1. El Greco
Nació en Doménicos Theotocópoulos 1541 y murió en Toledo (España) en
1614. Pintor español. Aunque nacido en Creta, isla que en aquella época
pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su peculiar estilo y la
mayor parte de su trayectoria artística en España. Se formó en su isla natal como
pintor de iconos, antes de trasladarse a Venecia, donde conoció la obra de Tiziano
y Tintoretto, artistas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más influyeron en
su pintura.
Se conocen algunas de sus creaciones anteriores a su llegada a España, lo cual
permite afirmar que El Greco creó su peculiar estilo después de su establecimiento
en Toledo, seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad.
Sus figuras alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas
inmateriales, carentes de solidez, física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A
ello hay que añadir su paleta originalísima, de colores fríos, que consigue efectos
sorprendentes con los rojos, los azules y en particular los blancos, de una rara
intensidad y nitidez.
Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes
retratos (Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros
de temática diversa. La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde
de Orgaz, por el hecho de que el artista se valió de este acontecimiento para dejar
constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos
planos, uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo
que la obra es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo.
En los últimos años de su carrera el artista pintó dos celebrados Paisajes de
Toledo y un cuadro mitológico, Laocoonte, que sorprende por su temática, inusual
en la España del momento. Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de
Laocoonte y sus hijos se retuercen en su lucha contra las serpientes y el artista se
sirve hábilmente de sus contorsiones para dotar a la obra de una composición
admirable.

2. Diego Velázquez
Nació en Sevilla 1599 y murió en Madrid 1660. Diego Velázquez realizó su
aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, se casó en 1617. Cuando todavía
era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Inmaculada Concepción, La
Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos
de claroscuro. A la misma época pertenece una serie de obras de género con
figuras de prodigiosa intensidad y una veracidad intensísima en la reproducción
tanto de los tipos humanos como de los objetos inanimados; entre otros ejemplos
se pueden citar Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla.
Sus obras, de un estilo por lo demás muy distinto del de su época, le valieron
cierta reputación, que llegó hasta la corte, por lo que en 1623 Diego Velázquez fue
llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, valido de Felipe IV, para que
pintara un retrato del rey; tanto gustó la obra al soberano que lo nombró pintor de
corte.
La culminación de su carrera como retratista es Las Meninas, considerada por
algunos como la obra pictórica más importante de todos los tiempos. Hay que
destacar igualmente las incomparables series de enanos y tullidos de la corte.
Velázquez realizó dos viajes a Italia, uno en 1629-1631 y otro en 1648-1651. En
ambos produjo obras importantes: La túnica de José y La fragua de Vulcano en el
primero; los retratos de Juan de Pareja y de Inocencio X en el segundo; el del
Papa es un retrato portentoso, dotado de una vivacidad, una intensidad y un
colorismo excepcionales.

3. Francisco José de Goya
Nació Fuendetodos (España) 1746 y murió Burdeos (Francia) 1828. Pintor y
grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el
que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus
últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.
Goya aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la
pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu, se casó con
su hermana en 1775. Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices,
para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con escenas idílicas
y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e impregnadas de alegría
y romanticismo.
Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la
aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos se encuentran algunas de
sus obras más valoradas, como La condesa de Chinchón o las famosas La maja
vestida y La maja desnuda; sobre estas últimas dice la leyenda popular que
representan a la duquesa de Alba, quien habría mantenido con el artista una
relación de tintes escandalosos. En los retratos de Goya destaca, en líneas
generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así como los
contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista.
Sus obras, conocidas en la actualidad como Pinturas negras, han contribuido con
el paso de los años a la consolidación del reconocimiento del genio de Goya, tanto
por su originalidad temática como por su técnica pictórica de pincelada amplia y
suelta. El pintor se trasladó en 1824 a Burdeos, donde residió hasta su muerte sin
dejar de cultivar la pintura y el grabado. La lechera de Burdeos y algunos retratos
ilustran la evolución del genio hacia una concepción de los valores plásticos que
anuncia el impresionismo. Su obra, fecunda y versátil, de gran libertad técnica y
brillantez de ejecución, no ha dejado de acrecentar la importancia de su figura
hasta nuestros días.

4. Pablo Picasso
Nacio en Málaga, 1881 y murió en Moulins (Francia) 1973. Hijo del artista José
Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor
se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores
Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el
bar Els Quatre Gats.
A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase
denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma
de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo,
técnica que denominó “collage”. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo
del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo,
marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.
En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de
la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo
segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de
importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la
vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde
el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

5. Juan Gris
José Victoriano González-Pérez conocido como Juan Gris, nació en Madrid el 23
de marzo de 1887. Junto a Pablo Picasso y Georges Braque, es uno de los
principales representantes del Cubismo. Inició sus estudios en la Escuela de Artes
y Oficios de Madrid, después, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San
Fernando, a la vez que asistía al taller del pintor José Moreno Carbonero.
Su amistad con pintor Daniel Vázquez Díaz, hizo que abandonase Madrid en
1906, huyendo del servicio militar, y se trasladase a París. Hasta ese momento su
carrera artística había consistido en ilustraciones para revistas de poesía y prensa
en general, como "Blanco y Negro" o "Madrid Cómico". En París, aunque en
principio continúa dibujando para periódicos y revistas francesas como "L´Assiette
au Berre", "Le cri de Paris" o "Le Charivari", conocerá a Picasso, a Guillaume
Apollinaire y a Georges Braque y a partir de 1910, empieza a dedicarse por
completo a la pintura.
Su forma de entender la pintura se basaba en la prioridad de la idea frente a la
imagen del objeto representado. Parte de lo universal para alcanzar lo singular, así
la imagen acabará pareciéndose a la idea, que es la verdadera realidad. Cree que
la pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, es necesario construir o
interpretar la realidad. Trabaja la descomposición espacial, el collage y la técnica
del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo).
Sus primeras obras son naturalezas muertas y algunos paisajes en los que
destaca el aspecto constructivo y volumétrico de los objetos y de la composición.
En su paleta predomina la monocromía de grises y ocres.

6. Joan Miro
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona en el seno de una familia acomodada.
Era un niño introvertido y de salud frágil. Pese al talento artístico de Miró, su padre
intentó persuadirlo para que fuera fraile o soldado. Su padre logró que se
matriculara en una escuela de comercio, aunque simultáneamente frecuentaba 'La
Escuela de la Lonja', famosa academia artística por la que el propio Picasso había
pasado fugazmente unos años antes. Al finalizar sus estudios mercantiles, fue
contratado por una empresa química de la que fue despedido por pintarrajear en
los libros de contabilidad. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y en
la Academia Gali de su ciudad natal. Realizó su primera muestra individual en
las Galerías Dalmau (1918).
En sus trabajos anteriores a 1920 aparecen influencias fauvistas, del cubismo y de
los frescos románicos catalanes. En el año 1920 viaja a París donde hace amistad
con Pablo Picasso, conoce a Tristan Tzara yMax Jacob y asiste a
eventos dadaístas.
En 1921 expone en solitario en la Galerie La Licorne. Un año después forma parte
del "Grupo de la rue Blomet" junto a André Masson, Antonin Artaud y otros. Miró
parte de la memoria y de lo irracional para crear obras que son transposiciones
visuales de la poesía surrealista como en El campesino catalán de la
guitarra (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), El carnaval del
arlequín (1925, Galería Albright-Knox, Buffalo) o Interior holandés (1928, Museo
de Arte Moderno, Nueva York).
El éxito de Miró radicaba en su capacidad para seducir al público con la
percepción espontánea de su lenguaje de formas onduladas y su irresistible
atractivo cromático. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos
de tono neutro y están pintadas en una gama corta de colores vivos,
especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen siluetas
amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente
produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a
puntos, líneas y explosiones de color.