definicion de sonido y componentes

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1.- Que Es El Sonido?
El sonido es un fenómeno físico que estimula el sentido del oído. Está formado por ondas
que se propagan a través de un medio, que puede ser sólido, líquido o gaseoso. Un sonido
se produce por todo aquello que sea capaz de producir ondas que estimulen al oído. Por
ejemplo, al pegar un golpe en una mesa, las cuerdas vocales, el roce entre dos materiales o
cualquier efecto que produzca vibraciones audibles bastan para producir un sonido.
Las ondas a las que llamamos sonoras son las que pueden estimular al oído y al cerebro
humano. Estas ondas se miden en Hercios (Hz), una unidad de frecuencia que corresponde
al número de ondas que caben en un tiempo determinado (un segundo normalmente). La
onda se propaga gracias a la compresión y a la expansión del medio por el que se propaga.
Estas variaciones de presión son las que alcanzan el oído humano y provocan en el tímpano
vibraciones de idéntica frecuencia, originando, a través del cerebro, una sensación sonora.
Pero no todas las ondas pueden ser recogidas por el oído humano, tan sólo las que se
encuentran aproximadamente entre 20 Hz y cerca de 20.000 Hz. Las ondas de sonido
inferiores al límite audible se llaman infra sónicas y las superiores ultrasónicas.

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2. Definición De Pentagrama?
El idioma de la música. - Del mismo modo que existe un
lenguaje escrito que nos permite comunicar ideas en
forma de palabras, la música también tiene un lenguaje
escrito que nos permite entender cómo suena una pieza
sólo al leerla en una hoja. Esta maravillosa capacidad de
encontrar música o melodía en un texto escrito requiere
poder entender ese idioma que aparece con símbolos y signos particulares y para eso es
importante saber comprender cada uno de los elementos que lo conforman. Entre ellos
encontramos al pentagrama.
Cuál es la función del pentagrama
Desde que el ser humano ha comenzado a cantar y a componer música, siempre resultó
muy difícil representar esa maravillosa creación en un texto escrito. Por otro lado, uno podía
aprender a cantar o a tocar una canción sólo por memoria y por repetición o imitación de
quien la tocara, pero no podía hacerlo si no la conocía y nadie lo enseñaba.
La escritura musical nos permite saber cómo tocar una canción incluso siendo esta muy
antigua porque el lenguaje musical es universal. A lo largo de los siglos la estructura de este
tipo de escritura varió y es recién en el siglo XV cuando se consolida el pentagrama con
cinco líneas, existiendo antes escrituras de hasta cuatro líneas. Con esta sucesión de cinco
líneas, los autores y músicos pudieron representar con mayor exactitud todas las
variaciones, tonalidades y alturas de las diferentes notas que componen el famoso do, re,
mi, fa, sol, la, si.

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Elementos que componen el pentagrama
Además de las cinco líneas que le dan su nombre, el pentagrama
cuenta con otros elementos que se suman a él para que una pieza
musical quede completa al ser escrita. Así, debemos mencionar
en primer lugar a las notas, aquellas que se representan con
círculos y líneas y se ubican en el pentagrama de acuerdo a su
sonido.
Los pentagramas además siempre deben contar con la clave musical al principio de la obra
que indica cómo y en qué tonalidad deberá ser tocada. También es importante señalar que
todo en el pentagrama vale, desde las líneas hasta los espacios en blanco que quedan entre
ellas, espacios en los cuales puede aparecer la nota o parte de ella indicando así información
valiosa para quien toca o crea la música.

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3.- Que es La polifonía
La polifonía (del griego πολις [polis] = "muchas" y φονος
[phonos] = "sonidos, melodías") en música es un tipo de textura
musical en la que suenan simultáneamente múltiples voces
melódicas que son en gran medida independientes o imitativas
entre sí, de importancia
similar y ritmos diversos. Por lo tanto, se diferencia de la música a una sola voz (monofonía)
así como de la música con una voz dominante melódica acompañada por acordes
(homofonía, melodía acompañada).
Las texturas polifónicas pueden contener varias melodías primarias o básicas. Si las voces
se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con cierto retraso
unas respecto de otras) se trata de polifonía imitativa. Un caso estricto de polifonía imitativa
es el canon.
El carácter polifónico de una obra tendrá como pilar no solamente la parte compositiva, es
decir, la idea de independencia melódica que el compositor haya ideado, sino también la
posibilidad de discriminación auditiva por parte del oyente. Distintas personas podrán
escuchar con mayor o menor claridad las melodías independientes dentro de una obra
polifónica.
Desde la perspectiva de la Etnomusicología, la polifonía tradicional (no académica) tiene una
amplia, aunque desigual distribución entre los pueblos del mundo. Las regiones con alta
presencia polifónica del mundo son el África subsahariana, Europa y Oceanía. Se cree que
los orígenes de la polifonía en la música tradicional son muy anteriores a la aparición de la
polifonía en la música académica en Europa. En la actualidad hay dos enfoques
contradictorios al problema de los orígenes de la polifonía vocal: el modelo cultural y modelo
evolutivo.
• Conforme al modelo cultural, los orígenes de la polifonía están conectados con el desarrollo
de la cultura musical humana. La polifonía surgió igual que el desarrollo natural del canto

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primordial monofónico. Por lo tanto, las tradiciones polifónicas están obligadas a sustituir
poco a poco las tradiciones monofónicas.
• De acuerdo al modelo evolutivo, el origen de los cantos polifónicos es mucho más profundo
y está conectado con las primeras etapas de la evolución humana, la polifonía era una parte
importante de un sistema de defensa de los homínidos; y las tradiciones de polifonía están
desapareciendo progresivamente en todo el mundo.
La polifonía es una textura característica de la música de finales de la Edad Media y del
Renacimiento. Las innovaciones musicales que trajo la polifonía aparecieron en un contexto
más amplio de cambio social. Tras el primer milenio, los monjes europeos decidieron
comenzar a traducir las obras de los filósofos griegos a la lengua vernácula. Los europeos
occidentales durante la Edad Media conocían a Platón, Sócrates y Hipócrates. No obstante,
durante mucho tiempo se había perdido el contacto con el contenido de las obras
conservadas de estos pensadores debido a que el uso del griego como lengua viva se
limitaba a las tierras del Imperio Romano de Oriente o Imperio Bizantino. Las obras antiguas
comenzaron a traducirse entonces. Una vez que estuvieron disponibles, la filosofía tuvo un
gran impacto en la mente europea occidental. Esta circunstancia provocó una serie de
innovaciones en diversos campos como la medicina, la ciencia, el arte y la música.
Polifonía renacentista
La Polifonía (muchos sonidos) se denomina así por ser una composición para varias voces
superpuestas e independientes en ritmo y melodía, según las leyes del contrapunto.
Caracteriza la tendencia predominante en el Renacimiento, en obras corales tanto religiosas
como profanas. Su origen está en los países flamencos, aunque se difunde exitosamente en
Alemania y Francia.
En esta época comienza el Concertó Grosso y progresa la Teoría musical con Victoria, a la
cual Lassus aporta dos mil composiciones. Palestrina introduce la Polifonía en Italia con sus
Madrigales. Su obra es equiparada con el Canto Gregoriano en las ceremonias de la Iglesia
romana.
La Gran Polifonía
El papa Julio II incorpora a Palestrina a la Capilla Pontificia. Conoce el éxito en su tiempo
pero sufre el olvido por siglos. A fines del siglo XIX, en el tercer centenario de su muerte, con

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la edición completa de sus obras se revela su talento. Compuso unas cien Misas. De ellas,
la del Papa Marcelo se considera la más perfecta en su género. Por otra parte, su Improperia
se conserva como música de ejecución obligada en la celebración de la Semana Santa en
el Vaticano.
Finalmente, hacia el siglo XVI se abandona la Polifonía por la Monodia (canto a una sola
voz) religiosa o profana y la invención del Recitado.

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4.- Definición De Música Profana?
La ‘música profana’ es uno de los géneros más relevantes de la
Edad Media o el tiempo Medieval. Durante estos años, la música
era propia de la religión y se utilizaban para celebrar cultos. Este
tipo de música fue uno de los más importantes de la época. Pero
luego se originó otro género y se trata de la música profana. Este
estilo no tiene ningún lazo con la música religiosa, no se utiliza
para cultos, ni habla de deidades o fe. Todo lo contrario.
Características de la música profana
 El propósito de este género musical es brindar entretenimiento y diversión a los
pobladores.
 Estas canciones relatan historias conmovedoras sobre el amor, los desamores y otros
temas de la vida diaria.
 Su música mantiene un ritmo unísono y polifónico.
 Su ritmo musical consta de 3 unidades y es muy marcado.
 Las voces de las canciones profanas están acompañadas con la música de
instrumentos.
 Los instrumentos utilizados en este tipo de música son: instrumentos de cuerda,
flautas y panderetas. También se utilizaba la gaita, aunque en menor medida.
Tipos de música profanas.
La ‘música profana’ que, como ya vimos, es la forma en la que se denomina a todas las
piezas musicales que no tienen relación con la religión, se dividen en dos clases:
 Trovadores: Esta era creada por músicos cultos y poetas. Para estas canciones
se utilizaban la lengua latina. Estas obras relataban historias de amor y vivencias
de personajes que eran consideradas héroes.
 Juglares: Este tipo de música profana era creada por músicos de la calle. En la vía
pública se podían encontrar muchos de estos artistas ambulantes que tocaban
este tipo de canciones para divertir a los habitantes del pueblo

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5.- Definición De Renacimiento Musical?
El término Renacimiento no es aplicable a la música como a otras
artes, ya que la música de los siglos XV y XVI ni supuso una ruptura
con la tradición musical anterior, ni significó un intento de hacer
renacer formas procedentes de la antigüedad clásica. En ese
tiempo se produjeron novedades importantes y el espíritu culto, e
interesado por las artes, del Humanismo fomentó el desarrollo de
la música, pero no puede hablarse de un Renacimiento musical
propiamente dicho.
En términos generales puede decirse que los siglos XV y XVI supusieron el triunfo definitivo
de la polifonía frente a la música monódica de la época medieval. En esta época
desaparecieron algunos de los instrumentos del periodo gótico y pervivieron, sobre todo,
aquellos que mejor se adaptaban a la polifonía. Predominaron los instrumentos de teclado y
de cuerda, como el órgano, el clavecín, el laúd y la vihuela (de origen español) lo que facilitó
la consagración de la música como acompañamiento de sus composiciones (los trovadores
se acompañaban de instrumentos de cuerda).
Durante estos dos siglos, el auge alcanzado por la música profana fue otra de las
innovaciones de la época. La música pasó a ser un arte no sólo cultivado por clérigos, como
en la Edad Media, y las canciones de corte popular y sobre todo el madrigal (poema cantado
de tema lírico-galante) fueron piezas por las que se sintieron atraídos casi todos los
compositores.
Durante el siglo XV se impuso la polifonía a la flamenca, que logró una perfecta adecuación
entre texto y música. Los maestros flamencos viajaron por toda Europa, llegando a
imponerse en la propia Italia, a pesar de su fuerte tradición musical.
En esta época las formas musicales más difundidas fueron el motete, la misa, la canción
polifónica y el villancico (como aportación española). Entre los compositores, la figura más
destacada fue Joaquín des Pres (1440-1521), que cultivó tanto la música religiosa como la
profana.
En el siglo XVI Italia recuperó la primacía musical, imponiendo composiciones como el
madrigal de corte italiano y, sobre todo, gracias a un buen número de músicos de gran talla.
No obstante, la división religiosa que el cisma protestante había marcado, dejó también su
huella en la música. Entre los reformadores alemanes y centroeuropeos se entendió que la
música tenía una gran importancia para los actos religiosos de la nueva Iglesia; así y con la
intención de crear un sentimiento comunitario entre los fieles, los protestantes tendieron
hacia una música coral, no polifónica y de texto en lengua vulgar que podía ser cantada por
el pueblo.

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Tendieron, como puede verse, hacia formas dominadas por la sencillez, en las que lo
importante es el texto y la falta de dificultades para que pueda ser asequible a las masas.
La respuesta católica a estos planteamientos musicales, se dio en el Concilio de Trento, que
pretendió regular la música religiosa de los católicos con formas en las que predominaban
la austeridad y la gravedad, renunciando, al menos en principio, a la polifonía. La música
polifónica no pudo ser finalmente rechazada y las decisiones trentinas no fueron seguidas al
pie de la letra. No obstante, algunas de las recomendaciones de los obispos católicos sí
dejaron su huella en la música religiosa como, por ejemplo, las que insistían en la necesidad
de que los textos cantados debían resultar reconocibles para los fieles.
El siglo XVI fue, por otro lado, el momento en el que la música instrumental despertó un
verdadero interés entre los compositores. La música de instrumentos sin acompañamiento
de voz se empleó, de manera especial, para el baile y su aparición estuvo muy unida al
interés por la música de las refinadas y cultas minorías de las cortes y de las familias más
ricas de Europa.