Minimalismo musical

1. MINIMALISMO
(1960-1980)
“Menos es más”
“Minimista”, de deriva del término “minimal” o “minimalist”:
que utiliza lo mínimo.
«El minimalismo no es la falta de algo, se trata simplemente de la cantidad perfecta de algo».
Nicholas Burroughs.

2. El minimalismo es un arte occidental posterior a la segunda guerra mundial.
Inicia en 1960 en Estados Unidos.
Se desarrolla en el campo de la escultura: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl
Andre, Dan Flavin y Robert Morris.
La pintura tiene influencias del constructivismo y el Reduccionismo de Ad
Reinhardt.
El término minimalismo fue usado por primera vez por Richard Wolheim en
un artículo de la revista Art Magazine, en 1965.
Se cataloga como experimental y nace al rechazo del serialismo europeo de
la época, el expresionismo abstracto, el Arte Objetual y el Pop Art.
Se da a través de figuras geométricas simples que no representan una
imagen específica. Buscaban que no hubiese “ningún rastro de humanidad”

3. Contexto Histórico en Estados Unidos en los años 60
Gran marcha Freedom: Busca la libertad absoluta de la humanidad, especialmente
intenta reivindicar el rol y la importancia de las mujeres y las poblaciones negras
americanas.
Movimiento hippie: Busca por medio de la filosofía de “Amor y paz” mitigar la
crueldad de las guerras pasadas, especialmente la guerra de Vietnam (ocurrida en
esta década) y algunos hechos violentos impactantes para el mundo entero como el
asesinato del presidente Jhon F. Kennedy.
Música rock: El auge de algunas bandas de Rock como The Doors, The Beattles,The
Rolling Stones, The Who, y músicos como Bob dylan representan la rebeldía y
rechazo de la sociedad joven de los Estados unidos anhelantes de un cambio.

4. Características
● Economía del lenguaje y medios: utiliza elementos mínimos y básicos, la
extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados, colores
neutros (monocromía)
● Abstracción total: colores puros, figuras geométricas simples, tejidos naturales,
nuevas relaciones de volumen, color y escala. Se privilegian los espacios amplios,
altos y libres.
● Sobriedad sin ornamentación: El orden, la serenidad, el equilibrio y armonía,
nada de elementos superfluos y barrocos, ni excesos, ni estridencias.
● Es puramente imaginativo porque no representa temas reales, sólo sentimientos
y sensibilidad estética, donde el sujeto sus elementos necesarios. Buscan
eliminar en lo posible lo superfluo. Replantean las relaciones entre arte como
objeto específico, el objeto y el hombre como artista.
● Limpieza mental: limpieza gráfica y plástica.

5. Principales obras
Tony Smith. “Die”, 1962.
Se trata de un cubo de acero negro y opaco, mudo y
estático, que transmite inescrutabilidad y misterio. Su
título, que significa a la vez dado y muerto, evoca la
regularidad del primero y el silencio de lo segundo: la
experiencia del objeto como tal no implica ausencia de
representación. Color, material, tamaño y forma
aluden a ese contenido en concreto: al ofrecernos un
cubo impenetrable, frío y oscuro, Smith nos invita a
considerar el carácter extraño de las cosas, también
de las cotidianas, y nos muestra una visión de la
muerte.

6. “Harran II”. (1967),
Frank Stella se ha propuesto drenar a sus cuadros de cualquier significado o simbolismo más allá de la
pintura (imagen) en sí, por ello las reduce a su alma geométrica. Lo que buscaba —y busca— es exaltar la
materialidad de la pintura, exponer esa fuerza pictórica frente al espectador sin rodeos. “Lo que ves lo que
ves”, declaró alguna vez, y esta frase se ha convertido en su rúbrica y en una premisa del minimalismo, del
cual sin duda sentaría sus bases.

7. Ellsworth Kelly. Colors for a Large Wall. (1951)
Sus obras se distinguen porque muchas de ellas consisten en una única
mancha abstracta y muy definida de un color brillante sobre fondo neutro.
Aunque tiene una total ausencia de figuración, el artista busca la emoción del
espectador a través de colores intensos y diferentes, que crean un delicado
cuidado del equilibrio.
“Siempre he tratado de liberar la forma de su contexto para así establecer
una relación definitiva con el espacio que la rodea” (Ellsworth Kelly)
“Me interesa la proyección de la forma hacia el exterior y no la lectura
individual del artista. De hecho, desde los años 50 procuro mirar siempre
hacia fuera, perdiendo todo rasgo individual. Si la forma está bien hecha
trabaja por ella misma.”

8. Abstract Painting, Ad Reinhardt,
1963
Un cuadro negro, absolutamente negro
(el no-color). Este representa un “no-
cuadro”. Sin forma, sin color, sin tema.
Esta pintura abstracta es, en palabras
de su autor, “una pintura pura, no
objetiva, atemporal, sin espacio,
inmutable, sin relaciones,
desinteresada: un objeto consciente de
sí mismo, ideal, trascendente,
consciente de nada más que del arte”

9. “Capilla Rothko”
Es un centro abierto a todas las creencias y
religiones en Houston, Texas, al sur de Estados
Unidos, fue fundada por John y Dominique de Menil
en 1971 y el arquitecto fue Phillip Johnson
La sala principal es un espacio octogonal silencioso,
minimalista, sin ventanas, con paredes de estuco
gris, cada una de ellas cubierta por enormes
pinturas. Algunas paredes tienen un lienzo, mientras
que en otras tres lienzos cuelgan uno al lado del
otro para formar un tríptico. La única iluminación se
consigue a través de un tragaluz que provoca
cambios en las tonalidades de las pinturas según se
muevan las nubes del exterior.

10. Influencias del minimalismo (antes de 1950)
Eric Satie (1866-1925): Los inicios de la música minimalista se
encuentran en ciertas obras de Eric Satie, principalmente por su empleo de
la forma repetitiva en ostinato como un «transcurrir estático del tiempo en
la repetición, en la obsesión contemplativa del mismo» y que sirve de base
para varias composiciones.
Obras:
“La Première Gnossienne” (1890): es la primera pieza que escribe según
un esquema repetitivo que experimentará luego con su pieza mística
Vexations.
“Vexations”(1949): consiste en repetir un mismo motivo 840 veces
seguidas, pudiendo alcanzar una veintena de horas la duración de la pieza.
https://www.youtube.com/watch?v=tqmQ_HJfOQs

11. La Monte Young (USA, 1935): Es un compositor de música
experimental. Su propuesta sonora es extrema y le otorga un papel
primordial a la apreciación del ruido (noise) como base de sus
composiciones musicales. Ha sido precursor de distintos estilos
dentro de la música minimalista como el “ambient drone”, donde
las piezas musicales se componen de repeticiones de unos pocos
sonidos o con mínimas variaciones armónicas.
La repetición como representación misma de la obra: Estilo
repetitivo y microtonal de composición, similar a los sistemas
orientales e hindúes, usando la repetición de un grupo de notas que
generan frecuencias armónicas de un único tono.
“1960 nº 7” (https://www.youtube.com/watch?v=l14zNaeB-cY).
https://www.youtube.com/watch?v=Dn2ejTSCEGc “B flat Dorian
Blues”

12. La Monte Young, se considera el iniciador del movimiento
minimalista, en particular con su obra “Trio for Strings” (1958).
Young se inspiró en esta época en Webern y en el sistema
dodecafónico. Creó un universo casi estático con largas notas
sostenidas durante varios minutos y con muy poca evolución.
La música de “Trio for Strings” no se parece a ninguna otra de
su época, creando una atmósfera meditativa «de otro mundo».
Es un trabajo en serie, pero lleva las ideas de Anton Webern al
extremo, estirando los sonidos en duraciones muy largas (la
primera nota de la viola dura unos cuatro minutos) y un amplio
uso del silencio ( hasta 40 segundos). Los tonos van desde
pppppp a fff , pero son generalmente bajos, y la partición
prohíbe explícitamente vibrato.

13. Minimalismo en la música
A finales de la década de 1950, el panorama musical “culto” de Occidente se
encontraba dominado mayormente por las armonías disonantes del modernismo, el
serialismo integral(Stockhausen y Boulez), el dodecafonismo, el indeterminismo
(Cage) y los residuos del expresionismo. El minimalismo nace como rechazo a estos
movimientos.
Los experimentos de las vanguardias se extendieron y la desintegración de la forma y
la libertad llegó a su máxima expresión con la figura de John Cage: azar,
indeterminación como principales hilos conductores.
En este marco un grupo de jóvenes compositores estadounidenses fascinados con las
estructuras de la música india, los ritmos africanos y la libertad expresiva del jazz,
reaccionaron contra este complejo intelectualismo volviendo a la tonalidad y la
armonía consonante por medio de una serie de obras cuya principal característica
era la máxima sencillez sonora.

14. «La idea de minimalismo es mucho más amplia que la mayoría de la gente
piensa. Suele incluir por definición cualquier música que se implementa con
una pequeña, mínima o limitada cantidad de recursos musicales: piezas que
emplean una pequeña cantidad de notas o frases musicales, o piezas escritas
con sólo una pequeña cantidad de instrumentos caseros o simples, tal y como
timbales, ruedas de bicicleta o vasos de whisky. Pueden ser piezas que
sostienen ritmos básicos y repetitivos a lo largo del tiempo. Se puede incluir a
la música realizada el ruido que generan eventos naturales como por ejemplo
las corrientes de los ríos. Piezas que tienen ritmos cíclicos sin final. Piezas de
ritmos extraños elaborados con los sonidos de un saxofón y su eco sobre una
pared. Puede incluir piezas con ritmos que varían lentamente a lo largo del
tiempo y que migran gradualmente a otras melodías. Pueden ser piezas que
expresan todas las graduaciones entre dos notas, como puede ser do y re.
Puede una pieza con un tempo lento que tiene una densidad musical de dos o
tres notas por minuto.»

15. Características de la música minimalista
● Repetición de frases musicales cortas con mínimas variaciones en un largo
periodo de tiempo.
● Se inspira en la música no occidental.
● Éctasis (movimiento lento) frecuentas a partir de zumbidos y tonos largos.
● Énfasis en armonía tonal.
● Pulso constante
● La brevedad, austeridad y economía de medios.
● Continuidades: requiere una modulación lenta de uno o más parámetros,
implicando longitud.
● Música de fase y patrón , incluida la repetición, que implica longitud
La música minimalista marca una ruptura con la vanguardia y da una vuelta a la
música tonal, y a veces modal.

16. El adjetivo minimalista introduce un error frente a lo que significa esta clase de
música.
Aunque utiliza un material musical sobrio, con cierta economía de sus estructuras
musicales, el término describe mal la naturaleza de la música.
Las obras pueden ser muy largas, necesitar de muchos músicos y la orquestación
puede ser bastante compleja.
El minimalismo se percibe también como un tema peyorativo: como una música
inferior a una «música normal» por requerir poco esfuerzo para su composición.
Es importante saber que la música minimalista no comparte siempre puntos
comunes con el concepto “minimalista” en las artes plásticas.
No se debe confundir el término minimalismo en la música con mínima expresión,
pues es un error llamar minimalista a lo que tenga una repetición en su partitura o
que no tuviese una melodía claramente identificable.

17. Estilo
Según Kyle Gann, las 9 tipologías comunes en el diseño de la música minimalista:
1. Armonía estática: tendencia a permanecer en un acorde o en una pequeña
progresión armónica.
2. Repetición de breves motivos.
3. Generación de patrones algorítmicos como 1, 1+2, 1+2+3, 1+2+3+4
4. Ritmo estático restringido a pequeño repertorio de duraciones.
5. Intrumentación estática, superposición de melodías. Todos los instrumentos
tocan por igual unos sobre otros, se muestra puro, sin detalles ocultos.
6. Metamúsica: los detalles van creciendo como efecto colateral.
7. Uso de tonos puros o a temperaciones justas.
8. Influencias no occidentales en la composición (Asia y África)
9. Canción pura, sin detalles ocultos.

18. Kyle Gann, compositor minimalista, dice que este estilo representa un regreso al pasado, a la
simplicidad, si se piensa que el desarrollo de los estilos anteriores habían llegado a una
complejidad altísima e insuperable.
Se caracteriza: el regreso del estilo del bajo barroco simple, la polifonía renacentista
elaborada (Ars Nova), la sinfonía clásica temprana, el contrapunto de Bach en el Barroco y el
ostinato.
- El ostinato y la repetición de breves motivos es uno de las características principales del
Minimalismo.
- Los procesos algorítmicos, lineales, geométricos o graduales (como patrones 1, 1+2, 1+2+3,
1+2+3+4, etc).
- El ritmo estático o restringido a un pequeño repertorio de duraciones temporales.
- La instrumentación estática (cualquier instrumento toca al mismo tiempo, en una
superposición de melodías)
- La experimentación percutiva.
- Idea de desplazamiento de fase (melodías con motivos musicales casi idénticos pero
desplazadas en el tiempo, que poseen diferentes velocidades de ejecución la una con la otra)

19. Dentro del minimalismo, el ostinato reemplaza completamente la evolución
dramática característica de la música (al menos hasta el periodo Romántico) por una
especie de inercia dinámica donde la ausencia de contrastes (fuerte/suave,
rápido/lento) altera nuestra percepción del tiempo.
A la larga, este efecto estilístico provoca una especie de hipnosis que a su vez,
deviene en una sensación de abolición del tiempo.
A diferencia la mayor parte de los estilos compositivos occidentales tradicionales, las
obras minimalistas no avanzan hacia un clímax catártico, ni dibujan esquemas de
tensión y liberación.

20. Phasing (música de fase)
● La fase como un proceso de composición principal.
● La fase es una técnica de composición en la que una frase
repetitiva se reproduce en dos instrumentos musicales en
tempo constante. Por lo tanto, los dos instrumentos cambian
gradualmente al unísono, creando primero un ligero eco
cuando un instrumento se reproduce un poco detrás del otro,
luego se duplica con cada nota escuchada dos veces seguido de
un efecto de timbre complejo y finalmente regresa a través de
duplicar y repetir en unísono.
● Se usa la reproducción de diferentes frases repetidas en el
mismo tempo, pero con diferentes longitudes métricas (ritmos
en el compás),
● Es un enfoque de la composición musical que se asocia con la
música mínima, ya que comparte características similares.
Visualización como dos discos
que comparten un patrón
idéntico en un carrete común.
Este patrón puede contrastarse
consigo mismo en todas las
posiciones al girar uno de los
discos.

21. Compositor de más de 20 óperas, 11 sinfonías y conciertos
para varios instrumentos.
Sin ser el iniciador del movimiento, es venerado y los demás
compositores se inspiran en él para realizar estructuras.
Es además el compositor del minimalismo más reconocido, el
que ha incursionado en otros géneros como la música
incidental (para cine).
En la música de Terry Riley, la repetición implica el control
total del material sonoro. Pero esta repetición queda
supeditada a la improvisación, con lo que el intérprete —no en
el compositor— se torna único responsable de romper el ciclo
de una repetición para pasar al siguiente. El compositor se
limitará a indicar los puntos a los que los intérpretes deben
llegar, pero los caminos que tomen para conseguirlo
dependerán completamente ellos.
Phillip Glass (1968)
Philip Glass ha desechado el
término de minimalista con el
cual se le ha clasificado. En vez
de minimalista, Glass prefiere ser
llamado un compositor de
“música con estructuras
repetitivas”.

22. La composición “1+1” fue la primera obra compuesta por Phillip Glass a
través del “proceso aditivo”, el cual consta de la utilización de secuencias
progresivas como 1, 1+ 2, 1 +2+ 3, 1+ 2+ 3+ 4. Luego de esta obra, siguieron
otras como “Two Pages” o “Music in Fiths”. Todas ellas forman parte del
estilo naciente de la música minimalista.
“1+1” es una obra para un intérprete y tablero amplificado. El músico debe
percutir sobre una mesa con los dedos o los nudillos.
La obra se basa en las múltiples combinaciones de dos unidades rítmicas:

23. La obra “Music in Twelve Parts” compuesta
entre 1971 y 1974 por Phillip Glass, se
considera su obra minimalista más importante
y representa un lugar primordial en el
repertorio de este autor. Se puede considerar
como un compendio colosal de todo el material
producido por Glass en su evolución dentro del
minimalismo desde mediados de los 60.
Su música está aplicada a un proceso rítmico a
las líneas melódicas, lo que le proporciona
continuidad y un sinfín de vibraciones
regulares, que entrelaza los módulos
establecidos.

24. La música se desarrolla lentamente, y hay largos períodos durante los cuales un
oyente casual no notaría ningún cambio. Sin embargo, si uno escucha atentamente,
esto se siente como una ilusión óptica, ya que los patrones en realidad cambian de
forma casi continua, aunque casi imperceptiblemente.
Phillip Glass considera que la música debe ser escuchada como un puro sonido que
pasa, ya que la concibe como una experiencia del tiempo diferente.
https://www.youtube.com/watch?v=PZyKDEOua6Q
Parte 10: Grabación de Philip Glass.

25. https://www.youtu
be.com/watch?v=
dS-bJWB-5lY

27. “Clapping music”, Steve Reich (1972)
Clapping Music es una pieza de cambio de fase para dos intérpretes en la que se tocan
únicamente las palmas. Cada uno de los intérpretes toca el mismo patrón a lo largo de
toda la pieza. Usa desplazamiento de fase (Phasing). El cambio de fase es discreto:
uno empieza el patrón desde un punto distinto, el cual va avanzando después de unas
cuantas repeticiones del patrón. El otro intérprete permanece imperturbable tocando
el patrón sin cambio alguno. Todo se basa en una repetición constante de períodos o
compases de 12 tiempos.
La fórmula rítmica original, aunque cambiando los acentos:

28. https://
www.y
outub
e.com/
watch
?time_
contin
ue=91
&v=lzk
OFJMI
5i8

29. “Counting duets”, Tom Johnson (1980)
Está formada por cinco movimientos en los que las fórmulas de enumeración
van variando. En algunos, los números van intercalados entre silencios, en
otros se acompañan con palmas.
Por indicación del autor se puede usar cualquier idioma, aunque deberá ser
el mismo para los dos lectores. Por tanto, el tempo de cada pieza se verá
condicionada por la extensión de los nombres de los números en cada
idioma: no es lo mismo decir 4 en inglés (four), que en castellano o francés
(cuatro, quatre).

30. “Counting duets”, obra en la que dos intérpretes cuentan. Y curiosamente, en contra
de lo que como músicos pudiéramos creer, no cuentan notas, sino simplemente
números.
https://www.youtube.com/watch?v=juHSPCQEXX4

31. Terry Riley: introdujo dos elementos fundamentales del
minimalismo: el retorno a la música tonal y la repetición de los
motivos musicales.
Su obra más conocida y fundadora del minimalismo es “In C”,
compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la influencia de su
colaboración con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva York, así
como el trabajo que realizó en los estudios de Radio France con
grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentación con el desfase,
la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructuró
la música de “In C” a partir de 53 frases musicales o módulos de
diversa longitud que cada intérprete puede repetir libremente sobre
un pulso constante en la nota Do. Sin embargo, hay procesos
indeterminados en las repeticiones y en la manera que los intérpretes
las ejecutan, por lo que el resultado final es una compleja e
impredecible red de cánones, polirritmias y énfasis armónicos. y
también en los énfasis de la música contemporánea.

32. “In C” (1964) marcó una
etapa importante en la
definición de la música
minimalista, porque incluye
todos los elementos:
pulsación regular, música
tonal y conjunto de cortos
motivos repetitivos, creando
un completo conjunto
musical.
https://www.youtube.com/wa
tch?v=yNi0bukYRnA

33. Steve Reich (3 de Octubre de 1936, New
York – Estados Unidos): Las primeras
obras de Reich se basaron en el uso de la
cinta magnética como soporte y principal
protagonista. A partir de la manipulación y
reproducción simultánea de loops de
fragmentos de grabaciones, Reich logró que
los sonidos entraran y salieran de fase entre
sí. Un ejemplo de esto son sus primeras dos
creaciones publicadas, “It’s gonna rain”
(1965) y “Come out” (1966).

34. “Piano Phase” los pianistas tienen que entrar y salir de la fase uno con el otro,
pasando sutilmente de una semicorchea de un patrón melódico a la siguiente. El
efecto es el equivalente sónico de convertir lentamente un caleidoscopio a medida
que la música entra y sale de foco.
https://www.youtube.com/watch?v=57TuvksMR70
“It's Gonna Rain”, la voz de un predicador pentecostal se enlaza a velocidades
gradualmente diferentes, creando una suntuosa textura sónica.
https://www.youtube.com/watch?v=vugqRAX7xQE.
En su periodo de madurez musical, compuso la obra “Music for 18 Musicians”
(1976) https://www.youtube.com/watch?v=71A_sm71_BI.

35. MINIMALISMO
SACRO

36. DEFINICIÓN
Minimalismo sacro, minimalismo
místico o minimalismo espiritual son términos
utilizados para describir los trabajos musicales de
un grupo de compositores de finales del siglo XX.
Las composiciones resaltan por una estética
composicional minimalista y un distintivo
carácter religioso o espiritual.
En los años 70 y continuando en los 80 y 90, varios
compositores, muchos de los cuales habían
trabajado anteriormente en música serial o
experimental, empezaron a trabajar con ideales
estéticos similares materiales composicionales
radicalmente simplificados, una base fuerte
en tonalidad o modalidad, y el uso de melodías
sencillas , repetitivas, pero incluyendo una
orientación explícitamente religiosa.

37. CARACTERISTICAS:
• Materiales composicionales radicalmente
simplificados y el uso de melodías
sencillas y repetitivas.
• Se diferencia del minimalismo en que su
temática cambia, éste pasa a ser
evocación de una deidad cualquiera que
sea, de hecho, las distintas nacionalidades
de sus compositores, creencias religiosas
e inspiraciones composicionales hacen
esta definición problemática, pero su uso
está muy extendido, entre musicólogos y
críticos de música, principalmente debido
a la falta de una mejor.
• Buscaban inspiración en la música
medieval y renacentista, o en la música
litúrgica de las iglesias ortodoxas.

38. Defensores y Exponentes
Sus principales defensores son Henryk Gorecki
(1933-2010), la parte estonia Arvo Pärt (1935-)
y el británico John Tavener (1944-2013).
Los tres hombres son intensamente religiosos,
buscaban inspiración en la música
medieval y renacentista - tanto así que podrían
designarse globalmente como
neomedievalistas o neogregorianos-, estaban
asociados con religiones ortodoxas y
escribían partituras seculares y música para uso
litúrgico; los tres usan la repetición de
una manera que recuerda ampliamente a los
minimalistas estadounidenses.

39. ARVO PÄRT (1935) - ESTONIA
Sus primeros trabajos partieron de un neoclasicismo
bastante severo, influido por Shostakóvich, Serguéi
Prokófiev y Bela Bártok. Luego empezó a componer
usando el dodecafonismo y el serialismo de Arnold
Schoenberg. Sin embargo, esto no sólo atrajo la ira de
los burócratas culturales soviéticos, sino también
demostró ser un callejón creativo sin salida.
El compositor Paul Hillier dice acerca de este periodo:
«Llegó a un punto de completa desesperación en el cual
la composición de música le parecía el más inútil de los
gestos, y le faltaba la fe musical y la fuerza de voluntad
para escribir una sola nota».
Pärt experimentó una profunda crisis personal. Su respuesta fue
sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de
la música occidental. Estudió canto llano, canto gregoriano y las
primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento.
Al mismo tiempo, comenzó a explorar la religión
y se unió a la Iglesia ortodoxa rusa, lo cual indica
que quizá su crisis no era exclusivamente
musical, sino también espiritual.

40. Tintinnabuli
Es un estilo composicional creado Arvo Pärt. Este estilo está influenciado por las experiencias del
compositor con la música coral. Melódicamente, la música tintinabular se caracteriza por dos tipos de
voz: la primera (llamada "voz tintinabular") toca en arpegio la tríada tónica, y la segunda se desplaza
por la escala diatónica escalonadamente.
“La tintinabulación es un área en la que a veces me adentro
cuando estoy buscando respuestas en mi vida, mi música, mi
trabajo. En mis horas oscuras, tengo la sensación segura de
que todo fuera de esto no tiene ningún significado. Lo
complejo y polifacético solo me confunde, y tengo que buscar
unidad. ¿Qué es esto y cómo puedo llegar hasta ello? Los
rastros de esta perfección aparecen de muchas formas y todo
aquello sin importancia se desvanece. La tintinabulación es
algo así . . . Las tres notas de una tríada son como campanas. Y
por eso lo llamo tintinabulación.”
Tintinnabuli es la conexión matemáticamente exacta de una
línea a otra...tintinnabuli es la regla que convierte la melodía y
el acompañamiento...en uno. Uno más uno, es uno – no es dos.
Este es el secreto de esta técnica.

41. HENRYK MIKOLAJ GORECKI
(1933 – 2010) – Polonia
Su música abarcaba una gran variedad
de estilos, pero tendía a ser relativamente
simple en armonías. Sus primeros trabajos
recuerdan el estilo de Pierre Boulez y otros
serialistas. Sus composiciones más recientes
suelen ser comparadas con Arvo Pärt.
Sus trabajos reflejaban con frecuencia sus
profundas creencias religiosas.

42. Tercera Sinfonía de Gorecki, Op. 36
También conocida como Sinfonía de las canciones dolientes,​ Sinfonía de las canciones tristes o Sinfonía
de las lamentaciones.
Sinfonía en tres movimientos para orquesta y soprano compuesta en Katowice, Polonia, entre octubre
y diciembre de 1976.
● Lento - Sostenuto tranquillo ma cantabile: El primer movimiento se basa en el lamento
atribuido a la Virgen María escrito en el siglo XV, recogido en la colección de canciones de Łysa
Góra, que se encuentra en el Monasterio de la Santa Cruz.
● Lento e largo – Tranquillissimo: El segundo movimiento contiene un libreto formado a partir de
la oración a la Virgen María escrita por Helena Wanda Blazusiakówna en la pared de su celda.
● Lento - Cantabile semplice: El tercer movimiento, se construye mediante la evolución de un
motivo sencillo. La melodía se establece en la estrofa inicial.

43. JOHN TAVENER (1944 – 2013) – Londres
Influenciado por Stravinski, su música más reciente es más escasa, utiliza un amplio registro
musical y es habitualmente diatónicamente tonal. Algunos críticos han visto similitudes entre su
obra y los trabajos de Arvo Pärt, desde su tradición religiosa común hasta detalles técnicos de la
longitud de las frases, diatonismo y sus coloristas efectos de percusión.
En 1977, entró a formar parte de la Iglesia ortodoxa rusa,
, permaneciendo en ella durante dos décadas. A partir de
dicho momento, la teología ortodoxa y su tradición
t litúrgica se convirtieron en la influencia más importante
de su obra. Tavener se interesó particularmente
por el misticismo, estudiando y musicando los escritos de
Padres de la Iglesia como San Juan Crisóstomo.

44. THE LAMB (EL CORDERO)
Una de las obras más populares y programadas
del repertorio de Tavener es su breve composición
coral en cuatro partes sobre el poema El cordero de
William Blake, escrito en 1985. Esta pieza, simple y
homofónica, se interpreta habitualmente como
villancico.
John Tavener del entorno coral de William Blake, "El
Cordero" de Blake, colección de poemas en Canciones de
Inocencia y de Experiencia es una de sus obras más
populares. Esta imagen representa copia C, objeto de 8 de ese
poema original, que se celebra actualmente por la Biblioteca
del Congreso.