Arquitectura románica en el Monasterio de Silos

ARTE ROMÁNICO
1. Introducción al románico.
2. Arquitectura. Elementos formales y soluciones constructivas. La iglesia de peregrinación y el
monasterio.

Nº32
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Esquina del Claustro del Monasterio de Silos
AUTOR: anónimo
CRONOLOGÍA Y ESTILO: siglo IX-X arte Románico.
CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Sus precedentes serán los estilos prerrománicos (asturiano, carolingio y otoniano) y sus
fuentes primarias son la arquitectura paleocristiana y bizantina, pero sobre todo la romana.
No introduce ningún elemento constructivo nuevo.
Lo nuevo es la forma de combinar los elementos arquitectónicos y de integrar en ellos
escultura y la pintura, para dotar a los edificios de espiritualidad simbolismo religioso.
La Arquitectura es el arte rector.
COMENTARIO:
El Monasterio de Silos está situado en la actual provincia de Burgos, se sabe de su existencia en el
siglo VII, aunque se ignora si pervive bajo el dominio musulmán. En cualquier caso, en el siglo X posee la
suficiente importancia como para que Fernán González, conde casi soberano de Castilla, le conceda una
autonomía total: territorio propio y jurisdicción civil y eclesiástica. Pero las campañas de Almanzor hacia el
cambio de milenio lo dejará en ruina.
La restauración definitiva la llevará acabo Santo Domingo, nombrado abad de Silos por el primer rey
de Castilla, Fernando I, en 1040. El programa constructivo que llevarán a cabo él y sus sucesores lo convierte
en uno de los más importantes monasterios peninsulares: se amplía la iglesia mozárabe, y se edifica claustro,
hospital, leprosería, escuela... Especial importancia alcanzará su Scriptorio y su Biblioteca, que lo convertirán
en importante centro cultural.
El claustro es uno de los más importantes y antiguos del románico español, y es la única dependencia
de época románica que se conserva en la actualidad. Se comenzó a fines del siglo XI, y a finales del XII se le
añadió un segundo piso, lo que no es excesivamente frecuente. Sus dimensiones no son perfectamente
regulares: 29x32x27x31 metros, y las galerías algo menos de 3,5 m. de ancho. En el centro del cuadrilátero
hubo un pequeño edículo que no se conserva.
Las arquerías unen los cuatro machones angulares, y están sostenidas por parejas de columnas
perpendiculares al eje de la galería. En el centro de cada ala se unen dos parejas de columnas, con la
peculiaridad de que en el lado oeste los fustes se inclinan y encajan unos en otros. La parte más antigua

1 UNIDAD 7ARTE ROMANICO. ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA.

corresponde a las alas este y norte, en las que los fustes de las columnas presentan éntasis y están
separados, a diferencia de los restantes, cilíndricos y unidos.
Los arcos son de medio punto, lisos al exterior y decorados con diversas molduras al interior en la
planta baja. El conjunto está cubierto por techumbre de madera. En la planta baja es un alfarje mudéjar
pintado, del siglo XIV.
La decoración escultórica del claustro es excepcional. En las esquinas del claustro bajo aparecen
ocho relieves, de los que seis datan de fines del XI: El descendimiento, El entierro y las mujeres ante el
sepulcro, Los discípulos de Emaús, La duda de Santo Tomás (que estudiaremos más adelante), La Ascensión,
y Pentecostés. De otros maestros son El árbol de Jesé (segunda mitad del s. XII) y La Anunciación (principios
del siglo XIII). Los capiteles tienen forma troncocónica.
Presentan decoración vegetal, animales fantásticos, y los más modernos son narrativos.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las invasiones musulmanas y húngaras,
que habían mantenido en estado de guerra permanente a las monarquías europeas. Esto posibilita que se
consoliden políticamente y salir del estancamiento económico, la población creció, se reactivó el
comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana, esto será la base de la fiebre constructiva que
caracteriza al románico.
La Iglesia era la indiscutible fuerza social capaz de aglutinar bajo la bandera del cristianismo
a toda Europa, su influencia determinó la visión teocéntrica del mundo, según la cual todo lo
existente era manifestación y reflejo de la voluntad de Dios. Esta nueva mentalidad propició dos
fenómenos:
-La extensión de la vida monástica en el medio rural.
-Las peregrinaciones para la veneración de reliquias y lugares santos.
Los siglos del Románico fueron una época de continuos desplazamientos humanos los cuales
trasmitían de un lugar a otro los conocimientos, que contribuyeron también a la difusión y
desarrollo de las técnicas artísticas por toda Europa.

Nº33
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Planta de la Catedral de Santiago de Compostela en el siglo XII


AUTOR: anónimo
CRONOLOGÍA Y ESTILO: Siglo XII Románico Pleno.
Sus precedentes serán los estilos prerrománicos (asturiano, carolingio y otoniano) y sus fuentes
primarias son la arquitectura paleocristiana y bizantina, pero sobre todo la romana.
No introduce ningún elemento constructivo nuevo.
Lo nuevo es la forma de combinar los elementos arquitectónicos y de integrar en ellos
escultura y la pintura, para dotar a los edificios de espiritualidad simbolismo religioso.
La Arquitectura es el arte rector.
COMENTARIO:
Reconstrucción de la que podría haber sido la planta de la catedral en el siglo XII. Posteriormente
experimentaría múltiples modificaciones.
La catedral de Santiago, una de las mayores iglesias de peregrinación del Camino, introdujo
dimensiones monumentales respecto a sus precedentes hispánicos
La planta de cruz latina es simétrica y regular. Se organiza en tres naves longitudinales (precedidas
por un nártex) cruzadas por un gran transepto dividido también en tres naves (cuyos brazos ostentan cuatro
absidiolos) que terminan en dos grandes portadas. La cabecera acoge un deambulatorio con cinco capillas
radiales, la mayor de las cuales, consagrada al Salvador, es de planta cuadrada.
En el ábside, bajo el altar mayor, se construyó una cripta donde se conservan los restos del Apóstol
Santiago.
A los pies del templo se encuentra el Pórtico de la Gloria, obra maestra de la escultura románica.
En el espacio interior prima la sensación de verticalidad y esbeltez, potenciado por los 22 metros de
altura de la nave central. Cubre la nave principal una bóveda de cañón con arcos fajones, contrarrestada por
bóvedas de arista en las naves laterales y de cuarto de cañón en la tribuna.
El alzado se articula en dos niveles: las arcadas y una tribuna muy desarrollada. Los arcos del primer
nivel descargan sobre pilares con columnas adosadas en todas sus caras; la columna que queda en el lado de
la nave central sube hasta el arranque de los arcos fajones de las bóvedas y se constituye en elemento
divisorio de los diferentes tramos.
La tribuna es, junto al deambulatorio, la mayor novedad constructiva que caracteriza la iglesia de
peregrinación. Tribuna, transepto y deambulatorio permitían a los peregrinos recorrer todo el templo sin
interferir la celebración del oficio. La tribuna de la catedral de Santiago es elevada y profunda, con vanos en
ambos lados del pasillo que, en el lado de la nave central, se abren en arcos geminados y la convierten en un
singular cuerpo de luz en contraste con la penumbra de la nave central, iluminada indirectamente por las
ventanas de las naves laterales.
El deambulatorio con capillas radiales fue concebido para facilitar el acceso a las reliquias del apóstol
que se hallan en la cripta bajo el altar del presbiterio. Las cinco capillas radiales que rematan la cabecera
tienen planta semicircular, aunque la axial es mayor, y en la parte externa, cuadrada.
La catedral fue iniciada en 1075 y finalizada en 1128; aunque anteriormente había existido una
Basílica en el lugar destruida por Almanzor. En la Reconquista Santiago Matamoros será el mito que
aglutinará a los cristianos contra el Islam.
La catedral de Santiago es la culminación de las grandes iglesias de peregrinación que recoge, en su
distribución, los precedentes de templos franceses como Sainte-Foy de Conques o Saint-Sernin de Toulouse.
Es un monumento arquetípico del románico pleno. Su modelo de partida fue el francés
(deambulatorio, tribuna y triple nave en el transepto), recogió también soluciones prerrománicas (uso de
columnas tangentes en el exterior) y mudéjares (tendencia a la herradura en muchos arcos). El resultado es
un proyecto maduro que articula con gran armonía todas sus partes.
Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las invasiones musulmanas y
húngaras, que habían mantenido en estado de guerra permanente a las monarquías europeas. Esto
posibilita que se consoliden políticamente y salir del estancamiento económico, la población creció,


se reactivó el comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana, esto será la base de la fiebre
constructiva que caracteriza al románico.
fenómenos:
3. Escultura

Nº34
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Portada de la Iglesia de Moissac
AUTOR: desconocido
CRONOLOGÍA Y ESTILO: Siglo XII, escultura románica.
-La escultura está subordinada a la arquitectura, la escultura monumental aparecerá a finales del siglo XII.
-Tiene una función didáctica trasmite por imágenes lo que por escrito solo está al alcance de una
minoría.
-La iconografía, se inspira en gran medida en la bizantina y los temas elegidos se sitúan en lugares
específicos de la Iglesia o el monasterio: en las portadas de las Iglesias (Juicio Final o visión apocalíptica,
segunda venida de Jesús como juez), en los capiteles y jambas (escenas del Antiguo y Nuevo testamento).
-Es ante todo antinaturalista.
-Las figuras se adaptan al marco arquitectónico en que se tallan.
-Horror al vacío, se aprovecha todo el espacio.
-Se prescinde de la representación del espacio.
COMENTARIO:
La iglesia de San Pedro de Moissac es uno de los mejores ejemplos del arte románico francés. La
portada sur data aproximadamente de 1115 y constituye una obra maestra de la escultura de este período.


La entrada y el tímpano que aparecen en la imagen se encuentran insertados en un pórtico formado por un
arco de medio punto cuyo intradós, de gran anchura, es completamente liso.
El tema central del tímpano está inspirado en la visión apocalíptica de San Juan. En el centro, se sitúa
el Cristo en Majestad como Hijo de Dios, sentado en un trono y con la mano derecha en actitud de bendecir.
Se trata de la característica representación del Pantocrátor, que, en este caso, aparece rodeado de dos
ángeles y del Tetramorfos, es decir, de los animales que simbolizan los cuatro evangelistas.
Alrededor de la imagen central se distribuyen los veinticuatro ancianos, repartidos en tres niveles,
portando cada uno de ellos una copa oferente y un instrumento musical como símbolo de alabanza al
Dios Todopoderoso. Los ancianos están entronizados, coronados como reyes y dirigiendo su mirada a
Cristo. Representan la salvación de toda la humanidad.
Por debajo de ellos, el dintel se decora con ocho bellas rosas, labradas con gran finura. En la cara
externa del parteluz que divide la entrada en dos, aparecen varias parejas de leones y seis flores que quizá
simbolizan los seis días de la creación del mundo; en las caras laterales, se puede ver a San Pablo y una
magnífica estatua adosada de Jeremías, con una dulce expresión en el rostro.
En los laterales de la entrada, se puede apreciar a San Pedro, que hace frente a San Pablo (a la
izquierda), y el profeta Isaías, que a su vez hace frente a Jeremías, a la derecha. Da la impresión de que el
artista quería simbolizar con estas esculturas la complementariedad del Antiguo y del Nuevo Testamento.
El derrame del gran arco que constituye el pórtico y que cobija el tímpano se ilustra con escenas de
la vida de la Virgen (Anunciación y Visitación) y de la vida de Jesús (Natividad, Adoración de los
Magos, huida a Egipto), a la derecha, y con representaciones de la lujuria y la avaricia, a la izquierda.
No debe olvidarse que la escultura románica tenía una función docente. Por ello se inserta en la
arquitectura para transmitir un mensaje religioso, al tiempo que embellece los muros de los templos. La
portada de San Pedro de Moissac es un claro ejemplo, tanto por la belleza de la obra como por la
representación del Cristo juez y del Juicio Final.
Estamos ante una portada portentosa, cargada de un cierto expresionismo que explica el exceso en
las proporciones e incluso la dislocación de algunos miembros para lograr gestos imposibles que, en cierto
modo, simbolizan el carácter celestial y religioso de las figuras. Aún así, los marcados relieves, que en
ocasiones casi parecen esculturas de bulto redondo, mantienen todavía un cierto hieratismo propio de la
escultura de este período, aunque dulcificado en algunas expresiones.
Debe, sin embargo, llamarse la atención sobre la maestría demostrada por el artista en la torsión de
los cuerpos (véanse los veinticuatro ancianos), así como en el fino acabado del trabajo de los pliegues de las
vestimentas.
Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las invasiones musulmanas y húngaras,
que habían mantenido en estado de guerra permanente a las monarquías europeas. Esto posibilita que se
consoliden políticamente y salir del estancamiento económico, la población creció, se reactivó el
comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana, esto será la base de la fiebre constructiva que
caracteriza al románico.
fenómenos:


Nº41
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago
AUTOR: Maestro Mateo
CRONOLOGÍA Y ESTILO: Finales del XII transición del románico al gótico
-La escultura está subordinada a la arquitectura, la escultura monumental aparecerá a finales del
siglo XII.
-Tiene una función didáctica trasmite por imágenes lo que por escrito solo está al alcance de una
minoría.
-La iconografía, se inspira en gran medida en la bizantina y los temas elegidos se sitúan en lugares
específicos de la Iglesia o el monasterio: en las portadas de las Iglesias (Juicio Final o visión apocalíptica,
segunda venida de Jesús como juez), en los capiteles y jambas (escenas del Antiguo y Nuevo testamento).
-Es ante todo antinaturalista.
-Las figuras se adaptan al marco arquitectónico en que se tallan.
-Horror al vacío, se aprovecha todo el espacio.
-Se prescinde de la representación del espacio.
COMENTARIO:
El pórtico de la Gloria forma parte del nártex de la catedral, estrecho pasillo cuyos escasos 5m de
anchura impiden su visión frontal completa. El recinto es, en realidad, el nivel superior de una cripta, que fue
ingeniosamente ideada por el maestre Mateo para compensar el desnivel del terreno que había entre la
nave de la iglesia y la plaza exterior.
El pórtico se estructura en tres oberturas que coinciden con las naves de la iglesia. Acoge más de
doscientas esculturas de exquisita factura que, haciendo honor al horror vacui románico, rellenan todos los
elementos arquitectónicos: arquivoltas, tímpanos, columnas y capiteles.
El programa iconográfico tiene su punto neurálgico en el parteluz, presidido por la estatua sedente
del apóstol Santiago. El patrón de la iglesia, coronado por un nimbo de piedras engarzadas, apoyado en un
báculo y con un cartel en la mano, acoge a los creyentes.
El tímpano del vano principal recrea el Apocalipsis: Cristo aparece en el centro, en actitud
majestuosa, mostrando sus llagas, rodeado por los cuatro evangelistas con sus símbolos (el Tetramorfos); la
arquivolta muestra a los ancianos del Apocalipsis; sobre el dintel, unos arcángeles portan símbolos de la
Pasión; los espacios curvos acogen a los elegidos, que el maestre Mateo plasmó como 38 figuras humanas
(las doce tribus de Israel y la corte celestial).


En las jambas, un magnífico conjunto de profetas y apóstoles parecen conversar. La ornamentación
escultórico de la arcada izquierda del pórtico está dedicada a la Ley de Moisés y la de la derecha al Juicio
Final.
Un proyecto escultórico tan complejo demuestra que el maestre Mateo poseía un profundo
conocimiento de los modelos iconográficos. La extraordinaria unidad estilística y el dominio técnico parecen
entroncarse con la Antigüedad clásica (interés por la proporción y elegancia del detalle).
La ruptura con la estética románica se manifiesta en el tratamiento individualizado de los personajes
(tanto del rostro como de los cabellos), cercano al retrato, y sobre todo, en la expresividad facial. Todas las
figuras (incluso las sentadas o en aparente reposo) revelan un dinamismo, un indicio de movimiento, que
hace que pierdan las preceptivas frontalidad y rigidez románicas.
Las esculturas (muchas de ellas prácticamente exentas) están talladas en granito o mármol, y conservan
restos de su policromía original.
Las dos jambas del vano central simbolizan los fundamentos de la ciudad descrita por San Juan,
cuyas columnas son el Antiguo (profetas) y el Nuevo Testamento (apóstoles). En el pilar de los profetas
(jamba izquierda), un apesadumbrado Jeremías refleja el sufrimiento que padeció a causa de sus profecías;
Daniel sonríe porque anuncia la venida del Salvador; Isaías sostiene un pergamino; y Moisés levanta las
Tablas de la
Ley en sus manos. En la jamba derecha, el pilar de los apóstoles presenta a San Pedro (ataviado
como sumo pontífice) con las llaves del Reino de Dios; a San Pablo, descalzo; y a San Juan, joven y en pie
sobre un águila.
En los ángulos del pórtico, ángeles con trompetas recuerdan su condición apocalíptica; el día del
Juicio Final los toques de sus instrumentos congregarán a los elegidos de los cuatro puntos cardinales.
El conjunto, en la frontera entre el románico y el gótico, no tiene precedentes hispánicos. Se aprecia
la influencia francesa (Vézelay, Saint-Sernin) y algo también de la Cámara Santa de Oviedo. Del románico
perviven el horror vacui, la organización jerárquica y la adaptación de los personajes al marco
arquitectónico.
Del gótico apuntan la expresividad de las figuras; un tímido naturalismo; la naturalidad con que caen
los pliegues de los vestidos; y una mayor coherencia en la disposición de los grupos. Esta fachada influyó en
catedrales posteriores, como Chartres.
Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las invasiones musulmanas y
húngaras, que habían mantenido en estado de guerra permanente a las monarquías europeas. Esto
posibilita que se consoliden políticamente y salir del estancamiento económico, la población creció,
se reactivó el comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana, esto será la base de la fiebre
constructiva que caracteriza al románico.
fenómenos:


4. Pintura.

Nº35
Pintura mural del ábside de Santa María de Tahull.
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Los Frescos de Santa María de Tahull
AUTOR: Maestro de Tahull
CRONOLOGÍA Y ESTILO: Lo situamos en el arte románico en el año 1123
En la imagen se representan las pinturas murales del ábside de la iglesia de Santa María de Tahull
(Lérida), que probablemente fueron realizadas por el mismo artista que pintó las de San Clemente de Tahull
en 1123. Ambas constituyen uno de los conjuntos pictóricos románicos más interesantes.
En una sociedad analfabeta en gran medida, las esculturas y las pinturas distribuidas por el templo
servían para enseñar el mensaje de las Escrituras, que muchos no eran capaces de leer.
Sólo aquéllos que seguían las directrices de la Iglesia podían acceder al Paraíso. Por ello, Cristo, la
Virgen y los santos distribuidos por las paredes del templo indicaban a los fieles el buen camino.
Además, dada la gran cantidad de muro existente en la arquitectura del Románico, la pintura sirvió también
para decorarlos y para realzar las formas arquitectónicas.
La pintura románica tenía como función principal adoctrinar y educar a los fieles en los principios
religiosos.
La pintura románica se caracteriza por:
-Dibujo grueso que contornea la silueta y separa con un trazo negro cada superficie cromática.
-Color puro, sin mezclas, con dos tonalidades. Se prefiere el plano cromático amplio, en el que se
obtienen efectos violentos y con el que se expresan algún simbolismo medieval.
-Carencia de profundidad y luz, la figuras se disponen en pinturas paralelas resaltan un fondo
monócromo o listado en franjas horizontales de diversos tonos. No mezclan colores y las escenas de
vibración lumínica.
-Composición yuxtapuesta. Preferencia por las figuras frontales y por la eliminación de cualquier
forma que rompa el plano. Las figuras no se relacionan hasta el romanticismo tardío.
-El muro se prepara al fresco y los toques finales al temple. Predomina la pintura mural y se hicieron
obras sobre tabla.
-En lo temático predomina el tema de Cristo en majestad y la representación de la virgen como trono
de Dios.
-Se trata de un arte anti-naturalista.
ANÁLISIS FORMAL:


En el ábside de esta iglesia se ha representado a la Virgen en Majestad, sentada en un trono que
parece estar decorado con numerosas piedras preciosas, que sostiene al Niño como si ella misma fuera
también un trono. No existe actitud maternal ni conexión alguna en los gestos entre madre e hijo. El Niño,
en actitud seria y hierática, bendice con su mano derecha. El conjunto formado por la Virgen y el Niño
aparecen dentro de la mandorla o almendra mística. A los lados, se distribuyen los Reyes Magos
presentando sus ofertas: Melchor a su derecha, y Gaspar y Baltasar a su izquierda, tal y como puede leerse
en sus nombres. El fondo está dividido en fajas horizontales uniformes cuyos colores contrastan
fuertemente.
En un nivel inferior, cubriendo la pared curva del ábside, aparecen Apóstoles y profetas con sus
respectivos atributos y todos ellos con aureola mística. Estas figuras se separan mediante columnas de fuste
helicoidal dibujadas con esmero, que, a su vez, sostienen arcos de medio punto.
Debido principalmente a la función didáctica perseguida, los artistas no se preocuparon tanto de la
belleza de las formas como de transmitir un mensaje. Por esta razón, la pintura mural románica, de clara
influencia bizantina, recurre a la abstracción y a las estilizaciones simbólicas para representar una idea, en
este caso, la de la Virgen Madre como mediadora.
Las figuras presentan un claro alargamiento, especialmente en los rostros, cuyos rasgos son
extremadamente estilizados. Predomina la ley de la frontalidad, rota en los Reyes Magos, que, aunque
simulan, sobre todo a través de la representación de los pies y las piernas, su actitud de ofrenda hacia el
Niño. Las figuras representadas están cargadas, además, de un poderoso hieratismo, como si quisieran ser
expresión de la inmutabilidad de la fe. Llama la atención la dureza de los pliegues, que se doblan casi de
manera geométrica.
Los colores empleados son planos y brillantes. Predominan el rojo, el azul y el amarillo intensos, que
contrastan entre sí con fuerza.
La pintura está realizada al temple. Esta técnica exige previamente la preparación del muro. Para
ello, se aplican varias capas de argamasa y se enluce con una capa de yeso fino que deja un superficie lisa y
blanca, sobre la que el artista puede aplicar la pintura.
Estos frescos fueron arrancados de su lugar de ubicación inicial y se trasladaron al Museo de Arte de
Cataluña para su mejor conservación.
CONTEXTO HISTÓRICO: Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las
invasiones musulmanas y húngaras, que habían mantenido en estado de guerra permanente a las
monarquías europeas. Esto posibilita que se consoliden políticamente y salir del estancamiento
económico, la población creció, se reactivó el comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana,
esto será la base de la fiebre constructiva que caracteriza al románico.
fenómenos:


Nº36
IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA: Los Frescos de San Clemente de Tahull
AUTOR: Maestro de Tahull
CRONOLOGÍA Y ESTILO: Lo situamos en el arte románico en el año 1123
CARACTERÍSTICAS GENERALES: (de la escultura) podéis mencionar las características generales del arte
románico.
En la imagen se representan las pinturas murales del ábside de la iglesia de San Clemente de Tahull
(Lérida), que probablemente fueron realizadas por el mismo artista que pintó las de Santa María de Tahull en
1123. Ambas constituyen uno de los conjuntos pictóricos románicos más interesantes.
En una sociedad analfabeta en gran medida, las esculturas y las pinturas distribuidas por el templo
servían para enseñar el mensaje de las Escrituras, que muchos no eran capaces de leer.
Sólo aquéllos que seguían las directrices de la Iglesia podían acceder al Paraíso. Por ello, Cristo, la
Virgen y los santos distribuidos por las paredes del templo indicaban a los fieles el buen camino.
Además, dada la gran cantidad de muro existente en la arquitectura del Románico, la pintura sirvió
también para decorarlos y para realzar las formas arquitectónicas.
La pintura románica tenía como función principal adoctrinar y educar a los fieles en los principios
religiosos.
La pintura románica se caracteriza por:
-Dibujo grueso que contornea la silueta y separa con un trazo negro cada superficie cromática.
-Color puro, sin mezclas, con dos tonalidades. Se prefiere el plano cromático amplio, en el que se
obtienen efectos violentos y con el que se expresan algún simbolismo medieval.
-Carencia de profundidad y luz, la figuras se disponen en pinturas paralelas resaltan un fondo
monócromo o listado en franjas horizontales de diversos tonos. No mezclan colores y las escenas de
vibración lumínica.
-Composición yuxtapuesta. Preferencia por las figuras frontales y por la eliminación de cualquier
forma que rompa el plano. Las figuras no se relacionan hasta el romanticismo tardío.
-El muro se prepara al fresco y los toques finales al temple. Predomina la pintura mural y se hicieron
obras sobre tabla.
-En lo temático predomina el tema de Cristo en majestad y la representación de la virgen como trono
de Dios.


-Se trata de un arte anti-naturalista.
COMENTARIO:
La figura de Jesús queda enmarcada por la mandorla y flanqueada por el resto de figuras. El ábside
se distribuye en tres registros el cielo, la iglesia y la tierra. El conjunto se beneficia de la existencia de una
ventana (símbolo de luz, reafirma el mensaje del ábside sobre todo en la liturgia cuando los rayos iluminan a
los feligreses) en el ábside. La figura de Jesús se prolonga en ella, invadiendo el segundo registro que
simboliza su presencia en la tierra a través de la Iglesia. La simetría y la geometría den sensación de ritmo.
Contiene un Pantocrátor de tamaño superior a los otros personajes, preside la composición. Sentado
sobre la bóveda celeste, con los pies sobre el escabel de la tierra, franqueado por la tetras griegas alfa y
omega, transmite toda la majestad que emana del texto apocalíptico. La mandorla simboliza la luz que
emana de su ser divino y en su órbita planea el Tetramorfos. Cuatro ángeles sostienen los símbolos de los
evangelistas. Equilibran la composición los seres apocalípticos con ojos abiertos por todo el cuerpo.
El segundo registro, separado del celestial pro una banda con los nombres de los representados,
remite a la Iglesia. Los santos y María, entre arcadas simbolizan las columnas de la fe.
Todo está exagerado, la línea gruesa y energética le da vida y expresión rostro de Jesús se construye
a partir de unos ojos simplificados, un entrecejo que se prolonga para definir la nariz y boca perfilada por dos
rayas, el conjunto queda enmarcado por una cabellera y una barba simétricas. Pocas líneas para expresar
solemnidad y severidad.
El color es denso y puro, su gama es brillante rojo azul y amarillo intensos Las figuras son alargadas y
estilizadas. La frontalidad, la rigidez y el hieratismo confieren a los personajes el aire distante requerido. La
perspectiva es inexistente.
CONTEXTO HISTÓRICO: Es estilo artístico, se desarrolla a partir del siglo XI, cuando cesaron las
invasiones musulmanas y húngaras, que habían mantenido en estado de guerra permanente a las
monarquías europeas. Esto posibilita que se consoliden políticamente y salir del estancamiento
económico, la población creció, se reactivó el comercio y poco a poco se recuperó la vida urbana,
esto será la base de la fiebre constructiva que caracteriza al románico.
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