Escultura Griega

CARACTERES DE LA ESCULTURA GRIEGA 1) La escultura tuvo como protagonista al ser humano . 2) Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por tanto, a los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que insinuaban la anatomía humana (Ej. Paños mojados de Fidias). 3) Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano . Se trató de reflejar la belleza idealizadamente, sin defectos. Aunque en la época helenística de dio un giro hacia el realismo , al aparecer las figuras tal como eran en su aspecto natural. 4) La belleza se entendía como la armonía entre medidas , de proporción entre las partes del cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte con la inmediata y de todas con el conjunto. 5) Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron de exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la impasibilidad de las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuaria de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, de dolor y desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobre todo helenística. 6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento . Partiendo del hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones escultóricas arcaicas, se llegaba a los movimientos serenos y contenidos de la época clásica (apolíneo) hasta desembocar en figuras que se agitaban, retorcían convulsivamente, se movían violentamente o estaban en disposiciones forzadas (dionisíaco), como ocurrió en los momentos finales del clasicismo y en la etapa helenística. 7) Era una escultura policromada . Las obras escultóricas (hechas en terracota o mármol) se cubrían de colores, aunque este aspecto no se puede apreciar en la actualidad por no haberse conservado pinturas en la mayoría de las estatuas (además muchas de ellas son copias romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad

8) Los materiales utilizados fueros diversos: *Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica. Las acróteras de los templos se solían hacer en este material. *Caliza. *Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores ejemplos de estatuaria griega. *Bronce. *Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas. 9) Los griegos hicieron tanto esculturas de bulto redondo como relieves (altos y bajos). 10) Función . En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a los templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía a la divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a tumbas. También fueron frecuentes las representaciones de atletas desnudos, de damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o hazañas guerreras .

PERÍODO ARCAICO (siglos VII al VI a.C.)

Escultura en caliza y mármol . Rigidez : dificultad para doblar dedos y extremidades. Ausencia de movimiento. Las figuras son auténticos bloques : dificultad para separar los brazos del cuerpo. Ojos almendrados que sobresalen debajo de una frente estrecha. Pelo ordenado en superficies geométricas (recuerda al “peinado de pisos”). Expresión hierática (solemne) fruto de la herencia oriental. A la falta de expresividad contribuye la “ sonrisa arcaica ”, una sonrisa un tanto injustificada figuras dominadas por la ley de la frontalidad y la ley de la simetría : el cuerpo está realizado para ser contemplado exclusivamente de frente y dividido en dos mitades exactamente iguales por un plano que pasaría por la nariz-ombligo; exige el reparto del peso del cuerpo por igual entre ambas piernas (algo que también encontramos en Egipto y Mesopotamia) Figuras claramente influidas por la plástica egipcia dado el notable frontalismo, la geometrización del cuerpo humano, la falta de expresividad y la ausencia total de movimiento. Carácter votivo (son ofrendas a los dioses) de las esculturas, lo que recorta sus posibilidades evolutivas. Durante la edad arcaica encontramos dos tipos básicos , ya realizados anteriormente, pero que ahora alcanzan su máximo desarrollo: a) el kouros (kouroi en plural): jóvenes desnudos, de aspecto atlético, con función religiosa (exvotos). Como ejemplos tenemos: KOUROS ANAVISSOS . b) la koré : mujeres vestidas con una túnica y velo denominado peplo dórico, frecuentemente sacerdotisas (korai en plural). Como ejemplos tenemos la KORÉ DEL PEPLO y la HERA DE SAMOS .

PARALELISMO ENTRE LA ESCULTURA EGIPCIA Y LA GRIEGA DEL PERÍODO ARCAICO ESTATUAS BLOQUE

LA ESTATUA-BLOQUE TRÍADA DE MICERINO (3000 a.C.) KUROS DE ANAVISSOS (SIGLO VI a.C.)

KUROIS ARCAICOS COMPARACIÓN DEL MODELO ICONOGRÁFICO MASCULINO: EGIPCIO Y EL GRIEGO

CABEZA DO KUROS Prototipo de “kuros”. Geometrización en el cabello. Sonrisa arcaica. Ojos almendrados. Simetría bilateral

KUROS DEL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK Respecto de la primera figura (Kouros. Metropolitan Museum New York. Hacia 600 a.c.) Mármol. dice R. Wittkower : “Los perfiles de una figura como ésta revelan la forma que tenía el bloque original. Frente a la obra ya terminada tenemos una seguridad aún mayor de que, mientras trabajaba en la parte anterior, en la posterior y en los lados, el escultor tuvo que orientarse en todo momento por las figuras que antes de empezar dibujara en el bloque : al enfrentarse a cada una de las caras de sus estatuas, el escultor griego de esta época razonaba como un delineante (...). La consecuencia es que la estatua tiene necesariamente cuatro vistas bien diferenciadas (...) Una figura así está lejos de ser una obra realista en el sentido moderno de este término, pese a lo cual posee una asombrosa vitalidad, esta rebosante de la energía de la vida. Tiene además una superficie de calidades suaves y cálidas, casi aterciopeladas. Ello se debe no solamente a las características del mármol griego, sino también (...) a las infinitas muescas producidas por el puntero que, aunque luego se las suavice por medio de abrasivos, crean, por así decirlo, una serie de vibraciones bajo la superficie, que evocan la sensación de una piel palpitante”. WITTKOWER,R : La escultura procesos y principios

MODELO ICONOGRÁFICO FEMENINO: “KORÉ” KORÉ DEL PEPLOS KORÉ DE QUÍOS

Durante este periodo en la escultura perviven algunos rasgos arcaicos (rigidez, sonrisa arcaica...) junto con los nuevos valores que se implantaron en el clasicismo (movimiento, expresión de sentimientos, naturalidad, etc.) Obras: 1- Relieves del frontón del templo de Afaia en Egina . (s. V a. C . ) . Eran esculturas que estaban en relación al marco arquitectónico en el que se inscribían, por tanto, la composición se adaptaba a la forma triangular del frontón, apareciendo desde figuras erguidas en el centro hasta arrodilladas inclinadadas, tumbadas a medida que nos acercabamos a las esquinas. La escena muestra a un grupo de guerreros en plena lucha , donde el dinamismo de sus cuerpos nos indica el camino hacia el clasicismo mientras la sonrisa arcaica nos remite a la época arcaica. 2- Relieves del frontón del templo de Zeus en Olimpia . Desarrolla temas como el de un grupo de mujeres que estaba siendo atacado por centauros y que tratan de evadirse de sus captores. El movimiento está representado con gran maestría. 3- El Auriga de Delfos (s. V a. C.). Es una estatua de bronce. Formaba parte de un grupo escultórico mayor. Se trata de una figura rígida (de pie), con sonrisa forzada. La túnica del Auriga se compone de pliegues que caen de forma vertical que han sido comparados con las acanaladuras del fuste de una columna. El caballo lo presenta con rizos ordenados geométricamente y en disposición geométrica (no natural). Representaba a un auriga que sostenía las riendas de los caballos. 4- El trono Ludovisi . Son varios relieves. Combinan rasos arcaicos y clásicos. Resaltar las formas anatómicas más onduladas y la mayor sensación de movimiento. Temas: a) El nacimiento de Afrodita; composición simétrica, vestidos que sugieren las formas anatómicas, pliegues poco naturales. b) Figura de mujer tocando la flauta. 5- Zeus lanzando el rayo . Estatua de bronce que se encontró en el mar cerca del cabo Artemisón. La movilidad de piernas y brazos contrasta con el arcaísmo de la cabeza y el rostro.

Será ya en el siglo V cuando se produzca el máximo esplendor del clasicismo , como consecuencia de la consolidación de los rasgos que se habían iniciado en la época de transición: a) Dominio de la anatomía . b) Aplicación del canon de belleza : proporción matemática entre las diferentes partes del cuerpo. Con ello consiguen dominar las proporciones . c) Logro de la symetría : relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras. d) Se consigue plasmar el movimiento , aunque todavía contenido , acabando definitivamente con la “ley de la frontalidad". Esto supone el triunfo del “ contrapposto ” (se inventa en Grecia para romper la “ley de la frontalidad”: supone la oposición rítmica de las partes simétricas del cuerpo humano; mientras una pierna avanza la otra se mantiene rígida y cargada, si un hombro se levanta el otro desciende, etc). e) Con la misma función se utiliza el escorzo (disposición de un objeto, un cuerpo o un miembro de forma perpendicular al plano del cuadro), con unos miembros que se mueven con naturalidad, adoptándose a distintas posiciones. Así, los brazos se despegan del cuerpo y se colocan en diferentes posturas. f) Representación del ethos (la personalidad del personaje). g) Tratamiento más delicado de la piel . Con el desarrollo de estas características se consigue la máxima perfección y serenidad, alcanzándose el IDEAL DE BELLEZA GRIEGO , aunque todavía con reminiscencias arcaicas (todavía no se alcanza plenitud en el movimiento ni en la expresión). La escultura de este período se puede analizar a través de la personalidad de sus tres artistas más destacados: Mirón , Policleto y Fidias .

MIRÓN MIRÓN se caracteriza por: - La pasión por el movimiento , predominando en sus obras composiciones en arco de círculo. - Y la peculiar concepción de la escultura como imagen de un instante fugitivo (capta el movimiento en el momento de máximo esfuerzo del ejercicio atlético, con lo que plasma el máximo desequilibrio del cuerpo ).

Mirón de Eléuteras, discipulo de Hageladas, (...) es autor de un discóbolo (lanzador de disco). Parece que fue el primero que aumentó considerablemente el realismo de sus tipos ; era más armonioso en el arte y más exacto en las proporciones que Policleto, y sin embargo él, que era muy cuidadoso en las formas de los cuerpos, no fue capaz de expresar los sentimientos del alma. Tampoco representó la cabellera y el pubis con más acierto del que había logrado la tosca antigüedad. Con figuras y estatuas (...) se han ennoblecido una cantidad casi innumerable de artistas, pero por delante de todos sobresale Fidias el ateniense por su Jupiter Olímpico. Se dice con razón que fue el primero que mostró y enseñó el arte de cincelar. Policleto de Sición, discípulo de Hageladas, esculpió un diadumenos (el que se aplica una banda) como un joven aún no totalmente formado, que se hizo célebre por su precio de 100 talentos. También es obra suya una estatua que llaman el cánon (regla) y donde buscan como una especie de código las líneas de su arte. Se considera que este escultor es el que ha llevado a su apogeo el arte de la estatuaria y el que ha contribuido a su perfeccionamiento, ya que Fidias fue su inventor. Praxiteles también fue muy hábil trabajando el mármol y a esto se debe sobre todo su celebridad, aunque también hizo obras bellísimas de bronce. Hizo también un Apolo adolescente que con una flecha en la mano persigue un lagarto que le sube por el costado ; se le llama el sauróctonos (matador de lagartos). PLINIO EL VIEJO : Historia Natural .

POLICLETO POLICLETO destaca como broncista y constructor de exvotos atléticos. Se centra en conseguir: - La anatomía idealizada : glorifica los torsos y los músculos (cuerpos ideales). - Las soluciones a los problemas de estabilidad . - Las proporciones numéricas ideales : escribe el “Canon” , en el que establece el canon ideal de “un cuerpo igual a siete cabezas” . Se centra por lo tanto en el carácter anatómico de las figuras, ignorando la plasmación de cualquier sentimiento : trata las cabezas como esferas inexpresivas.

POLICLETO: BÚSQUEDA DEL CÁNON IDEAL La estabilidad se une al movimiento Actitud de avanzar. “ Contraposto” Canon: el cuerpo mide siete cabezas. Todos los costados presentan calidades distintas pero armoniosas

FIDIAS Está considerado como el máximo paradigma del clasicismo. Trabajó junto a sus ayudantes y discípulos en la decoración escultórica del Partenón. Los caracteres de su obra escultórica son: -La belleza idealizada de sus figuras, con expresiones en los rostros que no traslucen ni sufrimiento ni gozo. -Centrar el interés en el estudio de la anatomía humana . -La naturalidad en el drapeado- los pliegues de las telas - que adquieren un carácter móvil y difuso frente a la geometrización propia del arcaísmo. -La invención de la técnica de los “ paños mojados ” (drapeado). Daba a las figuras vestidas (femeninas) cierto sentido de desnudez al sugerir debajo de los ropajes, que se adherían al cuerpo, las formas de este.

Obras que efectuó en el Partenón : - Relieves: 1- Friso de las Panateneas . Se trata del friso que estaba en los muros exteriores de la naos del Partenón. Representaba una procesión de atenienses, que llevan el “jitón” bordado por ellos mismos a Atenea en las fiestas panatenaicas. Estos aparecen al lado de los dioses a los cuales van a honrar. En estos relieves se da una mayor flexibilidad de los pliegues, movimientos suaves de brazos y piernas y posturas elegantes. Tiene 160 m de longitud. 2- Metopas . Representan personajes mitológicos en escenas de lucha, como el enfrentamiento entre los lapitas y los centauros en tiempos de Teseo, mítico rey de Atenas. Destacan las expresiones de dramatismo en los rostros de los personajes. Igualmente se muestran : Amazonas, Gigantes o escenas de la guerra de Troya. Frontones: 1- Oriental. Tema del nacimiento de Atenea , asistida por la Parcas. Las figuras se disponen con toda naturalidad (movimiento, actitudes) pese a ceñirse a los límites del espacio que ocupaban. También llaman la atención los ropajes con pliegues que se arrugan y se adaptan a la forma de la figura con un tratamiento más real. 2- Occidental. Tema del enfrentamiento entre Poseidón y Atenea por el control de Atenas.

ESCULTURAS DO PARTENÓN: FIDIAS E A SUA ESCOLA EL PARTENÓN: OBRA ESCULTÓRICA

Fidias. Frontón oriental del Partenón Nacimiento de Atenea (recreación)

Fidias. Frontón occidental de Partenón Elección del patrono (recreación)

Esculturas exentas: 1- Atenea Partenó s. No se conserva, pero se conoce por testimonios. Esta escultura que se situaba en el interior de la naos del Partenón. Estaba hecha con placas de oro y marfil (crisoelefantina). Medía unos 10 m de altura. 2- Atenea Promachos . Se emplazaba en la Acrópolis ateniense. Era una enorme estatua de unos 15 m de altura. Representaba a la diosa Atenea armada con lanza, escudo y un casco sobre su cabeza, en actitud de defender la ciudad. 3- Atenea Lemnia . Estatua encargada por los ciudadanos de Lemnos para colocarla en su Acrópolis. Sobresale en ella la elegancia de los pliegues que revela la esencia divina del personaje. 4- El Zeus de Olimpia . Estatua de gran tamaño destinada para el templo de Zeus en el santuario de Olimpia, en la que este dios se mostraba sentado en su trono. Se consideraba una de las siete maravillas de la Antigüedad.

El clasicismo del siglo IV muestra algunos rasgos diferentes con respecto al del V: a) Se transforman los ideales anatómicos: canon más esbelto (Lisipo lo establece con su Apoxiomeno: un cuerpo igual a ocho cabezas, siendo ésta más pequeña). b) Se acentúan los movimientos (la Ménade de Scopas). c) Se conquista definitivamente el volumen , es decir, la tercera dimensión (el Apoxiomeno): la disposición de los brazos (con uno en claro escorzo) hace que se involucre un espacio y que la escultura se pueda contemplar desde distintos puntos de vista. d) Mayor realismo , mostrando actitudes menos heroicas y más cotidianas, con figuras que se hacen más libres y pierden majestuosidad, acentuándose el naturalismo en gestos y actitudes . e) Esto conlleva la individualización de los retratos . f) Mayor expresividad facial : se muestran los sentimientos (pathos). Frente a la serenidad anterior, se aprecia en estos momentos un humanismo desgarrado, expresando los sentimientos. g) Se prescinde de los pliegues mojados. h) Introducción en la iconografía del desnudo femenino integral , lo que supone la creación de un ideal anatómico de mujer distinto al masculino (las Venus). También son tres los artistas más significativos de este período: Lisipo , Praxiteles y Scopas .

LISIPO Fue un artista contemporáneo de Alejandro Magno (fines s. IV a.C.) , del cual hizo varios retratos, en los que se muestra a este personaje de manera idealizada. Modifica los ideales anatómicos de Policleto, mediante un canon más alargado (ocho cabezas) y la mezcla de músculos y grasa en la anatomía . Además, sus esculturas reflejan la conquista definitiva de la tercera dimensión , a través de escorzos y de líneas transversales cruzadas por delante del cuerpo.

EVOLUCIÓN DEL CÁNON POLICLETO: DORÍFORO (V a.C.) APOXIOMENO (IV a. C.) LISIPO:

PRAXÍTELES PRAXÍTELES : · Es el escultor de la delicadeza , la elegancia , la belleza y las superficies suaves , lo que ha llevado a algunos críticos a calificar de blandas a sus figuras, incluso de afeminadas . · También es característico de sus obras la nostalgia en el rostro . · Destaca por el gran contrapposto de sus figuras, dando así lugar a la curva praxiteliana : leve ondulación de la cadera. Tanto que en algunas figuras como el APOLO SAUROCTONO (Apolo jugando con un lagarto), el dios necesita un punto de apoyo para no caer. · Destacará también por la introducción del desnudo femenino a través de su AFRODITA CNIDIA , que se convertirá en modelo para las imágenes posteriores. Presenta a la diosa desnuda en actitud de salir del baño, siendo considerada por los antiguos como la más hermosa escultura del mundo. Trabaja en mármol y no en bronce.

SCOPAS SCOPAS se distingue por: · El dramatismo que imprime a sus figuras: Scopas rompe el perfecto equilibrio del arte clásico a favor de la exaltación, de la representación de los sentimientos exacerbados , de lo que se ha denominado Phatos que queda perfectamente reflejado en el patetismo de las bocas entreabiertas, angustiosas, y en los ojos anhelantes. · Una cierta preferencia por los perfiles helicoidales , con lo que acentúa el movimiento .

1-La idea de belleza (tendencia a la idealización de la belleza que se daba en etapas anteriores) y de armonía - que todavía perduraba en algunas obras (Ejemplo: la Venus de Milo)- tendieron a ser sustituidas por el concepto de realidad , de reflejar al ser humano tal como era, sin tratar de esconder sus defectos. 2-Si hasta el momento solo apreciábamos la hermosura de cuerpos juveniles, el tipo de representaciones en la época helenística se amplió y se mostró al ser humano tanto en figuras de niños , como de viejos – que exhibían la decadencia física del hombre -. Asimismo aparecen figuras feas y grotescas que nos enseñan seres deformes, enfermos, obesos, etc. 3-Por otra parte se dio el desarrollo del retrato en conexión con la línea realista que se estaba imponiendo en la escultura y con la tendencia al individualismo y a representar figuras notables de la sociedad griega (desde el s. IV a.C.).

4-La elegancia y la serenidad de las posturas de la mayoría de las figuras de la época clásica dejó paso a un creciente dinamismo , tanto de los miembros del cuerpo como de los ropajes, llegando a ser desbordado, tenso e incluso violento (en la línea que había marcado Scopas). Además se dio una inclinación a representar gestos y actitudes de desesperación y dramatismo , que contrastaban con las de tranquilidad y equilibrio que se desprendían de las esculturas clásicas en general. 5-Si en la etapa anterior la temática se centró en figuraciones de dioses y atletas, durante el helenismo se continuaron representando divinidades pero (en la línea de Praxíteles) sin evidenciar respeto por su condición divina. Además abundaron temas mundanos y callejeros , así como de la vida cotidiana . 6-Existieron una gran cantidad de obras escultóricas de las cuales, por lo general, se desconoce el autor que las efectuó, por tanto apenas nos que da constancia de artistas individuales. De igual modo se produjo una dispersión de los centros artísticos y las obras para facilitar su estudio se suelen agrupar por escuelas: Atenas, Rodas, Pérgamo, Alejandría , etc.

ESCUELAS: a) Atenas y el Peloponeso . - Torso Belvedere . b) Escuela neoática. - El “niño de la espina” . c) Rodas. - El coloso de Rodas . - La Niké o Victoria de Samotracia . - El Toro Farnesio . - Laoconte y sus hijos . d) Pérgamo. (Ciudad de Asia Menor). - Relieves del Altar de Zeus y Atenea . - Galos en lucha/ galo moribundo . e) Antioquía. (Ciudad de Asia-zona de Siria-). - Afrodita (o Venus) Calipigia . f) Alejandría. (Ciudad del norte de Egipto situada en el delta del Nilo). - Representación alegórica del Nilo . g) Otras. - Venus de Milo (Afrodita de Melos). - Afrodita agachada . La diosa esta puesta de cuclillas al ser sorprendida al darse un baño.

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

EVOLUCIÓN DE LA FIGURA MASCULINA ARCAÍSMO ESTILO SEVERO CLASICISMO

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