegurar una caza fructífera, etc. Las danzas naturales han evolucionado perdiendo la
precisión de su origen y subsistiendo en forma de folklore en la herencia cultural de los
países. El ballet surgió por la fusión del acróbata, el profesional, y el aristócrata, (según
Dora Kriner y Roberto García). La danza moderna surgió como reacción opuesta y como
necesidad de búsqueda de otras formas de expresión artística. A partir de la década de los
60/70 se inició; el boom del baile encadenado en: Jazz, aerobic, flamenco etc. con cierta
importancia sociológica.
- El tecnicismo, cuya importancia se basa en la técnica, olvidándose en ocasiones de la
interpretación. La aplicación de la danza debe ser un término medio entre técnica y
espontaneidad o movimiento a partir de sensaciones, el objetivo es que la persona pueda
expresarse y tenga una base mínima técnica, arte dramático, danza, mimo, se la debe
considerarse una parte importante por sus valores estéticos, formativos y de sensibilidad.
En la actualidad las corrientes son infinitas, pero todas se pueden clasificar dentro de dos
grandes ramas:
1. Danza clásica. También llamada académica. Sujeta a rígidas técnicas. De gran
tradición. Se baila por amor al movimiento en sí, sin que este sea necesariamente
un medio de expresión. La belleza forma parte de la figura humana aislada. La
relación con el espacio como medio expresivo, es decir, el bailarín es un ser ideal,
entregado totalmente al movimiento, cuyo mundo circundante no ejerce ninguna

3. influencia en su ánimo. La belleza de los movimientos se da por medio de una
armonía que se respalda con exclusividad en la simetría y el equilibrio.
Según Esmee Bulnes se puede dividir en:
1. Danza noble.
2. Danza de carácter. Aplicado a las danzas tradicionales y a los bailes en que se
imitan los movimientos propios de una clase de personas o de alguna profesión u
oficio.
3. Danza de semicarácter. Inspirada en los mismos movimientos que las de carácter
pero realizada de acuerdo con las técnicas del baile clásico.
2. Danza moderna. Iniciada por Isadora Duncan, como reacción a las rígidas normas
técnicas de la danza clásica. Pretende liberarse de todos los cánones establecidos y
dejar al cuerpo que se exprese libremente.
Paulina Ossona la divide en tantos estilos como creadores:
- Danza Pantomímica o expresionista.
- Danza abstracta o musical.
- Danza concreta o espacial.
- Danza plástica.
- Danza rítmica.
- Danza Jazz.
- Danza experimental.
Breve Historia de la Danza
La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los
tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de
más de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones
rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la
primitiva sociedad humana. Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una
danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza
refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y
experiencias con los ciclos de la vida.
En la India, entre los hindúes, el Creador es un bailarín, SivaNataraj hace bailar el mundo a
través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación. En los primeros tiempos
de la Iglesia en Europa, el culto incluía la danza mientras que en otras épocas la danza fué
proscrita en el mundo occidental. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo
occidental.
La Danza en la Antigüedad
Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio, los legados escritos, los bajorelieves,
mosaicos. Nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones
egipcia, griega y romana. En el antiguo Egipto, las danzas ceremoniales fueron instituidas
por los faraones. Estas danzas, que culminaban en ceremonias representando la muerte y
la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez más complejas hasta el punto

4. de que solo podían ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados. En la Grecia
antigua, la influencia de la danza egipcia fue propiciada por los filósofos que habían
viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. El filósofo Platón, catalizador de estas
influencias, fue un importante teórico y valedor de la danza griega. Los rituales de la danza
de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del
teatro contemporáneo occidental.
Hasta el 200 a.c. la danza formó parte de las procesiones romanas, festivales y
celebraciones. Sin embargo, a partir del 150 a.c. todas las escuelas romanas de baile
cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad
sospechosa e incluso peligrosa. De todos modos, la fuerza del movimiento no se detuvo y
bajo el mandato del emperador Augusto ( 63 a.c. 14 d.c. ) surgió una forma de danza
conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece
sin palabras, a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no
verbal en la multicultural Roma.
La danza en la Edad Media
La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda la Edad
media fue ambivalente. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como
catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S.
Agustín (354-430). Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las
danzas propias de las tribus del norte, celtas, anglosajones, galos en los cultos cristianos.
Las danzas de celebración estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas
que coincidían con antiguos ritos de fin del invierno y celebración de la fertilidad con la
llegada de la primavera. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza, pero el
bando no fue respetado. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los
pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos.
El Renacimiento y el nacimiento del Ballet
El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la
danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en
la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon
grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y
festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un
grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de
los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza. En la corte de Catalina de
Medici (1519-1589), la esposa italaiana de Enrique II, nacieron las primeras formas de
Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el
primer ballet de corte, una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica
combinando textos hablados, montaje y vestuarios elaborados y una estilizada danza de
grupo. En 1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real
Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística
reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. Las danzas
sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos
dinámicos de mayor libertad y expresión.

5. La Danza en el siglo XX
Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio cuestionamiento de
valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida
más dinámico. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los más brillantes
coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores. Paralelamente a la revolución
del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Como reacción
a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió
una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este
movimiento fue Isadora Duncan. A medida que la danza fué ganando terreno, fué
rompiendo todas las reglas.
Desde los años 20 hasta nuestros días nuevas libertades en el movimiento del cuerpo
fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La música con
influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y
de las danzas como la rumba, la samba, el tango ó el chacha. El renacer del Harlem
propició la aparición de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug. A partir de la década
de los 50 tomó el relevo otras danzas más individualistas como el rock and roll, el twist y
el llamado free-style; luego apareció el disco dancing, el breakdancing.
La danza y la música
Muchas formas tempranas de la música y la danza se han creado y realizado en conjunto.
Este desarrollo ha continuado vinculado a través del tiempo con las formas de danza,
música, tales como: vals, tango, disco, salsa, electrónicayhip-hop. Algunos géneros
musicales tienen una forma de danza en paralelo, como la música barroca y danza
barroca, mientras que otros, como la música clásica y ballet clásico, se han desarrollado
por separado. Aunque la danza es acompañada a menudo por la música, también pueden
ser presentada de forma independiente o proporcionar su propio acompañamiento
(Claqué). El género de música utilizada en la danza no necesariamente llevará el mismo
estilo. También la danza puede llevarse a cabo sin la música, el bailarín se moverá con su
propio ritmo o con el sugerido por el coreógrafo.
TIPOS DE DANZA
Danza contemporánea.
La danza ha ido evolucionado en muchos estilos, desde la danza académica o ballet, hasta el
breakdance y el Krumping. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de factores
sociales, culturales, estéticos, artísticos y morales, así como también del rango de movimiento
funcional (como la danza folclórica) hasta las técnicas virtuosas (como el ballet). Cada danza, no
importa el estilo, tienen algo en común. No sólo implica la flexibilidad y el movimiento del cuerpo,
sino también condición física.
Clásicos
Principalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados. Estos
bailes se practican desde épocas pasadas hasta hoy en día

6. Ballet
Danza Medieval, Barroca, Renacentista
Danza contemporánea
Ballet contemporáneo
Tradicionales y folklóricos
Las danzas folclóricas son danzas que por lo general pertenecen a la cultura y etnia de una
región, país o comunidad y pertenecen a la cultura popular
Bailes de Danza clásica
salón jemer
Tango Cueca
Charlestón Bacchu-ber
Danza Árabe Danza griega
Baile de las Bharatanatyam
Cintas Danza azteca
Danza del Gomba
Garabato Diablada puneña
Huella Lakalaka
Diablada de
Oruro
Modernos
Son bailes que han sido de gran demanda en las últimas décadas, sobre todo por el
público juvenil. Muchos de ellos han sido usados principalmente por cantantes como
parte de su carrera en conciertos, presentaciones, espectáculos o videos musicales.
Jazz
Breakdance
Salsa
Para para
Rock n' Roll
Cross-body lead
Pogo Perreo
Moonwalk
Jumpstyle
Hustle
Hardstep
Pole dance
Popping
COREOGRAFÍA
Coreografía (literalmente "escritura de la danza", también llamada composición de la
danza). De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y "γραφή" (escritura). Es el

7. arte de crear estructuras en las que suceden movimientos; el término composición
también puede referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos.
La estructura de movimientos resultante también puede ser considerada como la
coreografía. Las personas que crean la coreografía son llamados coreógrafos.
ELEMENTOS DE LA DANZA
La danza se compone de diversos elementos básicos que se interrelacionan, logrando
transmitir emociones al público y para el mismo bailarín.
Movimiento
Ritmo
Expresión corporal
Espacio
Estilo
El uso predominante de uno u otro elemento no es siempre parejo. En ciertos bailes
predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, en otros el estilo, etc. También es
importante destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno
u otro elemento. Dentro del baile se van creando nuevos géneros y variantes al crear
nuevas coreografías y de esta forma se van diversificando. Cuando la danza se manifiesta
con una intención determinada, diferente a lo que es el puro bailar o como el equilibrio
estético que es el ballet clásico, se puede complementar con lo que se puede denominar
"adicionales no danzantes". Estos son: mímica, gesto simbólico, canto y palabra.
LA DANZA EN EL ECUADOR
DEFINICION
La palabra DANZA proviene de una palabra del sánscrito, y significa “alegría de vivir”,
aunque a través de la danza y en su evolución histórica y social se expresan emociones,
sentimientos, situaciones, o coreografías que pueden tener un carácter simbólico o
representar ideas puramente estéticas. Se puede definir como la expresión a través del
cuerpo de una serie de movimientos coordinados, preestablecidos o improvisados y que
tienen una finalidad determinada. Esta finalidad es la expresión y comunicación a través
de la organización de distintos movimientos corporales, realizados en un espacio y en un
tiempo determinado.
HISTORIA DE LA DANZA
Raymond Mauge fue el pionero del ballet en ecuador y fue quien impulso la danza en
nuestro país. El desarrollo del ballet en el Ecuador se vio limitado por las características
sociales e ideológicas de la aristocracia, clase en la que se apoyó. Otro de los factores
limitantes fue el cambio continuo de gobiernos liberales y conservadores. Desde su origen
el ballet europeo se enriqueció con la danza popular y la tradición aristocrática. En el
Ecuador se apoyó en la aristocracia criolla,conocedora ocasional del ballet cuando viajaba
a Europa. Su gusto se inclinabapor espectáculos teatrales de dudosa calidad como
operetas, zarzuelas y comedias que venían continuamente al país. Además, ignoró por

8. completo la naturaleza de las danzas populares, practicadas por los indios y mestizos. Sin
embargo, la aristocracia trajo desde Francia ciertos bailes de las cortes, minuet, valses
vieneses, polcas cracovianas y alemanas, gavotas, mazurcas, tarantelas, country dance,
baile de cuadrillas y lanceros, que los practicaban en los salones más aristocráticos del
medio. Las clases subalternas tomaron algunas de estas danzas, mezclándolas con sus
bailes y creando danzas simbióticas criollas, muy populares. Aunque es de lamentar que
las danzas de carácter y otras de tipo étnico no fueron tomadas en cuenta para el
desarrollo del ballet en el país como sucedió en Europa.
En el país, danzar es parte de la actitud de lo ecuatoriano frente al universo; el rito social
acude a la danza para destacar momentos y simbolizar, a través del cuerpo, las relaciones
con el todo, con el propio ser y entre los individuos. La fiesta religiosa popular se ha
servido de la danza como un medio para registrar y heredar códigos de conducta social y
formas de relación con lo misterioso, que han perdurado gracias a los personajes
protagonistas de la danza, y, más allá, por la forma misma que toma la danza.
Una de las primeras maestras de danza fue Noralma Vera, la que, con la actividad
realizada en la Casa de la Cultura, fue responsable de la formación de algunos creadores
que protagonizan el mundo de la danza en el país actualmente, como Wilson Pico o Kléber
Viera, creadores junto a otros bailarines del Frente de Danza Independiente.
Otros nombres importantes en el país han sido bailarines y coreógrafos como: Patricia
Aulestia, Luis Mueckay (Guayaquil), Carlos Cornejo, Susana Reyes, María Luisa González,
Arturo Garrido, Terry Araujo, Carolina Andrade, Josie Cáceres, Ernesto Ortiz, entre otros.
El panorama lo completa la fuerte presencia de Paco Salvador (Muyacan), y de Rafael
Camino (Jacchigua) con sus propuestas en danza multinacional.
CLASIFICACION
Danza Folklórica
Estudio de usos y costumbres, tradiciones espirituales y sociales de expresiones orales y
artísticas que permanecen en un pueblo evolucionado (no primitivo) reflejan valores
culturales que se transmiten de generación en generación, obedecen a estructuras como
el grupo étnico definido por factores como la geografía, la historia, el clima, la cultura.
Danza Moderna
Es fruto de la necesidad de romper con los códigos impuestos por la danza académica,
para los artistas de principio del siglo XX la danza es un reflejo de lo que sienten y lo
expresan intensamente con sus cuerpos sin preocuparse de consideraciones de orden
técnico o estético. Los pioneros de la danza moderna son IsadoraDunca, Ruth Saint Denis,
Ted Shawn, LoieFuller esta ultima implemento de manera magistral los efectos de la luz La
danza moderna de la escuela americana fundo sus bases en las teorías de FrancoisDelsarte
y en la escuela Alemana en Jacques Dalcroze.

9. Danza Contemporánea Ecuador
Ballet experimental moderno se fundó en Quito en 1970 bajo la iniciativa de Wilson Pico,
Diego Pérez y otros bailarines miembros de la Escuela Experimental de Danza de la Casa
de la Cultura de Quito. Este se creó como una forma de a lo convencional y de ser parte de
las tendencias latinoamericanas de protesta. Ellos propusieron un nuevo tipo de danza.
Todas sus obras tenían un contenido social, su vestimenta era rustica y novedosa o la ropa
del diario. La música no ere convencional, distorsión de ella o la creación de sonidos,
ruidos o el propio silencio. La exposición de sus obras no descartaba espacio libre, en
plazas, calles, parques, pueblos, cárceles, hospitales, paradas de buses,... En 1974 el
"Ballet Experimental Moderno" se diluyó. Pero marcó definitivamente una línea de trabajo
que la desarrolló Wilson Pico y parte de la generación más joven de coreógrafos.
ELEMENTOS
El lenguaje de la danza implica elementos como la postura, el uso del peso del cuerpo y la
índole de los movimientos (sinuosos, angulosos), así como los movimientos específicos de
la cabeza, torso, manos, brazos, piernas y pies. La mayoría de los creadores de danza
moderna consideran esencial examinar el movimiento, y desarrollar teorías sobre sus
orígenes y sobre la dinámica que lo rige, como por ejemplo el papel que desempeña la ley
de la gravedad, la respiración o la columna vertebral.
Ritmo
Forma
Espacio
Tiempo
Energía
Cuerpo
Características de la danza
En la danza el bailarín no se ve obligado a imitar una acción o a contar una historia, su
trayectoria no se inscribe dentro de la lógica de un relato o fábula.
El bailarín es él mismo (contrariamente al actor que siempre es otro)
El bailarín deja ver los arabescos de su movimiento y revela su técnica.
El espectador se siente atraído por la intensidad energética del cuerpo.
La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en
movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios.
La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y
la danza folclórica; o puede utilizar gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas
formas de danza asiática, o bien, pueden buscar un movimiento y un lenguaje más
dependiente de sus creadores, como en el caso de la danza contemporánea.

10. COREGRAFIA
La coreografía es la forma de evolución que sigue una propuesta danzada, se puede
presentar con diferentes elementos; sean estos naturales, como los brazos, pies, manos y
todo lo que naturalmente sea parte del cuerpo, o accesorios, telas, sombreros y todo lo
que se le pueda agregar. Mímica, gesto simbólico, canto y palabra pueden también ser
elementos importantes en un espectáculo danzado.
Una coreografía es el ordenamiento del desplazamiento efectuado en el espacio por una o
todas las partes del cuerpo del bailarín (o compañía de bailarines), diseñando una forma,
impulsado por una energía determinada, con un ritmo previamente acordado, durante un
tiempo de mayor o menor duración. El uso predominante de uno u otro de los elementos
del movimiento no es siempre parejo, en algunas danzas predomina el ritmo, en otras el
uso del espacio, en algunas las posibilidades del cuerpo en sí mismo, etc. También es
importante destacar que, de acuerdo al carácter de la coreografía, se acentuará el uso de
uno u otro elemento. Los elementos y características escogidas para una danza pueden
ser añadidos a otras para elaborar una coreografía, o ser la obra coreográfica sumada a al-
guna otra presentación artística, como las coreografías en el cine o el teatro.
EXPONENTES DE LA DANZA ANIVEL NACIONAL E INTERNACIONAL
MARIA LUISA GONZALES
De larga trayectoria artística, inició sus estudios de danza en Quito en los años 70s. Con los
maestros Noralma Vera y Marcelo Ordóñez. Estudió Danza Moderna, Contemporánea y
Coreografía en México en el Seminario de Danza Contemporánea y en el Centro Superior
de Coreografía, bailó como solista en la Ópera El Castillo de Barba Azul de BelaBartok en el
Teatro de Bellas Artes, tuvo como Maestros a Federico Castro, Jaime Blanc, Victoria
Camero entre otros y a la famosa Maestra de la Compañía Graham. Estudió Danza
Moderna en Cuba con LornaBurdshall, y Silvia Bernabeu. Obtuvo la beca OEA para el
curso de Actualización de Metodología de Técnica Graham en Querétaro México con el
Ballet Nacional de México dirigido por la Maestra Guillermina Bravo. Realizó el curso de
producción y gestión de espectáculos en Madrid en el Instituto de la Tecnología del
Espectáculo, con la beca de la Unesco.
Bailó como solista en el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Berlín. Bailó
su obra la Torera, en el Teatro La Guardia de Nueva York. Ha representado al país en
distintos foros y festivales en México, Cuba, Estados Unidos, Panamá, Colombia, Perú,
Chile, Argentina, España, Francia, Alemania, China y Egipto. Fundó y dirigió el Centro de
Formación Dancística e Investigaciones Teatrales en Quito, con el que se fundó El Frente
de Danza Independiente, fue Rectora del Instituto Nacional de Danza, perteneció al grupo
de estudio de Inter-estética con Ulises Estrella. Ha trabajado con grupos de mujeres. Creó
el Proyecto Danza, Identidad y Desarrollo. Dirigió el grupo de Danza Contemporánea de la
Universidad Católica. Es asesora de varios proyectos educativos y comunitarios, y
actualmente es la Directora de la Compañía Nacional de Danza del Ecuador.

11. NORALMA VERA ARRATA
Noralma Vera Arrata es una bailarina de ballet, coreógrafa y maestra ecuatoriana, pionera de la
danza clásica en ese país. Vera nació en Guayaquil, Ecuador como la única hija entre tres hijos
varones del destacado político oriundo de Naranjal, Alfredo Vera Vera y de su esposa Baltita
Arrata Macias, de origen siciliano. Vera Arrata proviene de una familia de intelectuales de
izquierda. Su tío fue el escritor Pedro Jorge Vera y su hermano Alfredo Vera Arrata es asimismo
político, ex Ministro de Educación y de Interior.
Después de finalizar su educación primaria, realizó sus estudios de bachillerato en el
Colegio Nacional Guayaquil, en su ciudad natal. Su formación artística comenzó en 1945
en la Casa de la Cultura simultáneamente a su educación académica.
En febrero de 1957 viajó a Londres, gracias a una beca, para perfeccionarse en el Royal
Ballet por un año. Para ese entonces, Noralma Vera Arrata ya era una figura prominente y
su partida fue publicitada en los medios. En 1958 estudió en París con el profesor
VictorGzovsky y bailó en el Ballet de JeanineCharrat hasta 1960. Después viajó a La
Habana, donde trabajó con Alicia Alonso hasta 1968.
En 1968 presentó Afirmación, una obra de danza moderna con música de Carlos Cháves.
Su interés por esta forma de expresión la llevaría a prepararse en 1972 en la escuela
Martha Gram Dance School de Nueva York para introducir la técnica Graham de danza
contemporánea en Ecuador. En 1979 continuó su formación en el Centro Superior de la
Escuela de Bellas Artes de México. Desde 1968 hasta 1973 Noralma Vera dirigió la Escuela
de Ballet de la Casa de la Cultura de Quito, matriz de la escuela en la que ella se formó. En
1974-1977 fue co-fundadora y directora del Instituto Nacional de Danza. La Compañía
Nacional de Danza fue creada el 7 de junio de 1976 en Quito y Noralma Vera fue electa
parte de la comisión directiva. En 1978 fundó su propia Compañía de ballet y una
academia en su ciudad natal. Después de retirarse de la danza activa, Vera trabajó como
diplomática del Ecuador en México y en Cuba.
WILSON PICO
Considerado como pionero de la danza contemporánea ecuatoriana, su ímpetu creativo
determinó que, a los 20 años, estrenara sus cuatro primeras obras en el recital
"Coreografía Experimental". Sus búsquedas personales lo convirtieron inmediatamente en
creador polémico. Desde 1970 hasta la fecha, se ha dedicado por entero a su arte, en
forma continua, más de cien obras para solos y grupos, en el Ecuador, Colombia, Puerto
Rico y los Estados Unidos. Ha aportado tanto con propuestas que han alimentado el artes
escénico latinoamericano como la incorporación de una temática de lo nacional popular,
de lo marginal, de lo cotidiano, de lo mágico-ancestral, de lo urbano, del shamanismo y
propuestas escénicas formales, como la danza en espacios alternativos y danza-teatro.
En 1972 fundó con Diego Pérez y Julio Pico el primer grupo de danza moderna del país, el
Ballet Experimental Moderno, BEM, que revolucionó el mundo dancístico del país. Más
tarde, fundó y dirigió con José Vacas el grupo Estudio, en Quito-1979. Luego fundó y
dirigió Vivadanza, en 1982. Para 1984, fue cofundador del Frente de Danza Independiente,
del que fue director desde 1985 hasta 1999.

12. KLEVER VIERA
Es uno de los más grandes creadores de la danza contemporánea ecuatoriana. Con una
formación básica en la danza mexicana, más una investigación y búsqueda corporal
permanente. Desarrolla una forma personal de bailar y en consecuencia, presenta sus
actos danzados de una forma insólita y en escenarios diversos, que van desde la calle,
parques y plazas, hasta las salas y teatros convencionales. En el campo de la enseñanza,
parte siempre del objetivo de ir al encuentro del potencial creativo de sus alumnos para
desarrollarlo al máximo. Empieza el aprendizaje de la danza a los 21 años. Funda y dirige
los grupos Cenda y Yaradanza, que luego formarán parte del Frente de Danza
Independiente.
A partir del año 89 desarrolla su proyecto personal "La Danza de la Memoria". Ha bailado
en los más destacados teatros y festivales del continente americano y en tres ocasiones ha
sido invitado a presentar sus obras en Alemania y Holanda, países en los que ha dictado
talleres de composición coreográfica y clases de técnica contemporánea. A su trabajo
creativo hay que sumar su permanente actividad como gestor de diversos eventos,
talleres, seminarios y festivales internacionales en pro de la difusión y promoción de la
danza contemporánea.
SUSANA REYES
Susana Reyes nació con el espíritu de la danza. Lleva treinta años de una fructífera carrera
artística, camino que le ha permitido reconocerse como ser humano, parte de una cultura
y del universo, revelando una artista de indiscutible calidad, autenticidad y con un gran
compromiso humano. Moti Deren, músico y compositor, nació en Cuba -hijo de migrantes
europeos- y vivió ahí la primera parte de su vida. Con un espíritu errante, ha vivido en
varios países de Europa y América. Conoció a Susana en Nueva York hace 22 años, cuando
ella presentaba su trabajo en esa ciudad. Desde entonces los unió el amor, que según
ambos confiesan, fue la llama que ha hecho posible todo lo que se han propuesto juntos.
Su visión apunta a la construcción constante de un arte libre. La magia y el amor son los
factores claves en su trabajo y los que atraen hacia ellos cada tema, cada obra. A su vez,
cada tema llama a la música y al movimiento de distinta manera. Hay una relación muy
profunda entre la música, la danza y los demás elementos artísticos que construyen en
una sola expresión. Y así lo han transmitido también a sus hijas, Atala, de 30 años, y Sisa,
de 16.
La Casa de la Danza se constituyó en un espacio abierto para la cultura a partir de 1992.
Allí se organizaron eventos por el Día Internacional de la Mujer, al inicio pequeño, aunque
contundentes. En el 2003 se potencia este homenaje y se internacionaliza gracias a una
importante suma de voluntades, convirtiéndose así en uno de los ejes más visibles de la
Casa de la Danza. Otro es "Desde la Danza para la Vida", que es una serie de talleres
dirigidos a restablecer el espíritu de la mujer, proyecto al cual Susana se ha entregado con
gran compromiso. Con esta actividad cumplen un trabajo muy intenso en todo el país,
compartiendo sin límites su experiencia con todo aquel que tenga la inquietud por su arte

13. y su conocimiento. "Cuando el ser humano de una u otra manera es topado por el arte, ya
no es el mismo", dice Susana.
El Festival Internacional "Mujeres en la Danza" que hace cinco años era una utopía, ahora
es un epicentro cultural que reúne a cinco continentes en un homenaje vivo a la mujer y la
paz. Un ciclo significativo para Susana y Moti, donde ven reflejados su trabajo, su filosofía
y su vida.
EXPONENTES DE LA DANZA EN EL MUNDO
ISADORA DUNCAN
Isadora Duncan nació en San Francisco, Estados Unidos. Su padre Joseph, abandonó la
familia cuando Isadora era aún muy pequeña, siendo posteriormente acusado de fraude
bancario, y encarcelado. Esto, creó en el hogar de los Duncan una difícil situación de
penuria económica, hecho que influyó al parecer en el alejamiento de la familia de la fe
católica que habían profesado (Isadora se declaró varias veces durante su vida como «atea
convencida»). Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y comenzó
junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de su barrio,
mientras su madre, Dora, daba lecciones de piano para sustentar a la familia y se
encargaba de la educación de sus hijos. Predominaban en las lecciones musicales Mozart,
Schubert y Schumann, que tuvieron una indiscutible influencia en el posterior desarrollo
artístico de Isadora.
Expresionismo y danza
Durante su etapa londinense Isadora, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en
el Museo Británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la Grecia clásica, y muy
especialmente los vasos decorados con figuras danzantes. De ellas adoptará algunos
elementos característicos de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las
bacantes. Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se
trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces,
incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión
filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico
incipiente por aquella época), y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo
puede proceder del interior. Isadora era plenamente consciente de que su estilo suponía
una ruptura radical con la danza clásica, y en este sentido se veía a si misma como una
revolucionaria precursora en un contexto artístico de revisión generalizada de los valores
antiguos. Al mismo tiempo que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en
profundidad la danza y la literatura antigua a través de los museos, particularmente el
Louvre de París, la NationalGallery de Londres y el Museo Rodin.
Los temas de las danzas de Isadora eran clásicos, frecuentemente relacionados con la
muerte o el dolor, pero en oposición a los asuntos de la danza clásica conocida hasta
entonces, que giraban en torno a héroes, duendes y trasgos. Su puesta en escena era
también revolucionaria, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color

14. azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta
entonces y una túnica vaporosa que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas
desnudas y los pies descalzos, frente a los vestidos de tutú, zapatillas de punta y medias
rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello suelto,
mientras que lo habitual en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo
en un moño o coleta. Es comprensible que el estilo de Isadora chocase en un principio al
público del momento, acostumbrado al lenguaje de la danza clásica. Isadora hubo de
aguantar abucheos e interrupciones de diversa índole en sus sesiones de danza durante
algún tiempo, siendo notable en este sentido la polémica que se desató durante una gira
por América del Sur en 1916.
MARTHA GRAHAM
Martha Graham nació en Pittsburgh y se mudó a California siendo una niña. Después de
ver a Ruth St. Denis bailar en los años 1910 tomó un interés por el baile aunque no fue
hasta los 22 años (1916) cuando se interesó profesionalmente, entrando en el Denishawn.
En esta histórica escuela Ruth St. Denis pide a Ted Shaw que la tome como alumna ya que
le es imposible enseñarle. Ted Shaw no tarda en descubrir las capacidades excepcionales
de su nueva alumna.
Se abrió paso solo pero con el constante apoyo de Louis Horst, un músico que trabajaba
como acompañante al cual ella conoció mientras estudiaba en Denishawn y que se
convirtió en su amante y mentor musical. En 1923, después de una intensa colaboración
como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, Martha Graham abandona el
Denishawn. Viaja a Nueva York para bailar en Greenwich VillageFollies y en el Eastman
Theater. En 1926 Graham fundó su propia compañía, La Compañía de Danza Martha
Graham. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las
presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna.
El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características
contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo
de imágenes que van con los movimientos.
La vida en el baile de Graham gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años
1950. En 1948, el Centro Martha Graham de Danza Contemporánea fue establecido. Una
de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga
cercana. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la Compañía de Danza Batsheva
en 1965, Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera
generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.
Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se
enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de
sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Graham continuó
trabajando en el arte hasta que en 1991 murió por causas naturales a los 96 años. En
1998, la revista TIME, la nombró "Bailarina del Siglo", y una de las personas más
importantes del siglo XX.

15. PAUL TAYLOR
Estudió en la Syracuse University y, más adelante, en la JuilliardSchool y el American
Dance Festival del Connecticut College. Actuó en las compañías de MerceCunningham,
Martha Graham y George Balanchine, antes de fundar su propia compañía (Paul Taylor
Dance Company) en 1954.
Su primer trabajo fue todo un manifiesto de intenciones: Duet (1957), donde permanecía
inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano -con una no-partitura de John Cage-.
Esta actuación provocó una respuesta análoga del famoso crítico Louis Horst: dejó su
sección del Observer en blanco. Pese a lo vanguardista de la propuesta, sus montajes
posteriores fueron más tradicionales, con una clara apuesta por la musicalidad y el lirismo,
aunque tratados de forma más natural: destacan Aureole (1962), Airs (1978) y Arden
Court (1981).
El estilo irónico y parodiante de Taylor, a caballo entre la violencia y la hilaridad, ha hecho
que se englobe su obra dentro de la denominada danza posmoderna, que introdujo lo
corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines
clásicos, con una mezcolanza de estilos e influencias, desde las orientales hasta las
folklóricas. Su mordacidad e irreverencia han llevado un soplo de aire fresco al mundo de
la danza clásica, hasta entonces tan mística y conceptual. En 1987 publicó su
autobiografía, PrivateDomain.Ha sido galardonado con el Premio Kennedy en 1992 y la
Medalla Nacional de las Artes.El gobierno francés lo condecoró con la Legión de Honor en
1990.
MERCE CUNNINGHAM
Merce Cunningham (nacido en Centralia, Washington, el 16 de abril de 1919- 26 de julio
de 2009, Nueva York)1 fue un bailarín y coreógrafoestadounidense.
Cunningham nació en Centralia, Washington, EEUU, y recibió su primera formación formal
en danza y teatro en la CornishSchool (actualmente, la CornishCollege of theArts) en
Seattle. Desde 1937 hasta 1943, fue solista en la compañía de Martha Graham.
El interés de Cunningham en la tecnología contemporánea le llevó a trabajar con el
programa para computadora «DanceForms», que usó para realizar todas sus danzas desde
Trackers (1991). En 1997 empezó a trabajar en captura de movimientos con Paul Kaiser y
Shelley Eshkar de Riverbed Media para desarrollar el decorado para BIPED, con música de
GavinBryars, interpretada por vez primera en 1999 en el Zellerbach Hall, Universidad de
California en Berkeley. Otra obra destacada, Interscape, interpretada por vez primera en
2000, unió a Cunningham con su anterior colaborador Robert Rauschenberg, quien diseñó
el decorado y los vestuarios de la danza, con música de John Cage quien fue su pareja
hasta su muerte en 1992.
En octubre de 2005 Cunningham recibió el PraemiumImperiale en Tokio. En Francia, fue
nombrado comandante de la Orden de las Artes y las Letras en 1982 y Caballero primero
(1989) y luego oficial (2004) de la Legión de Honor.

16. JOSÉ LIMÓN
José Arcadio Limón Traslaviña (Culiacán, Sinaloa, 12 de enero de 1908 - Flemington,
Nueva Jersey, 2 de diciembre de 1972), fue un bailarín, maestro de danza y coreógrafo
mexicano-estadounidense. Es considerado el precursor de la danza moderna, además de
iniciador de las técnicas coreográficas que aún hoy se siguen y de que fue el primero en
resaltar el rol masculino entre las compañías de danza.
Cuando se le cuestionó acerca de su acercamiento a la danza, Limón recordaría una
presentación de los bailarines HaraldKreutzberg e Ivonne Georgia,1 la primera función
dancística a la que asistió, comentando "lo que presencié simple e irrevocablemente me
cambió la vida. Vi la danza como una visión de poder inefable. Un hombre puede, con
dignidad y torrencial majestuosidad, bailar. Bailar como las visiones de Michelangelo y
como baila la música de Bach".2 En tal declaración encerró la determinación que lo guiaría
a emprender la carrera de le dio fama y reconocimiento el resto de su vida.
Comenzó su carrera cercana a los 20 años de edad, pero eso no le impidió destacar en el
mundo de la danza y alcanzar alturas únicas. Inició sus estudios formales en la ciudad de
Nueva York con Doris Humphrey y Charles Weidman. En 1946 estableció su propia
compañía de danza en Estados Unidos, la Compañía de Danza José Limón, que se
consolidó siendo la primera compañía estadounidense en dar una gira por Europa.
Además, en su presentación debut (1947) fue catalogado por el New York Times como "el
más fino bailarín masculino de su tiempo". La pieza más famosa creada por José Limón es
TheMoor'sPavane, con música de Purcell (1949), que rápidamente se convirtió en una
pieza replicada por muchos ballets y compañías alrededor del mundo. En 1969 José Limón
creó la fundación que lleva su nombre José Limón Dance Foundation.

17. Anexos

18. SWAN BLACK
Es la historia de una chica estudiante de ballet, una bailarina de una compañía de ballet de la
ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente
absorbida por la danza, no tiene tiempo para ella ni para su familia. Nina vive con su madre, una
bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija y como su
madre ayuda a que ella sea la mejor de todas sus bailarinas. Cuando el director decide sustituir a
la bailarina principal en la nueva producción “El lago de los cisnes”, escoje a Nina como su primera
opción. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina igual de mejor como ella que también
ha impresionado gratamente al director. Entonces la producción requiere una bailarina que pueda
interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa
la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la
absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va
transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado
más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla. Nina con su obsesión de ser la mejor
mucho más que lily entrena y es tanto su obsesión, que la misma obsesión se vuelve en locura y
empieza a imaginar cosas siente que la rival es un peligro, pero se dio cuenta que ella era la misma
detrás de todo, ella misma era la rival se hizo daño que hasta llego a destruirse. Este es una
historia muy hermosa que demuestra que a quien debes vences es a nosotros mismo pero
teniendo en cuenta nuestra propio talento de que si podemos llegar a ser una buena bailarina o
por lo menos intentar a llegar a serlo.
BILLY ELLIOT
Billy Elliot es un pequeño niño que se entrena para el box a cargo de su padre, pero
mientras el observa las bailarinas de ballet en el mismo lugar que entrena empieza a sentir
algo inexplicable, su cuerpo siente la música y sin darse cuenta su cuerpo en pieza a tomar
forma del ritmo de la música. Y la señora quien los entrenaba a las niñas se intereso por
Billy porque demostró tener un talento innato para el ballet entonces la señora le da
clases de ballet gratuitas y a escondidas de su padre, ella lo entrenaba para las audiciones
que hay en Londres para una escuela famosa de ballet. Pero ya que su padre lo descubrió
lo obliga a salir del ballet. La señora le explico al padre y lo comprendió y lo dejo asistir
pero aun así pensó que era un pérdida de tiempo y además que no era digno de ser para
un niño pues a pesar de muchos problemas que tuvo al fin ensayar tranquilo, entonces
Billy entreno todas la veces que podía, el escuchaba la música lo sentía. Sentía que era una
su vida el ballet. Al ballet lo llevaba en el corazón. Después de mucho el fue a la audición y
lo logro y tuvo que irse a Londres a estudiar ballet y al final se convirtió en uno de los
mejores bailarines de ballet y lo demostró y su padre se sintió feliz al verlo por primera
vez después de mucho tiempo hacer un papel muy importante. Esto nos demuestra que
un sueño como el bailar se lo puede lograr con constancia.
SWAN LAKE

19. El lago de los cisnes es una pieza de ballet influencias de danza contemporáneo, es uno de
los actos mas largo que se ha ejecutado en 1995. Se basa en un joven príncipe de la
corona con su madre distante y su deseo de ser libre, representado en un hermoso cisne.
Se divide en actos:
Primer acto
Se trata del príncipe, que cuando es un niño se despierta de una pesadilla de un cisne, al
siguiente día se prepara sus funciones del día, en la segunda escena se viste de gala, con el
transcurso del tiempo crece y el príncipe se hace joven adulto, su madre le busca una
novia. En la escena tres escenifican con un ballet el príncipe y su novia, en la escena cuarta
encuentran al príncipe descontento en su habitación frente al espejo y violento, en esta
escena termina con pas de deux. En la escena cinco y seis se desvía del ballet clásico a la
forma de jazz y danza moderna, el príncipe busca su amor entre los extraños, en la siete
desaparece su novia. Mientras el príncipe esta sentado en las calles se imagina a un grupo
de cisnes que vuelan hacia él, es el primer destello de la descendencia del príncipe en la
locura.
El segundo acto
Decepcionado de que jamás encontrará el afecto, el Príncipe contempla el suicidio en el
segundo acto, pero es salvado por unos hermosos cisnes en el lago de un parque público.
En este acto representan hombres bailando ballet en lugar de bailarinas, su vestuario es
reemplazado con los pechos desnudos, con plumas pantalones hasta las rodillas, y
marcas negras, fácil negro. El príncipe toma tu tiempo amoroso es lo que siempre ha
deseado, la ley de la felicidad termina en un triunfo pero no esta todo claro, no se da
cuenta que son producto de su imaginación.
Tercer Acto
Esta escena inicia con una princesa de las naciones europeas y sus acompañantes llegan
a las puertas del palacio para un gran baile. La novia se cuela entre ellos.
Escena Dos lleva a cabo en un salón de baile de ballet. Comienza con la llegada de la
reina y el príncipe, pero rápidamente degenera en una fiesta. En esto llega el hijo
carismático y agresivo de coquetear con todos las mujeres, incluida la reina.
El príncipe ve algo de su amado cisne en el hijo, y él es tan atraída por su valentía y el
magnetismo animal, que es rechazado por su lascivia. Durante esto realizan una
secuencia de danzas nacionales, queda claro que la Reina es poderosamente atraída por
el hijo de von Rothbart. Su padre, el secretario privado, mira con una aprobación cada vez
más triunfante. El Príncipe en su mente se imagina bailando íntimamente con él, pero
interrumpe el príncipe confusión de la fantasía, y los movimientos del hijo a su vez
rápidamente de amor a la violencia. El príncipe se imagina a los otros huéspedes en el
baile reír y ridiculizar a él. La Reina y el joven vonRothbart abrazados comienzan a

20. besarse, lo que indica su aceptación de él como su amante. Abrumado por sus
sentimientos en conflicto, el príncipe decepcionado amenaza con matar a su amante.
Cuarto Acto
En el acto final de los Cisnes de Matthew Bourne del Lago del Príncipe, considerado
como haber perdido el juicio, se limita a un asilo en una habitación con una ventana alta
con barrotes, y es tratado por un médico y un equipo de enfermeras con máscaras que se
asemejan a la cara de la Reina, en una escena que recuerda de su preparación a
principios del ballet. Una vez más, la Reina es incapaz de expresar plenamente el amor
de su hijo.
El príncipe se mete en la cama y parece dormir. Sin embargo, empieza a retorcerse como
los sueños de la compañía de los cisnes que salen de debajo y detrás, el baile
amenazante a su alrededor. Se despierta de su pesadilla, el control debajo de su cama y
alrededor de su habitación para los cisnes. Su expresión torturada y movimientos bruscos
transmite el príncipe luchando para lidiar con la realidad y la fantasía. Su Cisne conduce
lentamente emerge desde el interior de la cama del príncipe. No está claro si esto está
sucediendo en la realidad o es simplemente otra de las visiones del Príncipe. El Cisne
amor baila con el Príncipe. El príncipe, a pesar de sus esfuerzos, es demasiado débil
para salvar a su amor. Afligido, los gritos y el príncipe se derrumban en la cama. La Reina
encuentra el cuerpo de su hijo muerto y llora. Sin embargo, en la muerte el príncipe y el
cisne pueden estar juntos.