El david de miguel angel

Ana Galván Romarate-Zabala Historia del Arte 2º Bachillerato

COMENTARIO DE IMÁGENES: EL DAVID DE MIGUEL
ÁNGEL (RENACIMIENTO)

“Ahora comprendemos mejor el porqué un arte preocupado principalmente por la figura humana deba atender
ante todo al desnudo, así como la razón de que éste haya constituido el problema más apasionante del arte
clásico de todas las épocas. No sólo es el mejor vehículo transmisor de todo aquello que el arte corrobora y
acreciente de manera inmediata el sentido de la vida, sino que es también en sí mismo el objeto más
significante del mundo de los hombres. El primero en comprender plenamente, desde la gran época de la
escultura griega, la identidad del desnudo con el gran arte figurativo, fue Miguel Ángel. Antes de él, había sido
estudiado con miras científicas, como un recurso para plasmar la figura envuelta en ropajes. Miguel Ángel vio
que entrañaba un fin en sí mismo e hizo del desnudo la suprema finalidad de su arte. Para él, arte y desnudo
eran sinónimos. En ello reside el secreto de sus triunfos y sus fracasos.”

B. Berenson: Los pintores italianos del Renacimiento, Barcelona, 1954, pág. 85.

1


I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra la deslumbrante escultura del David de Miguel Ángel.
El AUTOR es el florentino MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564).
Renacentista del Cinquecento, este polifacético artista tuvo a la escultura como su
arte predilecta aunque también destacó como pintor, arquitecto y poeta. En su
tiempo alcanzó un gran prestigio y sus obras, incluso las inacabadas, fueron
durante siglos fuente de inspiración para los artistas. Nacido en el pueblo toscano
deCaprese en 1475, procedente de una familia culta de noble abolengo, se formó
en Florencia. Desde muy joven quiso ser artista. De temperamento irascible 1
poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que están llenas de fuerza y dramatismo.
Su precoz habilidad para dibujar le llevó a los trece años al taller de Ghirlandaio y a “la academia del
jardín” de los Médici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos por Lorenzo el Magnífico,
que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo de Medici fue su mecenas en sus primeros años
y en Roma lo sería el Papa Julio II para quien realizaría las pinturas de la capilla Sixtina del Vaticano.
Su producción artística engloba las más diversas artes desde el diseño arquitectónico y el
urbanismo –cúpula de San Pedro del Vaticano, plaza del Capitolio de Roma- hasta la pintura2 –
capilla Sixtina -la poesía, o la escultura, en la que descollará tanto en obras de temática profana
como religiosa. Como escultor, no está sujeto a un único estilo: bascula entre un clasicismo un tanto
heterodoxo hasta el manierismo anticlásico que preludia el barroco. Así podemos destacar en su
etapa de formación el relieve la Virgen de la Escalera, que muestra influencias de Donatello; de su
etapa romana de fines del siglo XV e inicios del XVI descuella su clasicista Piedad que hemos de
poner en relación con su David, realizado poco después y finalmente, en su etapa de madurez,
varios proyectos como el Moisés, las tumbas deGiuliano y Lorenzo de Medici o sus últimas
versiones del tema de la Piedad, en especial la Rondanini, antecedente del expresionismo del arte
de vanguardia del siglo XX.

-Desde el siglo XIX (1873) esta escultura se conserva en el MUSEO Galería de la Academia de
Florencia (Italia) aunque durante siglos estuvo expuesto en la plaza de la Signoria de esta ciudad,
justo enfrente del palacio Vecchio, edificio que albergaba el poder político de la ciudad. Hoy en esta
plaza se alza una réplica de esta célebre escultura.

-CRONOLÓGICAMENTE esta estatua está fechada en los años 1502-1504y pertenece por tanto al
Cinquecento. Estilísticamente es una obra plenamente renacentista.
-Por lo que se refiere a los COMITENTES de esta obra fueron las autoridades de la república de
Florencia, ligados a la catedral de Florencia y al poderoso gremio del Arte de la Lana. En realidad,
este proyecto artístico formaba parte de uno mucho más complejo que consistía en la elaboración de
12 esculturas de personajes del Antiguo Testamento sobre los contrafuertes exteriores del ábside de
la catedral Santa María de las Flores. Para realizar la estatua de una de los personajes, el rey David,
las autoridades dispusieron un gigantesco bloque de mármol de Carrara. En 1464 le encargaron al
escultor Agostino di Duccio su elaboración pero ante la enorme dificultad de esta empresa
renunció, como también renunciaría Antonio Rossellino. Finalmente, las autoridades florentinas
encargaron en 1501 esta escultura a Miguel Ángel que asumió el reto y en tan sólo dos años realizó
el David, sin duda una de sus obras maestras. Se expuso por primera vez al público el 8 de
septiembre de 1504.

1
Sus circunstancias familiares, políticas y sociales entorpecieron de continuo su labor, teniendo problemas con artistas y mecenas. Así
por ejemplo, su fuerte temperamento se hizo evidente en su relación amor-odio con el papa Julio II. Por lo demás, en su juventud, una
pelea con el escultor Pietro Torrigiani acabó con la rotura de nariz de Miguel Ángel.
2
Fundamentalmente se consideraba un escultor y ese carácter escultórico se aprecia en su pintura. Su maestro en la Academia del
Jardín de los Medici fue Bertoldo, un escultor discípulo de Donatello.
2


-Realizada utilizando un solo bloque MARMÓREO, largo, gigantesco y estrecho, esta escultura de
BULTO REDONDO mide más de 5 metros y pesa 5.5 toneladas. Cuando se realizó la obra contenía
aplicaciones de oro, hoy perdidas, en algunas partes de la escultura como la base de la misma.

-El TEMA que muestra esta escultura es de carácter ¿religioso? En principio así parece ya que
representa a una figura histórica y mítica extraída del Antiguo Testamento, al heroico rey de Israel,
David3. Este personaje fue pastor en su juventud y tras vencer a su enemigo Goliat, fue proclamado
rey del pueblo de Israel. Fue un valeroso guerrero, músico y poeta. En el cristianismo es venerado
como un santo y de su estirpe desciende, según el evangelio de San Mateo, San José, padre
putativo de Jesús.4
-Los ANTECEDENTES de este tema en el arte son abundantes. Durante la Edad Media,
iconográficamente a David se le representa como un rey con su corona, tocando el arpa o la lira.
Así lo encontramos en pinturas, ilustraciones y esculturas (relieves).En el Renacimiento, en cambio,
los escultores como Donatello o Verrochio lo esculpen como un bello adolescente, de anatomía
frágil y serena expresividad. Presentan ya como símbolos arquetípicos del rey David, la espada y la
cabeza del gigante Goliat. Por su parte, Miguel Ángel innova absolutamente a la hora de tratar a
este mítico personaje. Lo representa como un héroe, un joven atlético de inspiración clásica,
totalmente desnudo y sin más atributo identificativo de su condición de rey David que su mítica
honda. De hecho, este escultor elige el momento en el que se está preparando para lanzar su arma
contra su enemigo 5. Con Miguel Ángel, el rey David, bajo el influjo neoplatónico 6, trasciende su
significación religiosa, se convirtió más allá de su lectura bíblica, en un emblema del poder de la
inteligencia sobre la fuerza bruta y en un símbolo de afirmación de la república florentina. Es una
obra de transcendencia política. Las propias palabras de Miguel Ángel al acabar la escultura
confirmaron este simbolismo: “Como David ha defendido a su pueblo, así quien gobierna Florencia
debe justamente defenderla y gobernarla con justicia “. Recordemos que esta escultura se realiza
poco después de haber sido expulsados los Medici del gobierno de la ciudad y con el temor a su
vuelta y al expansionismo de Roma y de los Estados Pontificios que preconizaba el Papa Borgia
Alejandro VI. Por lo demás, hay que recordar que Miguel Ángel realizó a inicios del siglo XVI “otro”
David, hoy perdido, llamado el David de Rohan, realizado en bronce, y del cual se conserva un
dibujo en el Louvre. También lo esculpió como símbolo de la república florentina.
-Aparte de los antecedentes quattrocentistas que encontramos en esta escultura, hay que destacar
el influjo y la fuente de inspiración esencial que fue para Miguel Ángel la estatuaria clásica7, como
por ejemplo, el Apolo de Belvedere, una escultura helenística conocida por una copia romana8. El
ideal grecorromano de belleza y perfección anatómica, se hacen bien presentes en esta obra. De
hecho, el tratamiento que da a esta figura desde el punto de vista formal y técnico es el propio de
una obra mitológica entendida en un sentido clásico. Pero ¡non troppo! Miguel Ángel es un clásico
“heterodoxo”, que se aleja de las proporciones matemáticas y opta por sobredimensionar la cabeza
y una de las manos. 9 El canon, de enormes proporciones, propicia la monumentalidad, el
gigantismo de esta obra, un rasgo habitual en sus esculturas. Un intenso dramatismo, la energía
concentrada amenazadora, la denominada terribilità tan característica de sus obras, la encontramos

3
Fue rey de Israel en el siglo X a de C.
4
También es una figura esencial para el judaísmo.
5
Hay estudiosos de la obra que consideran que está representado después de haber vencido a Goliat.
6
Los neoplatónicos trataban de aunar el paganismo de la cultura grecorromana con el cristianismo.
7
Hay que señalar que cuando esculpió el David, el Laocoonte una obra helenística que marcó su producción artística, todavía no
había sido descubierta esta escultura ya que este hecho ocurrió en 1506. Para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo fue
una verdadera revelación.
8
Hoy en los Museos Vaticanos.
9
Recordemos que la ubicación prevista de la estatua iba a ser el ábside de la catedral, elevada unos 12 metros sobre el nivel del suelo.
Tal vez por ello Miguel Ángel exagera el tamaño de la cabeza y las manos, para que sean mejor percibidas por el observador.
3


ya en el David. El detallismo en el estudio anatómico es impresionante ya que capta con todo
detalle las venas, los tendones, los músculos, incluso los huesos. La presencia de la honda sobre el
hombro izquierdo mientras la otra mano desaparece por la espalda en busca del otro extremo del
arma, tensa todo el cuerpo. La posición de sus manos y de su cuerpo nos revela que era zurdo.
Huye de la frontalidad, y muestra un ligero contraposto, con el cuerpo dispuesto en zig-zag. La
pierna derecha se apoya sobre un pequeño tronco de árbol, mientras flexiona la otra pierna, más
tensa. El rostro es muy expresivo, con el ceño fruncido y la cabeza girada, buscando tal vez a Goliat.
La tensión se refleja también en los labios mordidos y en los ojos muy abiertos, con una mirada
desafiante, retadora y altiva. Esta tensión compositiva y expresiva rompe el ideal de armonía y
equilibrio, como se aprecia hasta en el cabello, con volumen y juego de luces y sombras, revuelto y
maravillosamente trabajado a trépano.
-La FUNCIÓN o FINALIDAD en un principio era religiosa y decorativa, puesto que en el objetivo
era situar esta escultura en el exterior de la catedral de Santa María de las Flores junto con otras
imágenes de personajes representativos del Antiguo Testamento. Pero una vez realizada la obra, los
comitentes consideraron que esa ubicación no era adecuada y nombraron una comisión ciudadana
en la que se encontraban artistas tan prestigiosos como Botticelli o Leonardo da Vinci que decidieron
que el lugar idóneo era la Loggia dei Lanzi, una zona porticada en la propia plaza de la Signoria.
Miguel Ángel se opuso y al final triunfó su criterio: su David se alzaría, altivo y victorioso, como un
nuevo Hércules sacro y pagano a un tiempo, en el corazón de la ciudad, en la plaza de la Signoria,
frente al palacio Vecchio. Finalmente, lo que iba a ser una obra religiosa, se acabó convirtiendo por
mor de los acontecimientos y la voluntad del artista, en todo un símbolo político a mayor gloria de
Florencia frente a sus enemigos.10 En su ubicación original, la mirada implacable de David se dirigía
directamente a Roma como nuevo Goliat. En cambio, en el museo de la Accademia, mira hacia una
columna.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras
esculturas del Miguel Ángel, en concreto con su proyecto inacabado más ambicioso: el sepulcro del
papa Julio II. De este proyecto destaca el Moisés, obra capital de fuerza contenida. Asimismo, los
sepulcros de Giuliano y Lorenzo de la poderosa familia Medici en la iglesia de San Lorenzo de
Florencia, realizados entre los años 1520-34. En este conjunto escultórico destacan las figuras
alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo y la Aurora, entendidas como robustos cuerpos
desnudos. La tensión, la expresividad y el estudio anatómico anticlásico nos señalan el carácter
manierista de estas estatuas. Tampoco debemos olvidar en su producción escultórica la clasicista
Piedad del Vaticano (1495) y otras versiones, mucho más atormentadas de este tema, como la que
se conserva en la catedral de Florencia o la Rondanini, apenas esbozada.
-Por otro lado, la magnitud del genio de Miguel Ángel ensombrece al resto de los escultores
coetáneos de la época aunque hay autores muy relevantes, que muestran influencia
miguelangelescas como los manieristas Baccio Bandinelli- autor de un Hércules y Caco–
Ammanati y su fuente de Neptuno-, Benvenuto Cellini, orfebre extraordinario y maravilloso
fundidor –destaca su Perseo- y Juan de Bolonia11, portentoso artista que tuvo un enorme éxito
europeo.12

10
Fue interpretada como un desafío a la política expansionista de los Borgia (Estados Pontificios) que deseaban someter a toda Italia,
incluyendo Florencia, bajo el poder del Papado. Los Medici exiliados en Roma colaboraban a ello. Y también Luis XII, rey de Francia.
Sus campañas sembraron el terror de Milán a Capua. y Roma por un lado y al poder creciente de los Medici exiliados por otro, que
intrigaban por establecerse de nuevo en el poder.
11
En italiano Giambologna.
12
Juan de Bolonia realizó bronces de refinada perfección como el Mercurio del Museo Bargello de Florencia. Este autor marca ya la
transición hacia el arte barroco.

4


-Sobre Benvenuto Cellini conviene destacar que su Perseo degollando a Medusa (1554) que se
alza en la Loggia dei Lanzi de la plaza de la Signoria de Florencia es el contrapunto al David puesto
que simboliza la vuelta al poder de los Medici en la persona del duque Cosme I y su triunfo sobre
sus oponentes republicanos.

-Los escultores manieristas españoles también acusan la influencia de Miguel Ángel: Alonso
Berruguete –quien se educó en Italia y conoció personalmente a Miguel Angel- o Juan de Juni.
-En el siglo XVII, ligado al estilo barroco, la influencia de Miguel Ángel es omnipresente. Se hace
especialmente evidente en las esculturas del máximo escultor de esta etapa: el napolitano Gian
Lorenzo Bernini. La huella miguelangelesca con la pasión por la expresividad, dinamismo y cierta
terribilità contenida se aprecian en sus grandiosos David, Apolo y Dafne o el rapto de las Sabinas
todas ellas conservadas en el imprescindible museo romano Galería Borghese.
-Y entre muchísimos más autores que esculpen bajo la influencia de Miguel Ángel, no podemos
dejar de citar al gran escultor francés “impresionista”, Auguste Rodin, que unirá a la influencia de
Miguel Ángel, la de Bernini en su grandiosa producción (el pensador, el beso, etc.).

-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA de esta obra viene dada, en primer lugar, porque es una obra
maestra, emblema del Renacimiento y porque es un símbolo de Italia en general y de Florencia en
particular.13

-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN de esta escultura hay que señalar que fue restaurada en
el año 2004 y que su estado era muy delicado. Hemos de recordar que esta escultura ha sufrido
durante siglos las inclemencias del tiempo, al estar situada al aire libre, además de todo tipo de
avatares: el efecto de un rayo sobre la base, la rotura de uno de los brazos durante una revuelta, y
los efectos dañinos de una restauración del siglo XIX realizada con ácido clorhídrico que destruyó la
capa de cera que lo protegía.14

-En CONCLUSIÓN, esta obra maestra de Miguel Ángel ha pasado a la posteridad como una de las
esculturas más perfectas de todos los tiempos, “superior a todas las estatuas, modernas o antiguas”
como ya vislumbrara Vasari. Finalmente, hemos de recordar que ningún artista había sido celebrado
en vida tanto como él hasta el punto de convertirse en un mito de artista atormentado y genial,
calificado ya en vida como “el Divino”.

II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SEADSCRIBELA OBRA

-Estilísticamente esta escultura es plenamente renacentista15.
-Podemos definir el RENACIMIENTO como un movimiento artístico y cultural que surge en Italia y
que implica una vuelta, un renacer a los ideales del mundo clásico (Grecia y Roma).
-Ese interés por el mundo antiguo clásico se manifestó en sus vertientes históricas, filosóficas,
políticas, culturales y artísticas. La Antigüedad clásica es el modelo cultural a seguir y no sólo en las
artes plásticas, sino a todas las manifestaciones del conocimiento humano.
-Pocos movimientos culturales han sido más idealizados y mitificados (glorificado) como el
Renacimiento, aunque sobrecoge la nómina de los arquitectos, pintores, escultores, etc. de la época
y el extraordinario desarrollo de las artes durante el Renacimiento (Ghiberti, Donatello, Verrochio,

13
Es tal la belleza y perfección que irradia esa mole de mármol blanco de Carrara que es capaz de provocar perturbaciones mentales
pasajeras en aquellos que la contemplan: desde admiración y desconcierto a envidia y deseos de destruirla, pasando por pulsiones de
tipo sexual. Forma parte por tanto, del síndrome de Stendhal, que causó furor sobre todo en el Romanticismo.
14
En 1991 Pietro Cannata, un desequilibrado se abalanzó sobre la obra con un martillo, destruyendo un dedo del pie izquierdo del
David.
15
Mientras que los calificativos clásico, románico, gótico son posteriores a sus manifestaciones, Renacimiento fue la orgullosa
autodenominación que los teóricos y artistas de aquella época adoptaron para que esta etapa fuese precisamente un renacimiento de
los ideales estéticos del mundo grecorromano.
5


Miguel Ángel, Botticelli, Masaccio, Leonardo, Rafael...) Pero hay pocos movimientos en la Historia
del arte que hayan explicado mejor que el Renacimiento su principal intención y que sin embargo,
resulten luego más polémicos y complejos (se discute su cronología etc.).
-Sus raíces, son embargo, deben buscarse en la Edad Media tardía, a la que despreciaban y contra
la que aparentemente reaccionaban. No parece claro que este renacimiento de la Antigüedad fuera
la única causa del fenómeno cultural que se produjo en Italia en el siglo XV y que se extendió a partir
del siglo XVI, por casi toda Europa (Francia, España…), ya que la relación con el mundo antiguo
jamás se rompió y a lo largo de los siglos que abarcan el amplio periodo conocido por Edad Media,
se produjeron varios momentos "renacentistas" del espíritu clásico. Recordemos que se puede
hablar de renacimiento y “renacimientos”: carolingio, románico, etc. En todo caso, fueran cuales
fueran sus antecedentes próximos o remotos, no hallaremos una conciencia clara de lo que debía
ser el nuevo arte y un conjunto de normas teóricas y prácticas lo suficientemente articulado como
para poder definirlo como un lenguaje distinto hasta el siglo XV, momento en el que se formula la
teoría artística del Renacimiento en Florencia. El principal responsable de la misma fue un
humanista florentino, Leon Battista ALBERTI (1404-1472). que publicó tres tratados artísticos
además de ser un excelente arquitecto. Fue el teórico por excelencia del nuevo arte. Encarnó al
nuevo artista, científico y erudito, que culminará con Leonardo. Sus escritos fueron tan importantes
como los edificios que proyectó y, además, tuvieron una mayor difusión. Referidos concretamente a
las artes escribió

"De pictura",
"De statua",
"De re aedificatoria" y una descripción de la ciudad de Roma.

-Podemos distinguir varias ETAPAS en el Renacimiento:
se desarrolla durante los siglos XV y XVI.
*Siglo XV: iniciación, es el Quattrocento.
*Siglo XVI: es el Cinquecento. Es la etapa de madurez, se la denomina Alto Renacimiento pero
también en ese siglo surge la crisis de este estilo dando lugar a partir del año 1520 al Manierismo.

-No es casual que el Renacimiento surgiera en Italia ya que a lo largo de la Edad Media no había
renunciado por completo a su pasado clásico, incluso durante toda la Edad Media.
-El contenido y la finalidad del arte renacentista es la belleza, la armonía, la perfección. Ha sido
paradigma del arte hasta el siglo XVIII. Entienden la belleza como imitación verosímil de la
naturaleza (entre realidad e idealidad). Para ello aplicaron la geometría, cálculos matemáticos y
búsqueda de proporciones armoniosas (Alberti, Leonardo, Brunelleschi…).
-Los principales focos renacentistas en Italia fueron Florencia, Nápoles, Roma, Venecia, Padua y
Ferrara.
-El arte en todas sus manifestaciones (música, pintura, poesía, arquitectura) va a experimentar un
gran esplendor en las cortes europeas teniendo en ocasiones como función esencial la
consolidación del poder del príncipe o monarca, es decir, las obras de arte son un medio de
propaganda del poder principesco, aristocrático o de la realeza. Asimismo, las artes decorativas
experimentaron un gran auge (cerámica, vidrio, rejerías, joyería y orfebrería, artes textiles, mobiliario,
etc.).

-Ciñéndonos a la PINTURA renacentista italiana, podemos destacar que es uno de los capítulos
más apasionantes de la Historia del Arte de todos los tiempos.

6


-En Italia, y más concretamente en Florencia, se experimentó una auténtica revolución pictórica
en todos los niveles, aunque no debemos olvidar las aportaciones técnicas plantearon los artistas
flamencos16 por la misma época.
-La pintura renacentista supone una vuelta a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada
en la medida, el número y la proporción. Son pinturas que se realizan por encargo (de mecenas
políticos o religiosos).17
-Es una pintura naturalista, es decir, preocupada por la representación de la realidad de la
Naturaleza. Ello no es óbice para que se tienda a representaciones de belleza idealizada. La idea de
mimesis del mundo griego se hace presente.
-Los pintores renacentistas desarrollaron la perspectiva que podemos considerarla como el
procedimiento para representar gráficamente objetos en tres dimensiones. 18 La pintura se configura
como una “nueva ciencia”: tiene su fundamento en la observación de la naturaleza y la perspectiva
matemática.19
-La temática es predominantemente religiosa pero se cultivan también temas mitológicos o
profanos. El retrato tiene un gran auge, muchas veces de perfil. Los retratos –majestuosos y llenos
de serenidad- dejan de ser descriptivos para ser psicológicos, incluso dramáticos (ej: en Rafael y en
Tiziano), se cuida mucho la expresión, la posición de las manos, la riqueza de los vestidos, los
gestos…Los estudios anatómicos son muy frecuentes.
-También son habituales las alegorías: ideas abstractas representadas como imágenes. Por
ejemplo la representación de los sentidos, del vicio versus la virtud, etc.
-El paisaje llega a convertirse en género independiente conforme va avanzando el siglo XV. La
pintura se realiza sobre muros, tablas y lienzos, siendo las técnicas más comunes el fresco , el
temple y el óleo. La principal innovación técnica es, desde 1475, la técnica del óleo .
-La importancia de la luz es crucial. Es uniforme y a veces sirve para modelar y para crear espacios.
Por lo que se refiere a la composición, el paisaje, sin detallismos, sirve para encuadrar escenas y
darles una dimensión espacial y las figuras se reparten ordenadamente y con un plan preconcebido.
-Entre los principales pintores renacentistas italianos, podemos destacar, dentro de un amplísimo
elenco a Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Angel Buonarotti, Tiziano y
Giorgione.

-Por lo que se refiere a la ARQUITECTURA RENACENTISTA tiene sus orígenes en Italia, y se
extenderá por toda Europa. Cuenta entre sus fuentes de inspiración con, por un lado, las ruinas
romanas –poco a poco redescubiertas y valoradas- y por otra con textos y documentos de la antigua
Roma20, esenciales en la formación de los arquitectos renacentistas.Es importante resaltar que esa
vuelta a los ideales de la arquitectura del mundo clásico no fue una mera copia sino una fuente de
inspiración fundamental. Al mismo tiempo, muchos arquitectos renacentistas escriben importantes
tratados teóricos.
-Los arquitectos renacentistas buscaban crear, como los antiguos romanos, obras bellas, sólidas y
prácticas pero debían dar respuesta a otras necesidades (construir iglesias, palacios, etc.)
Buscaban la proporción, la uniformidad, la perspectiva y la unidad espacial. Debía existir una
relación proporcional entre las partes y el todo.

16
Flamencos: de Flandes, la actual Bélgica.
17
Se realizaban contratos donde vienen especificadas hasta el mínimo detalle las condiciones (el número de figuras, los
materiales…). Había pintores que estaban al servicio de un mecenas que les daba un sueldo mensual.
18
La perspectiva lineal o geométrica se utiliza para crear espacios tridimensionales, las líneas convergen en un punto de fuga. Da
lugar a espacios construidos de una forma racional propia de la nueva mentalidad renacentista. La perspectiva aérea, por su parte,
perfecciona la anterior, representando a la atmósfera que envuelve los objetos del cuadro, esfumando las líneas convergentes,
eliminando los límites entre el dibujo, la forma y el color.
19
Ya decía Leonardo da Vinci que pintar era “cosa mentale”.
20
El más célebre y legendario tratado de arquitectura romana, fuente de inspiración para los arquitectos renacentistas, era el escrito
por MARCO VITRUBIO, un ingeniero-arquitecto que desarrolló su actividad durante la época de César y Augusto, en los campos de la
construcción de edificios, de la hidráulica y la artillería. A partir de entonces proliferan las ediciones ilustradas de Vitrubio.
7


-La decoración prolifera en los inicios del Renacimiento –grutescos, cintas, guirnaldas, etc. – pero
desaparece progresivamente
-En el Quattrocento el centro artístico se encuentra en Florencia y en Cinquecento en Roma.

-Muchas soluciones constructivas son tomadas de la antigua Roma:
*vuelta al sistema de soportes de los órdenes clásicos, encontrándose columnas de
cualquiera de ellos. Los fustes suelen ser lisos.
*arcos: el más habitual es el de medio punto. Suelen presentar molduras en el intradós y en
el trasdós.
*las cubiertas (bóveda de cañón, arista, cúpulas, cubiertas de madera con casetones). Las
cúpulas van con pechinas, sobre tambor, en el que se abren ventanas, y están rematadas por una
linterna. Son ejemplos excelentes Santa Maria de las Flores –el Duomo de Florencia– y la capilla
Pazzi, ambas de Brunelleschi.
*Domina la horizontalidad, frente a la verticalidad gótica.
*Empleo en ocasiones de casetones en las cubiertas y utilización de placas decorativas de
mármoles de colores.

-Por lo que se refiere a las tipologías arquitectónicas, la arquitectura civil va a aventajar a la
religiosa: palacios, villas, hospitales… Es en la arquitectura civil donde se da el paso decisivo en el
Renacimiento.
-Los palacios urbanossuelen tener tres cuerpos o plantas superpuestas, en ellos predominan la
horizontalidad, llevan remate en cornisa y la articulación de todo el edificio se realiza en torno a un
patio central o cortile. Los sillares se pueden realzar mediante almohadillado (Ej.: Palacio Ruccellai
de Alberti). En el siglo XV el palacio se abrió a la ciudad multiplicando los vanos y suprimiendo las
torres y el aspecto amenazador, habitual durante la etapa medieval. 21
-Las villas, especie de palacios campestres como alternativa a la vida en las ciudades, van a tener
un gran desarrollo a lo largo de todo el Renacimiento22.
-Las iglesias suelen presentar plantas centralizadas con cúpulas aunque no se abandona la planta
basilical. En general se busca el equilibrio planta-alzado: la altura debe ser el doble que la anchura.
El muro es más macizo y los vanos son menores.
-El urbanismo renacentista en gran parte se basa en el urbanismo grecorromano. Al mismo tiempo
es sumamente imaginativo y original. Existía una grave contradicción: a la vez que se elaboraba una
nueva concepción de la ciudad, la ciudad preexistente hacía imposible llevarlas a la práctica. Fue
más que nada un urbanismo de papel, es decir, con más propuestas teóricas que prácticas.
Ejemplos de proyectos urbanísticos renacentistas son la ciudad de Sforzindade Filarete, la ciudad de
Ferrara, Pienza, etc.

-Aparte de Brunelleschi, el gran arquitecto del Quattrocento italiano fue ALBERTI. Entre sus obras
más destacadas realizó la fachada de la iglesia de Santa María Novella (1456) en Florencia, la
fachada del palacio Rucellai, (1450-60)o el templo de San Francesco en Rímini (1450-1466) más
conocido como templo malatestiano.23
-El siglo XVI es el siglo del Clasicismo y también de su crisis: el Manierismo. A la arquitectura del
CINQUECENTO –sobre todo entre los años 1500-1520- se la denomina Clasicismo o Alto
Renacimiento. Implica llevar el ideal renacentista hasta su máximo desarrollo y esplendor. Esta
etapa apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI. Durante el Cinquecento encontramos
una arquitectura de una monumentalidad grandiosa, muy bien proporcionada e inspirada en el
mundo clásico. El gran centro artístico ya no fue Florencia sino Roma y el mayor mecenas, el
papado (Julio II). Pocas veces ha podido contar una ciudad con una reunión de talentos geniales

21
El modelo de palacio renacentista fue el Palacio Médici realizado por Michelozzo (1444-1464).
22
Ejemplo: la villa que Giuliano da Sangallo realizó para Lorenzo de Médici en Poggio a Caiano hacia 1480.
23
Fue el encargo a Alberti de uno de esos príncipes humanistas que definen toda la época: Segismundo Malatesta.
8


como la que Roma logró en las dos primeras décadas del quinientos con Bramante, Miguel Ángel y
Rafael, la más alta cima del Clasicismo, y a la vez génesis de los movimientos manieristas que
siguieron. También se dio en la Ciudad Eterna un plantel de mecenas y promotores que, junto con
los pontífices, cardenales y banqueros, la embellecieron hasta convertirla en el enclave monumental
más prestigioso de Europa.
-Entre los principales arquitectos del Clasicismo del Cinquecento encontramos a DONATO
BRAMANTE con su impresionante templete de San Pietro in Montorio, de Roma, realizado por
encargo de los Reyes Católicos.
-El MANIERISMO sucede a la etapa del Clasicismo. En torno a 1520-1530 se abandona
paulatinamente la severidad, la claridad y el equilibrio del clasicismo. El modelo clásico entra en
crisis. El manierismo adquiere una gran difusión en cortes europeas como en la del emperador
Rodolfo II de Praga, en la de Felipe II en El Escorial, los círculos papales, la república veneciana,
etc. Hay en el manierismo una fascinación por lo caprichoso, lo exótico y sorprendente. Es una
tendencia ecléctica que no propugna un único modelo estético. El Manierismo se plasma en pintura,
escultura, arquitectura y artes decorativas. Fue una tendencia artística un tanto críptica (: de difícil
comprensión), sólo apta para iniciados.

-El primer arquitecto en romper el lenguaje clásico será MIGUEL ÁNGEL. Arquitecto, escultor, pintor
y poeta, él será quien inicie estas nuevas formas, sometiendo los elementos clásicos a una
interpretación personal. Miguel Ángel se siente ante todo escultor y trata a la arquitectura como si de
una escultura se tratase; utiliza las formas clásicas con plena libertad. Entre las obras
arquitectónicas que desarrolló Miguel Ángel la más grandiosa fue la cúpula de la Basílica de San
Pedro del Vaticano. 24La cúpula, con 42 metros de diámetro y sobre un espectacular tambor, se
eleva por encima de las colinas de la urbe, quedando como punto de referencia para toda la
cristiandad. Esta cúpula, inspirada en la realizada por Brunelleschi para la catedral de Santa María
de las Flores de Florencia, se terminó de construir varios años después de la muerte de Miguel
Ángel.

-Finalmente, por lo que se refiere a la ESCULTURA renacentista surge, como la pintura y la
escultura en Italia, en concreto en Florencia. Allí encontraremos a los más importantes escultores y
teóricos de la escultura. Y también en Roma. La imitación de las formas clásicas comienza en la
escultura antes que en las otras artes.

-La escultura renacentista en Italia se base fundamentalmente en:

El estudio e imitación de la Naturaleza embelleciéndola si es necesario. Son obras
idealizadas, armoniosas, proporcionadas…
La influencia de la escultura del mundo clásico (Grecia y Roma) (en temática, materiales,
ideal de belleza)

-La escultura medieval solía tener una función de adoctrinar (docente-catequética), era muy
importante la temática, y a veces interesaba más el fondo que la forma. Por el contrario los artistas
del Renacimiento se buscan la perfección y la belleza y conceden menos importancia al mensaje
religioso, aunque pueda tenerlo. Las esculturas renacentistas tienen un principio y un fin en si mismo,
es el arte por el arte, la búsqueda del placer estético.

24
La basílica de San Pedro del Vaticano en su origen fue una iglesia paleocristiana construida para conservar el cuerpo del apóstol
San Pedro, el primer Papa de la historia. Pero, con el paso de tiempo amenazaba ruina. Durante el Renacimiento varios arquitectos
presentaron diversos proyectos para reconstruir la iglesia: en primer lugar, Bramante, que planteó una iglesia de planta de cruz griega
inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas. Pero su muerte interrumpió este proyecto. Intervinieron después Rafael –que
prefería una planta de cruz latina-; Sangallo; y Miguel Ángel. Miguel Ángel retomó la idea de Bramante de planta de cruz griega y
diseñó la gran cúpula concebida sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol San Pedro.
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-La temática de la escultura renacentista en Italia oscila entre temas religiosos y profanos. Los
temas religiosos representan a santos, figuras sagradas del Antiguo y el Nuevo Testamento, etc. El
género religioso fue siempre cultivado con preferencia.
-Por lo que se refiere a los temas profanos, la escultura profana en ocasiones está hecha para
mayor gloria del retratado. Estatuas ecuestres y retratos de figuras poderosas de la ciudad pueblan
las calles y plazas de las ciudades. El retrato es el gran descubrimiento de esta época. Encontramos
frecuentemente temática de carácter mitológico. También los escultores realizan monumentos
funerarios.
-Es la hora, asimismo, de la ornamentación de los jardines que reclaman, para sus glorietas y
grutas caprichosas, fuentes y esculturas alegóricas, a veces volcadas hacia la extravagancia y la
irracionalidad, pero ordenadas en pautas urbanísticas asomadas a la naturaleza, el verdor de la
fronda y la cantarina sonoridad del agua. Las fuentes monumentales también contribuirán, en
competencia con las estatuas y retratos históricos, al ornato de calles y plazas del trazado urbano.
-Surge en esta etapa una gran afición por el estudio científico y anatómico del cuerpo humano, del
desnudo. El desnudo había estado muy vetado por la Iglesia durante la etapa medieval siendo poco
frecuente en el arte. El gusto por el desnudo tanto en relieve como en bulto redondo es muy
frecuente en la escultura renacentista, como lo fue también en la escultura grecorromana.

-Encontramos ejemplos tanto en obras de bulto redondo o exentas como en relieve, ya sea
altorrelieve, o bajo relieve.

-Por lo que se refiere a los materiales, son diversos. La escultura del Renacimiento se sirvió de toda
clase de materiales principalmente del mármol, bronce y madera. La técnica de la fundición del
bronce alcanza una extraordinaria perfección igual que la habrá del mármol o de la piedra. Muchos
escultores proceden del ámbito de la orfebrería, de ahí el uso del bronce. Se usa también la madera
policromada. En Florencia se generalizó el barro cocido –la terracota- que se solía colorear y vidriar.

Las estatuas y relieves de madera en esta época suelen decorarse con pinturas siendo
preferida en el siglo XVI (sin abandonarla del todo en los siguientes) la decoración llamada al
estofado.
Las esculturas en mármol se dejan con el natural color de la piedra por haber creído los
artistas que en la escultura clásica no se les aplicaba ninguna pintura.

- Los escultores salen del anonimato. Las esculturas del renacimiento no suelen ser anónimas. Los
artistas suelen realizar las obras por encargo. Influyen en los artistas porque los coleccionistas
atesoran las obras de arte que son fuentes de inspiración para los escultores. Ej. los Medici en
Florencia

-En el Renacimiento se vive una época dorada de la escultura.

-En los primeros artistas del Quattrocento puede advertirse una esbeltez de proporciones y una
elegancia lineal y curvilínea que viene del gótico internacional, junto a un gusto por lo realista y
anecdótico de la misma procedencia. Los grandes escultores del Quattrocento fueron: Ghiberti,
Donatello, Jacopo della Quercia, Verrochio, Lucca della Robbia y un largo etcétera. La escultura
del Cinquecento se caracteriza por el gusto por lo monumental, el relieve plano casi desaparece y se
prefiere el bulto redondo y el tamaño superior al natural. Recordemos que en 1506 se produjo el
descubrimiento de la escultura helenística del Laocoonte que tanto influiría en la época, sobre todo
en Miguel Ángel. En el Cinquecento, el centro artístico fue Roma y los grandes escultores de esa
etapa se vieron eclipsados por el gran genio de Miguel Angel.

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- Entre los escultores manieristas, el más destacado es Miguel Ángel, exceptuando sus inicios, que
podemos encuadrar dentro del Alto Renacimiento o Renacimiento pleno (clasicismo). Benvenuto
Cellini es también un relevante orfebre y escultor manierista.

III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO

-Como ya señalamos anteriormente, CRONOLÓGICAMENTE esta escultura está fechada en el
siglo XVI y pertenece por tanto al Cinquecento italiano, en concreto al periodo clasicista de Miguel
Ángel. Fue esculpida por este artista en su etapa de juventud cuando el escultor contaba sólo con
veintiséis años y ya había realizado su primera obra maestra: la Piedad del Vaticano. A pesar de sus
pocos años, ya era estimado como un afamado artista de personalidad arrolladora.25
-Por lo que se refiere al CONTEXTO HISTÓRICO en el que cabe encuadrar esta obra, el
Renacimiento, hay que señalar que fue una época de hechos históricos transcendentales. El
surgimiento del Renacimiento no se entiende sin tener en cuenta toda una serie de
transformaciones sociales, técnicas, y religiosas: inventos como la imprenta, avances en la
navegación, perfeccionamiento de la cartografía y del transporte marítimo (lo que favorecerá los
descubrimientos como el de América). Se desarrolla un incipiente capitalismo: se va afirmando la
economía monetaria. Nace la sociedad de mercado y con ella, el ascenso de la burguesía y de
poderosas ciudades italianas. Surge una nueva concepción política: es la idea de Estado moderno,
ligado al desarrollo de las nacionalidades (Ej. RRCC en España o Enrique VIII de Inglaterra).
Asimismo, fue de vital importancia la Reforma protestante, llevaba a cabo durante el primer tercio
del siglo XVI, que quebrantó la identidad cristiana occidental, dividiendo con un nuevo y
profundísimo frente los intereses políticos de Europa. Así, en el siglo XVI se suceden las guerras de
religión entre católicos y protestantes (también en la primera mitad del siglo XVII). Se produce una
mayor expansión cultural (universidad, cultura secularizada…).
-Italia era bocado apetecido de Francia y España y al mismo tiempo aparecía configurada como un
mosaico de ciudades-estado que pugnaban entre sí por dominar la península transalpina: Florencia,
Urbino, Mantua, el Reino de Nápoles, los Estados pontificios, la República de Venecia, el Ducado de
Milán…En ellas florecía el comercio, la banca y las más diversas actividades financieras, ligadas a
una pujante burguesía urbana (los Peruzzi, Pazzi, Bardi, Medici, etc.)
-España, con los Reyes Católicos (RRCC) (1474-1517) asiste a la unión entre Castilla-Aragón, la
anexión de Navarra, la conquista de Granada, la colonización de Canarias… Se inicia así el ciclo
hegemónico de la Corona española (Descubrimiento de América). Los Reyes españoles del
Renacimiento fueron Carlos V y Felipe II.
-El Humanismo es la vertiente intelectual del Renacimiento, basada en su interés por el hombre y la
naturaleza. Su referente es la cultura grecorromana. El Renacimiento propicia el desarrollo de una
cultura humanista: pasándose de una sociedad teocéntrica a una antropocéntrica, pero lejos de ser
atea, y muy vinculada a la filosofía. El movimiento cultural del Humanismo surgió en Florencia a
mediados del siglo XIV.
-El nuevo papel del artista se hace patente durante el Renacimiento. Tratan de romper con la
tradicional dependencia de los gremios artesanales. Los pintores, escultores y arquitectos
abandonaron la condición de artesanos. Consideraban su labor como una actividad de carácter
mental.
-Surgió un nuevo tipo de institución, la academia, donde se formaban los artistas.
-Se produjo un gran desarrollo del coleccionismo del arte. Las empresas artísticas no eran
simplemente un lujo ni un dispendio innecesario, sino una inversión perentoria orientada a
desarrollar la imagen y el honor de mecenas y coleccionistas. Grandes coleccionistas fueron: los

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Su etapa manierista coincide con su periodo de madurez, pero está ya latente desde su juventud.

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Medici, los Este, los Ferrara, los Montefeltro, etc. y en España sobre todo Felipe II, además, un gran
mecenas de las artes.

PARA SABER MÁS

http://www.youtube.com/watch?v=7GiL9l3C8AQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=SRLZK-czjBg

http://www.youtube.com/watch?v=bqTVFkT_DxU

Final del formulario

http://www.youtube.com/watch?v=vfpZI6YoSMQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=e-l2BMStRcg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=inE4TToMnss&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=9PlHO9m1cw0&feature=relmfu

http://www.youtube.com/watch?v=ML_i4lnPxGU&feature=relmfu

http://www-graphics.stanford.edu/projects/mich/

http://www.econ.ohio-state.edu/jhm/arch/david/David.htm

http://cultura.elpais.com/cultura/2004/05/24/actualidad/1085349602_850215.html

http://it.wikipedia.org/wiki/David_De_Rohan

http://www.youtube.com/watch?v=62xK8fJ4VZU

http://www.youtube.com/watch?v=i4Xfg0xklqo&feature=player_embedded

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IMÁGENES

Réplica del David en la plaza de la Signoria de Florencia, situada enfrente del palacio Vecchio,
sede del poder civil de la ciudad. En esta plaza estuvo expuesto durante siglos el verdadero David
de Miguel Ángel, que hoy se conserva en el museo Galería de la Academia de Florencia.

La iconografía del Rey David en la Edad Media: suele aparecer tocando la lira. Ejemplos: Catedral
de León; el rey David de la puerta de las platerías de la catedral de Santiago de Compostela; y un
ejemplo de una ilustración medieval.

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Antecedentes: la escultura grecorromana. Un ejemplo: el Apolo de Belvedere, c. 340 a de C, copia
romana de original helenístico. Museos Vaticanos.

Dos antecedentes quattrocentistas: el David de Donatello (en sus dos versiones, una en bronce y
otra en mármol, ambas en el Museo Bargello de Florencia) y el David de Verrochio para el que se
cree sirvió de modelo un jovencísimo Leonardo da Vinci

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Detalles del David de Miguel Ángel, Museo Galería de la Academia, Florencia

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El otro David de Miguel Ángel: el David de Rohan, llamado así por el nombre del comitente, un
mariscal francés. Este dibujo preparatorio se conserva en el Museo del Louvre, 1502-8. La escultura
de bronce, la única de la que tenemos noticia que realizó Miguel Ángel, está hoy perdida.

Consecuentes: un contrapunto al David de Miguel Ángel: el Perseo de Benvenuto Cellini

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El David de Bernini, Galería Borghese, Roma (arte barroco, siglo XVII)

Dos ejemplos de la influencia de Miguel Ángel en la escultura del siglo XIX:El pensador y el beso de
Auguste Rodin

El David de Miguel Ángel se ha convertido en un icono de Italia –equivalente al Coliseo por ejemplo-,
de Florencia –en particular- y una fuente de inspiración para el marketing y lapublicidad de todo tipo
de productos. Algunos ejemplos:

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