Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas europeos entre 1905 y 1945. Menciona el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo. Describe sus características y los artistas más representativos de cada movimiento, como Matisse, Munch, Kandinsky, Picasso y Dalí. Resalta que estas vanguardias rompieron con el arte tradicional e introdujeron nuevos lenguajes artísticos a través de la experimentación con la forma, el color y los materiales.

1. LAS VANGUARDIAS
HISTÓRICAS
DEL SIGLO XX
(Europa 1905-1945)

2. Vanguardias: serie de movimientos artísticos que
se caracterizan por innovar en la técnica y los
materiales creando un nuevo lenguaje artístico.
Fue la ruptura definitiva con el arte tradicional.
Tienen su precedente en el impresionismo.

3. Desde la primera década del XX al comienzo de la 2º
Guerra Mundial.
A principios del siglo, el mundo parecía A PUNTO DE
ROMPERSE a causa de transformaciones económicas,
sociales y políticas, pero también científicas y
filosóficas.
En el ámbito científico-técnico:
• el psicoanálisis de Freud indaga en un mundo
inconsciente e irracional, hasta ahora poco conocido
y denostado.
• La técnica fotográfica empieza a ocuparse de
representar ilusoriamente la realidad, con montajes
que seccionan y seleccionan lo visible. Esto desplaza
el arte de la pintura al plano de la interpretación y del
pensamiento abstracto.
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

4. En el ámbito sociopolítico, el siglo comienza con graves
tensiones internaciones que revelan un imparable
PROCESO DESHUMANIZADOR.
 El estallido en 1914 de la 1º Guerra Mundial, unida a
la Revolución Rusa de 1917, inaugura un periodo de
violencia inusitada, con los TOTALITARISMOS
haciéndose fuertes a costa de una DESACREDITADA
DEMOCRACIA.
 La pujante industrialización que genera grandes
masas de obreros descontentos, la crisis económica
del 29 que hundirá en el desempleo y escasez a
buena parte de la población.
 El ensayo general que supone la Guerra Civil
Española, configurarán un panorama de Entreguerras
 Todo salta definitivamente por los aires en 1939, con
un conflicto armado de dimensiones desconocidas:
la 2ª Guerra Mundial.

5. En este contexto de GUERRAS, donde la desilusión se abre
camino, se configurará una NUEVA VISION DEL MUNDO:
FRAGMENTADA E INESTABLE
que los artistas traducirán en novedosas experiencias
creativas, agrupados en VANGUARDIAS.
Procedente del vocabulario militar y político,
al trasladarse al mundo del arte, se acepta implícitamente la
idea de COMBATE que los artistas inician para imponer unas
premisas estéticas que se oponen a lo establecido.
Eran MILITANTES, la mayoría del progresismo y de la
democracia,
y en eso mostraron sintonía con el periodo en el que surgieron
y desarrollaron.
En 1939, el arte y los artistas se exiliaron a Nueva York, foco
del arte mundial en la segunda mitad del XX.
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

6. Las artes figurativas experimentarán profundos cambios
que van a posibilitar la aparición de un nuevo lenguaje
artístico.
Elaborarán PROPUESTAS que suponen una RUPTURA
absoluta con el lenguaje de raíz renacentista, porque:
CARACTERÍSTICAS DE LA
PINTURA Y ESCULTURA
DE LA 1ª MITAD DEL XX
* Afirman el valor subjetivo o emotivo del color como los
FAUVISTAS
* Destruyen el espacio monofocal del Renacimiento
como los CUBISTAS
* Subrayan la velocidad y la simultaneidad de los
acontecimientos
como los FUTURISTAS
* Acentúan los valores expresivos, existenciales o
inconscientes del ser humano como
los EXPRESIONISTAS, los DADAISTAS o los
SURREALISTAS
* Reivindicar un arte que, renuncia a todos sus
referentes formales,
llegándose a la ABSTRACCIÓN

7. Todas las Vanguardias tendrán en común:
• La influencia de los “pueblos primitivos” y de la
industria, tomados como guías o referentes para la
renovación y la ruptura con lo convencional.
Las máscaras africanas o las esculturas de los indios
americanos empezaron a ser coleccionadas y pasaron al
taller de artista, junto con objetos industriales, máquinas
y productos manufacturados que entrarán, para siempre,
en el universo del arte.
• La fuerte individualidad de los artistas. Cada creador
eligió sus propias leyes y acentuó su personalidad y su
afán experimentador. Por ello, en muchas ocasiones el
mismo artista recorre distintas propuestas y lenguajes.
Por ello, es difícil encajar a muchos artistas en
movimientos que, por otro lado, son simultáneos,
sin un lenguaje que caracterice ni un periodo ni la época.
CARACTERÍSTICAS DE LA
PINTURA Y ESCULTURA
DE LA 1ª MITAD DEL XX

8. z
FAUVISMO
HENRI MATISSE POR DERAIN / 1905
Influidos por Cézanne, Van
Gogh y Gauguin
Se aleja del naturalismo a
través de la APLICACIÓN
VIOLENTA DEL COLOR
Son colores puros y
estridentes,
arbitrarios, liberados,
yuxtapuestos.
Proclaman la autonomía del
arte, la vivencia emocional y
subjetiva.
Destaca HENRI MATISSE
Otros autores: DERAIN Y
VLAMINCK
Cronología: 1905-1907
Salón de Otoño de París,
1905
FAUVES “FIERAS”

9. z
Surge en Francia como reacción al impresionismo, al que reprocha
su desprecio por el mundo interior del artista. La cohesión y el propósito
común de este grupo de pintores es efímera (1905-1910) y su influencia
se nota en las siguientes vanguardias. Muchos evolucionan
rápidamente, pasando de un movimiento a otro, experimentando nuevas
técnicas.
 El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de
éste: rostros verdes, árboles azules, mares rojos, rosáceos o violetas,
sus tonos preferidos.
 Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y los
contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, y se rellenan
con manchas de color planas.
 Subjetivismo: interpretan lírica y emocionalmente la realidad con
temas agradables, fundamentalmente paisajes o retratos.
 La profundidad (perspectiva) desaparece y los volúmenes se
perfilan con pinceladas fuertes, no con el convencional claroscuro.

10. z
MATISSE
JOIE DE VIVRE / 1906
Alegría de vivir, de Matisse

11. z
EXPRESIONISMO
PIEDAD DE O. KOKOSCHKA / 1908
Utiliza el color plano y proclama
la primacía de
los sentimientos y de las
pasiones extremas.
Esa subjetividad le aleja del
naturalismo a través
de la DISTORSION RADICAL DE
LAS FORMAS
Lenguaje expresivo y sencillo
que reduce el cuerpo humano
a una silueta, utilizando
formas angulosas.
Más que un movimiento o nuevo
lenguaje
es una forma de pintar con
temática propia:
la angustia y el pesimismo

12. z
 Predomina el sentimiento sobre el pensamiento, es decir,
cuando expresa emociones, vivencias, sentimientos del
autor: la muerte, el sufrimiento, la angustia, la locura.
 Imagen tétrica de un mundo sin objetivos. En ellos, SU
TEMÁTICA SE CENTRA EN TEMAS MORBOSOS Y
PROHIBIDOS, INSISTIENDO EN LO DEMONÍACO, LOS
SEXUAL, LO FANTÁSTICO Y LO PERVERTIDO.
 Técnicamente se nota un apasionamiento por el
tratamiento de la superficie del cuadro, con aplicación
violenta de los colores.
 El rechazo de los nazis al arte de las vanguardias
(similar al de los comunistas de la época) se centra
principalmente en esta tendencia, a la que no dudará en
denominar “arte degenerado”.


13. z
EXPRESIONISMO
PRIMERA GENERACIÓN / h. 1900
EDVARD MUNCH
EL GRITO / 1893
• EDVARD MUNCH (1863-1944),
noruego y de infancia trágica, refleja
vivencias personales en sus obras.
• Expresa de forma trágica su sentir de la
vida y la soledad y el miedo del hombre.
Su temática es dramática, casi
obsesiva, y su técnica agudiza los
colores con un trazo violento y
agudo.
• Quizá su obra sea la que mejor expresa
la angustia o la desesperación ante
las situaciones cotidianas.
• Sus temas: la muerte, las pasiones
humanas, el deseo sexual y la
destrucción.
• Sus cuadros y grabados se difunden
con rapidez en Alemania e influirán
considerablemente en otros pintores.

14. EL GRITO (1893)
Hombre que, en primer plano, emite un grito de angustia que
parece transmitirse a todo el entorno, excepto a las dos personas
que, en el otro extremo del puente, siguen paseando ajenas al
suceso.
Para representar ese malestar vital, Munch recurrió al uso
expresivo del color, con tonos irreales: rojos y naranjas para un
cielo cerca del anochecer, azules y negros para el mar, las
montañas y las figuras. Y lo emplea con líneas ondulantes que
deforman tanto la figura principal, cadavérica, como todo el
espacio que le rodea, salvo a las dos figuras y al puente, de
fortísima diagonal hacia el fondo, acentuando la angustia. La
proyección del pánico al exterior se logra convirtiendo el grito en
ondas que deforman el paisaje, lo que subraya la subjetividad de
la visión humana.
Buscando transmitir los rincones más oscuros del alma humana,
en sintonía con el incipiente existencialismo filosófico de la época,
el cuadro refleja el mundo interior del artista, de hecho puede
leerse como un autorretrato, pero acaba por convertirse en un

15. EDVARD MUNCH
LA DANZA DE LA VIDA / 1900 ANSIEDAD / 1894

16. JAMES ENSOR
ENTRADA DE CRISTO EN BRUSELAS 1888-89 LA MUERTE Y LAS MÁSCARAS

17. z
EXPRESIONISMO
SEGUNDA GENERACIÓN / h. 1910
Alemania.
En 1905, unos estudiantes de
arquitectura de Dresde formaron el
primer grupo expresionista
consciente al que llamaron Die
Brücke, es decir, El Puente, porque
pretendían tender un puente que
uniera todos los elementos
agitadores y revolucionarios, tanto
artísticos como literarios, y entre
todos, rechazar el arte coetáneo
alemán.
Expresaban devoción por Van
Gogh y Munch, los grabados en
madera medievales (xilografía) y el
color fauvistas.

18. ERNST LUDWIG KIRCHNER
CALLE DE DRESDE / 1908 CALLE DE BERLIN / 1913
Temática predilecta: las escenas
nocturnas callejeras, donde
aparecen elegantes prostitutas
en un entorno de agitación
urbano, antes del estallido de la
guerra.

19. z
EXPRESIONISMO
SEGUNDA GENERACIÓN / h. 1910
En 1911se formó en Munich
otro grupo expresionista: Der
Blaue Reiter, es decir El Jinete
Azul.
Los pintores de este grupo
abandonaron el dramatismo y
la amargura para entregarse a
preocupaciones menos
psicológicas: la
experimentación a través del
color, lo que acabó llevando a
la abstracción pictórica.
Lenguaje que traduzca
emociones y sentimientos
mediante colores, tonos y
formas, para crear en el
espectador un
estremecimiento lírico
semejante al de la música.

20. z
 WASSILY KANDINSKY. De origen ruso, llegó a Munich atraído
por la rica vida intelectual de la ciudad.
 Valiéndose del color fauvista, realiza paisajes manchados con
unas gamas muy expresivas, dando lugar a composiciones muy
líricas en las que poco a poco el tema va perdiendo protagonismo
hasta para nombrar la obra.
 Kandisky es considerado como el padre del arte
abstracto. Mantiene que la fuerza de la pintura se encuentra en
las formas y colores al igual que en la música se encuentra en las
notas.

21. z
WASSILY KANDINSKY
LIRICA EN BLANCO / 1911
Cuadro abstracto en el
que los elementos de la
composición son forma
s, colores pero
no existe
relación con la
realidad visible.
Para Kandinsky pintar
un cuadro supone llenar
una superficie de
elementos como líneas,
puntos, colores, formas
geométricas que dan
una sensación de
tensión, armonía, ritmo y
que causen o provoquen
una sensación en el
espectador.

22. En la parte izquierda domina el color luminoso con
predominio del amarillo pero con líneas finas y gruesas,
rectas y curvas, círculos y una semicircunferencia de
color anaranjado
En la zona central se observa variedad de colores:
rojo , amarillo, anaranjados , tres semicírculos de color
blanco que contrastan con un triángulo de color negro,
un ajedrezado.
A la derecha encontramos la zona menos luminosa
con un gran círculo azul sobre él ondula una cinta negra
, dos triángulos negros dos ajedrezados lleno de
colores y una variedad cromática de verdes, violetas,
naranjas.
De esta forma la contraposición de formas y colores
crea tensión pero también armonía y dinamismo.

23. Uno de los elementos más
importantes de este cuadro
es precisamente el ritmo y el
dinamismo que produce
en nuestra visión este "
enfrentamiento de colores
", de líneas.
Las sensaciones del
espectador cobran aquí una
gran importancia por una
parte parece existir una
movimiento circular que
comenzaría por la línea curva
de nuestra izquierda para
acabar en la cinta negra y
sobre todo en el círculo negro
de nuestra derecha que
parece " querer caer"
LÍRICA SOBRE BLANCO

24. REFERENTES FORMALES DEL CUBISMO
EXPO LONDRES / 1906
ARTE PRIMITIVO AFRICANO
EXPO CEZANNE / 1907
FIGURAS GEOMÉTRICAS ELEMENTALES

25. REFERENTES FORMALES
DEL CUBISMO
EXPO LOUVRE / 1906
ARTE IBÉRICO
- También en estas fechas
(1906-07) Picasso
encontró importantes
sugerencias formales en
la escultura ibérica
expuesta en el Louvre.

26. RETRATO DE GERTRUDE
STEIN / 1906-07
- Picasso encontró
importantes
sugerencias formales
en la escultura ibérica
expuesta en el
Louvre.
En 1907, PICASSO
realiza varios retratos
donde se aprecia una
esquematización y
asimilación de esos
referentes formales.

27. z
PABLO PICASSO
LAS SEÑORITAS
DE AVIGNON / 1907
Museo de Arte Moderno de
NY
PROTOCUBISMO
O
CUBISMO
EXPERIMENTAL
Obra que inaugura el movimiento CUBISTA.
Representación
geométrica de
las figuras, que
se simplifican y
el espacio no
refleja
profundidad.

28. z
 Cinco prostitutas de un burdel de la calle Avignon, en
Barcelona.
 Pero más allá del tema, fue su TÉCNICA DE GRANDES
PLANOS DE COLOR QUEBRADOS, llenos de ángulos
agudos, y la indefinición de los contornos de carne y espacio.
 Lo que resultó más llamativo, en una representación formal
totalmente radical y renovadora basada en la idea de
plasmar una visión total, analítica y simultánea del objeto
representado.
 De hecho, se representan VARIOS PUNTOS DE VISTA A LA
VEZ, y por ello los cuerpos, rostros y espacios se
distorsionan y se deforman, se encajan y desencajan en un
espacio que también se rompe.
 Con el cubismo, todo es susceptible de ocupar un plano
propio e independiente, sin relación aparente con los demás.

29. z
NO HAY PROFUNDIDAD NI PERSPECTIVA.
Las agresivas figuras femeninas se sitúan en primer
plano. Lejos de las sensuales curvas, las mujeres se han
convertido en objetos pintados de ángulos rotos, entre
atrevidas y tristes, hechas a trozos y con rostros de
máscaras deformadas. Esta obra marcar un antes y un
después en la historia del arte.
Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina
todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo,
los cánones de profundidad espacial y el ideal existente
hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra
a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva
espacial, en el que las formas están marcadas por líneas
claro-oscuras.

30. z
CUBISMO ANALÍTICO (1909-1912)
PICASSO: AMBROSE VOLLARD / 1910
 Temas relacionados CON
RETRATOS Y BODEGONES
 Colores apagados y reducidos
(grises, marrones, monocromos)
 Apariencia poliédrica que
quiere reflejar los múltiples
ángulos desde los que sería
posible verlos.
 Maraña de líneas y un conjunto
de planos interrelacionados de
geometrización extrema.
 Pero desde 1911 es
prácticamente imposible por el
embrollo geométrico que se
alcanza, dando lugar al nombre
de CUBISMO HERMÉTICO, a
un paso de la abstracción
total.

31. CUBISMO SINTÉTICO
PICASSO: NATURALEZA MUERTA
CON SILLA DE REJILLA / 1912
CUBISMO SINTÉTICO (1912-
15)
En el proceso de plasmar en un
plano todos los puntos de
vista, y sin querer traspasar la
barrera de la no figuración.
Los artistas comienzan a
RECUPERAR LOS COLORES
Y LAS FORMAS MÁS
SIMPLES Y EVIDENTES.
Grandes planos uniformes y
contornos geométricos
precisos, que reflejen los
ángulos esenciales de un
objeto, lleva a otra aportación
esencial en la historia del arte: el
papier collé, una forma de
collage a base de incorporar
papeles encolados a la obra,
convertida así en OBJETOS-

32. z
PABLO RUIZ PICASSO
(1881-1973)
PICASSO / 1907
1. PICASSO ANTES DEL CUBISMO:
1895-98: Realismo social
1899-1901: Postimpresionismo
1901-06: Simbolismo-modernismo:
Época azul (01-04)
Época rosa (04-06)
2. CUBISMO
1907-09: experimental
1909-12: analítico
1912-15: sintético
1915-20: decorativo
3. VUELTA AL ORDEN. PICASSO
CLÁSICO: 1920-1924
4. SURREALISMO / EXPRESIONISMO:
1925-1940
5. FECUNDA Y LARGA VEJEZ: 1945-1973

33. z
 Picasso es aquel genio que transita, marcando los
máximos en todo momento, desde las propuestas
más interesantes y renovadoras de fin de siglo,
hasta las propuestas cubistas y surrealistas,
terminando por configurar un universo artístico
inmenso hasta el final de sus días.
 No hay artista más controvertido y mitificado, un
artista que encarnó mejor que nadie la aventura
creativa de toda la vanguardia.
 Su larga carrera artística, casi centenaria, le permite
transitar desde el realismo social hasta el desenfado
temático de sus últimos años, en un recorrido que
se puede sintetizar así:

34. z
REALISMO SOCIAL
1895-1898
CIENCIA Y CARIDAD / 1897
PICASSO PRECUBISTA
Pablo Ruiz Picasso nació en
Málaga en 1881.
Su padre, profesor de dibujo, le
vincula pronto al mundo del arte.
En 1895 se prepara ya en la Escuela
de BBAA de Barcelona donde
inauguró su precoz habilidad
artística, con retratos y obras que
buscan consagrarle como pintor
burgués y académico.
De hecho, en este momento y con
apenas 16 años, realiza obras
próximas al REALISMO SOCIAL,
tan del gusto oficial de finales de
siglo: son obras muy reveladoras
de su sorprendente talento y

35. z
POSTIMPRESIONISMO / 1899-1901
LA CANTANTE
En 1899, Picasso entra en
contacto con el grupo de
artistas más avanzados de
Barcelona, en la taberna Els
Quatre Gats: Casas, Rusiñol,
Nonell… lo que le permite
conocer lo que se hace en
Paris en este momento y
reproducirlo: es el
POSTIMPRESIONISMO .
Recibe gran influencia de
Toulouse-Lautrec, Bonnard o
Degas.
Se aprecia en obras como LA
CANTANTE (1901) con gusto
por la pincelada, la superficie
plana con colores planos y los
temas mundanos.

36. z
MODERNISMO-SIMBOLISMO
EPOCA AZUL / 1901-04
AUTORRETRATO / 1901
 Desde 1901 se puede hablar
de un Picasso próximo al
SIMBOLISMO-MODERNISMO,
muy influido por el clima
artístico parisino, y
personalmente, ahogado por su
precaria situación económica y
profundamente afectado por la
muerte de su amigo
Casagemas
 Influencia de El Greco y unos
tonos azulados que serán
característicos de una fase
artística muy convulsa
conocida como ÉPOCA AZUL
(1901-04)

37. PABLO PICASSO
EL GUITARRISTA CIEGO / 1903
Mundo sórdido, desesperanzado,
desolado, centrado en figuras
humanas introspectivas, tristes,
marginales, con temáticas de
pobres, mendigos, enfermos,…
convertidos en figuras alargadas,
angulosas, paralizadas, de mirada
perdida, representados con cierto
sentimentalismo y mucho
expresionismo, acentuado por los
tonos fríos monocromos y una
acusada linealidad.

38. z
LA VIDA / 1903
POBRES A LA ORILLA DEL MAR / 1903

39. z
PABLO PICASSO
LAS SEÑORITAS
DE AVIGNON / 1907
PROTOCUBISMO
O
CUBISMO
EXPERIMENTAL

40. z
PICASSO: CHICA CON MANDOLINA / 1911
CUBISMO ANALÍTICO
PICASSO: AMBROSE VOLLARD / 1910

41. z
BRAQUE: EL PORTUGUÉS / 1911 BRAQUE: EL VELADOR / 1912
PICASSO: KHANWEILLER / 1910
CUBISMO HERMÉTICO

42. “VUELTA AL ORDEN”
PICASSO CLÁSICO / 1920-24
DOS MUJERES CORRIENDO POR LA PLAYA / 1922

43. Después del conflicto, en Picasso
como en otros artistas se produjo
una vuelta a la figuración más
contundente, momento artístico
conocido como VUELTA AL
ORDEN.
Durante estos años (1920-24), que
coinciden con su matrimonio con la
bailarina Olga Koklova y su etapa
más burguesa, se dará el Picasso
más clásico o neoclásico, con
temas muy amables: retratos,
arlequines, mujeres y hombres
corriendo, haciendo música…. en
escenarios naturales, muy azules o
neutros, pintando grandes figuras
en movimiento, muy lineales y
básicas, de formas rotundas, casi
escultóricas.
.

44. z
SURREALISMO
EXPRESIONISMO
1925-1940
LA DANZA / 1925
Manifiesto surrealista:
reivindica la existencia y la
presencia del mundo
subconsciente, tanto
psicológico como onírico.
Los dobles sentidos, las
formas que parecen una cosa y
son otra, las sombras en la
pintura que no son reflejo de
nada, las pulsiones sexuales
desenmascaradas.
Formato cubista para mostrar una visión
desconcertante no tanto del hombre, como
de la mujer, convertida en esta fase en un
ser puramente sexual, bien devorador y
amenazante, un tanto vampírico

45. z
 En 1936 estalla la Guerra Civil española y, aunque
Picasso vive en Francia desde tiempo atrás, se
siente muy comprometido con lo que acontece en
su país y, en concreto, con el devenir de la España
republicana.
 La tensión que se palpa en el ambiente desde tiempo
atrás, se aprecia en un arte que va tomando una
deriva más expresionista y en el que, además de
agudizar radicalmente las formas, va incorporando
temas de mayor dramatismo, como los temas
taurinos o clásicos donde el protagonista era el
Minotauro, que se convertirán en sus predilectos,
llenos de símbolos personales, históricos y
culturales.

46. z
MUJER LLORANDO / 1937
Incluso en los retratos que
realiza de su nueva amante
Dora Maar en 1937 se va
apreciando la carga
dramática y desgarradora
de unas obras de crudo
expresionismo

47. z
PABLO PICASSO
GUERNICA 1937

48. EL GUERNICA (1937)
Obras cumbre, vinculada a su compromiso político: EL
GUERNICA (abril de 1937) para el Pabellón de la República
española en la Expo de Paris.
Mezclando el cubismo, surrealismo y el expresionismo, se
refleja en él el bombardeo a la que fue sometida la población
de Guernica por la aviación alemana, en el bando nacional, un
acto que indignó al mundo por su gratuita crueldad, y cuya
denuncia convirtió el cuadro en un símbolo universal del
horror de la guerra.

49. En un espacio indeterminado, probablemente un interior,
aparecen todos los elementos anunciados hasta ahora:
caballos, toros, mujeres y niños, todos desgajados por el
horror y el dolor más profundo.
Usando una escala de grises, propia del mensaje crudo
que quiere lanzar y probablemente alusivo a la noticia de
los periódicos, compone una obra muy novedosa donde
inserta todas las variantes vanguardistas de carácter
formal.
Cuerpos rotos, deformados, angulosos, sombreados,
carne y piedra, aire y fuego, interior y exterior,… todo en
un caos lleno de figuras plasmadas desde distintos puntos
de vista, que es posible ver por la doble luz: la bombilla,
como un ojo de dios moderno, y el candil, que no sólo dan
cuenta del horror, sino de la esperanza, con esa flor, solo
intuida en la mano del guerrero muerto.

50. La mujer quemándose representaría
el dolor de la población civil
indefensa, que sufre los efectos de
las bombas incendiarias.
La mujer que escapa corriendo de
las bombas representaría la
población civil, impotente que sólo
puede huir.
La mujer que asoma la cabeza por
la ventana representa la humanidad,
impotente ante todo lo que está
contemplando, y que sólo puede
gritar.

51. El quinqué y la luz que emite
representan la necesidad de informar a
todo el mundo de lo que está ocurriendo.
Al lado de esta luz existe otra, que
parece una lámpara eléctrica encendida,
con forma de ojo, cuya pupila sería una
bombilla. No pueden o no quieren
iluminar la escena. Podrían representar
La Sociedad de Naciones, la Política de
No Intervención, los gobiernos, etc., que
lo observan todo, pero distorsionan la
verdad de lo que está pasando.
El centro del cuadro está ocupado por
un caballo herido de muerte, que
representaría las víctimas inocentes de
una guerra.

52. A la izquierda vemos un toro, con el
cuerpo en tensión, observando en todas
direcciones, vigilante (consiguiendo esto
a través de la técnica del cubismo) y
amenazante. Es por eso que se pensó
que representaba al fascismo, a Franco.
Bajo el toro aparece una madre que
sostiene en brazos a su hijo muerto,
representando no el dolor físico, sino el
anímico que se tiene al ver sufrir a los
seres queridos.

53. Entre las cabezas del toro y del caballo
se encuentra una paloma, símbolo de la
paz.
Aparece en un espacio reducido, en el
que apenas puede moverse. Además
tiene un ala caída, el pico abierto, como
gritando. Representa la libertad y la paz
oprimidas.
El único hombre que aparece es un
guerrero que yace muerto delante del
cuadro. El guerrero aparece con el brazo
cortado y recién decapitado, por lo que
está exhalando su último grito de dolor.
A diferencia del niño, que muere siendo
una víctima pasiva, el guerrero muere en
acto de combate y representaría a los
soldados que mueren en lucha por
conseguir sus ideales. El brazo aún
sostiene una espada rota, en donde
también hay una flor, símbolo de
esperanza.

54. EL GUERNICA (1937)
En 1937 pinta “el Guernica” para la exposición universal de París

55. En el mismo año, pintó temas más
amables que tienen que ver con su
esfera personal; MARIE THERESE
MARIE THERESE WALTER / 1937

56. Tras la guerra, comienza otra nueva etapa en la
producción de Picasso en la que sobre todo se
centró en el análisis de la condición de la
pintura, realizada a partir del estudio de grandes
obras de los clásicos como Delacroix, Manet,
Rembrant o Velázquez.
Preocupado por la obra pintada, el acto de
pintar y la persona del artista, Picasso
reinterpreta las grandes obras descubriendo
aspectos desapercibidos, posibilidades
inesperadas, como en LAS MENINAS (1957),
una serie de 58 óleos, que resume toda su
carrera.

57. PABLO PICASSO
LAS MENINAS
DE VELAZQUEZ
1957
FECUNDA Y
LARGA VEJEZ
1945-1973

58. EL PINTOR Y SU MODELO: 1963 JACQUELINE ROCQUE EN EL ESTUDIO: 1968

59. PICASSO
AUTORRETRATO 1973
Pintor hasta el final, Picasso
muere en 1973, dejando un
AUTORRETRATO como una
calavera, mirando con unos
ojos, que son los del arte del
siglo XX.

60. SEVERINI: LUZ EN EL ESPACIO / 1914
FUTURISMO
Movimiento vanguardista, literario
y
artístico, surgido en Italia en
1909-10,
articulado mediante
MANIFIESTOS, en los que se
ensalza la juventud, la máquina,
lo moderno, la velocidad, la
violencia como motor de
cambio y el dinamismo.
Completamente opuestos al
pasado,
propugnan un arte vitalista, que
sea
expresión del presente y del
futuro.
Se aleja del naturalismo a través
de la
REPRESENTACIÓN DE UNA
REALIDAD EN MOVIMIENTO,
EN PERMANENTE CAMBIO.

61. FUTURISMO
Coincidiendo con el tiempo del primer cubismo, el futurismo
vertebró el arte italiano de vanguardia.
Surgió en 1909 cuando el poeta Marinetti publicó el primero de
los MANIFIESTOS de este movimiento literario, un tipo de escrito
divulgativo y propagandístico muy característico de las
vanguardias, pues supone una toma de posición pública.
Se ensalzaba la juventud, la originalidad, la máquina, la
modernidad, la velocidad y el dinamismo, además de la
violencia, la guerra y lo irresistiblemente nuevo.
“un automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de
Samotracia”
Los futuristas aspiraban a cambiar la vida y el mundo, y esta
filosofía vitalista implicará a todos los campos culturales y
sociales, quedando posteriormente vinculada a las primeras
propuestas fascistas.

62. GIACOMO BALLA
DINAMISMO DE UN PERRO CON CORREA / 1912 VELOCIDAD DEL AUTOMOVIL / 1912

63. UMBERTO BOCCIONI
LA CIUDAD QUE EMRGE/ 1910
Parece ser una fábrica en
una ciudad, utilizando
para ello la fuerza de los
caballos. La
construcción que en
teoría debía ser el
elemento principal de la
pintura ha quedado
relegada en pro de la
fuerza y el dinamismo
de los animales. Las
pinceladas son rápidas
y cortas y con ellas el
artista logra transmitir el
movimiento y la
potencia de los
animales. Las formas se
dividen en pequeños
elementos y destaca la
intensa paleta con la que
el artista ha representado
las formas de los
animales.

64. z
CARRÁ: FUNERAL DEL ANARQUISTA GALLI / 1911 SEVERINI: TREN BLINDADO / 1915

65. z
KANDINSKY: ACUARELA ABSTRACTA / 1910
ABSTRACCIÓN
Más que un movimiento o
nuevo lenguaje supone el
punto de llegada de muchos
artistas de vanguardia que
aspiraban a conceder más
autonomía a la obra
respecto a lo representado.
El salto hacia la abstracción
se produjo entre 1910 y
1917, desde posiciones muy
diferentes.
Se aleja del naturalismo a través de la NO REPRESENTACIÓN DE
LA REALIDAD, LA NO FIGURACIÓN.
Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del
objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la
importancia del color en las obras abstractas. Se busca una nueva
expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el
acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella
al interpretarla.

66. ABSTRACCIÓN LIRICA
Clasifica sus obras entre:
- Impresiones (en las que
aun esta presente la
naturaleza),
- Improvisaciones (formas
mucho mas abiertas) y
- Composiciones (en las
que ya no hay tema ni
figuras reconocibles).
- Evolucionara hacia formas
cada vez mas geométricas.
W. KANDINSKY
IMPRESIÓN III (CONCIERTO) 1911

67. ABSTRACCIÓN LIRICA
W. KANDINSKY

68. ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA
NEOPLASTICISMO / DE STIJL
PIET MONDRIAN (1872- 1944)
COMPOSICIÓN II / 1921-25
Tras pasar por el fauvismo, el cubismo y el
futurismo, será el creador y líder del
Neoplasticismo, corriente pictórica abstracta
geométrica.
Buscaba expresar lo Universal y lo Absoluto
con una pintura racional, clara y sencilla,
CARENTE DE EMOCIÓN.
Redujo todos los elementos formales a
superficies planas delimitadas por líneas
rectas, horizontales y verticales, utilizando
sólo los colores primarios (rojo, amarillo y
azul) complementados con negro y blanco
logrando cuadros llenos de armonía y reposo.
Mondrian ha ejercido una gran influencia en el arte, el diseño industrial y
la publicidad del siglo XX.

69. PIET MONDRIAN
BROADWAY BOOGIE-WOOGIE / 1943
COMPOSICIÓN EN ROJO, AMARILLO Y AZUL / 1928 Y 1930

70. z
KAZIMIR MALEVICH: PINTURAS SUPREMATISTAS (1915)
ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA
SUPREMATISMO
Figuras simples, geométricas y los colores planos

71. KAZIMIR MALEVICH
CUADRADO NEGRO
SOBRE FONDO BLANCO
1915
CUADRADO BLANCO
SOBRE FONDO BLANCO
1919

72. z
DADAÍSMO
HUGO BALL RECITANDO
“KARAWANE” EN EL
CABARET VOLTAIRE
1914
Movimiento vanguardista negador
de todo lo establecido, crítico con
un mundo en destrucción.
Surgido en Zurich (Suiza) durante
la Primera Guerra Mundial.
Muchas de sus acciones eran
efímeras y se desarrollaban en el
Cabaret Voltaire: reuniones
literarias y artísticas.
Se aleja del naturalismo a
través de
la REPRESENTACIÓN DE LO
AZAROSO, LO
ESCANDALOSO, LO
ABSURDO Y LO DESECHABLE.

73. MARCEL DUCHAMP
DESNUDO BAJANDO LA ESCALERA / 1912
CUBISTA-FUTURISTA
EL GRAN VIDRIO / 1913-22
DADAÍSTA

74. MARCEL DUCHAMP
DADÁ - READY-MADES
RUEDA DE BICICLETA / 1913 FUENTE / 1917
DE MANIPULACIÓN RECOMENDABLE
DE MANIPULACIÓN OBLIGATORIA

75. Ready-made; se trata de aislar un objeto cotidiano, del
día a día, de su contexto habitual para elevarlo a la
categoría de arte-con una clara motivación transgresora y
antiarte- en el que añade nuevos pensamientos a dicho
objeto.
Escoge un urinario, lo extrae de su contexto-cuarto de
baño-, imposibilita su uso-al ser extraído y colocado al
revés- y lo muestra como si fuese una obra de arte-en
este caso una escultura-, provocando a los espectadores
que emitan un juicio estético sobre un urinario que alcanza
la categoría de arte.
La idea de plantear qué es y no es arte-y hasta qué punto
juega la voluntad del artista/creador-.
Toda la obra de Duchamp-y no sólo en La fuente- la
importancia radica en las ideas y pensamientos que
sugieren sus trabajos y no en su aspecto formal.

76. • El artista se compró un urinario blanco de porcelana, lo
tituló «Fuente», lo firmó con el seudónimo de R. Mutt y lo
mandó a la Sociedad de Artistas Independientes para
que fuese incluido en su exposición anual.
• Evidentemente fue rechazado, y eso que Duchamp
formaba parte de dicho jurado.
• Sin querer, creó la primera obra de arte conceptual.
• Duchamp lo explicó bien claro: «Les arrojé a la cabeza
un urinario como provocación y ahora resulta que
admiran su belleza estética…».
• La estética era lo de menos. Duchamp quiso transmitir
algo tan noble y serio como una idea, probablemente un
«Que os den» a la comunidad artística internacional.
• Pero resulta que en el 2004 esta «Fuente» fue votada
como «la obra de arte más influyente del siglo XX» por
500 reputados profesionales del sector.

77. z
PARA MIRAR
LHOOQ / Elle a chaud au cul
1919
MARCEL DUCHAMP

78. z
SURREALISMO
Movimiento vanguardista revolucionario,
lírico e intelectual que busca cambiar la vida,
inspirado por la liberación del
subconsciente.
Surgido en Francia, su líder André Bretón
publicó el Primer Manifiesto Surrealista en
1924.
Se aleja del naturalismo a través de
la REPRESENTACIÓN DE LO
IRRACIONAL, LO INMEDIATO, LO
ERÓTICO, LO EXTRAÑO, LO ONÍRICO.
“bello como el encuentro fortuito sobre una
mesa de diseccion de una maquina de coser
y de un paraguas”.
Sistema de pensamiento encaminado a
cambiar la vida entera, pues entre sus
principales aspiraciones estaba la apelación
a la inmediatez psíquica.
Esto llevó a varios artistas surrealistas a practicar el AUTOMATISMO,
que, como ejercicio de autoexpresión sin ataduras racionales para
desvelar lo que está oculto, dio lugar a obras de gran fuerza expresiva,

79. z
SURREALISMO
Entre sus principales
aspiraciones estaba:
-Borrar las fronteras entre lo
racional e irracional, lo
prohibido y lo permitido,
-Otorgar al erotismo un papel
liberador.
-Plasmar la inmediatez psíquica,
utilizando la escritura o pintura
automática, sin control de la
razón
-Materializar un sueño
revolucionario, utilizando el arte
liberado como vía para la
política.
Todo con el fin de sacar a flote
un inconsciente profundamente
estudiado por Freud y su
psicoanálisis.

80. z
MIRÓ: Mujer, pájaro, estrellas
MAGRITTE: El falso espejo
Hay dos vertientes:
1. Surrealismo AUTOMATISTA-ABSTRACTO: tiende a la abstracción
inventando universos figurativos personales (imágines sin
correspondencia con la naturaleza, creadas por el subconsciente)
2. Surrealismo FIGURATIVO: se sirven de las convenciones de la
perspectiva renacentista para crear imágenes que sorprender por la
inusitada asociación de objetos.

81. z
 Gala dormida flota en el mar
desnuda y tendida sobre una placa
de piedra.
 La superficie del agua tranquila,
como subrayando el silencio
mágico.
 De una granada surge un pez y de
su boca, la cabeza y las patas
delanteras de un tigre, de cuyas
fauces, a su vez, salta otro tigre.
 Finalmente el cuerpo del segundo
felino, en disposición de ataque y
lanzado hacia la durmiente
desnuda, se prolonga en un fusil
con la bayoneta calada cuya punta
se clava en el brazo de Gala.
 La picadura de abeja sugerida en
el título del cuadro constituye una
amenaza real para la durmiente,
quien en sueños la transforma en
una picadura simbólica,
ideológicamente cercana a muchos
otros cuadros y representaciones.

82. z
 El pintor consigue que pueda percibirse en
un solo instante una acción con múltiples
motivos. Como el durmiente que al
despertarse de un sueño de sólo unos
segundos de duración cree haber visto una
película larga y complicada, así percibe el
espectador de este cuadro de Dalí la
singular temporalidad de lo representado.
 En un momento se despliega sobre la
cabeza de Gala una serie de monstruos,
mientras simultáneamente avanza por el
horizonte portando un obelisco un elefante
con larguísimas patas de insecto. Es la
caricatura de la famosa estatua de elefante
de Bernini, en Roma, que si bien tiene su
origen en un contexto real, sin embargo, se
inserta armónicamente en el
acontecimiento onírico, que se atiene a su
propia lógica.
 Dalí suspende la granada entre dos gotas
de rocío, evocadoras de las perlas de
Venus.
 Según parece, la relación de la granada
con el simbolismo fálico de la serie de
agresores lanzados contra la durmiente se
inserta en la relación entre Dalí y Gala,
cuya importancia como musa, amada y
asesora del pintor es incuestionable.
DALÍ: Sueño causado por el
vuelo de una abeja
alrededor de una granada
un segundo antes de
despertar

83. z
JOAN MIRÓ
(1893-1987)
AUTORRETRATO 1919
JOAN MIRÓ Nacido en
Barcelona en 1893, en sus
comienzos acusa la
influencia de Cézanne,
Van Gogh y del fauvismo
pero desde 1919 le vemos
combinar la lección del
cubismo sintético con un
sentido del humor muy
personal y sugestivo.

84. JOAN MIRÓ
COMIENZOS
DESNUDO CON ESPEJO / 1919
LA VILLA DE PRADES / 1917

85. z
LA MASIA / 1921-22
MIRÓ
EXPERIMENTACIÓN
En 1920 se marchó a París donde conoció a André Masson y a otros
artistas y poetas que pronto serán surrealistas y entendió la necesidad de
traspasar y transcender lo puramente real, lo puramente pictórico y
descubrir otros mundos
Allí aparecen motivos,
algunos enigmáticos, en
un escenario real, la
masía donde decidió de
joven dedicarse a la
pintura, que tiene mucho
de irreal, de mágico,
gracias a una visión
nocturna convertida en
un minucioso catálogo
de los seres y objetos
que habitan su universo
más personal y
simbólico.
Objetos casi flotando en un espacio indefinido, de claras
referencia en El Bosco

86. z
MIRÓ
SURREALISTA
TIERRA LABRADA 1923-24 PAISAJE CATALÁN – EL CAZADOR
Desde 1924, publicado el Manifiesto surrealista, cerca de los
poetas y de Breton, dará un giro radical en su pintura.
Buscará desde entonces lo esencial, lo escondido, lo oculto, lo
“surreal”.
Se lleva a cabo un “proceso de desaprendizaje” y
automatización limitada.
Reducción formal de líneas sencillas donde surgen sus primeros ideogramas o
pictogramas, signos ondulantes que aluden a seres, objetos o cosas insólitas o
irreconocibles. La realidad queda descompuesta gracias al camino abierto al
inconsciente desde donde surgen elementos líricos, emotivos y simplificados, que
parecen ser fruto de las alucinaciones que, dice, le produce el hambre.

87. z
EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN / 1924-25
Una nueva relación entre los objetos y sus afinidades secretas.
El espacio aún es renacentista, con una clara horizontal separando suelo y pared, pero
en él flotan unos seres innombrables que remiten a El Bosco y que poblarán, más o
menos elaborados toda la obra posterior de Miró.
Presente en la primera exposición surrealista, Miró fue el primero que puso imágenes a
este ismo y el primero en encontrar un vocabulario absolutamente personal.

88. JOAN MIRÓ
INTERIOR HOLANDES I / 1928
En 1928, visitó durante dos
semanas Holanda y quedó
fuertemente impresionado por la
obra de sus pintores barrocos:
Van Dyck, Vermeer, Hals… y
creó una serie de tres lienzos
donde recreó un mundo
misterioso con referencias a los
interiores que le fascinaron,
pero llenos de símbolos
ideográficos a base de colores
planos y simples, líneas
sinuosas que unen las figuras y
referencias a la naturaleza y al
campo.

89. Mujer y pájaro a la luz de la
luna
(Óleo sobre lienzo)
Figuración muy detallista.
Universo personal de símbolos e
iconos como la luna, las estrellas,
los insectos, etc, que hacían
referencia a su conexión con la
tierra.
Época en la que tiende a una
mayor abstracción.
Cuadros con fondos neutros que
remiten a la observación de la
bóveda celeste.
Predominio es del dibujo, con
colores bastante cálidos.
Foco de luz que proviene de los
colores blancos.
La perspectiva es frontal, con un
punto de vista alto, y una
composición abierta en un
espacio exterior.
La temática informal e imaginativa
de personajes extraídos de la

90. z
CUADROS-POEMA
CECI EST LA COULEUR DE MES RÊVES
1925
Su evolución pictórica, le llevará a simplificar el espacio pictórico, que se
convertirá en un fondo uniforme, de un solo color aplicado con pinceles y
trapos, sobre el que dejará que floten formas y líneas, negras, blancas,
rojas, amarillas y azules, que sólo pertenecen a su mundo, alentadas por
su inconsciente liberado.
Y aunque siempre
permaneció ligado al
Surrealismo, mantuvo ya
una postura
independiente, sin ser
dogmático ni firmar
manifiestos, al margen de
polémicas, porque no era un
hombre de cafés ni tertulias,
sino tranquilo y solitario.
Convencido de que la lírica
inspira igual poesía y
pintura, empezó a realizar
CUADROS-POEMA, donde
se entrega al puro placer
de ocupar el espacio
coloreando, trazando o
escribiendo.

91. z
LA BAILARINA (1925) con
un trazo infantil e
ingenuo, no exento de
carga sexual.
 LA BAILARINA

92. CONSTELACIONES / 1941 EL PÁJARO CEGADO POR LA LUNA / 1955
Durante la 2ºGM y bajo la sugestión de la música, empezó a pintar su
producción más abstracta, aunque nunca deja de tener referencias
figurativas lejanas con temas como la luna y las estrellas, la mujer, el

93. SURRELISMO
FIGURATIVO
EL ENIGMÁTICO MAX ERNST
El elefante de las Cébeles / 1921
Podríamos tratar de buscarle
algún sentido, pero sería como
intentar interpretar un sueño
ajeno.
De lo único que podemos estar
seguros es que el protagonista
es un elefante.
O no. Porque, ¿dónde está su
cabeza? ¿Por qué tiene solo
dos patas? ¿Está de frente o
de espaldas, enseñándonos su
agujerito de evacuar alimentos
procesados?

94. ¿Qué es esa cabeza de toro que tiene pegada al final de
la trompa? ¿O es un busto de mujer con cuernos? ¿Y es
realmente la trompa o se trata de la cola? ¿Y por qué le
salen los dos colmillos de un lateral?
Ahora empezamos a dudar que este objeto mecánico,
de apariencia metálica, sea en realidad un elefante. Pero
esto solo nos lo planteamos cuando llevamos un buen
rato observándolo, porque si no nos fijamos mucho, si lo
miramos de refilón, sus patas cilíndricas, su cuerpo
redondo, las estrías de la trompa y el color gris nos
remiten a la idea de elefante que todos tenemos en la
cabeza.
Por este motivo los cuadros surrealistas son tan
incómodos, porque nos hacen ver cosas que parecen
reales, pero que en realidad no existen. Nos descolocan.
Nos hacen salir de nuestros rígidos esquemas mentales
para ver el mundo de otra manera, dando la vuelta a
todas nuestras concepciones e ideas.
Como el cactus de la derecha, que no son más que
simples formas geométricas superpuestas. O la figura de
la mujer, un maniquí seccionado por la mitad. Incluso el
propio paisaje, que a primera vista parece
absolutamente normal, hasta que descubrimos unos
peces nadando entre las nubes, unas nubes que dejan

95. SURRELISMO FIGURATIVO
EL PARADÓJICO RENÉ MAGRITTE
LOS AMANTES / 1928
Un hombre y una mujer se besan
asépticamente a través de las telas
blancas que cubren sus rostros.
Reflexión sobre las relaciones del
ser humano con sus congéneres.
¿Es el amor ciego? ¿Hasta qué
punto podemos llegar a conocer a
la persona amada?
Para Magritte, cada persona es un
ente aislado y la unión absoluta
con la pareja es una vulgar utopía.
Podemos fingir que lo
conseguimos, pero siempre habrá
alguna parcela de nuestra
personalidad que quede oculta.
Hay quien dice que la obra está
inspirada en la muerte de la madre
de Magritte, que se suicidó
tirándose a un río cuando él era un
adolescente. Parece ser que
cuando la sacaron del agua, tenía
el camisón enredado en la cabeza,
tapándole el rostro, una imagen
que supuestamente impactó al
chico. Magritte siempre negó que el
cuadro estuviese basado en este
hecho.

96. z
SALVADOR DALI
(1904-1989)
1. DALÍ JOVEN
HASTA 1928: FORMACIÓN Y
CLASICISMO
2. DALI SURREALISTA
1928-40: LA GRAN ETAPA
SURREALISTA
3. “AVIDA DOLLARS”
DESDE 1940:
CONSERVADURISMO Y
MITIFICACIÓN

97. z
DALI JOVEN / 1925
RETRATO DE BUÑUEL
MUCHACHA ASOMADA A LA VENTANA

98. z
METODO PARANOICO-CRITICO
EL ENIGMA SIN FIN /
1931
Es la época de imágenes
múltiples simultáneas.
El artista deja a la imaginación
del espectador la posibilidad de
establecer diversas lecturas
interpretativas.
Hay varias interpretaciones
posibles. La primera se refiere a
la playa del Cabo de Creus,
sobre el que se recorta una figura
femenina vista de espaldas en el
acto de coser una vela y arreglar
el bote.
La segunda, en cambio, es un filósofo reclinado que no tiene nada
que ver con la anterior. La tercera se detiene en la descripción del
rostro de un deficiente mental tuerto. Junto a ésta, la cuarta
posibilidad de lectura define a un animal, un galgo. La quinta, a un
instrumento musical, una mandolina. La sexta, a un frutero con peras
y dos higos sobre una mesa y, por último, la séptima, a un animal
mitológico.

99. METODO PARANOICO-CRITICO
RECUERDO ARQUEOLÓGICO DEL ANGELUS DE MILLET / 1933-35

100. DALI SURREALISTA
METODO PARANOICO-CRITICO
BOCETO
SALÓN MAE WEST / 1934-74
SALA

101. z
METÁFORAS
EL GRAN MASTURBADOR / 1929
Símbolo por excelencia
de sus obsesiones
sexuales.
Salvador Dalí pinta este
lienzo al final del verano
de 1929, tras pasar
varios días con Gala,
que había decidido
permanecer con él en
Cadaqués, a pesar de
que el entonces esposo
de esta, el poeta Paul
Éluard, había regresado
solo a París,
prescindiendo de la
compañía de su todavía
cónyuge.
Cuadro eminentemente autobiográfico: la gran cabeza del
masturbador es una de las personificaciones del propio artista, que
aparece en la pintura protagonizando varias escenas simultáneas,
como reflejo de la transformación anímica y erótica que Dalí
acababa de experimentar a causa de la aparición de Gala en su
vida.
Saltamontes que succiona el cuerpo de la gran figura

102. METÁFORAS
LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA / 1931
•MOMA de Nueva York.
•Un simple paisaje marino
(típico del Cadaqués
daliniano, con el cabo
Creus y su costa
escarpada)
•Escena insólita: una
extraña criatura durmiendo
o quizás inerte sobre la
arena (hay quien ve un
autorretrato del pintor) y
unos relojes que se derriten
sobre ella y sobre otros
elementos del cuadro.
•Según el propio Dalí, dos cosas fueron su inspiración para este cuadro. En
primer lugar se inspiró en los quesos camembert («tiernos, extravagantes,
solitarios y paranoico-críticos») y otra inspiración fue la teoría de la relatividad de
Einstein.
•Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con
curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la
relatividad del espacio y el tiempo.
•Son relojes muy realistas que siguen marcando la hora (más o menos las 6 PM).
•Técnica muy académica …y sus cuadros parecen sueños de verdad.

103. z
PREMONICIÓN
DE LA GUERRA CIVIL
1936
Al igual que Picasso,
Salvador Dalí incluye entre su
repertorio de creaciones
datadas en los años 30, una
serie de obras que aluden
directamente a la contienda
bélica española.
La superficie de esta escena
está ocupada casi en su
totalidad por una
desconcertante figura
surrealista, una especie de
cuerpo humano que
autodescoyunta sus propios
miembros al tiempo que agita
esas desproporcionadas
extremidades, en una suerte
de desesperado presagio de
la inminente tragedia que le
acecha.
PREMONICIONE
S
Este personaje, que podría haber surgido de la más espantosa pesadilla, ha
sido identificado en ocasiones tanto con España como con la misma Guerra
Civil, víctimas y verdugos a la vez, de los terribles acontecimientos ya
próximos.

104. DALI “AVIDA DOLLARS” / 1940

105. CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ / 1951
PINTURA HISTÓRICA Y RELIGIOSA
VIRGEN DE GUADALUPE / 1959

106. MADONNA DE PORT LLIGAT / 1950
LEDA ATÓMICA / 1949

107. LA VANGUARDIA
Y
LA ESCULTURA

108. CUBISMO
PABLO
GARGALLO
EL PROFETA / 1933-36
•Entre lo mítico y lo religioso> su título
remite a los contenidos religiosos,
pero la grandeza de su expresión y
construcción volumétrica recuerda
más a un superhombre casi en el
sentido de Nietzsche.
•Canto al hombre como generador de
fuerza.
•El material es sumamente novedoso:
chapa de acero forjada en piezas y
unida gracias a soldaduras.

109. • Imagen aislada, puesta sobre una
pequeña peana que, siguiendo las
ideas de RodIn en los Burgueses de
Calais, elimina el gran basamento para
producir una relación más directa entre
obra y espectador.
• Composición, dentro de un escaso
movimiento real, se muestra bastante
dinámica. Para ello no utiliza los
habituales escorzos y posturas
forzadas de la escultura anterior, sino
que toda la fuerza interna se produce
por medio de la creación de líneas casi
abstractas (diagonales de brazo
levantado y bastón) y las formas
curvilíneas que se entrelazan en torno
a la figura, dándole una asombrosa
vitalidad.

110. • Modelado novedoso: zonas en donde la luz resbala,
formas cóncavas y convexas que crean profundos
claroscuros .
• Valor espacial de la figura es su utilización del hueco, la
forma negativa como una realidad que combate con las
positivas, hace entrar el espacio dentro de la escultura y
la relaciona con el ambiente en el que sea colocada.
• La figura se aleja por completo de los concepciones
realistas al uso del XIX.
• Influencias cubistas (en la descomposición geométrica de
diversas partes, como la zona de la pierna, la cabeza).
•
• Influencia expresionista que deforma brazos, troncos o
gesto.
• Tamaño bastante mayor del natural> se impone así al
espectador con una gran fuerza expresiva.

111. CUBISMO
PABLO GARGALLO
GRETA GARBO
1930
PEQUEÑA
BAILARINA
1925

112. z
FUTURISMO
U. BOCCIONI
Movimiento y modernidad, + rasgos
expresionismo que no siempre es
fácil de apreciar.
Los elementos del cuerpo no son
claramente discernibles.
Pero se aprecia con precisión la
fuerza del viento que golpea la figura,
la sensación de inestabilidad y el
movimiento.
Fusión en un solo cuerpo del
hombre, los ropajes, el dinamismo y
el viento.
Las formas cóncavas y convexas
han sustituido el rostro los brazos
han sido
Revisión de la famosísima Victoria
de Samotracia.
Nuevo elemento, el tiempo.
FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD
EN EL ESPACIO / 1913

113. CUBISMO / EXPRESIONISMO
BRANCUSI
EL BESO / 1907

114. EXPRESIONISMO / ABSTRACCIÓN (1876-1957)
BRANCUSI
MM. POGANY / 1912
Nació en Rumanía, pronto se trasladó a
París, donde coincidió con Rodin y
Modigliani, que influirían en su obra.
Su propio estilo y lenguaje artístico.
Partiendo de un lenguaje realista, fue
acercándose poco a poco hacia la
abstracción, buscando, tal y como el mismo
decía, “la esencia de las cosas”. En este
camino, sus obras fueron haciéndose más y
más sencillas. Influencia de las esculturas
primitivas y africanas (y, naturalmente, por
Gaugain), sencillas y puras de líneas.
Pureza como pretexto para mostrarnos lo
espiritual, lo inmaterial y permanente.

115. Esta simplificación y depuración de lo
representado, llegaba a dotarse de formas
cerradas y estilizadas, convirtiéndolas en pura
expresión visual.
Utiliza todo tipo de materiales: metal, piedra,
mármol, madera, etc.
Generalmente bien pulidos.

116. SURREALISMO
JULIO GONZÁLEZ
MUJER PEINÁNDOSE ANTE
UN ESPEJO
Julio González está considerado como
el mejor escultor del mundo trabajando
el hierro como material artístico durante
el periodo de entreguerras.
Barcelonés de nacimiento pero parisino
de adopción. Familia de orfebres y
herreros.
En un principio trabaja siguiendo el
dictado del estilo Modernista pero su
arte va evolucionando hacia la
experimentación y abstracción
Aprende de Pablo gargallo la novedosa
técnica de la soldadura autógena, un
recurso sin el cual no hubiera
conseguido realizar las personalísimas
formas que aplicaba a sus esculturas
férreas.

117. De hecho el hierro le fascinaba y lo describió así:
Abstracción que él basa en usar el vacío y las líneas geométricas.