Presentación sobre la evolución de la escultura griega.

2.  La escultura es el campo más expresivo y brillante de la cultura
clásica griega.
 Cultura antropomórfica, de ahí nace el interés por lo humano
en la escultura
 MATERIALES:
› Mármol: se le aplica policromía y accesorios, (ojos de vidrio, piedras de
colores, pendiente, armas…) Trataban de darle un aire realista.
› Bronce: técnica de la cera perdida. Mismos accesorios que en mármol.
FINALIDAD Y TEMÁTICA
› Antropocentrismo: se centra en el hombre, eje del desarrollo político y
cultural de Grecia. El hombre es el eje ordenador de todas las cosas,
(sofismo). El hombre es un ser perfecto que vive en un perfecto equilibrio
interior. Los dioses adquieren la forma de bellos seres humanos.
› Belleza: concebida como medida, proporción entre las partes,
anatomía armoniosa e idealizada. Proporción de las partes con el todo
y entre sí, (diartrosis)

3. › Belleza: el arte es imitación de la Naturaleza. Domina el
realismo, la más perfecta reproducción del cuerpo
humano. No es una copia sino una reconstrucción a partir
de unos ideales de belleza.
› Movimiento: la evolución de la escultura caminará hacia la
conquista del espacio, dotar a la figura de un movimiento
natural en un espacio real.
› Finalidad religiosa, sobre todo, (estatuas de culto y
decoración de los templos), aunque también carácter
conmemorativo y funerario.
› Temas: mitología, aunque el tema principal será la
representación del cuerpo humano.
› En las distintas etapas hay una evolución hacia el mayor
estudio anatómico, la conquista del movimiento, de la
expresión del sentimiento y de la ordenación de grupos
complejos.

4. › Unida a la arquitectura: acróteras, metopas, frisos, tímpanos,
cariátides… La decoración se adapta al marco arquitectónico
en el que se inserta: la altura de los personajes se adaptaba a
al forma triangular del frontón p.ejem.

5.  Profundas influencias del arte egipcio, aunque nuevas
tipologías: kuroi y korai.
 Kuroi: hoy se cree que representan a jóvenes muertos
prematuramente o bien atletas victoriosos, cuyas estatuas
estaban dedicadas a un dios.
› Figuras colosales, (a veces, más de 3 m).
› Jóvenes desnudos, anchos de hombros y de cintura estrecha que
posa frontalmente en perfecta inmovilidad. Pies firmemente
apoyados en el suelo con una pierna ligeramente adelantada.
Brazos pegados al cuerpo con los puños cerrados.
› Rostro: ojos prominentes y boca con “sonrisa arcaica” que tal vez
simboliza el gozo del más allá o es una manera de dar más realismo.
› Tratamiento geométrico de la anatomía corporal: musculatura o
cabellos se disponen como figuras geométricas o en torno a ejes
simétricos: tórax excesivamente abombado y de gran anchura,
abdomen muy reducido; la rodilla es un trapecio invertido; la
espinilla es una arista viva; geometrización del cabello.
› Hieratismo, (rigidez, solemnidad, estatismo)
› Carácter de bloque, forma cerrada

6.  Frontalidad
 Exaltación de la belleza física de estos atletas jóvenes.
 Korai, (koré): figuras femeninas vestidas, también esquema fijo.
 No colosalismo
 Inmovilismo.
 Frontalidad, sentido de bloque cerrado.
 Sonrisa arcaica
 Desproporción manos y pies.
 Cabello peinado en largas trenzas.
 Una de las manos aparece extendida, ofreciendo un don a la
divinidad, o sobre el pecho en actitud de súplica o
agradecimiento. Con la otra mano se recogen el vestido,
(minucioso estudio de los pliegues)
 Dos tipos de vestido: peplo de lana pesado y grueso. El jitón,
túnica larga de fino lino que permite adivinar las formas del
cuerpo. Abundantes pliegues.

7. Kuros de
Anavyssos
y koré del
peplo.
Faraón
Micerinos
y esposa.

8. Kuros
Metropolitano

12. El peinado, colocado
mediante grandes
tirabuzones en pisos,
según la tradición egipcia.
Enmarca la cara triangular
de ojos almendrados y
sonrisa arcaica.

14.  Perfecto conocimiento de la anatomía humana:
representación de la belleza física ideal y naturalismo
“corregido”, es decir, idealizándolo.
 La belleza reside en la relación armónica de las partes entre
sí y con el todo. La perfección corporal es la expresión
externa de la armonía espiritual.
 El cuerpo se concibe como un edificio cuyas partes deben
mostrar sus líneas de separación y articulación (diartrosis)
 Se abandona la frontalidad e inmovilidad: equilibrio
dinámico, dando sensación de movimiento armónico. El
peso descansa en una pierna y la contraria aparece
flexionada. La cabeza gira lateralmente y las líneas de
hombros y caderas se inclinan suavemente: contraposto. Es
la oposición armónica entre las diversas partes del cuerpo
humano, unas en movimiento o tensión y sus simétricas, en
reposo.
 Los ropajes, caída y pliegues más naturales y detallados.

15.  Etapas dentro del clasicismo:
› Estilo severo (hasta mitad s. Va.C.): se abandona la frontalidad.
Conocimiento de la anatomía muy avanzado, le de la interrelación:
cualquier movimiento de un miembro implica un cambio de posición
en los demás.
 Esto lleva a la diartrosis, armonía entre las diversas partes del cuerpo.
Se pierde la sonrisa arcaica. Ejemplo: el Auriga de Delfos.
 Rostros serenos, concentrados en sí mismos.
> Transición, representada por el Discóbolo de Mirón , que representa un
avance en el estudio del movimiento, la tensión muscular y la
integración de la figura en el espacio. El rostro no va en consonancia
con el esfuerzo y la tensión corporal.
> Clasicismo pleno: gusto por la mesura, el orden, el equilibrio. Por eso
predominará la serenidad en la expresión del rostro.
 Se sigue huyendo de lo anecdótico y de lo concreto.
• Control pleno de la anatomía y el movimiento en el espacio:
contrapposto.
• Se distinguen la edad y el temperamento de la escultura

17. › Con Policleto aparece la utilización de un módulo
aritmético, el canon, de modo que la altura de la figura es
de siete cabezas, el rostro está dividido en tres partes
iguales que corresponden a la frente, la nariz y la distancia
desde ésta al mentón.
Estudio anatómico perfecto pero
idealizado a través de la
proporcionalidad y la geometría:
Cabeza esférica, arco torácico y
pliegues inguinales son
semicircunferencias con centro
en el ombligo.
Doríforo

19. › Fidias , amigo de Pericles, gozó de fama y prestigio. Con él llega a la
expresión de sentimientos y actitudes: al aspecto físico le correspondía
una actitud, se adecuaba el físico con el sentimiento.
Con él también comienza la técnica de los paños mojados, por la que
se puede captar la anatomía de las figuras adivinando sus cuerpos a
través de los vestidos.
Obras destacadas: friso de las Panateneas, (Partenón); las estatuas
gigantescas de Atenea Parthenos y Promakos, y el Zeus de Olimpia;
tímpanos del Partenón etc.
› En el s. IV, derrota de Atenas en la Guerra del Peloponeso: deja de ser el
centro de la actividad artística. El arte se transforma:
› Interés más acusado por lo individual y por el retrato.
› Tratamiento más humanizado de la figura humana: mayor expresión de
los sentimientos humanos, expresiones en los rostros que reflejan
melancolía y actitudes tortuosas.
› Tratamiento de los temas religiosos más cotidiano que refleja el
escepticismo de la época.
› Nuevos tipos de belleza ideal: canon más alargado y estilizado.
› Praxíteles fue el escultor de la gracia en los cuerpos, sobre todo
femeninos. Ejemplo destacado: La Afrodita de Cnido.
Marca la feminidad, la gracia y fragilidad: evita la rigidez, formas y
posiciones suaves con prolongadas curvas, (curvas praxitelianas)
Se aleja de la solemnidad de Fidias o del equilibrio de Policleto: las
curvas transmiten sensación de abandono y languidez.

21.  Scopas.
› Su obra refleja una concepción dinámica en el ritmo compositivo.
Vivacidad de los pliegues de los vestidos, torsión de los cuerpos.
› Rostros con mirada profunda e intensa expresión dramática. Reflejan
sentimientos de tragedia, dolor, violencia…

22.  Lisipo.
› Canon estilizado
› Retratos sin idealizar
› Distintos puntos de vista, huye de la frontalidad.
APOXIOMENO

23.  La escultura helenística
 Abarca un periodo largo y territorio amplio. El imperio de Alejandro
Magno permite incorporar elementos muy diversos de culturas
orientales. Se pierde el idealismo clásico.
 Arte cosmopolita y universal.
 Distintas escuelas con diferente estilo: Pérgamo, Alejandría o Rodas.
 La experiencia de la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C.)
 Gran realismo, sobre todo en los retratos, penetración psicológica.
 Perfección técnica en la obtención de calidades, anatomías…
 Se prefiere la variación, la anécdota y se va desde lo vulgar y
superficial a lo erudito
 La representación del ser humano desde la infancia a la vejez.
Refleja todo tipo de emociones y sentimientos, (ira, desesperación,
embriaguez…)
 Frente a los tipos heroicos, aparecen los humildes, los deformes,
(enanos, sátiros … )No se oculta lo desagradable.
 Representación del movimiento en acto, no en potencia. Figuras en
torsión con movimientos en dirección opuesta o en espiral.
Movimiento rápido, máxima musculatura.
 Aparece el paisaje, esquemas compositivos complejos
 Diferentes puntos de vista, abandono total del frontalismo.

27.  Fidias no sólo fue escultor, sino también supervisor de las obras de la
Acrópolis hasta la muerte de su amigo Pericles.
 El friso reproduce en bajo relieve la procesión de las Panateneas que tenía
lugar en Atenas cada cuatro años en honor a la diosa Atenea.
 El friso redaba la parte exterior de la cella del Partenón y estaba
policromado. Los bloques de mármol estaban ligeramente inclinados hacia
delante para conseguir que les llegara la luz de abajo; con el mismo
objetivo, el relieve de la zona alta es más profundo que el resto de la
superficie.
 Representa una procesión que arranca en el ángulo suroeste y se bifurca.
En el punto de arranque se origina una cabalgata que ocupará un 70% del
friso. Precediendo a ésta se inicia el cortejo a pie, compuesto por ancianos
portadores de ramas, músicos, portadores de hidrias, (vasijas de agua)
conductores de ganado que será sacrificado etc.
 Las dos alas del desfile desembocan en el lado oriental, en la fachada del
templo. E las esquinas aparecen las doncellas ataviadas con peplos y los
héroes de Atenas. Todos ellos llevan el peplo para Atenea.
 Sin ser observadas, las divinidades olímpicas contemplan la escena
sentadas en escabeles, excepto Zeus, sobre un trono. Son de una escala
mayor que los hombres.

28.  Los vestidos se ajustan a los cuerpos de las doncellas y muestran una caída
admirable.
 Para evitar la monotonía del desfile, Fidias colocó escenas cotidianas y
anecdóticas, (caballos encabritados, joven atándose sandalia…).
 Este friso sólo era una parte del conjunto iconográfico del templo destinado a
proclamar la gloria de Atenas y Atenea, su divinidad protectora. Es una
exaltación al poder de Atenas. En los frontones estaban los dioses, en las
metopas, más abajo, a los héroes, y en el friso, todavía más cercana, los
humanos.
 La procesión que entregaba el peplo a la diosa iba acompañado de
concursos y juegos.
 A pesar de que existen diferencias en el estilo en diversas partes del friso, todas
son de estilo clásico y se achacan a que Fidias necesitó la ayuda de los
miembros de su taller. Sin embargo esa unidad se debe a la dirección de Fidias.
 A pesar del bajorrelieve, hay sensación de profundidad por los diversos planos.
También la policromía y el añadido de piezas metálicas contribuían a crear esa
sensación.
 El estilo se caracteriza por la perfección técnica el modelado de las figuras:
airosidad de los vestidos, perfección de las anatomías…
 Hay una perfección anatómica y abundan las telas que caen con naturalidad
y confieren a la figura un gran volumen y movimiento, destacando la técnica
de los paños mojados. Además, a pesar de la gran cantidad de figuras, (360
personas, 220 animales, 10 carros…), todas ellas están individualizadas, ya sea
por sus actitudes, distinciones físicas o por el tratamiento de la ropa. Sin
embargo no recurrieron a los gestos demasiado marcados, mantuvieron la
expresión serena del estilo clásico.
 Se alcanza el ideal de belleza clásico, sereno, equilibrado, armónico e
idealizado.

36.  Es la imagen idealizada de un joven atleta que camina con
la lanza al hombro.
 La cabeza, ladeada hacia la derecha, muestra una
cabello muy trabajado y un rostro sereno. El torso se inscribe
en un gran rectángulo y los pectorales y las ingles aparecen
exagerados con rígidas líneas curvas, (cierto arcaismo).
 Los brazos aparecen despegados del cuerpo. La mano
derecha permanece abierta mientras el brazo izquierdo se
dobla y cierra la mano para coger la lanza.
 La actitud de marcha no quita para que haya equilibrio
entre los miembros tensos y los distendidos: el brazo
derecho cuelga relajado mientras la pierna sostiene el peso
del cuerpo; el brazo izquierdo está rígido y la pierna,
flexionada. Este equilibrio compensado entre las diversas
partes del cuerpo se denomina contraposto, y otorga un
equilibrio dinámico.

37.  Esta estatua se aproximaba al sistema de proporciones ideales
del cuerpo humano, (el cuerpo, 7 cabezas, y la cara 3 partes
iguales) y por ello la utilizó como ejemplo en el tratado que
escribió sobre el tema (Canon)
 Las matemáticas desempeñaban un papel decisivo en la
representación de la simetría, basada en un conocimiento
riguroso del cuerpo humano. Esto explica la importancia de la
diartrosis, la articulación de los miembros o partes en el
conjunto.
 Las figuras de Policleto eran más anchas y robustas que las de
Fidias y pasaron de moda rápidamente. Lo que permaneció
fue el canon, presente en muchas obras de Praxíteles, Lisipo y
en el Renacimiento en el David de Miguel Ángel, Donatello…

39.  Origen: copia romana, probablemente de un bronce griego.
Según los mitos griegos eran sólo dos las figuras muertas por las
serpientes. En ésta aparecen tres porque el poeta Virgilio, en la
Eneida, incluyó a dos hijos de Laocoonte.
 Laocoonte, sacerdote troyano advierte de que no se fíen del
caballo dejado por los griegos. Los dioses envían serpientes para
matarlo.
 Exploración de la emoción humana: el pathos, la reacción
dramática, la pasión y el sufrimiento es lo que se representa.
 Gesto desesperado y agónico de la figura central. Rostros muy
expresivos, (boca entreabierta, ojos rehundidos, ceño fruncido,
agitación del cabello a base de trépano. Se rompe con la
serenidad y el equilibrio. Canon desproporcionado de los hijos que
hace que se centre la mirada en el padre.
 Los cuerpos superan la expresión del rostro: se retuercen ante el
suplicio. El dinamismo es la otra característica principal. Hay
teatralidad en los difíciles escorzos de los cuerpos.
 Las figuras se organizan a partir de la pirámide de las tres cabezas
de los personajes. También diagonal que cruza desde la parte
superior izq.

40.  Movimiento reforzado por el dinamismo de las serpientes
que sirven de nexo de unión entre las figuras.
 Sensación de tensión en los cuerpos.
 Perfección anatómica aunque exagerada, dada la edad
de las figuras.
 La tensión del cuerpo del padre contrasta con el cuerpo
inerte de la figura izq. y con la mirada interrogante del hijo
mayor, que no acierta a comprender lo que pasa.
 El trazado curvilíneo, su dinamismo, la tensión y la expresión
de que todo esfuerzo iba a resultar inútil, convierten a la
escultura en la representación del héroe griego poseedor
de un alma noble.
 Quizá reflejo de una nueva forma de pensamiento de la
época: los dioses castigan a quienes no cumplen su
voluntad. Hay por tanto una desconfianza ante las
divinidades y cierto pesimismo por lo imprevisible de la
fatalidad.
 Esta escultura tendrá una influencia extraordinaria en Miguel
Ángel y su terribilità y en el Barroco.