Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en el siglo XX, resumen. Historia del arte. 2º de Bachillerato LOMCE

1. EXPLICA LA RENOVACIÓN TEMÁTICA,
TÉCNICA Y FORMAL DE LA ESCULTURA EN LA
PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

2. Antonio Susillo:
Monumento a
Colón, Valladolid,
1891
• A finales del siglo XIX la escultura
seguía siendo un arte anclado en
la tradición y de carácter
academicista.
• Continuaba perpetuando los
cánones estéticos de la
antigüedad clásica a través de los
modelos renacentistas y
neoclásicos y con una clara
intención imitativa de la
realidad, especialmente de la
figura humana.
• Consistía normalmente en la
representación realista de la
figura humana y con una función
conmemorativa, simbólica, a
través de temas heroicos, de
personajes célebres, mitológicos,
de carácter religioso… y con una
intención narrativa, ensalzando
los valores sociales
predominantes.

3. • Desarrollarán una
nueva concepción
del arte y un nuevo
lenguaje que
valorará
especialmente los
propios aspectos
plásticos de la
escultura,
provocando una
ruptura con toda la
tradición
escultórica anterior.
Constantin Brancusi: Mademoiselle
Pogany, II 1920
Umberto
Boccioni:
Formas únicas
de continuidad
en el espacio,
1913
Henry Moore: Figura reclinada, 1938
Julio
González:
Mujer
ante el
espejo,
1934
• Desde los comienzos del
siglo XX, determinados
escultores
individualmente, así
como los distintos
movimientos de
vanguardia, iniciarán un
proceso que
revolucionará esta
expresión artística.

4. • Estos cambios afectarán
tanto a su temática,
como a los materiales y
técnicas empleados, a
sus valores formales e
incluso a la propia
concepción del arte
escultórico:
• Al igual que la pintura,
abandonará los
conceptos de imitación
de la realidad y
narratividad y valorará
más la capacidad
expresiva de los
propios valores
escultóricos (modelado,
volumen, luz…) que su
relación con un tema o
con la realidad,
llegando incluso a la
abstracción.
Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939

5. • La escultura cobrará valor por sí misma y se independizará de cualquier atadura,
llegando incluso a concebirse como escultura cualquier objeto tridimensional,
convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador.
• De ser un reflejo de las creencias de la sociedad y con una clara intención de
imitación realista de la naturaleza, se transformó en un reflejo de la libre visión
interior del artista.
Marcel Duchamp.
Fuente, 1917
Pablo Gargallo:
Gran Profeta,
1933

6.  La figura de Rodin,
como precursor.
 El agotamiento de
la escultura
academicista.
 El afán de libertad
expresiva de los
artistas.
 La influencia de la
escultura primitiva.
 Los experimentos
plásticos de los
diferentes
movimientos de
vanguardia.
Augusto Rodin: Los burgueses de Calais, 1889
Picasso Brancusi
• En este proceso de
renovación de la escultura
influyeron decisivamente:

7. • Ya a finales del siglo XIX,
Rodin había revolucionado la
escultura, valorando más la
fuerza interior, la
expresividad, así como los
propios aspectos plásticos de
la escultura, frente a la mera
mímesis academicista y sus
temas tradicionales.
• Incluso, mediante su
valoración del fragmento y la
creación de ensamblajes
mediante fragmentos
escultóricos, se convierte en
precursor de los cambios
posteriores.
• El escultor rumano
Constantin Brancusi decía:
Augusto Rodin: Monumento a Balzac, 1898
“El punto de partida es el
Balzac de Rodin”.

8. • La escultura
academicista se
encontraba en un
callejón sin salida,
totalmente anclada a
los modelos clásicos
y sometida a sus
normas
tradicionales.
• Frente a esa
esclavitud, los
artistas de inicios del
siglo XX desean
ejercer su libertad
creativa y expresiva,
y experimentar y
romper con las
ataduras académicas
y con los moldes y
cánones clásicos,
buscando nuevas
vías expresivas.
Antonio Frilli: Dulces sueos, 1892
Picasso: Cabeza de mujer, 1909 Constantin Brancusi: El beso, 1907

9. • El conocimiento de la
escultura de los
pueblos primitivos,
especialmente la
africana o la de los
pueblos de Oceanía,
o de culturas del
pasado remoto (islas
Cícladas, escultura
ibérica,
precolombina,
sumeria…) o de las
tradiciones populares
actuará como
revulsivo.
• Los artistas
descubrirán en ella
una simplicidad y
pureza expresiva
alejada de los corsés
y condicionantes de
la escultura
occidental.
Máscaras africanas
Escultura sumeria
Escultura Oceanía
Escultura de las Islas Cícladas

10. Máscara de Alto Volta Max Ernst: Cabeza de pájaro, 1934Amedeo Modigliani: Cabeza, 1912
Constantin Brancusi: El beso (1909) y El primer paso, (1913)
Escultura sumeria Henry Moore:
Henry Moore: Figura con manos
enlazadas, 1930
• Su esquematismo,
simplicidad formal y
capacidad expresiva
mostrarán a los artistas
que eran posibles otros
modos de
representación
diferentes de los de la
tradición occidental y
constituyó una fuente
de inspiración para los
artistas.

11. • Los propios experimentos
plásticos de las diferentes
corrientes de vanguardia
supusieron un
alejamiento del arte como
“imitación de la
naturaleza” y afirmaron
la autonomía de la obra
de arte en sí misma, con
sus propios valores
expresivos y lenguaje
artístico.
• Se inspiraron en el
primitivismo y
experimentaron
expresivamente la
deformación y la
geometrización, valoraron
el vacío, utilizaron nuevos
materiales y técnicas…
incluso llegarán a la
abstracción.
Cubismo
Futurismo
Escultura
del hierro,
soldadura
Dadaísmo
Surrealismo

12. A nivel temático se produce
una auténtica renovación:
• La figura humana pierde la
omnipresencia que había
tenido.
• También se abandona el
tradicional interés narrativo
y descriptivo de la escultura,
así como la exaltación
simbólica de los tradicionales
valores heroicos, políticos,
religiosos… o su función
conmemorativa
• Desaparece el propio
concepto de la escultura
como “monumento.”
• Se irá abandonando el
concepto de la escultura
como imitación de la
naturaleza, como mímesis.
Jean Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932
Constantin
Brancusi:
Princesa X, 1915
Picasso: Guitarra, 1912

13. • El tema pasa a ser algo
secundario y se convierte en
la expresión libre de la
creatividad del autor.
• La escultura adquiere valor
expresivo por sí misma, como
formas y volúmenes
tridimensionales en el
espacio y caracterizada por
sus propios lenguaje y valores
plásticos: forma, volumen,
textura, relación con el
espacio, luz… incluso sin
referencia alguna a la
realidad.
Umberto Boccioni: Desarrollo de una botella en el espacio, 1913

14. • Se expresa por sí misma
y el tema se convierte –a
lo sumo- en un pretexto
o en una sugerencia
planteada por el artista y
que se ofrece ante el
espectador.
 En algunos casos se
inspirará en la figura
humana, otras en la
naturaleza, otras veces
en formas biomórficas
de carácter orgánico…
 En otros casos, no
existirá referencia
alguna a la realidad
exterior y se
convertirá en una
serie de formas y
volúmenes en el
espacio… la escultura
abstracta.
Henry Moore: Figura reclinada, 1938
Alberto Giacometti:
La bola suspendida,
1931
Naum Gabo.
Columna. 1923.

15. • Esta nueva escultura plantea
interrogantes al espectador y exige
de él una actitud activa, una nueva
mirada libre de los prejuicios de la
tradición clásica representativa.
• Se abrirá a nuevos temas y
significados, a la expresión libre del
escultor a través de su propio
lenguaje plástico:
 Bien su propia recreación y
reinterpretación de la realidad.
 Bien su propia expresión libre a
través de formas totalmente
desconectadas de la realidad.
• Como dijo el escultor británico Henry
Moore:
Julio González: Mujer ante el espejo, 1934
“El arte es la expresión de la
imaginación y no la imitación de
la vida.”

16. • Frente al sentido narrativo y
descriptivo, se abrirá a otros
significados más profundos,
más allá de su capacidad
representativa.
 Podrá expresar diferentes
sentimientos, en ocasiones
mucho más trascendentales
que la escultura tradicional, o
reflejar el dinamismo, la
estructura interna de las
cosas, su esencia, el mundo
del inconsciente…
 En otros casos, no tratará de
expresar sentimiento alguno y
serán solo formas plásticas
expresivas por sí mismas,
abriéndose como una
incógnita a la reflexión del
espectador, sobre la visión del
mundo y del arte por parte del
artista, sobre el propio
concepto de la obra de arte,
sobre el proceso creativo…
Julio González: Montserrat gritando, 1937
Wilhem Lehbruck: Hombre caído, 1915
Jean Arp: Lágrimas de Enak (formas
terrestres), 1917
Joan Miró: Personaje con
paragua, madera, hojas secas y
paraguas, 1931

17. También se experimentarán
profundos cambios técnicos y
materiales:
• Se abandona la esclavitud de
los materiales nobles,
tradicionalmente empleados
en la escultura, como el
mármol, la piedra y el bronce.
• Ya el propio Rodin había
valorado el barro y la escayola
tanto como los materiales más
nobles.
• Los artistas, además de los
materiales tradicionales
(piedra, mármol, bronce,
madera) experimentarán e
incorporarán los nuevos
materiales, propios del
mundo moderno y también
nuevas técnicas.
Picasso y Julio González:
Mujer en el jardín, 1929-32
(hierro y soldadura)

18. • Junto a los tradicionales materiales
(mármol, bronce) y técnicas de
modelado (tallado o fundido), se
emplearán otras, muchas propias
del mundo industrial moderno:
 Esculpido o talla directa, sin
modelados previos.
 Ensamblaje de diferentes
materiales ya existentes para
crear una nueva obra.
 El uso del hierro como material
mediante la forja, dando formas
a planchas o piezas, y la
soldadura autógena, que
permitirá unir piezas de metal,
sobre todo hierro.
 Ready-made: la conversión del
objeto cotidiano en obra de arte.
 Vaciado en cemento u
hormigón.
 Irán surgiendo también lo que
luego se llamarán Instalaciones.
Picasso: Copa de ajenjo
(bronce, cuchara, pintura),
1914
Picasso: Guitarra
(papel, cartón,
cuerdas, alambre
pintura),
1913
Julio González:
Mujer peinándose,
Hierro y
Soldadura,
1934
Raoul Hausmann:
Cabeza mecánica,
El espíritu de
nuestra era,
1919

19. • Constantin Brancusi,
inspirado por la sencillez,
primitivismo y expresividad
del arte popular rumano y el
arte africano, abandonará los
métodos tradicionales
habituales, basados en la
elaboración de un modelo,
normalmente en barro o
escayola, que luego era
trasladado al “materia noble”
mediante la talla en mármol o
fundido en bronce.
• En su lugar, experimentará la
talla directa en piedra o
madera, resaltando tanto el
valor de la propia materia
escultórica como la labor
creativa del escultor.
Constantin Brancusi: El beso, 1912

20. • Picasso, los futuristas, constructivistas, dadaístas, surrealistas combinarán diferentes
objetos y materiales, dando lugar a los llamados ensamblajes, técnica que ya había iniciado
Rodin: como en el collage, introducen fragmentos de realidad en la propia obra de arte.
• Unirán materiales diversos y objetos preexistentes, normalmente cotidianos, y a partir de
ellos crearán una nueva realidad artística mediante la que darán rienda suelta a su
creatividad.
Rodin: Desnudo femenino
de pie en un vaso, 1900
Picasso: Mandolina
y clarinete,
1913
Joan Miró:
Objeto poético,
1936

21. • Picasso, en la misma línea que sus collages en pintura, introdujo fragmentos de realidad
en sus esculturas, como cartón, cuerdas, alambre…
• Incluso llegó a incorporar en sus ensamblajes objetos de uso corriente, como una
cuchara.
Picasso; Mandolina, 1914 Picasso: Copa de absenta, 1914Picasso: Guitarra, 1912

22. • En la misma línea, los artistas futuristas como Boccioni (en su rechazo a la tradición y su
obsesión por lo moderno) o los dadaístas (rechazando todo el arte anterior), como Kurt
Schwitters en sus Merz, o Raoul Hausmann en sus ensamblajes emplearon también
objetos de la vida corriente, incluso de desecho, mezclando diferentes materiales y
mostrando que cualquier material podía emplearse para crear arte.
Kurt Schwitters: Merz con arcoiris, 1939
Umberto Boccioni: Fusión
de una cabeza y una
ventana, 1911-12.
Madera, yeso, pelo, vidrio.
Raoul Hausmann:
Cabeza mecánica,
El espíritu de
nuestra era,
ensamblaje
1919

23. • Uno de los materiales que más éxito tendrá será el hierro, pero no mediante las
tradicionales técnicas de fundición en molde, sino empleando el hierro forjado y
soldado, a través de la nueva técnica, basada en el mundo industrial, de la soldadura
autógena.
• Se emplearán fragmentos y placas de hierro recortadas y luego soldadas, dando lugar a
la llamada escultura del hierro.
Picasso: Proyecto de
monumento a
Guillaume
Apollinaire,
1929
Julio González: Cabeza
llamada “El túnel”, 1932-33
Pablo Gargallo: Máscara de Greta Garbo con
mechón, 1930

24. • Picasso y Julio
González
experimentarán por
vez primera la técnica
industrial de la
soldadura autógena,
que convertirá al
hierro forjado en uno
de los materiales
fundamentales de la
escultura.
• Mediante el empleo
de soldadores
industriales a
altísimas
temperaturas
conseguirán fundir
fragmentos o recortes
de chapa de hierro
fundido, varillas, etc.,
dando lugar a la
escultura del hierro.
Julio González: Dafne, 1937

25. Marcel Duchamp.
Fuente, 1917
Marcel Duchamp.
Rueda de
Bicicleta,
1913
• Los dadaístas, a través del ready-made convertirán en objeto artístico a cualquier
objeto cotidiano, escogido libremente por el artista o al azar, tan solo
descontextualizándolo o manipulándolo levemente, con una intención claramente
provocadora y satirizante y abriendo las puertas al arte conceptual.

26. • En su afán por lo
moderno,
incluso, algunos
artistas, como los
Constructivistas
rusos, iniciarán el
empleo de
nuevos
materiales
sintéticos, que
tanto éxito
tendrán en la
segunda mitad
del siglo, como
hace Naum Gabo
en su Columna
(1923), con acero
inoxidable y
plexiglás.
Naum Gabo. Columna. 1923.

27. Artistas como Henry Moore o Fritz Wotruba llegarán a emplear el hormigón, un
material asociado a la arquitectura moderna, para realizar sus esculturas mediante la
técnica del vaciado en moldes ya desde los años 20.
Henry Moore: Mujer reclinada, 1927

28. • Las exposiciones de ready-made dadaístas, la Habitación Proun de El-Lissitzky, al igual
que el Merzbau de Kurt Schwitters (incorporando a lo largo de su vida en las paredes de
su estudio objetos diversos y convirtiendo las habitaciones de su casa en obras de arte),
se consideran precursoras de las actuales instalaciones artísticas.
El Lissitzky: Habitación Proun, 1923
Kurt Schwitters: Merzbau, Hannover, 1923-37

29. Paralelos a los cambios temáticos, materiales y técnicos, se producirá una auténtica
renovación formal, partiendo tanto del espíritu de libertad expresiva de los artistas y
necesidad de ruptura con el pasado academicista, como de la gran influencia que ejerció el
arte primitivo.
Constantin Brancusi: Pájaro en el
espacio, El Beso, Mlle. Pogany

30. Entre los principales cambios formales cabe
destacar:
• El alejamiento de la reproducción
fidedigna de la realidad, de los cánones
clásicos antinaturalismo.
• El descubrimiento de la abstracción.
• La búsqueda de las formas esenciales y la
simplificación formal.
• La deformación.
• La descomposición y geometrización del
volumen y la forma.
• La incorporación del hueco y el vacío.
• La apertura de la escultura hacia el
espacio envolvente.
• La valoración de la luz.
• La incorporación del movimiento.
• La valoración de las cualidades expresivas
de los materiales.
• La ruptura de los tradicionales límites
entre las artes.
Hans Arp: El núcleo gigante, 1937

31. • Los escultores de la primera mitad
del siglo XX valorarán por encima
de todo su propio lenguaje
expresivo y se apartarán de la
reproducción fidedigna de la
realidad, de los cánones clásicos y
del naturalismo.
• Romperán con el concepto de la
escultura como imitación
fidedigna de la realidad.
• En su deseo de libertad expresiva
también romperán con los
conceptos clásicos de la escultura,
como el canon, el contrapposto,
la belleza ideal, la expresión
serena, las superficies
perfectamente pulidas y
homogéneas…
• Para ello, cada uno explorará
diferentes lenguajes y códigos
expresivos.
Julio González:
Hombre cactus,
1939

32. PRINCIPALES PROTAGONISTAS Y TENDENCIAS DE
LA RENOVACIÓN ESCULTÓRICA
Julio González Hans ArpPablo PicassoConstantin Brancusi
Pablo Gargallo
Henry Moore
Alexander Calder

33. • El gran renovador del lenguaje escultórico, el rumano Constantin Brancusi, sin
renunciar a la referencia a la realidad, buscará captar la esencia de las cosas, no su
apariencia externa, depurándolas al máximo, estilizándolas.
Constantin
Brancusi: El
pájaro en el
espacio, 1925.
Constantin
Brancusi:
Maiastra, 1910
Constantin Brancusi: Mademoiselle Pogany, II 1920
BRANCUSI

34. • Inspirado por la
tradición del arte
popular rumano y de
las culturas primitivas
iniciará el camino a la
depuración formal.
• En sus obras trata de
hallar las estructuras
esenciales de las
figuras, humanas o
animales, reduciéndolo
a sus formas más
esenciales.
• Experimenta cómo
penetrar más allá de la
apariencia, hasta llegar
a la esencia y alcanzar
la belleza eliminando
detalles y simplificando
al máximo las formas,
buscando formas
puras.
Constantin
Brancusi:
El pájaro,
1925.
Constantin Brancusi:
Maiastra, 1910
BRANCUSI

35. • Busca la máxima depuración formal
hasta alcanzar lo absoluto, la
máxima perfección despojada de
cualquier elemento anecdótico,
llegando a un sintetismo de aspecto
primitivo.
• Aspira a una belleza pura y
espiritual, que suele expresar a
través de sus figuras favoritas (el
pájaro, el huevo, las cabezas
femeninas…), reducidas a sus formas
más elementales, empleando
habitualmente para ello volúmenes
cerrados.
Mademoiselle
Pogany II- 1920
BRANCUSI
Constantin Brancusi: Musa dormida, 1913

36. las cualidades expresivas de los materiales y del acabado, así como el contraste entre
las superficies (algunas cuidadosamente pulidas, otras con texturas rugosas),
empleando el non finito y los contrastes de materiales, incorporando a veces la peana a
la propia escultura y experimentando con el primitivismo de la talla directa.
Constantin Brancusi: Princesa X (1915), Maiastra (1911) y El beso (1907)
BRANCUSI
• Frente a los tradicionales acabados uniformes y pulidos, Brancusi explotará

37. • Numerosos escultores posteriores explotarán esta valoración expresiva de la materia
escultórica, que ya había iniciado Rodin, y que comenzará a experimentar Brancusi.
Henry Moore: Figura reclinada
BRANCUSI

38. • Los escultores
expresionistas
descubren
(siguiendo en parte
la herencia de
Rodin) las
posibilidades
expresivas de la
deformación y la
distorsión
anatómica y de las
formas y el valor
del gesto para
expresar su visión
angustiosa de la
realidad.
• Emplearán la
deformación y el
propio tratamiento
de los materiales
como elemento
expresivo.
Wilhem Lehbruck: Hombre caído, 1915
Wilhem Lehbruck:
Juventud sentada, 1917
Wilhem Lehbruck:
Busto de la juventud
ascendente, 1914
LA ESCULTURA EXPRESIONISTA

39. • Este uso
expresivo de la
deformación,
trascenderá al
movimiento
expresionista y
será algo
habitual en la
expresión
escultórica en
los turbulentos
tiempos del
siglo XX.
• Los escultores,
empleando
diferentes
lenguajes
plásticos,
distorsionarán
las formas para
incrementar su
fuerza
expresiva.
Pablo Gargallo:
Gran Profeta,
1933
Henry Moore: Figura reclinada, 1939
Alberto
Giacometti:
Busto de
mujer,
1947
Julio
González:
Montserrat
gritando,
1937
LA ESCULTURA EXPRESIONISTA

40. • Frente al naturalismo clasicista,
las formas se descomponen
geométricamente, se
fragmentan como si se realizasen
desde diferentes puntos de vista,
superponiéndose los planos,
como la visión simultánea de la
pintura.
• Como en la pintura, el objeto se
fragmenta y se sustituye por
planos y volúmenes geométricos
que se yuxtaponen: formas
cóncavas y convexas, como las
facetas en pintura, crean el
objeto escultórico.
• Los efectos de luces y sombras a
partir de esos volúmenes
adquirirán valor como parte
esencial del lenguaje escultórico. Picasso: Cabeza de mujer, Fernande, 1909
Jacques Lipchitz: Bañista III, 1917
EL CUBISMO
• Los escultores cubistas, como Picasso, Jacques Lipchitz o Alexander
Archipenko tratan de llevar a la escultura los hallazgos de la
pintura.

41. • Siguiendo (aunque de un modo radicalmente distinto) el camino iniciado por
Rodin, los escultores cubistas valorarán los efectos lumínicos.
Pablo Gargallo:
Homenaje a
Chagall, 1933
EL CUBISMO
• Los juegos y contrastes de luz y sombra generados entre espacios vacíos y de masa
escultórica, los efectos de la luz a través de los planos y superficies se convierten en
elementos plásticos fundamentales de la obra escultórica.
Henry Laurens: Mujer con abanico, 1919
Otto Gutfreund:
Busto cubista,
1912-13

42. • También valorarán,
por encima del
reflejo de la
realidad visible, su
propia visión,
destacando los
volúmenes, el
contraste entre
espacios vacíos y
llenos, entre el
hueco y la masa…
• Serán algunos de
los iniciadores en
experimentar
nuevas técnicas y
materiales, como el
ensamblaje y la
introducción de
materiales
cotidianos de uso
corriente.
EL CUBISMO
Jacques Lipchitz: Mujer
reclinada con guitarra, 1928
Jacques Lipchitz:
Marinero con
guitarra, 1917
Picasso:
Guitarra,
1912

43. • Otro de los principales
hallazgos de los escultores
cubistas es el
descubrimiento del valor
expresivo del hueco, del
vacío.
• Su iniciador fue Alexander
Archipenko, que fragmenta
y cuartea el volumen de la
masa escultórica para
penetrar en las formas de
las figuras mediante el
hueco, explotando sus
posibilidades expresivas.
• La escultura, que era el arte
de ocupar el espacio con un
volumen de un
determinado material,
ahora concede también
importancia al vacío, al
hueco, como al silencio en
la música.
Alexander Archipenko: Mujer caminando, 1912 Alexander Archipenko:Sin título, 1912
EL CUBISMO

44. • El hueco y la masa
escultórica se
relacionarán
dinámicamente, se
interpenetrarán.
• El espacio vacío
penetra en la propia
obra escultórica,
rompiéndose los
límites tradicionales
entre la escultura y
el espacio que la
rodea.
• El hueco adquirirá en
adelante tanto valor
plástico y expresivo
como la materia
escultórica y será un
elemento empleado
por gran parte de los
escultores
posteriores.
Pablo
Gargallo:
Gran
Profeta,
1933
Jacques Lipchitz: Mujer reclinada con guitarra, 1928
Henry Moore: Figura reclinada, 1938
EL CUBISMO

45. • Serán Picasso y su amigo Julio Gónzalez, que había aprendido la técnica de la soldadura
autógena trabajando como soldador en una fábrica de automóviles, los iniciadores de
esta técnica, en la que destacarán también otros artistas españoles, como Pablo Gargallo.
Julio González:
Mujer
peinándose
ante el
espejo,
1934
Pablo Gargallo:
Gran Bailarina,
1929
Pablo Gargallo:
Gran Profeta,
1933
• Vinculada en parte a los experimentos cubistas surgirá
a finales de los años 20 la llamada escultura del hierro.
LA ESCULTURA DEL HIERRO

46. • El hierro era un material
característico del mundo
industrial y militar moderno,
pero no se empleaba apenas
en el mundo del arte.
• Julio González, tras
experimentar con Picasso las
posibilidades del uso del
hierro mediante la soldadura
autógena, se convertirá en el
principal representante de
esta tendencia.
• Será el primero en utilizar el
hierro de forma sistemática,
lo que le permitirá explotar al
máximo la descomposición
formal en planos y el juego
de espacios compactos y
vacíos iniciado por el
cubismo, mediante la técnica
de la soldadura autógena.
LA ESCULTURA DEL HIERRO
Julio González: Mujer
peinándose ante el
espejo,
1934

47. LA ESCULTURA DEL HIERRO
• Parte de
planteamientos
cubistas pero llega
prácticamente a la
abstracción.
• Experimenta con los
juegos de planos y con
la geometrización de
las formas, así como
con los contrastes entre
el vacío y la masa.
• Llega a entender la
escultura como la
fusión expresiva entre
la materia y el espacio,
con el juego entre lo
vacío y lo lleno, que él
definía con la idea de
'dibujar en el espacio'.
• Sus esculturas suelen tender a la máxima estilización y
esquematización, soldando planos de chapa de hierro
junto con delgadas varillas metálicas, de aspecto filiforme.
Julio
González:
Hombre
cáctus I,
1939
Julio González: Cabeza conocida
como “El Túnel”, 1933-34

48. LA ESCULTURA DEL HIERRO
• Pablo Gargallo trabajará sobre
todo con el metal y,
especialmente, con chapas de
hierro dándoles formas
cubistas, aprovechando los
espacios vacíos, las aristas,
dotándolas de gran fuerza.
• Une la estética de la
descomposición de planos
cubista a una gran fuerza
expresiva.
• Experimentará magistralmente
el efecto expresivo del hueco
en la escultura, utilizando el
espacio vacío como un
elemento constitutivo y
expresivo de su escultura.
• Con cartones diseñaba los
recortes de las planchas de
hierro, que luego soldaba para
dar lugar a sus formas.
Pablo Gargallo:
Gran Bailarina,
1929
Pablo Gargallo:
Máscara de
Greta Garbo con
mechón, 1930
Pablo Gargallo:
Autorretrato,
1927

49. LA ESCULTURA DEL HIERRO
• Su obra más conocida es El Gran
Profeta, fundida en bronce.
• En ella el espacio se convierte en
elemento constitutivo
fundamental de la obra.
• Sus formas parecen derivarse del
cubismo, pero interpretado con un
lenguaje profundamente
expresionista.
• Combina lo positivo y lo negativo,
la masa y el hueco, lo cóncavo y lo
convexo, creando multiplicidad de
planos, volúmenes y
contravolúmenes en un lenguaje
cubista, pero sirviéndose del
espacio interno, con una enorme
expresividad.
• Sus huecos, aristas y formas
curvadas sugieren músculos, rasgos
faciales, volumen y le dotan de una
enorme fuerza interior.
Pablo Gargallo:
El Gran Profeta,
1933

50. Umberto
Boccioni:
Guerrero con
lanza, 1915
Umberto Boccioni: Formas
únicas de continuidad en el
espacio, 1913
• Los artistas futuristas, como Umberto Boccioni, en gran medida a partir de los hallazgos
plásticos cubistas, procederán a disolver y descomponer las formas para acentuar los
valores de velocidad, ímpetu y dinamismo, como ejemplo del nuevo arte acorde con
los tiempos modernos que propugnan.
EL FUTURISMO

51. • Emplearán líneas
dinámicas de fuerza o
descompondrán las
superficies y los
volúmenes para tratar
de representar
posiciones sucesivas de
una figura.
• Llegarán a incorporar el
movimiento en la
escultura, mediante
formas y volúmenes
abiertos, que generan
formas de continuidad
en el espacio,
posiciones sucesivas en
las que la figura
“conquista” fragmentos
de espacio.
• Las formas se diluyen
por efecto del
movimiento.
Umberto
Boccioni:
Formas únicas
de continuidad
en el espacio,
1913
EL FUTURISMO

52. • También, en su rechazo a todo el pasado artístico anterior, que
consideraban obsoleto, experimentaron con todo tipo de materiales,
realizando ensamblajes, como habían hecho los artistas cubistas.
EL FUTURISMO
Umberto Boccioni: Cabeza+ Casa +Luz, ensamblaje, 1912Umberto Boccioni: Fusión de cabeza y ventana, 1912

53. • Los artistas del
Constructivismo ruso,
buscando un nuevo arte
moderno y utilitario para la
nueva sociedad
postrevolucionaria y
totalmente alejado de la
tradición, romperán con
cualquier referencia con la
realidad externa y darán lugar
a la escultura abstracta.
Vladimir Tatlin: Contrarrelieve en
esquina, 1914
El Lisittzsky: Habitación Proun, 1923
EL CONSTRUCTIVISMO

54. • Emplearán un lenguaje
básicamente geométrico y en
sus primeras esculturas
abstractas incorporarán
materiales del mundo industrial
y moderno, incluso sintéticos.
• Con ellos llega el alejamiento
máximo de cualquier referencia
con la realidad y la liberación
total de la escultura respecto de
la realidad.
Antoine Pevsner: Proyección en el espacio, 1924
Vladimir Tatlin:
Contrarrelieve de
esquina,
1914-15
EL CONSTRUCTIVISMO
Naum Gabo:
Columna. 1923.

55. • Mediante sus
esculturas-máquina,
consistentes en
delgadas láminas de
metal que oscilaban
movidas por
pequeños motores,
consiguieron añadir
una dimensión de
cambio y tiempo a la
escultura.
• En la Bauhaus, László
Moholy-Nagy
también
experimento con el
movimiento y la luz
en su famoso Light
space Modulator.
• También serán pioneros en la incorporación del propio
movimiento en la escultura, siendo precursores de la llamada
escultura cinética.
Naum Gabo. Construcción
cinética, 1920
László Moholy-Nagy:
Light space Modulator,
1930
EL CONSTRUCTIVISMO

56. • Si los cubistas incorporaron
el espacio en la escultura,
los constructivistas rusos
abren y expanden la
escultura hacia el espacio
que la envuelve,
fundiéndola con su
entorno y ampliándose
hacia él mediante el
desarrollo de las
superficies en el espacio.
• A partir de formas
geométricas básicas (como
la espiral), las desarrollan
en tres dimensiones que
hacen visible su expansión
hacia el espacio
• La escultura se lanza hacia
la conquista del espacio.
• Las diferencias entre
escultura y ambiente se
difuminan.
EL CONSTRUCTIVISMO

57. Marcel Duchamp.
Fuente, 1917• El dadaísmo, a través de los
ready-made de Marcel
Duchamp, de los ensamblajes, o
de los Merz de Kurt Schwitters,
convertirá cualquier objeto
cotidiano en obra de arte,
incluso elaborados con material
de desecho.
• Ya no hay tema alguno, tan solo
el propio objeto creado o
escogido por el artista, que no
refleja ninguna narración o
descripción de la realidad, pues
es la propia realidad
transformada en arte.
• Tampoco pretenden transmitir
emoción o sentimiento alguno,
sino tan solo expresar una burla
satírica sobre el arte y provocar
una reflexión sobre el sentido
del arte y de la creación
artística. Kurt Schwitters, 1921
Merz Picture 46 A Skittle Picture Raoul Hausmann: Cabeza mecánica,
El espíritu de nuestra era, 1919
EL DADAÍSMO

58. • Los experimentos que
desarrollarán los artistas
cubistas, futuristas,
dadaístas… integrando
formas tridimensionales
y superficies pictóricas a
través de sus
ensamblajes,
pictoesculturas, objetos
surrealistas… supondrán
una ruptura entre los
límites de las artes, en
busca de una obra de
arte integral.
• Ya no existe un lenguaje
separado, sino que es la
propia libertad del
artista la que escoge el
lenguaje expresivo, que
podrá integrar el
vocabulario de
diferentes formas de
expresión artística. Jean Arp: Flor martillo, 1916
EL DADAÍSMO

59. • Los relieves coloreados
de Jean Arp o los Merz de
Kurt Schwitters son un
ejemplo del uso de este
lenguaje integrado.
• Incluso algunos de los
experimentos, como la
Merzbau de Kurt
Schwitters , llegarán a
integrar al espectador en
un entorno global, que
considera las posibilidades
expresivas de la
arquitectura, la escultura y
la pintura e integrando de
modo activo al espectador
en el ambiente,
preludiando las
instalaciones que tanto
éxito tendrán desde los
años 60.
Kurt Schwitters: Merz y Merzbau
EL DADAÍSMO

60. • Los surrealistas extrajeron sus
temas del mundo del
inconsciente y de los sueños.
• Para ello, a través de sus
objetos surrealistas,
ensamblando objetos de uso
corriente o
descontextualizándolos crearán
asociaciones insólitas y de
carácter delirante, mediante los
que tratarán de explotar las
posibilidades creativas del
inconsciente libre de las
ataduras de la razón.
Dalí: Busto de mujer retrospectivo, 1933
EL SURREALISMO
Meret Oppenheim: Juego de desayuno en piel, 1936

61. • Otros artistas, como Alberto Giacometti, realizarán esculturas que se inspiran libremente
en sus propias visiones y obsesiones internas.
• Posteriormente, desde los años 50, acentuará la deformación de carácter expresivo, con
esculturas que se convertirán en símbolos del ser humano en el siglo XX, como dijo Sartre
“a mitad del camino entre el ser y la nada”. Habitualmente empleará un lenguaje
figurativo.
Alberto Giacometti: Mesa
surrealista, 1933
Alberto Giacometti: El hombre
que se tambalea, 1950
EL SURREALISMO
Alberto Giacometti:
El hombre que camina,
1961

62. EL SURREALISMO• En otras ocasiones, emplea un
lenguaje simbólico, próximo a la
abstracción, pero con el que
también pretende mostrar las
posibilidades creativas del
inconsciente.
• Con esta obra “móvil”,
Giacometti aborda los temas del
deseo y de la frustración por no
alcanzarlo, con un cierto
componente sexual: el tema del
deseo insatisfecho.
• Consiste en una bola con una
arista inferior suspendida sobre
una cuña que el espectador
desea (pero no puede) balancear
completamente sobre la cuña,
dado que la longitud de la cuerda
no lo permite.
• Es un objeto de funcionamiento
simbólico-automático en el que
introduce el movimiento en la
escultura.
Alberto Giacometti: La bola suspendida, 1931

63. • Miró, en sus esculturas, reflejará ese mundo onírico e infantil tan característico, de
formas simples de aspecto biomórfico, incorporando incluso el color.
Joan Miró: Pájaro lunar, 1946
EL SURREALISMO
Joan Miró: La caricia de un pájaro, 1967

64. • Otros artistas -sin duda
influidos por el dadaísmo y el
surrealismo- encontrarán su
inspiración en la naturaleza,
pero no imitándola al modo
tradicional ysugiriendo una
apariencia de realidad visual.
• Por el contrario, se
inspirarán en el potencial
creativo de la propia
naturaleza y en sus formas
de aspecto orgánico,
curvadas y sinuosas, dando
lugar a la llamada escultura
biomórfica.
• Algunos de ellos emplearán
un lenguaje semiabstracto,
pero alejado del
geometrismo, con formas
redondeadas de carácter
orgánico, como surgidas de
la propia naturaleza.
Hans Arp: Concreción humana
(Torso-fruta), 1934
Hans Arp: Concreción humana en corte,
1935
LA ESCULTURA BIOMÓRFICA

65. • Jean Arp (procedente del dadaísmo e
inspirado en las formas surrealistas de
artistas como Yves Tanguy) será el
iniciador de este tipo de formas en la
escultura, aludiendo con ello a la
relación que –a su juicio- se establecía
entre la pura creatividad artística y las
formas que surgen de la propia
capacidad creadora de la naturaleza.
“No queremos imitar a la naturaleza, no queremos recrear, queremos crear, queremos
crear, como la planta crea su fruto, y no recrear, queremos crear directa y no
indirectamente.” Hans Arp
Hans Arp: Corona de capullos, 1936
Hans Arp: Concreción huana, 1935
LA ESCULTURA BIOMÓRFICA

66. • También el artista británico Henry Moore se inspirará en este tipo de formas biomórficas,
aunque vuelve sus ojos especialmente a la figura humana (Figuras reclinadas, Grupos de
familia, Madre e Hijo).
• La trata de un modo estilizado y simplificado, mediante líneas curvas, deformándola
habitualmente a través de juegos de huecos y rotundos volúmenes, y contemplándola
desde múltiples puntos de vista, valorando las cualidades de los materiales.
Henry Moore: Figura reclinada, 1938
LA ESCULTURA BIOMÓRFICA

67. • Se inspirará en las
figuras del arte
mesoamericano, del
arte griego de las islas
Cícladas (3000-2000 a.
C.), en la escultura
sumeria y en los
tótems de culturas del
Pacífico y América.
• Son habituales los
perfiles curvos, las
formas ondulantes, los
juegos entre la masa
escultórica y los
espacios vacíos, las
composiciones
cerradas, estilizando al
máximo las formas,
incluso
fragmentándolas, y
renunciando en
ocasiones a la
figuración. Henry Moore: Grupo familiar, 1950
Henry Moore: Figura
reclinada, 1938
Arte cicládico: Arpista adulto
2300-2100 a. C.
Chac Mool.
Escultura tolteca
Siglos X-XX
LA ESCULTURA BIOMÓRFICA

68. • Sus figuras se irán
progresivamente
estilizando,
deformando y
descomponiendo,
al concebirse desde
múltiples puntos
de vista, e
incorporarán el
hueco y el espacio
vacío.
• Su expresividad se
verá reforzada
mediante esos
contrastes
hueco/lleno,
cóncavo/convexo,
materia/vacío,
independientemen
te de su potencial
relación con la
realidad.
1929
1938
1951
1970
1954
1934
LA ESCULTURA BIOMÓRFICA

69. • El norteamericano Alexander Calder, por el contrario, empleará un lenguaje
básicamente abstracto, tras sus esculturas iniciales realizadas de modo muy estilizado
con delgados alambres.
• En sus conocidas esculturas cinéticas, empleará como material el metal coloreado
(hierro, aluminio…), recortado en formas simples, muchas veces de aspecto orgánico,
percibiéndose la influencia de los constructivistas rusos, de Jean Arp o Miró y del
neoplasticismo.
Alexander Calder: Pez de acero, 1934
ALEXANDER CALDER
Alexander Calder:
Josephine Baker,
1927

70. • Aplicó sus conocimientos de
ingeniería a los objetos y así
consiguió una escultura que se
moviese, convirtiéndose en el
más conocido representante
de la escultura cinética.
• Realizó sus móviles con chapas
planas de acero o aluminio
coloreadas con colores planos,
de formas abstractas, unidas
mediante ligeras varillas
metálicas y que se mueven por
las propias corrientes de aire
al azar.
• La escultura ya no es una masa
sólida sobre un pedestal, sino
que cuelga del techo o se
equilibra sobre el soporte,
conformando delicadas líneas
y formas en el espacio.
• Combina la escultura en metal,
la abstracción y el movimiento
ALEXANDER CALDER
Alexander Calder: Pluma azul, 1948
Alexander Calder: Boomerangs, 1941

71. • Sus móviles, habitualmente
suspendidos del techo, generan
diferentes variaciones en función
de las corrientes de aire, en una
especie de coreografía efímera.
• Crea un arte en movimiento, que
se abre al espacio y cuyas formas
planas recrean el volumen
mediante el movimiento de las
piezas que las componen.
• El movimiento suave al azar
recrea cada vez posiciones
distintas en la escultura, llegando
a jugar también con las propias
sombras que genera.
Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939
ALEXANDER CALDER

72. • Estas innovaciones en la escultura generadas en la primera mitad del siglo XX sentarán
gran parte de las bases del lenguaje formal de los artistas plásticos posteriores, desde
la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad.
Anish Kapoor: Puerta de las nubes, 2004-6Eduardo Chillida: El peine del viento, 1977
Ai Weiwei: Forever. Instalación con bicicletas, 2003
Richard Serra:
Serpiente,
1994-97