Revista The Rocket Magazine

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THE
THE
MAGAZINE
Issue #11 - Distribución gratuíta
NÚMERO
11/
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blues deluxe vol.2
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the 7 savage
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russian circles - howard alden - Steve Riley - prong
Autopsy - Blackie Lawless - saratoga - carnivore
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¡OSCURA NAVIDAD!
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número
especial
navidad
64 páginas
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Avda. Cerro del Águila 2
San Sebastían de los Reyes
28703 - Madrid
ESPAÑA
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Jose R. Rojo
Luisma Zorrilla
Jordi Pinyol
Luis J. Torres
Costner
Beni Fernández
Fernando Medina
Cerebrín
Emilio L
Jaqueline Vanek
Tony Mottram
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REDACCIÓN Y
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DIVULGATIVA Y SIN ÁNIMO DE LUCRO

El legendario grupo de rock Mott the
Hoople celebra el 50 aniversario de su
histórico álbum 'All The Young Dudes'
con una caja de lujo de edición limitada
y audio recién remasterizado, que
lanzará Madfish el 8 de diciembre. El
álbum remasterizado también estará
disponible como un LP de vinilo naranja
doble de edición limitada.
Con “Elegant Gypsy & More Live”, grabado en
parte en su exitosa gira estadounidense "Elegant
Gypsy – 40th Anniversary" en 2017, Al Di Meola
demuestra una vez más que la música jazz "mola"
enormemente. Para él, sobre todo, es también un
viaje de regreso a sus comienzos musicales, que
lleva a nuevas alturas con fantásticas versiones
de canciones como "Race With Devil On Spanish
Highway", "Flight Over Rio", "Midnight Tango" o
"Egyptian Danza".
Saliendo directamente de Queens con
una mezcla cautivadora de rock moderno
y un toque de guitarra antigua, el grupo
con sede en Nueva York, King Falcon, ha
lanzado su esperado álbum debut
homónimo, ya disponible a través de
Mascot Records. Mostrando una
estimulante mezcla de aventurero indie-
rock y arrogante rock clásico, sus
fantásticas canciones recuerdan a
artistas como Black Keys, Jack White,
Cage the Elephant, The Strokes, Royal
Blood y The Killers.
_Rocket| 04

Myrath han superado constantemente
los límites del metal, ganándose los
corazones de fans de todo el mundo
con su sonido distintivo y profundidad
lírica. Con "Karma", su nuevo álbum que
saldrá el 2 de febrero de 2023 a través
earMUSIC, la banda está lista para
continuar su viaje musical y cautivar al
público de una manera que solo ellos
pueden hacerlo.
Madness Live! anuncia que Judas
Priest serán los cabezas de cartel de la
próxima edición del Festival Rock
Imperium, el cual se llevará a cabo en el
Parque El Batel de Cartagena durante
los próximos 19-20-21-22 de Junio.
Junto a esta ilustre banda, estarán otras
de gran calado como Extreme, Saxon,
Uriah Heep o Glenn Hughes, que
interpretará canciones clásicas de
Deep Purple.
El líder de WASP, Blackie Lawless,
ha rendido homenaje al ex baterista
de la banda Steve Riley , quien
murió después de luchar contra un
caso grave de neumonía durante
varias semanas. Tenía 67 años.
Blackie emitió la siguiente
declaración a través de la web de
WASP : "Toda la familia WASP está
triste al enterarse del fallecimiento
de nuestro amigo y ex compañero
de banda Steve Riley".
_Rocket| 05

El nuevo álbum de estudio Unbroken,
con fecha de publicación 26 de enero
del 2024 a través de earMUSIC, es la
cara moderna de New Model Army,
donde la banda combina tanto su
energía de la vieja escuela, como su
ímpetu contemporáneo, para crear uno
de los mejores álbumes de su dilatada
carrera.
Ulver han anunciado recientemente
que su clásica cinta promocional de
1993, será reeditada a través del sello
Peaceville Records. En el año 2023 se
cumplen treinta años desde su
grabación y el disco muestra los
antecedentes arraigados en el Black
Metal de Ulver antes de que la banda
comenzara a evolucionar fuera de los
límites del género.
Después del éxito de su interpretación de
las canciones que Frank Sinatra, Mark
Tremonti, miembro fundador de las
bandas de hard rock Alter Bridge, Creed
y Tremonti, ganador del premio Grammy,
acaba de lanzar su primer álbum navideño,
"Christmas Classics New & Old". Se trata
de nueve clásicos navideños y una
canción original escrita por él. Mark
decidió asociarse con una orquesta para
trabajar la instrumentación de este nuevo
y festivo trabajo.
_Rocket| 06

El guitarrista de Slayer, Kerry King, ha
anunciado que su nuevo proyecto
musical finalmente llegará en el 2024.
Su publicista de toda la vida, así como
las redes de Kerry King, compartieron
una foto de la cadena que Kerry había
usado en el escenario durante años, en
lo que parece ser un escenario, junto
con el mensaje: "Próximamente en
2024..."
El último concierto que llevó a cabo la
banda finlandesa Children Of Bodom y
que tuvo lugar el 15 de diciembre de
2019 en Black Box en Helsinki Ice Hall
en Helsinki, Finlandia, se lanzará como
un álbum en vivo titulado, "A Chapter
Called... Children Of Bodom (Final
Show In Helsinki Ice Hall 2019)" , esto
sucederá el próximo 15 de diciembre
del 2023 a través del sello Spinefarm.
The Pineapple Thief están listos para
comenzar el 2024 de una manera
espectacular con una gran gira por
Europa y el Reino Unido. En la carretera
desde el 20 de febrero hasta el 16 de
marzo, la banda tocará en Inglaterra,
Francia, Suiza, Países Bajos, Alemania,
Portugal, Polonia e Italia.
Esta será la primera oportunidad de ver a
The Pineapple Thief en vivo desde sus
anteriores giras giras por Europa y los
Estados Unidos en 2022.
_Rocket| 07

'DARK CHRISTMAS' NO ES EL PRIMER ÁLBUM DE TARJA RELACIONADO CON LA
TEMPORADA NAVIDEÑA, PERO SI EL MÁS OSCURO QUE HA LANZADO HASTA LA
FECHA. EL SUCESOR DE 'FROM SPIRITS AND GHOSTS (SCORE FOR A DARK
CHRISTMAS)' ES UNA BANDA SONORA OSCURA E INQUIETANTE QUE PRESENTA
DOCE VILLANCICOS CLÁSICOS Y/O MODERNOS CON ALGUNAS SORPRESAS
INESPERADAS. CADA UNO DE ELLOS SOMETIDOS A UNA REORGANIZACIÓN TOTAL
QUE RECUERDAN POCO A LA TARJA MÁS METALERA.
Texto: Costner/ Fotos: earMUSIC
_Rocket| 08

Me gustaría comenzar esta entrevista recapitulando todo lo
que has sacado durante este año 2023, que ha sido un
periodo realmente prolífico en tu carrera profesional.
Primero fue la publicación de un grandes éxitos, alternando
con los singles de Outlanders, tu proyecto con Torsten
Stenzel, el álbum en directo Rocking Heels Live At Metal
Church, que salió a mediados de agosto y ahora llega “Dark
Christmas”. Por todo esto, diría que haces algo que casi
ningún artista hace hoy en día y es tener un lanzamiento
cada 3-4 meses… ¿Cómo consigues mantener ese ritmo de
trabajo?
Ya… ha sido demasiado trabajo. Obviamente los estuve
preparando durante mucho tiempo, quizá un par de años, todo
estos proyectos vinieron así un poco por acuerdo con el sello,
concretando cuando debían de salir y he hecho todo lo
posible por cumplir los plazos. Pero bueno, ahora estoy super
feliz porque finalmente va a salir mi disco “Dark Christmas” y
en estos días también estoy componiendo mi nuevo álbum de
rock. He estado componiendo y preparando canciones nuevas
después de la gira. Un álbum de rock me produce un nivel de
estrés más alto que el resto de álbumes. Por ejemplo,
componer la canción “Dark Christmas” para el álbum de
navidad, ha sido como algo que salió en un par de minutos. No
me costó tanto porque no tenía esa presión de trabajar con
una fecha límite. Es como tener una gran libertad que dan este
tipo de proyectos tan diferentes.
Por cierto y como curiosidad, buscando en internet
información sobre este álbum, he descubierto que tu
nombre completo es Tarja Soile Susanna Turunen Cabuli,
¿es normal en Finlandia poner nombres tan largos a la
gente?
Es curioso, pero en Finlandia un nombre largo refleja el amor
que tus padres sienten por ti. Ahora, desde que vivo en
España, mucha gente me llama Susana, porque a casi todo el
mundo le cuesta pronunciar Tarja. Unos lo pronuncian de una
manera y otros de otra, así que, ya suelo presentarme como
Susana y de esta forma todo es más fácil. En la zona donde
vivo todo el mundo me conoce así.
Bueno… “Dark Christmas” es el segundo volumen de "From
Spirits and Ghosts (Score for a Dark Christmas)" del 2017,
que ya me pareció un trabajo muy interesante en su
momento, pero que luego no tuvo continuación hasta ahora
¿Por qué no le has dado más continuidad a este proyecto en
años anteriores, es decir entre el el 2017 y el 2023?
Bien, la verdad es que tanto “From Spìrits and Ghosts” como
“Dark Christmas” son álbumes en los que llevo trabajando
desde hace mucho tiempo. Y aunque parezca sencillo adaptar
canciones compuestas por otros artistas, lleva su tiempo, ya
que es complicado imaginar todo el proceso y todo lo que eso
conlleva. En ambos álbumes he trabajado con Jim Dooley que
es un compositor de bandas sonoras conocido por haber
trabajado como asistente de Hans Zimmer en películas como
Gladiator o Misión Imposible II y que compuso bandas sonoras
para películas como El Código Da Vinci o Madagascar. Él y el
productor Tim Palmer, con el que también llevo tiempo
colaborando, han sido los que han conseguido ese ambiente
oscuro que yo iba buscando para estas composiciones.
_Rocket| 09

Si te parece, vamos a meternos directamente en el
análisis del álbum; “Frosty The Snowman”,
“Wonderful Christmas Time” o “All I Want For
Christmas Is You” entre alguna otra más, tienen
coros de voces muy jóvenes, me atrevería a decir
que casi infantiles, que por cierto, van muy bien con
este tipo de composiciones, pero me pregunto de
quienes son esas voces y también querría saber si tu
hija ha colaborado contigo en este álbum o si al
menos has estado tentada de ofrecérselo.
Es gracioso, pero los coros de este álbum están
grabados por los alumnos del colegio al que va mi hija.
Digamos que este reto lo plantearon los propios
profesores como un proyecto de curso en el que los
niños realmente lo dieron todo. Fue maravilloso ver a
todos esos niños y niñas esforzándose por dar lo mejor
de si. Yo misma supervisaba algunos ensayos y
cuando vi que todo estaba listo, alquilamos un estudio
en Marbella, muy cerca de donde viven todos, y los
grabamos allí. Lo más gracioso es que ellos no lo
vieron como algo terrorífico, sino como un reto que les
ilusionaba mucho, y el resultado ha quedado
maravilloso con todos esos niños cantando ahí y
aportando mucha atmósfera a las canciones.
Canciones como “Holy Night”, o la propia “Dark
Christmas” son realmente épicas y además tienen
un background instrumental muy orquestal. Esta es
una tónica general en todo el álbum, ¿cómo y dónde
se grabaron estas partes y qué músicos lo hicieron?
porque entiendo que no has usado a tus músicos de
directo ¿verdad?.
No, toda la música de este disco fue realizada por Jim
Dooley. Obviamente no usamos una orquesta real,
sino que Jim la compuso y la grabó en su estudio.
Lo mejor de tus discos, indudablemente, es tu voz, y
esto queda muy patente en el hecho de que siendo
una artista rockera, en este álbum prácticamente no
suenan guitarras, o al menos con el protagonismo al
que nos tienes acostumbrados. Sin embargo, el
disco sigue siendo vibrante y muy poderoso, ¿a qué
tipo de público diriges este álbum?
Este disco está dirigido a mis fans de siempre. Creo
que muchos de nosotros podemos sentirnos atraídos
por un artista o por un grupo sólo por quién es. En mi
caso siempre he tratado de llevar una carrera muy
coherente y tanto la Tarja más heavy, como la más
oscura, sinfónica u orquestal, seguimos siendo la
misma persona y he tenido la suerte de que mis fans
siempre han estado ahí apoyándome. Además este
disco es bastante más accesible que el resto para un
público global, ya que no deja de ser un disco
navideño con un enfoque más o menos diferente y
original.
Este disco tiene un punto de oscuridad que
paradójicamente lo adorna, le da un toque de
distinción y lo embellece hasta convertirlo en algo
realmente épico, pero precisamente por tener ese
toque oscuro en un periodo socio-político mundial
histórico, en el que quizá la gente necesita un poco
más de luz, con todo este tema de la guerra de
Ucrania, el conflicto bélico de Israel y Gaza, la
subida de precio de los suministros básicos, el
encarecimiento de la vivienda, etc, que es un
momento en el que lógicamente la gente está más
agobiada y preocupada de lo habitual, ¿cómo crees
que va a encajar este álbum?
Este disco es oscuro, pero eso no significa que no
pueda ser un disco positivo. En la oscuridad también
hay belleza y en ocasiones, es mucho más impactante.
Estoy convencida de que es un disco pragmático.
porque mi estado de ánimo al grabarlo fue ese. Con el
tema de las guerras, la pobreza y todo lo demás,
parece que el mundo se está descomponiendo, pero
creo que es importante que cada uno de nosotros
mostremos nuestra cara más amable al mundo,
porque nunca se sabe que es lo que puede pasar
mañana. Esto es algo que no podemos controlar, por
eso digo que este álbum no está hecho para transmitir
sensaciones negativas o preocupar a la gente, sino
para ofrecer un pensamiento optimista y feliz.
_Rocket| 10

Habiendo interiorizado la canción “Last Christmas”
de la forma en la que mucha gente lo hicimos a
través del grupo Wham! y siendo esta una
composición del conocido cantante pop George
Michael, nos encontramos con un tema que tiene
variaciones armónicas que le dan nuevamente ese
punto oscuro necesario como para llevártelo a tu
terreno ¿por qué escogiste grabar esta canción y
cuando te diste cuenta de su potencial?
Si, además esta canción es la típica que siempre vas
escuchando al hacer tus compras navideñas dentro
de un gran centro comercial. ¡Lo hemos hecho tantas
veces!. Cuando propusimos hacerla, pensamos que
sería la que más llamaría la atención de todo el
repertorio, y así ha sido. También es la canción por la
que más nos pregunta la gente y la que
aparentemente más está gustando. Desde luego era
un reto tomar una canción tan conocida y llevarla a mi
terreno, ahí el trabajo de Jim ha sido de nuevo
fundamental para que la transición de la original a mi
estilo fuese realizada de una manera tan coherente y
personal.
En general, ¿cuánto tiempo te lleva seleccionar las
canciones que vas a grabar para un disco como este,
y después preparar su adaptación para cantarlas a
tu estilo?
Es difícil decir cuándo puede llevar, porque
normalmente siempre ando involucrada en muchos
otros proyectos y hago muchísimas cosas a lo largo
del año. Por ejemplo, y como ya te he comentado, ya
estoy trabajando en mi nuevo álbum de metal, y eso
me está ocupando gran parte del tiempo, además de
las giras, las presentaciones, la promoción, etc. En un
disco en el que interpretas canciones de otros
compositores, todo es mucho más sencillo, ya que
todas las canciones están compuestas de antemano y
no tengo que trabajar en eso, pero luego hay que
tener tiempo para adaptarlas y grabarlas. Si se hiciera
todo seguido, quizá no llevaría tanto, pero no sabría
cuantificar. Vamos a hacer algunos conciertos con el
repertorio de navidad y después me iré de vacaciones
a Finlandia con unos vecinos. Hemos alquilado una
cabaña y pasaremos allí unos días. Necesito también
algún tiempo para descansar.
“Dark Christmas” es precisamente la única canción
compuesta por ti para este nuevo trabajo. Háblame
sobre ella.
La canción la compuse muy rápidamente. Fue algo
que resultó muy espontáneo y orgánico. Me apetecía
mucho introducir una canción de composición propia
en el repertorio del álbum para que no fueran todas
adaptaciones de canciones clásicas. Creo que
mantiene muy bien la línea con el resto.
“componerlacanción“DarkChristmas”
paraelálbumdenavidadhasidoalgo
quesalióenunpardeminutos”
_Rocket| 11

Alguien me dijo que actualmente estás viviendo en
la Costa del Sol, muy cerca de Marbella, que es uno
de los sitios donde mejor calidad de vida hay en
España. Imagino que en Finlandia, donde todo es frío
y oscuridad, quizá sí tiene más sentido hacer este
tipo de álbumes oscuros, pero como ya llevas un
tiempo aquí, ¿has pensando alguna vez en hacer un
disco que refleje tu vivencia en España y que por
ejemplo, reconozca otro tipo de celebraciones más,
digamos, luminosas, como por ejemplo la llegada de
la primavera o el verano? ¿o a lo mejor las cosas
luminosas no son tan interesantes para tí o para tu
público?
Si, sin ninguna duda, el sitio donde vives te influye de
alguna manera a la hora de componer. España es una
gran fuente de inspiración para mí y eso se tiene que
ver reflejado de alguna manera en mis canciones.
Cuando vivía en Finlandia, recuerdo que me resultaba
muy complicado respirar; era horrible, hacía siempre
mucho frío. Incluso en verano, nunca hacía demasiado
calor y quieras o no, todo eso influye en el estado de
ánimo de las personas. Después viví en Buenos Aires
un tiempo y ahora en España. Cada país me ha dado
unas vivencias y una perspectiva de la vida que forma
parte de mi motivación a la hora de escribir canciones.
Volviendo al tema del álbum, hay que reconocer
que cuando hablamos de un disco navideño,
también estamos hablando de un disco con fecha de
caducidad, en el sentido de que contiene canciones
que escuchadas al margen de este periodo festivo,
parecen fuera de contexto ¿te has planteado esto
alguna vez?
Como ya te comenté antes, este es un disco que
puede escuchar cualquiera, en cualquier momento. Yo
no creo que sea un disco estacional, ya que está
repleto de canciones conocidas y que de alguna
manera son familiares y cercanas. Mi compañía
discográfica, earMUSIC, me va informando de que
“From Spirits and Ghosts” se va vendiendo de forma
regular durante todo el año. Espero que suceda lo
mismo con este “Dark Christmas”. Además este álbum
está mezclado en Dolby Atmos, lo que va a
proporcionar una experiencia sensorial muy diferente
a la que estamos acostumbrados. Actualmente hay
muchos trabajos que comienzan a mezclarse con este
sistema. La idea es hacer algunas presentaciones en
cines de todo el mundo donde se pueda apreciar esta
tecnología inmersiva, lo que hace que el álbum tenga
un plus de interés para un público melómano que
disfruta con la tecnología aplicada a los nuevos
trabajos discográficos y a quien quiere vivir una
experiencia musical diferente e innovadora.
A primeros de año te vimos en dos fechas
inolvidables en Madrid y Barcelona, pero te hemos
echado en falta en algunos festivales de verano,
viviendo como vives en España. La verdad es que
nos gustaría verte más veces tocando en vivo por
aquí…
Si, pienso exactamente igual que tú, pero esto hay que
preguntárselo a los promotores. A mi me encantaría
tocar más en España, así que a todos los promotores
que están leyendo esta entrevista; “no os olvidéis de
mi”.
Y para finalizar y como artista importante e
influyente, ¿Qué visión tienes sobre el mundo, lo que
nos rodea y qué piensas que pasará a nivel mundial
en los próximos meses?
Es verdad que parece que todo está yendo cada vez
peor. Nadie tiene asegurado nada y si te paras a
pensar, todo es bastante escalofriante e inestable. No
quiero pensar en ello, solo quiero seguir enfocada en
mi trabajo y en mi carrera, pero es verdad que el
mundo está un poco loco ahora y la incertidumbre
está ahí.
_Rocket| 12

MATTEO MANCUSO
“The Journey”
Mascot Label Group
Con una gran repercusión en sus redes
sociales y canal de Youtube, el jóven italiano
Matteo Mancuso, a la edad de 12 años ya
actuó en el Festival de Jazz de Castelbuono
en Sicilia y ha compartido escenario con una
gran cantidad de artistas de renombre,
siendo venerado por muchos otros (como
Stef Burns o Joe Bonamassa), logrando un
buen número de éxitos, debido a su
particular forma de imponerse a los
estándares y ofrecer una visión diferente de
lo que debe ser la guitarra contemporánea,
prescindiendo del uso de púas, y haciendo
gala de composiciones de carácter cálido,
una de las premisas de "The Journey"
(Mascot Records), su álbum debut, y desde
este momento, el de su edición, uno de los
mejores discos solistas de este 2023 que
finaliza en breve. Un viaje por la imaginación
infinita de un músico sin límites.
JOE BONAMASSA
“blues Deluxe Vol.2”
Mascot Label Group
Nada menos que 20 años han tenido que
pasar para que el prolífico Joe Bonamassa
se decidiese a entregarnos la segunda parte
de Blues Deluxe. Quizás, su mayor
acercamiento a su pasado, sus raíces e
influencias, que se desprenden descaradas
desde que comienza a sonar "Twenty-Four
Hour Blues", extendiéndose el sabor a todas
y cada una de las notas grabadas para esta
oda al género, de uno de los bluesman
modernos con tanto recorrido, como futuro.
Josh Smith es su aliado en producción para
esta ocasión, consiguiendo un sabor nada
sintético, clavando un resultado que hace
olvidar, o al menos, no echar de menos, la
mano de Kevin Shirley. De cualquier modo,
Bonamassa logra atraerte de nuevo con
coros, trompetas, sentimiento y una
cantidad inimaginable de recursos... ¡de la A
a la Z!. De John Mayall a Gary Moore,
pasando por Steve Ray Vaughan. ¡This is
blues!.
novedades discográficas
_Rocket| 14

LYNCH MOB
“Babylon”
Frontiers Records
Cuando Lynch Mob se formó a partir de las
cenizas de Dokken hace casi 35 años, su
propósito era servir como vehículo creativo
para el guitarrista fundador y homónimo,
George Lynch. Este sigue siendo el caso a
día de hoy, aunque en las décadas
posteriores, Lynch Mob ha evolucionado,
pasando de una banda adecuada a más o
menos "George Lynch and Friends". Su
álbum debut, “Wicked Sensation”, es un
clásico del rock duro. También lo es su
seguimiento homónimo de 1992.
Los lanzamientos posteriores han ido desde
bastante agradables (“Smoke and Mirrors”
de 2009) hasta absolutamente imposibles
de escuchar (“Smoke This” de 1999), lo que
nos lleva a este “Babylon”. En el alcance del
catálogo de Lynch Mob, “Babylon” está lejos
de ser lo peor que jamás hayan creado, pero
tampoco es “Wicked Sensation”. George y
los chicos han creado un álbum divertido
que seguramente satisfará a los más
incondicionales.
PRONG
“State Of Emergency”
Steamhammer
Si tienes cierta edad, estarás de acuerdo en
que, por alguna razón, los Prong de la ciudad
de Nueva York nunca han sido tratados con
los elogios que merecen. Aparte de una
pausa de cinco años entre 1997 y 2002,
Tommy Victor ha estado liderando su
siempre cambiante lista de compañeros de
banda en un viaje alternativo a través del
lado más pesado de la escena musical.
El nuevo disco está en la misma línea que
los lanzamientos posteriores a 2012,
tomando lo que hizo que “Cleansing” de
1994 fuera tan bueno y elevándolos a un
nuevo nivel. Los dos primeros sencillos,
“Non-Existent” y “The Descent”, ven a Prong
en su mejor momento de confrontación.
“The Descent” está lleno de riffs crujientes y
golpes rápidos y lo que Tommy describe
como un sonido de guitarra tecno-ruido
omnipresente.
Prong es el proyecto de Tommy Victor,
siempre lo ha sido, y cuando no toca en
Danzig, Ministry o Tapeworm, siempre es un
placer ver algo de esta banda.
_Rocket| 15

BRIAN SETZER
“The Devil Always Collects”
Madfish
Brian Setzer no inventó el rockabilly... es
más, ni tan siquiera lo ha evolucionado (que
si mezclado con otras sonoridades). Pero ha
sido tal su constante aportación al universo
musical al que pertenece, que parece
increíble que en pleno 2023 venga con un
álbum como "The Devil Always Collects" bajo
el brazo, y todavía nos sorprenda, divierta y
enseñe cual es el camino. Si sumas su
carrera solista, la de los Stray Cats y The
Brian Setzer Orchestra, hay más de 40
álbumes editados, y aún con todo, su nuevo
desafío al diablo es de tal consistencia, que
resulta ser un arma letal... cargada de fiesta,
autenticidad, poseedora de todos los
ingredientes que han llevado a Brian a ser el
icono mundial que es. Pregunta a nuevos
talentos influenciados por el americano,
como Michael Poulsen (Volbeat), si cosas
como "Rock Boys Rock" no le siguen
sirviendo como referencia. "The Devil Always
Collects" patea culos como pocos álbumes
del género actuales.
RIVAL SONS
“Lightbringer”
Atlantic Recording Corporation
Por segunda vez este año, Rival Sons han
regresado con material nuevo y explosivo
que parece reforzar lo que los fans
descubrieron en su primer lanzamiento de
2023: la banda ha entrado en una nueva era.
“Lightbringer”, producido por Dave Cobb,
llega como un álbum complementario de
“Darkfighter”, el disco de ocho pistas que se
lanzó en junio como el primer lanzamiento
de Rival Sons desde “Feral Roots” de 2019.
“Darkfighter” surgió como una exploración y
un desafío a los límites anteriores mientras
la banda buscaba redefinir lo que es un
álbum de Rival Sons. A pesar de todos sus
méritos (y hay muchos), “Darkfighter” es a
veces quisquilloso e implacablemente
honesto, ya que da voz a los tipos de
emociones que la gente a menudo intenta
evitar sentir. “Lightbringer” también tiene
algo de esto, pero el álbum suena menos
como si estuviera luchando con un peso
pesado y más como si se estuviera
preparando para despegar del suelo.
_Rocket| 16

DOKKEN
“Heaven Comes Down”
Silver Lining Music
Si "Heaven Comes Down" fuese el epitafio a
la carrera de Don Dokken, no dudéis que
mejor despedida es imposible, dada la salud
del propio vocalista. El nuevo disco de
Dokken, primero en casi una década desde
la edición del anterior "Broken Bones", no va
a pasar a la historia como sí hicieron sus
cuatro primeros trabajos (y "Up From the
Ashes" de Don en solitario), pero no hay
duda de que su nueva aventura en estudio
es lo más cercano a sus clásicos que ha
grabado desde la salida de George Lynch
del line-up.
Con Jon Levin como triunfador indiscutible
durante toda la escucha, el nivel
compositivo del álbum es alto. Varios
himnos que podrían pertenecer a su etapa
dorada ("Fugitive", "Gypsy", "Is It Me Or You?",
"Saving Grace", "Over the Mountain" o "I
Remember) son argumento para disfrutar de
medio álbum brillante, y otra mitad muy
disfrutable, que sin elevarnos al infinito,
mantiene el tipo y el peso de la escucha.
HELMET
“Left”
earMUSIC
A finales de los 80´s, el guitarrista y cantante
Page Hamilton fundó Helmet. El momento no
podría haber sido mejor. El metal tradicional
en sus diversos subgéneros estaba en
declive, lo que abrió una oportunidad a
nueva música. Bandas como Prong o Life Of
Agony, fueron parte de la creciente escena
en Nueva York junto a ellos, que fue una de
las bandas del momento con su mezcla de
noise rock y metal alternativo, lanzando los
excelentes álbumes 'Meantime', 'Betty' y
'Aftertaste'.
Para ser honesto, este disco no me encajaba
de primeras. Cierto es que ofrece todas las
marcas registradas y especialmente el
elemento ruidoso en su sonido, sin embargo,
las canciones no se asimilan con facilidad y
lleva un tiempo hasta que revelan todo su
potencial. A pesar de esto, Helmet presenta
un disco interesante que encarna el sonido
de la banda y también lo traduce a la era
actual, pero hay que ir quitando capa tras
capa para llegar a disfrutarlo por completo.
_Rocket| 17

OZRIC TENTACLES
“Lotus Unfolding”
Kscope Records
Aunque Ozric Tentacles son fruto del año
1984, tan solo Edd Wyne se mantiene dentro
de ese árbol genealógico inmenso que
envuelve a la banda inglesa y que no para de
crecer a cada paso que la magia se dispara,
la química se renueva y se juntan los
talentos para lograr maravillas sonoras
como "Lotus Unfolding", su nuevo álbum de
estudio. Llamadlo como queráis, pero
composiciones como "Storm in a Teacup",
no pueden encorsetarse en un género
concreto... ¿Rock Progresivo?... podríamos
aceptar barco, pero no es ni justo, ni
ajustado. No creo que la musicalidad,
atmósfera y texturas de "Crumplepenny",
por poner uno de los muchos ejemplos que
podría nombrar, sea pasto de ninguna
etiqueta, pero si lo es del buen gusto, la
calidad y lo grandilocuente.
Es de factura decir que la propuesta de
Ozric Tentacles no es para todo el mundo...
pero suponen todo un reto para aquellos
que creen haberlo escuchado todo.
H.E.A.T
“H.E.A.T (Reedición)”
earMUSIC
Cuando un álbum debut traspasa la barrera
del tiempo como el de los suecos H.E.A.T., es
signo inequívoco de que se han hecho las
cosas bien desde el inicio. Si ese éxito se
prolonga en el tiempo, sigues editando
excepcionales trabajos y te ganas al público
como lo han hecho ellos, se llega a las
celebraciones. Y eso es lo que han hecho los
suecos con la cuidada edición digipack del
trabajo de 2008, dotando de más calidad lo
que de por sí, era brillante. Un verdadero
regalo a sí mismos y a los fans.
Remezclado por la propia banda, indicativo
de la importancia del álbum a nivel interno,
el sonido, remodelado con mucho más
cuerpo y presencia, nos hace viajar en el
tiempo y volver a revisitar clásicos
contemporáneos como "Never Let Go",
"There For You" o "Keep On Dreaming". Seis
bonus tracks de versiones alternativas
adornan esta reedición imprenscindible en
cualquier fonoteca del hard rock.
Esta banda está llamada a escribir con letras
de oro los éxitos de su carrera.
_Rocket| 18

TARJA
“Dark Christmas”
earMUSIC
Fascinante trabajo que marca el comienzo
de la temporada festiva con grandes dosis
de oscuridad y misticismo, y donde la
artista da nueva vida a estos clásicos
envolviéndolos en arreglos espeluznantes.
Esto crea una atmósfera única que lleva al
oyente a un mundo alternativo y misterioso.
Canciones como “ Last Christmas ” de Wha
m!, “All I Want For Christmas Is You” de
Mariah Carey y “Wonderful Christmastime”
de Paul McCartney se convierten en
creaciones completamente nuevas que
suenan familiares y sorprendentemente
diferentes.
La poderosa combinación de la voz clásica
de Tarja con una gran orquesta y un coro de
niños, le da a las canciones una dimensión
épica. Los arreglos son magistrales y dan a
las piezas profundidad e intensidad. Las
influencias góticas oscuras son sutiles pero
presentes, lo que le da a las canciones un
carácter único que las distingue de las
grabaciones navideñas tradicionales.
TRIUMPH OF DEATH
“Resurrection Of The Flesh”
Noise/BMG
Una joya para los amantes de lo extremo
bajo el nombre de Triumph of Death, banda
creada por Tom G. Warrior exclusivamente
para recrear material clásico de su proyecto
Hellhammer. Apodado "Resurrection of the
Flesh", se grabó en tres shows diferentes,
Hell's Heroes Festival de Houston de
Estados Unidos, Dark Easter Metal Meeting
en Múnich y el SWR Barroselas Metal Fest de
Portugal. Y nos hemos dado de boca contra
uno de los mejores álbumes en vivo de
metal extremo de los últimos años, con sus
fallos de sonido, su picos, bajadas... y una
fuerza alucinante en la que la sinergia que se
genera sobre el escenario llega intacta a los
oídos de los seguidores más
experimentados en materia Tom.
La portada de Daniele Valeriani, casi se
puede asociar a la marca desde un primer
vistazo, pero es que la edición en Deluxe
Mediabook de este lanzamiento, luce
todavía más el espectacular y cuidado
resultado final. Un futuro clásico. Imperdible.
_Rocket| 19

W.A.S.P.
“The 7 Savage”
Snapper Music
Estos días son especiales para cualquier fan
de la primera y más exitosa etapa de
W.A.S.P., ya que el sello Madfish acaba de
poner a la venta el que podría ser el sueño
máximo (por no decir el más húmedo) de
todo seguidor de la banda de Blackie
Lawless. Lleva el nombre de "The 7 Savage",
y se trata de una caja retrospectiva en la
que encontramos todo el material editado
por la banda desde 1982 a 1992, en formato
vinilo, con algunos extras de gran interés,
especialmente para aquellos que no podían
haber recopilado todas estas joyas en el
mercado de segunda mano, o compradas en
sus correpondientes años de edición. Y es
que es ver el gran tamaño del box, el
logotipo clásico de los americanos en
satinado sobre el fondo rojo mate, y las
emociones empiezan a agolparse en nuestra
cabeza. W.A.S.P. siempre fueron una
atracción más allá de su música, y el
sentimiento que generaron a toda una
generación de metalheads ha trascendido
en el tiempo, por lo que el material aquí
incluido es de una importancia muy alta,
tanto para los coleccionistas más pro, como
para aquellos que necesiten revisitar unos
años dificilmente igualables. Diez años
cubiertos de magnificencia. Solo lo mejor.
_Rocket| 20

El estuche rojo sirve de slipcase gigante
para una caja rígida interior con acceso fácil
al contenido, que recoge todo el valioso
material. Un libro tamaño vinilo de tapa
negra, de 60 páginas, con el logo de la
banda impreso sobre un fondo negro, da la
bienvenida a una gran cantidad de
fotografías (algunas de ellas registradas por
nombres como Ross Halfin, Tony Mottram,
David Plastik o Paul Natkin) y textos (de la
mano de gente como Amit Sharma de
Kerrang!) sobre la historia de la banda,
conteniendo ilustraciones, recortes de
revistas y un sinfín de imágenes de las que
no os haré spoiler, pudiendo adelantar que a
los más veteranos seguidores les sonará
casi todo el contenido de sus páginas, con
el aliciente de tener toda esa memorabilia
reunida en un único pack. Una sierra de
cartón con el número de la caja (se han
fabricado 2000 unidades) nos hace sentir
que la exclusividad está de nuestra parte, y
que lo que tenemos entre las manos no será
fácil de poseer en un futuro, a no ser que te
des prisa y corras a por ello ahora que se
acaba de lanzar. Y a partir del punto en que
hemos sacado de la caja (que está muy bien
ensablada) todo el material gráfico, póster
de Lawless incluido, en papel o cartón,
empezamos a extraer sueños, vida,
recuerdos, emociones... el debut, de 1984
contiene una prensa exactamente igual a la
del lp original, con unas calidades top en
material, vinilo de 140 gramos, y
remasterizaciones que han conseguido que
el sonido sea más grueso, por decirlo de
algún modo. Unos preferirán el sonido
original, pero lo que está claro es que "The 7
Savage" ha venido para ofrecer nuevas
perspectivas de un pasado glorioso, y de
haberse incluido el máster original, sin más,
hablaríamos de un único afán de hace caja
sin esfuerzo, algo que, afortunadamente, no
ha sido así. Aquí el más importante es el fan.
_Rocket| 21

Lo mismo ocurre con "The Last Command"
del 85. El inserto es calcado al de la prensa
original, con esas cabezas empaladas que
tanto nos llamaron la atención en la
adolescencia y que hacía lucir a los chicos
de W.A.S.P. más amenazantes que nunca
tras sus litigios con el PMRC, y el tacto...¡ufff!.
Poder estrenar de nuevo el artwork, poner la
aguja sobre el primer surco y sonar "Wild
Child", es una sensación que uno no se
cansaría de repetir una y otra vez. La
pegatina central es una réplica exacta de
algunas ediciones originales, que no de la
que yo poseía... ya se sabe. Depende del
país del que venga tu copia. Un detalle a
tener en cuenta, es que las fundas
exteriores están tintadas de negro en su
parte interna, algo que le da un valor extra a
las trabajadas nuevas ediciones de Madfish,
y que dan un extra de exclusividad al box
set. "Inside the Electric Circus", a pesar del
poco apego que suscita en Blackie Lawless
y Chris Holmes (aún a día de hoy), vuelve a
ser una réplica minuciosa y mimada del
original de 1986, mientras que la de "Live...in
the Raw" es la más impresionante de todas,
y es que incluso alguna edición reciente no
conservaba del todo la esencia de un
trabajo gráfico realmente impactante.
Seguramente, uno de los artwork que más
observé al milímetro cuando era niño, y que
ahora podré volver a estrenar para deleite
de mis oídos, mi tacto y mi vista. Ese tono
ensangrentado que tiñe al lanzamiento se
siente perfecto para uno de los mejores
discos en directo de la historia. Antológico.
Con el álbum del cambio de rumbo, "The
Headless Children" del 88, sucede lo mismo,
y esa calavera central dando vueltas en el
plato de nuevo es todo un lujo, mientras que
para "The Crimson Idol" han tenido la
delicadeza de dividirlo en un doble vinilo,
pero no incluir un doble gatefold. La anterior
edición de Madfish en vinilo rojo, era
sencilla, pero para esta ocasión han
decidido darle mayor calidad de audio y
dividir el disco conceptual en dos lp's, que
podrías considerar como dos actos y que
narran el viaje de Jonathan, y también el que
“The 7 Savage" quiere que hagamos y
disfrutemos.
_Rocket| 22

"The Great Misconceptions of Me" despide
una época marcada por la gloria, el éxito y
unos trabajos indispensables para entender
la historia de la propia banda y del heavy
metal. Para los más exigentes, el box incluye
un vinilo con una selección de “B-Sides”, las
cuales ya eran parte de un gran número de
reediciones (algunas del mismo sello) que
gozaban de estos temas como Bonus
Tracks.
Se agradece que el equipo de Madfish haya
respetado los álbumes originales, y hayan
recopilado todas estas gemas en un vinilo
independiente. Trallazos como "For Whom
the Bell Tolls" (que apareció como B-Side de
"Mean Man", y que luego mutó a "The Gypsy
Meets the Boy" de "The Crimson Idol") o
"Lake of Fools" no son precisamente temas
menores, y tenían que hacer acto de
presencia para la nueva caja. Como lo
deberían haber hecho "Live at the Lyceum" o
el EP por separado de "Animal (Fuck Like a
Beast)", pero todo no se puede tener, y cada
uno pegaríamos el tirón de orejas por lo que
nosotros exigiríamos, pero lo que está claro
es que lo que hay contenido en "The 7
Savage" es lo que debe estar y ser, y lo hace
del mejor modo posible, es decir, con un
tratado en materiales y sonido exquisito. Por
y para el fan.
_Rocket| 23

Texto: Jimmy Kay/Alan Dixon/Costner/ Fotos: archivo
EL LÍDER DE WASP, BLACKIE LAWLESS, SE SOMETIÓ A DOS CIRUGÍAS PARA TRATAR
DOS HERNIAS DE DISCO Y UNA VÉRTEBRA ROTA. LAWLESS HIZO UNA DECLARACIÓN
A TRAVÉS DE LAS REDES SOCIALES: "ACABO DE TERMINAR MI CIRUGÍA DE ESPALDA
HOY Y TODO ESTÁ BIEN, ¡LA CIRUGÍA FUE UN GRAN ÉXITO! EL DR. DIJO QUE ESTABA
MUY CONTENTO Y QUE LOS RESULTADOS FUERON GENIAL. AHORA A DESCANSAR
UN POCO. GRACIAS A TODOS POR TODO EL APOYO". ¿SERÁ ESTE EL FINAL DE UNO
DE LOS ICONOS MÁS RELEVANTES DEL HEAVY METAL DE LOS ÚLTIMOS 40 AÑOS?. ÉL
MISMO NOS LO CUENTA...
_Rocket| 25
Blackie
Lawless

En primer lugar, me gustaría saber cómo te
encuentras, ya que últimamente han trascendido tus
problemas de salud…
Es un largo camino. Cuando empiezas a enfrentarte a
problemas de salud, que por otra parte ya llevas
arrastrando a lo largo de los años por el tipo de
actividad que realizas y que es una consecuencia
bastante común, te das cuenta de que llevas
trabajando con el mismo fisio desde hace 30 años y no
bromeo si te digo que al final de cada tour, tengo que
ir a tumbarme a su camilla y decir “arréglame”, porque
ya sea cualquier banda que lo de todo sobre el
escenario, cualquier atleta, cualquier bailarín o lo que
sea, llegará un momento en el que tendrás lesiones.
De todas formas, en esta ocasión me he sentido
especialmente mal y aunque esto te abre bastante los
ojos, estoy luchando bastante porque no hay dos
maneras de arreglarlo. Afortunadamente tengo a la
mejor gente del país trabajando en mi. Son gente
fantástica y avanzamos hacia el lugar al que queremos
ir, así que considero que las cosas van bien…
¿Tienes un plazo ya previsto para volver al negocio
después de tu rehabilitación?, ¿seis meses?, ¿un
año?.
No… he tenido dos operaciones, la primera fue a
mediados de agosto y la última dos semanas después,
entonces tienes que pasar por un periodo de curación
de unas cuatro semanas y a partir de ahí ir a
rehabilitación de fisioterapia y entonces es ahí cuando
comienza el verdadero trabajo de fondo porque no sé
decirlo de otra manera, pero ya conoces a alguien que
ha pasado por rehabilitación seria antes y es un
desafío porque yo he sido una rata de gimnasio toda
mi vida, he vivido constantemente en un gimnasio,
pero hay una diferencia entre hacer esto y hacer lo
que haces en un gimnasio, porque cuando estás en un
gimnasio normalmente te concentras en repeticiones,
esto no, ya que una combinación de Yoga, Pilates y lo
que normalmente harías en un gimnasio y los
movimientos son considerablemente más lentos y
están diseñados para apuntar a músculos específicos.
Seguro que has escuchado la expresión ¿sabes que
estás usando músculos que ni siquiera sabías que
tienes? eso es realmente lo que es y especialmente
sabes que para alguien que ha estado en un gimnasio
durante tanto tiempo en su vida, comenzar a usarlo de
maneras que nunca antes había usado, es una
experiencia reveladora, por decir lo menos, y es
frustrante en muchos sentidos porque estás tratando
de hacer cosas que en un momento ni siquiera habías
pensado y luego intentas hacerlas ahora y es como si
hubiera ciertas cosas que simplemente ganaron. No
funciona y el truco es que mantienen una de las cosas
que me enfatizaron cuando empezamos este
concepto de activar los músculos, porque lo que
sucede cuando tienes lesiones es que los músculos
literalmente quieren irse a dormir y por eso el truco
consiste en excitarlos sin que se sientan agredidos.
Pudimos verte en las fechas de Madrid y Barcelona y
dio la impresión de que intentaste todo lo
humanamente posible solo para mantener los
shows…
_Rocket| 26

Lo primero que pasó fue que quiroprácticos locales
venían a todos los shows para darme un seguimiento
completo. Hace 10 años me rompí el fémur derecho y la
rotura fue horrible. Salí de la parte trasera de un camión
y caí sobre una pila de ladrillos y fue como caer sobre
cuchillos afilados y el fémur se rompió en el lado
derecho aproximadamente dos pulgadas debajo de la
cadera y se partió a lo largo hasta la rodilla. Fue una
rotura desagradable.
Tengo una varilla de titanio de 18 pulgadas puesta ahí, y
esa lesión tardó aproximadamente un año en sanar. Usé
un alza de un cuarto de pulgada en mi zapato derecho
durante nueve años después, y el pasado verano fui a
hacerme una tomografía computarizada y las dos
piernas estaban a menos de un milímetro de diferencia
entre sí, así que se determinó que ya no necesitaba ese
alza y por consejo de un médico, me lo quité, lo cual fue
un gran error debido a lo que había sucedido en esos
nueve años, ya que el cuerpo había compensado,
entonces mi pelvis giró hacia adelante, ya sabes, por
usar ese alza, y luego, cuando quité el alza, el cuerpo no
supo qué hacer y tratando de reajustarse, hizo que mi
espalda se empezase a cargar.
Cuando tocamos en Madrid, me atendió un quiropráctico
que era increíblemente fuerte. Honestamente pensé que
era un gorila. No hablaba nada de inglés y como me
estaba haciendo mucho daño, traté de hacer que se
detuviese y como no me entendía, tuve que empezar a
pelearme literalmente con él para que se detuviera. Ahí
se rompió uno de los discos de mi espalda. Nunca había
tenido una rotura de este tipo antes y no sabía de la
magnitud del dolor. Había oído hablar de ello, pero hasta
que no lo piensas, no puedes imaginar cómo es y el
dolor va desde tu espalda baja hasta tu pierna, llegando
a tu tobillo e imagina, quiero decir, la mejor manera que
podría describirlo sería imaginar las dos peores cosas
que hayas tenido y no puedes detenerlo y es
increíblemente insoportable, así que encontramos otro
lugar de medicina deportiva en Berlín y comenzaron a
tratarme y comenzaron a darme epidurales para
quitarme el dolor.
Me pusieron ocho para ayudarme con la gira, pero lo
cierto es que me recomendaron que la detuviera y
realmente no quería hacer eso, quiero decir, hay
personas que compran tickets, la gente espera mucho,
hacen planes de viaje, sabes que vuelan, hacen todo tipo
de cosas, quieres hacer lo mejor que puedas para no
interrumpir eso si no es necesario, por no mencionar,
que se trataba de la gira del 40 aniversario y sólo tendré
una vez para hacer esto en mi vida. Además todos
vivimos la situación del Covid, todos tuvimos tres años
en los que no pasó nada y, sinceramente, tengo
alrededor de 30 familias que dependen de mí, ya sabes,
entre los miembros de la banda, el equipo de gira, los
trabajadores de oficina y cosas así, entonces, ¿cómo le
vas a decir a la gente que te duele la espalda y que no
tienes ganas de tocar? Realmente no puedes hacer eso,
así que en Berlín me aconsejaron que detuviera la gira y
dije, bueno, yo pensé; ¿qué tan malo puede ser? Dije: tú
haz lo tuyo y yo haré lo mío y trataré de capear el
temporal. Los profesionales me aconsejaron que no lo
hiciera y entonces tu no entiendes que esto va a
empeorar si no te detienes y pensé, bueno,esto es solo
_Rocket| 27

que están siendo demasiado cautelosos, pero mi
decisión hizo que se acabara rompiendo un segundo
disco y ahí fue ya cuando acabé de hacerme polvo la
espalda, así que hicimos bien la gira excepto en los
últimos cinco shows, donde literalmente, tuve que
sentarme en una silla para terminar porque no podía
levantarme. Ya no. Llegamos a casa cuando acabó la
gira e inmediatamente fui con los chicos ortopédicos y
me dijeron que tenían que hacer esto y que sino lo
hacía, iba a estar en una silla de ruedas un mes, así que
en el lapso de dos semanas tuve dos cirugías
importantes y eso nos lleva prácticamente al punto en
el que estamos ahora, en el proceso de arreglarlo todo,
porque como ya he dicho, los médicos que trabajan
para mí son los mejores del país y estoy muy
agradecido por eso, pero ya sabes, he pasado por
fisioterapia antes y es un camino difícil, porque como
dije, va a doler, no hay dos maneras de hacerlo, pero
tienes que hacerlo para volver a donde necesitas estar
y que tu cuerpo esté bien.
¿Sabes que hay gente que se ha suicidado por dolor
de espalda?
Es curioso que digas eso porque me advirtieron sobre
eso en Berlín, porque quiero decir, agárrate al
sombrero, pero para pasar esta gira, te voy a contar los
hechos. Para alguien que lea esta entrevista, podría
serles de ayuda porque una de las cosas que me
dijeron es que la gente se suicida por esto. Es tan malo
que hasta que no has pasado por esto, no eres capaz
de entenderlo. Insoportable, es una palabra que lo
podría describir, pero es peor que eso, es algo de lo
que no puedes escapar. En el transcurso de esa gira,
tomé 340 tabletas de opio para superarla y hubo
momentos en los que tomaba cinco tabletas por
noche. Eso me permitía acabar el show y después me
trataban para recuperarme, pero se irritaba tanto, que
había momentos en los que no podía dormir hasta el
mediodía del día siguiente. Eso era algo bastante
común, es como si no hubiera ninguna posición en la
que puedas detenerlo, y estás ahí acostado
terriblemente dolorido y empiezas a escuchar en tu
cabeza lo que esos médicos me dijeron sobre las
personas que se suicidan por este problema y
empiezas a entender que lo que me ayudó a superarlo
fue el saber que eventualmente mejoraría, pero si
fuera una situación en la que alguien no tuviera
esperanzas, no creo que puedas vivir tu vida así,
simplemente no valdría la pena. Soy alguien que ama
mucho la vida, pero cuando estás lidiando con algo así
que es ineludible, ciertamente podría entender cómo
alguien mirase el suicidio como alternativa.
Estoy tratando de imaginar ese vuelo de regreso
desde Europa, quiero decir, es un vuelo largo que
debió ser insoportable…
Bueno, como dije, tuve ayuda, vamos a ponerlo de esa
manera, sé cómo ayudarme a superar todas esas
cosas y es como, pero ya sabes lo que apesta, no soy
un consumidor de drogas recreativas, nunca lo he sido.
sabes, soy el tipo de persona que me gusta mi ingenio,
sabes, y me gusta pensar con claridad y tener que
estar constantemente drogado porque eso es lo que
se reduce, ya sabes, simplemente poder superarlo,
sabes, me dijeron que cuando salí de la primera
cirugía, dijeron que todo el dolor desaparecería y me
pareció muy difícil de creer porque había estado
alrededor de 3 meses en ese proceso. 3 meses es una
eternidad. cuando estabas pasando por eso y me
desperté en recuperación y tenían razón, el dolor había
desaparecido y fue como, vaya, qué concepto volver a
ser normal... y luego la mala noticia fue que vinieron,
¿sabes? recuperación y dijo bueno, sabes que esta
cirugía salió bien y estamos felices, pero te harán otra.
“tengoalrededorde30familiasquedependendemí,
yasabes,entrelosmiembrosdelabanda,elequipo
degira,lostrabajadoresdeoficinaycosasasí”
_Rocket| 28

En realidad, no es lo que quieres escuchar mientras
estás en recuperación porque estás pensando: "Está
bien, hemos superado este obstáculo ahora que
estamos en recuperación y en fisioterapia y ahora es
cuesta abajo desde aquí, pero como dije, dos semanas
después, tuvieron que regresar y aquí estamos, así
que, considerándolo todo, he sido muy bendecido.
Entonces, ¿te ves en los escenarios de nuevo dentro
de un año?
¡O menos!, me refiero al ritmo al que me tienen ahora...
ahora estamos trabajando la rodilla izquierda y para
ello hay que estirar bastante la espalda, mi rodilla
izquierda está a unas 10 pulgadas de tocar mi hombro
izquierdo, me dijeron que cuando terminen conmigo,
mi rodilla izquierda tocará mi hombro derecho. Yo me
reí y dije, bueno, no podía hacer eso antes de la cirugía,
ya sabes. Una de las cosas que me dijeron fue que se
sorprendían constantemente al ver lo que estaba
haciendo allí porque dijeron que mi flexibilidad es
realmente buena porque a medida que las personas
envejecen la pierden y además cuando eres alto,
porque mido 1,96 cms, no tienes la flexibilidad que
tiene la mayoría de la gente y eso lo atribuyo a lo que
hacemos en el escenario porque te mantiene ágil
durante este período de tiempo, además cuando
entras en rehabilitación lo hace más fácil porque la
memoria muscular está ahí todo el tiempo. Llevo años
haciéndolo y todo eso, quiero decir, me dicen que
están emocionados, me frustro porque literalmente
quiero correr, ya sabes, y hay cosas que quiero hacer
que les pregunto. Digo; ¿podemos acelerar esto? y
ellos sacuden la cabeza, “No, todavía no estás listo
para eso” y aunque lo sabes de sobra, no puedo evitar
sentirme ansioso por continuar, pero si me dicen que
no, debo esperar. Me dijeron, “si sigues el plan de
trabajo, llegarás a donde quieras, solo confía en
nosotros”.
Wasp anuncia la caja "7 Savage" con ocho LPS de
1984 a 1992 de vuestros años en Capitol Records. Es
una edición limitada a 2.000 copias en todo el
mundo. Cuéntanos sobre esta caja, por qué ahora y
qué espera la gente con respecto a la calidad del
sonido de esta nueva caja en comparación con lo
lanzado en el pasado.
Los primeros álbumes de la banda, pasados por el
tamiz de la tecnología, han mejorado esas grabaciones
hasta mejorar su experiencia de escucha. Básicamente
esta mejora lo que hace es refrescar la grabación y
terminas escuchando cosas que tal vez no escuchaste
en las primeras ediciones. Está claro que si las mezclas
son correctas, puedes escuchar espacios en ellas,
simplemente cosas que no habías escuchado antes, y
la cuestión es que para la persona promedio suena
mejor y más rico, así que esa es la ventaja de esta
edición.
_Rocket| 29

Siempre he dicho que en España ha habido dos
bandas que, sin discusión, fueron dos pasos más
allá y se adelantaron a su tiempo, o quizás,
equipararon lo nacional respecto a lo que venía de
otros países. Me refiero a Sôber, y por supuesto, a
Hamlet. Los madrileños no siempre lograron estar
en el candelero, y en cierto modo, su historia
recuerda a la de Pantera.
Un álbum grabado con Dro (“Peligroso”)
totalmente alejado de su propuesta de futuro, no
fue la carta de presentación más alentadora para la
banda y su ascenso, que tras quedar muy
insatisfechos con el resultado final de su ópera
prima, se pusieron manos a la obra y volvieron en
1994, con un álbum deudor del sonido de la época,
nada vinculado al grunge y sucedáneos, innovador
y cargado de influencias que iban del thrash metal,
al groove, pasando por fusión con rap o pinceladas
funk... lo que muchos llamarían después "nu
metal", pero sin haber surgido ni tan siquiera esa
etiqueta. Hablamos de 1994, amigos. La bestia
había nacido, y esa amenazante menor de edad de
la portada, aporta más peligro en su mirada que
todo el álbum anterior completo (si me permitís
jugar con su nombre). Algo ocurrió en el entorno
Hamlet para que viajasen a los Morrisound
Studios (Florida) y dejasen su sonido en manos de
Tom Morris, cuando no existían los "home studio",
y si querías un producto niquelado, debía ser
convenientemente pagado y manipulado, sin
compresiones extremas, optimizaciones digitales ni
todas las facilidades que hoy nos encontramos en
cualquier cuartucho de registro supuestamente
profesional. Por el momento, todo lo que
escucharemos en "Sanatorio de Muñecos", es
pura artesanía.
Aportación
épica del
ROCK PATRIO
Texto: José Ramón Rojo/Fotos: Archivo/Estefanía Durán
_Rocket| 30

_Rocket| 43
que Molly muestra una gran personalidad,
impronta y ataque desgarradores... "Sacrificar",
"Quién" o el groove de "Eso sí lo Haces Bien", son
el Santo Grial de todo lo que vendría después en su
carrera.
"Sanatorio de Muñecos" fue la catapulta de
Hamlet a vender miles de copias de discos que han
marcado la historia del metal en España como
"Revolución 12.111", "Insomnio" o "El Inferno",
llevando el crecimiento, la experimentación y la
innovación, siempre a otro nivel desconocido para
todos los que les siguieron después y durante.
Aunque álbumes posteriores como "Pura Vida" o
"La Puta y el Diablo", creo que superan a este
"Sanatorio de Muñecos" en aspectos técnicos
(gustos personales, supongo), no hay duda de que
el segundo disparo sonoro de Hamlet es, ha sido y
será, el pilar sobre el que se sostiene gran parte de
la música dura de nuestro país. Pionero, fresco y
con un mensaje, dureza y crudeza que, a día de
hoy, no ha sido ni desbancado, ni desligado de su
vigencia. "Sanatorio de Muñecos" es un álbum de
esos considerados eternos. De esos que te ves
escuchando cuando pasen otros casi 30 años.
No hay nada de malo en pensar que "Irracional"
sea de los temas más hardcore, sencillos y poco
enrevesados del segundo álbum de los madrileños.
Es tal la convicción con la que Molly escupe cada
verso, que supone ser la perfecta introducción a la
locura. Luis Tárraga sabe lo que quiere, y como
principal compositor, nos deja a todos
descolocados...¿qué venía después?. Un "Perdón
por Vivir" oscuro, deudor en sus riffs de los
mismísimos Obituary, pero incluyendo partes
semi-rapeadas, ante una avalancha de naturalidad
escupida por una base rítmica atronadora como la
de Augusto Hernández y Pablo Gianni.
El apartado letrístico es realmente brillante,
dejando bien patente que da igual el idioma en que
se grabó el lp...la producción de Tim es tan
orgánica que podría servir a los propios Pantera,
Fight (la banda de Rob Halford) o Fear Factory...
teníamos un producto de primera, hecho en
España.
Sin complejos. Animaladas como "Reza", duelen
como si te diesen con un palo en la cabeza, y esos
riffs, primos-hermanos de lo que podíamos
escuchar en bandas como Ministry o Prong, son
pura dinamita. Se asientan unas bases entre las
_Rocket| 31

CARNIVORE
“Carnivore”
Roadrunner Records
"La gente no entiende el cabello ni el cuero, pero os digo
que no podría vivir mejor. No temo a nada con mis
hermanos a mi lado, jódenos y es tu suicidio". Cuando se
trata de la siempre legendaria escena de thrash, speed,
hardcore y death metal de Nueva York, pocos músicos,
si es que hay alguno, dejaron una huella tan indeleble en
el metal como Peter Steele. Sus inicios en Fallout, y más
tarde en Carnivore, contrastaron fuertemente con su
carrera posterior en Type O Negative, pero no son
menos significativos ni menos grandiosos musicalmente.
El álbum debut de Carnivore, publicado en 1985, se
mezcló originalmente de forma desastrosa, pero
actualmente existe una remasterización de 2001 que
permite apreciar ligeramente mejor, el tsunami musical
de este proyecto.
Justo antes de su prematura muerte en 2010, su líder
Pete Steele reflexionó sobre el legado de la banda y
afirmó: “La gente ha entendido completamente mal a
Carnivore. La cuestión es que a veces hay que molestar
a la gente”. Formada en Brooklyn, Nueva York en 1983,
Carnivore manifestó esa declaración de misión con
aplomo, y uno se pregunta si a una banda así se le
permitiría existir en el clima actual.
Lanzado originalmente en 1985, este álbum debut
homónimo es una feroz muestra de un crossover nihilista
de corta duración en formato trío. Quizás el músico más
conocido sea el bajista y vocalista Pete Steele, quien
encontraría un mayor éxito con Type O Negative a partir
de 1990 y hasta su muerte en 2010.
TRACK LIST
1.Predator
2.Carnivore
3.Male Supremacy
4.Armageddon
5.Legion Of Doom
6.God Is Dead
7.Thermonuclear Warrior
8.World Wars III and IV
TRACK LIST
1.Predator
2.Carnivore
3.Male Supremacy
4.Armageddon
5.Legion Of Doom
6.God Is Dead
7.Thermonuclear Warrior
8.World Wars III and IV
ESENCIAL
EL ÁLBUM
_Rocket| 33

Aquellos que no estén dispuestos a escuchar más
allá de lo superficial quedarán horrorizados por el
contenido lírico, pero escuchen un poco más de
cerca y escucharán la lengua de Pete pegarse
firmemente a su mejilla mientras pronuncia
algunas de las líneas más coloridas del álbum.
Para los que sólo están familiarizados con el
trabajo posterior de Steele, en el que su entrega
vocal era lenta y rezumante, es muy posible que
lleguen a sorprenderse al escuchar aquí sus
ladridos parecidos a los del mismísimo Cronos
(Venom). La presentación de Pete Steele puede
ser diferente, pero la redacción es
innegablemente, ya que prolonga sus palabras y
hace énfasis patentados y ampliamente
conocidos.
“God is Dead” y “Legion of Doom” son dos
auténticos himnos, el primero construido
alrededor de un riff de metal clásico y galopante
que no se estaría fuera de lugar en un disco de
Motörhead, y el segundo un himno motero con
arranque de motor incluido.
La preocupación por la guerra total y las
consecuencias de la aniquilación de la
humanidad domina gran parte de este álbum (y
del siguiente, que seguramente fue más punk), un
tema que habría inspirado a las bandas de Doom
de los años setenta y principios de los ochenta,
después de Black Sabbath.
Hay muchos riffs lentos y glaciales que se
escuchan a lo largo del disco, mezclados con
explosiones feroces: “Carnivore”, “Armageddon”
y “Thermonuclear Warrior” comienzan con
compases de guitarra laboriosa antes de lanzarse
a melés de frenesí. “Armageddon” incluso logra
inculcar algunos bajos confusos que bien podrían
haber inspirado a los muchachos de Electric
Wizard.
La batería de Louis Beateaux, que luego tocaría
en el álbum “Cause for Alarm” de Agnostic
Front, se conecta con el bajo de Steele para
crear una base rítmica sólida como una roca
sobre la cual Keith Alexander puede diseñar sus
aplastantes riffs. “Male Supremacy” y “World
Wars III & IV” presentan algunos tonos de
guitarra inesperadamente fascinantes que están
tan cargados de gancho que los estarás
tarareando durante días.
Controvertido y conflictivo, Carnivore buscaba
provocar. Es una pena que sea poco probable
que volvamos a ver gente similar, ya que hoy, por
desgracia, nadie reivindica nada como se hacía
entonces.
Este trabajo está bastante lejos de lo que Steele
haría después, pero su debut es una pieza de
thrash extremadamente sólida que deja su huella
de bota en tu culo durante mucho tiempo.
Mientras cosas como “Darkness Descends” y
“Peace Sells” salían casi al mismo tiempo y
masacraban a la gente con sus propias marcas
de thrash, el viaje cruzado de Carnivore en la
línea de “Speak English or Die”, fue una versión
bastante refrescante e hilarante del género. Sin
duda, un álbum muy recomendable.
_Rocket| 34

PRONG, LOS VETERANOS DE LA MÚSICA HEAVY, REGRESAN CON EL
LANZAMIENTO DE SU DECIMO TERCER ÁLBUM DE ESTUDIO “STATE OF
EMERGENCY”, LLENO DE RIFFS MARCA DE LA CASA. MÁS DE 30 AÑOS DESPUÉS,
SIGUEN PRODUCIENDO SU DISTINTIVA MEZCLA DE METAL, PUNK, POST-PUNK,
NOISE, DOOM, BLUES, THRASH Y MÁS. HEAVYMUSIC HQ CONVERSÓ CON EL
VOCALISTA, GUITARRISTA Y FUNDADOR DE LA BANDA, TOMMY VICTOR, SOBRE EL
NUEVO MATERIAL, VERSIONES, SU SOBRIEDAD Y MÁS.
Texto: Brendan Crabb/Costner/ Fotos: archivo
_Rocket| 35

El sonido de Prong típicamente ha unido varios
estilos de música heavy, y el nuevo álbum no es una
excepción. ¿Es ese típicamente uno de los objetivos
cuando escribes un disco: mostrar esa diversidad?
No sé si es una “meta”, es una característica que
puede surgir naturalmente. A veces desearía que
Prong fuera menos variado. Muchas bandas de gran
éxito limitan su marco y creo que es por una razón. Es
más fácil comercializar el producto de esa manera.
Simplemente no puedo copiarme instintivamente en
un disco; Creo que tiene que haber un cierto flujo. Y
cuando Prong empezó, yo no era un gran tipo de
metal en ese momento. Había una escena
underground en Nueva York que la gente calificaba
como sin olas ni ruido. Vengo de eso, así como de la
era post-punk y del hardcore. Las variadas influencias
que tengo afectan lo que es Prong.
Algunas bandas llevan más de 30 años de carrera y
se convierten únicamente en un acto de nostalgia.
En cambio, Prong ha seguido escribiendo y grabando
música nueva que también ha sido bien recibida. ¿Es
importante para ti que el grupo siga siendo una
propuesta viable y continua a este respecto?
¿Es bien recibido? (risas) Agradezco tu comentario.
Ciertamente desearía que más personas lo
reconocieran. Para responder a tu pregunta, sí, me
gustaría ser viable sin salirme por la tangente tratando
de ser moderno. Tengo que respetar los discos
anteriores y el legado de Prong. Aunque me gustan
algunos de los riffs de bandas nuevas como Kublai
Khan, Knocked Loose, Emmure y otras, no voy a usar
guitarras de siete u ocho cuerdas y afinar tan abajo
como lo hacen ellos. Y no puedo empezar de repente
a escribir cosas estrictamente desglosadas. Tampoco
voy a quedarme cantando partes femeninas de pop y
luego cambiar a voces de death metal, o empezar a
rapear como lo hacen las bandas de hoy. Aunque eso
es lo que la gente quiere, no funcionaría para Prong
debido al legado.
Prong ha presentado una serie de miembros a lo
largo de los años. ¿Sientes que tener varios
colaboradores diferentes ha ayudado a mantener la
música fresca?
Para nada. De hecho en este disco no colaboré con
nadie. Tuve que seguir la ruta de la colaboración en el
pasado por razones logísticas. En retrospectiva, no
creo que fuera necesario. De hecho, creo que restó
valor a la identidad de los registros. Heredé el papel
de compositor principal, así es. No es necesario para
mí trabajar con otros compositores.
Escuché una entrevista recientemente en la que
dijiste que hoy en día eres “completamente normal”
y que ni siquiera consumes cafeína. ¿Sientes que
esto ha ayudado a tu longevidad como músico?
Volví a tomar cafeína porque tenemos dos bebés
nuevos en mi casa y mi esposa y yo tenemos falta de
sueño. Pero beber y drogarme no funcionó para mí. No
puedo imaginarme consumiendo alcohol,
especialmente antes de subir al escenario estos días.
Las drogas también, no es para mí.
Algunos chicos pueden funcionar, no es asunto mío.
¿Por qué correr el riesgo? Que salga tal como fue
creado. No necesito ninguna “ayuda” adicional ni
“sentirme mejor”.
¿Puede ser difícil mantenerse sobrio como músico
de gira en 2023, o es más fácil ahora que nunca?
Es mas fácil. No beber es mucho más común y
aceptado, y las cervezas sin alcohol ahora saben
mejor. Hay una cultura sobria que está creciendo. Es
uno de los movimientos más afortunados y positivos
que existen. También se está volviendo más molesto
para las personas que tratan con borrachos. Creo que
la gente es menos tolerante con el comportamiento
de borracho. Es egoísta y peligroso.
¿Cuáles son los planes de gira para el nuevo álbum?
Estaremos de gira por Europa con Life Of Agony y
estamos tratando de asegurar una gira por Estados
Unidos. No ha habido suerte con eso en este
momento.
El nuevo disco se cierra con una versión de “Working
Man” de Rush. ¿Qué cualidades hicieron que esta
pista fuera una elección apropiada para que la
abordara Prong?
El riff principal es muy clásico. La letra que
complementa el tema inicial “The Descent”. Ambas
son narrativas de una persona en crisis, sin identidad.
Así que funcionó bien como sujetalibros del disco. Y,
por supuesto, toda la comparación del power trío. Me
encanta el formato.
En cuanto al tema de las versiones, Grinspoon, que
más tarde se convirtió en una de las bandas de rock
australianas más exitosas de los últimos 30 años,
lanzó una versión de “Snap Your Fingers, Snap Your
Neck” a finales de los años 90. ¿Alguna vez
escuchaste su versión? y ¿qué pensaste?
Sí, lo escuché; Pensé que era genial. Todas las
portadas de “Snap Your Fingers…” han sido geniales.
Power Trip hizo una versión de “Brainwave”, que
estuvo genial.
Además de actuar en vivo con Danzig, ¿qué otros
proyectos musicales tienes en proceso en este
momento?
Nada más. Ya es bastante difícil encajar eso en Prong
hoy en día. Tengo muchas cosas que hacer en casa.
_Rocket| 36

RUSSIAN CIRCLES ES UNA BANDA QUE FUNCIONA TAN BIEN PORQUE SU
DINÁMICA DE PROYECTO ES LA ÚNICA EXCEPCIÓN A LO QUE PARECE UNA
NUEVA REGLA PARA EL TRÍO DE CHICAGO: LO BELLO Y LO BRUTAL DEBEN
EXISTIR EN CONJUNTO, NO DIVIDIDOS EN PATRONES ESTEREOTIPADOS.
SUS COMPOSICIONES CONFORMAN UNA MÁQUINA DE MOVIMIENTO
PERPETUO, SUS GUITARRAS DENTADAS Y SU BAJO A TODO VOLUMEN
SIEMPRE HACIENDO PIRUETAS O GOLPEANDO TAMBORES LOGRAN CREAR
UN AIRE DE PERMANENTE INQUIETUD Y DRAMA. COMO ES UNA BANDA QUE
NOS ENCANTA, HABLAMOS CON SU BAJISTA BRIAN COOK PARA QUE NOS
CUENTE QUÉ TAL LES VA.
Entrevista: Tetralens /Fotos: Archivo
_Rocket| 38

_Rocket| 21
En primer lugar, ¿Qué tal fue el verano a nivel de
conciertos?
Todo bien. Estábamos un poco nerviosos porque viajar
por festivales en verano siempre es una experiencia
incierta. Estás tocando en todos estos shows en clubes
entre las fechas de los festivales y es verano, por lo
que siempre hay un poco menos de gente porque
todo el mundo se va de vacaciones, pero ha ido muy
bien. Nos lo pasamos muy bien. El único inconveniente
fue que llovía todos los días, incluso durante los
festivales al aire libre. Pero incluso con el mal tiempo
dimos buenos espectáculos. Por eso nos
consideramos bastante afortunados.
Estábamos en Metal Days y estaba inundado. Fue
bastante terrible cuando estuvimos allí. Nos quedamos
atrapados en las inundaciones. Tuvimos suerte porque
encabezamos una de las únicas carpas, así que
estábamos a salvo. Pero muchos artistas en los
escenarios más grandes no actuaron debido a los
rayos y la lluvia.
A vuestro paso por Francia, tocásteis en la sala
Bataclán... Debe dar respeto tocar allí...
Cuando empezamos a hacer giras por Europa, Francia
era un lugar difícil. Dábamos conciertos tan pequeños,
que eran los más pequeños de la gira. Por suerte,
parece que cada vez que volvemos a Francia los
shows se hacen cada vez más grandes y el público es
muy cálido y acogedor. Es realmente genial. Tocamos
en el Bataclan hace unos años y fue una experiencia
muy, muy emotiva. Teníamos amigos que estaban allí
en el momento del ataque terrorista.
Hicimos algunos shows con Eagles Of Death Metal en
2016, así que escuchamos algunas de sus historias
sobre esa experiencia. Ir allí y ver dónde sucedió todo
realmente nos conmovió. La gente y el personal tenían
un ambiente tan positivo que pasamos una velada
triunfal, fue muy constructiva.
Hablemos un poco de vuestro último disco “Gnosis”,
que ya salió hace más de un año pero que ha tenido
un gran impacto en Europa. ¿Crees que el próximo
álbum tendrá la misma identidad sonora que el
anterior?
Siempre es difícil decirlo. Cuando creamos “Gnosis”, la
intención inicial era escribir algo más tranquilo y suave,
porque pensábamos que simplemente íbamos a hacer
un EP y que saldría durante la pandemia. Pero cuando
empezamos a trabajar en ello, avanzamos hacia una
música más pesada y ruidosa. Habiendo sido una
banda durante casi 20 años, finalmente aprendimos a
hacer muy buenas grabaciones en casa. Así que fue
necesaria la pandemia para que comprendiéramos
realmente las cosas y pasáramos a la era moderna
[risas]. Entonces fue un proceso muy natural y fluido.
Cuando escribíamos “Gnosis” todo fue muy
espontáneo, sin ninguna premeditación. Y creo que
eso se reflejará en la música que escribimos en el
futuro.
Sí, no tienes que pensar mucho en lo que quieres
hacer, sólo tienes que dejarlo fluir, supongo...
Sé que hay muchos grandes artistas “conceptuales”
que son muy buenos para tener una idea incluso antes
de tocar una sola nota musical. Son muy buenos
pensando en lo que intentan decir, lo que intentan
lograr, etc. Tienen una visión muy clara de lo que
quieren hacer antes de empezar a componer. Pero no
somos esa gente [risas], somos más gente que busca
sensaciones viscerales en la música. Entonces
dejamos que nuestros instintos nos guíen hacia lo que
suena bien.
Tenéis el talento para fusionar muchos elementos de
diferentes géneros. ¿Cómo describirías vuestro
estilo?
¡Es muy difícil de decir! Normalmente redacto los
materiales de prensa de la banda y trato
deliberadamente de evitar el uso de los términos post-
rock o post-metal. No es que tengamos problema con
esos géneros, simplemente no escribimos música con
ese tipo de sonido en mente. Fusionamos todo lo que
amamos, desde Fugazi y Van Halen, hasta Pantera,
los primeros Metallica y Darkthrone, y amamos todo
tipo de música visceral y emocionante basada en
guitarras. Esto es hacia donde gravitamos. Entonces, sí,
normalmente le digo a la gente que somos una banda
de heavy rock instrumental y lo dejo así.
_Rocket| 39

Supongo que ya habéis escrito cosas para el próximo
álbum. ¿Cómo van vuestras sesiones de
composición?
Hoy en día, Mike [Sullivan, guitarra] y yo tendemos a
esbozar ideas completas por separado y luego
compartirlas con la banda. Luego la gente hace
sugerencias y añade sus partes. Pero es muy nuevo
para nosotros, porque en los primeros días de la
banda, Mike venía a los ensayos con algunas ideas
para riffs o partes que funcionaban juntas, y luego
tocábamos y tratábamos de descubrir qué funcionaba.
Luego, cuando nos convertimos en una banda donde
ninguno de nosotros vivía en la misma ciudad,
cambiamos la forma en que hacíamos las cosas.
Esta nueva forma de hacer las cosas es realmente
refrescante, todos tenemos nuestros estudios en casa
en los que podemos trabajar y todos podemos
intercambiar archivos entre nosotros. Y, ya sabes, en
un mundo perfecto, podríamos tocar más juntos en
una habitación. Pero creo que esta nueva forma de
hacer las cosas también es muy emocionante,
simplemente porque nos permite generar ideas más
exitosas.
Sois una banda de Chicago que poco a poco se deja
ver cada vez más por Europa. ¿Tenéis algún
sentimiento particular hacia las audiencias
europeas?
Estoy seguro de que has escuchado a gente decir esto
antes, pero siento que Europa (y esto excluye al Reino
Unido, que es típicamente Europa continental) tiene un
enfoque mucho más cultural y artístico de la música
en vivo e incluso del Heavy Metal. Siempre hay un
elemento de Rock and Roll y de fiesta en los
conciertos, pero en general la gente tiene más respeto
por los músicos.
“Europatieneunenfoque
muchomásculturalyartístico
delamúsicaenvivoeincluso
delHeavyMetal”
Cuando estás en los EE. UU. o el Reino Unido, parece
que eres la banda sonora de la vida nocturna de esta o
aquella persona. Es más una cuestión de atmósfera.
Pero en Europa se considera más bien una pieza de
museo o una representación teatral, por así decirlo. Me
gusta eso.
Con una formación punk y hardcore, me gusta la idea
de entrar en una habitación, tener un sistema de
sonido minimalista y hacer música. La gente te tira
cerveza encima y esas cosas, eso tiene su lugar, pero
para lo que hace Russian Circles, cuando realmente
intentamos crear una vibración concreta y una
atmósfera meticulosas, creo que es bueno tocar en
una sala donde la gente te respeta. Son receptivos.
Siempre hay un elemento de apreciación artística que
creo que es exclusivo de Europa.
_Rocket| 40

HOWARD ALDEN ES UN GUITARRISTA DE JAZZ NACIDO EN NEWPORT BEACH,
CALIFORNIA. HA GRABADO NUMEROSOS DISCOS CON EL SELLO CONCORD
RECORDS Y ES EL EJECUTANTE DE LA BANDA SONORA DE LA PELÍCULA DE
WOODY ALLEN, “ACORDES Y DESACUERDOS”, PARA LA CUAL ENSEÑÓ A TOCAR
LA GUITARRA AL MISMÍSIMO SEAN PENN EN EL PAPEL DE EMMET RAY, UN GENIO
DEL JAZZ, UN GUITARRISTA MAGISTRAL QUE VIVE OBSESIONADO POR EL
LEGENDARIO DJANGO REINHARDT Y POR CUYO PAPEL LE NOMINARON A UN
OSCAR. JORDI PINYOL HABLA CON ÉL SOBRE ESTA Y OTRAS CURIOSIDADES.
Entrevista: Jordi Pinyol/ Fotos: Howard Alden
_Rocket| 41

¿Cuando empezaste a tocar con guitarras de 7
cuerdas? ¿Fue con George Van Eps?
Sí, fue poco después de tocar con él. Lo pensé durante
años y cogía alguna de vez en cuando y lo probaba un
poco. Pensaba que era guay pero que no estaba
hecho para mí, ya sabes, suficiente tengo con 6
cuerdas ya. Pero luego, tocando con George Van Eps
en persona y viéndole tocar en el estudio, de repente
mi cabeza hizo un click y me dije: tengo que
comprarme una.
¿Cómo fue tocar con una leyenda como él? ¿Imagino
que aprendiste mucho, no?
Fue increíble. Es tan fácil de tratar y no tiene nada de
ego, toda su energía va hacia la música y a hacer sonar
las cosas lo mejor posible. Ya se trate de un solo o del
acompañamiento, él hace todo lo mejor para apoyarte
de la mejor manera. Es como tener al mejor cuarteto
de cuerda detrás tuyo, o a una orquesta. Consigue
encontrar la forma con su guitarra para sonar así de
bien. Era muy tranquilo pero también tenia su sentido
del humor, y tenia una mente muy analítica. Toqué a lo
largo de varios años con él y fue una experiencia
maravillosa. Fui a Europa y a Inglaterra con él en un
momento dado, y estuvimos actuando todas las
noches a lo largo de tres semanas. También estuvimos
varias semanas en Alemania, y convivir con él y tocar
juntos cada noche, fue una experiencia bestial.
¿Cómo fue el cambio de pasar de una guitarra de 6
cuerdas a otra de 7?
Bueno, tengo que hablarte de Bucky Pizarelli, que
estuvo tocando años antes con 7 cuerdas también. Él
se enteró que yo andaba buscando una, y tenia una
hecha polvo en su casa y me dejó probarla. Era una
guitarra muy dura y difícil de tocar, pero me
acostumbré a sentir esa cuerda extra y localizar bien
las notas. Y cuando conseguí mi primera guitarra,
estuve tocando en algunos conciertos en New York y
acostumbrándome poco a poco. Luego tenia que irme
de gira a Europa durante tres semanas con el grupo
Newport All-Stars. Y hablé con Bob Benedetto, quien
me hizo la guitarra, y me preguntó: ¿qué tal funciona la
guitarra? Le dije que funcionaba genial, pero que me
iba de gira y que probablemente me llevaría una de 6
cuerdas por si se iba a llevar muchos golpes y mucho
tute, y él me dijo que me llevara la de 7 cuerdas, que si
le pasaba cualquier cosa él me la arreglaría. Así que
me la llevé de gira y eso me forzó a acostumbrarme y
aprender mas rápido. Muchas veces tenia que tocar
una intro o algo, y miraba para la guitarra, y la
sensación era como si tuviera 10 cuerdas jaja. Tuve
que estar un par de años sin tocar una 6 cuerdas.
Después de eso, sí iba cambiando algunas veces.
¿Y ahora sigues cambiando de una a otra?
Normalmente no, solo suelo tocar la de 7 cuerdas
siempre, a no ser que alguien me preste su guitarra
cuando sea que no llevo la mía conmigo.
De todos modos, estuve tocando guitarra de 6
cuerdas cuando grabé la banda sonora de la película
Acordes y desacuerdos de Woody Allen. Esa era una
guitarra estilo gypsy jazz, y solo tengo una de 6
cuerdas de ese estilo. También estuve enseñando a
Sean Penn a tocar la guitarra.
¿Qué tal fue trabajar con Woody y Sean?
Fue genial y muy interesante. Yo ya había tocado el
banjo con Woody anteriormente con su banda de
New Orleans. De hecho él está ahora mismo de gira
con ellos por Europa. Pero solo toqué con él un par de
veces y apenas me habló, él es muy tranquilo y está
concentrado en tocar su clarinete, casi no habla con
el público ni con su banda, solo quiere tocar su
música. Así que no pensé que supiera quien soy yo. Y
años mas tarde recibí la llamada para grabar en la
banda sonora de su película y el productor me
preguntó si podría enseñar a Sean Penn a tocar la
guitarra. Hablamos un par de cosas mas y estuve en
su oficina en Manhattan, y de repente entró Woody,
se puso a hablar un rato con el productor, y éste le
dijo: ¡ey Woody!, ven que te quiero presentar a
Howard, él va a estar enseñando a Sean a tocar. Y
Woody le contestó: sí, yo ya conozco a Howard, ¿que
tal estás?. Como si me acabara de ver unos días antes.
Y nada, me dijo que me asegurara de que pareciera
que Sean tocaba la guitarra de verdad, pero hubo
poca interacción con Woody. Le gusta dejar a la
gente hacer las cosas que tienen que hacer. Dos
meses después de grabar la banda sonora, cuando
estaba todos los días en el set de rodaje enseñando a
Sean en sus momentos de descanso, en un momento
que estaba de pie descansando afuera, Woody se me
acercó y me preguntó: ¡ey Howard!, sabes esas frases
de guitarra rápidas que haces, ¿qué practicas para
poder hacer eso? Le conté que son muchas cosas,
mucho tiempo tocando, y practicando escalas y
arpegios. Y él: ¿sabes?, con el clarinete yo practico
notas largas, ¿hay algo así que practiques con la
guitarra? Le dije que no realmente, aunque sí hay
ciertas cosas que hacemos para sacar un buen sonido
con la guitarra. Estuvimos como unos 5 minutos
hablando de técnica de guitarra y cosas así, luego se
fue, y no volvió a hablarme en dos meses jaja. En plan:
¿oye cómo haces esas cosas? Venga, hasta luego.
Hiciste muy buen trabajo, recuerdo ver esa película
en el cine cuando se estrenó hace muchos años ya,
y realmente parecía que Sean estuviera tocando la
guitarra de verdad...
Él hizo un gran trabajo. Nunca había tocado una
guitarra en su vida, ni siquiera rasgar cuatro acordes. Y
quiso hacer un buen trabajo y trabajó duro, aprendió a
tocar algunas melodías, y las memorizaba, y algunos
acordes. Pero muchas veces grabamos cosas que él
no había practicado antes, porque Woody no nos
había dado al información acerca de la canción que
íbamos a hacer. De repente nos decían: a las 2pm
_Rocket| 42

tenéis que grabar la canción Wrap Your Troubles and
Dreams. Un tema que no habíamos tocado siquiera. Y
entonces él me decía: me sentaré ahí y te miraré
cuando estás tocando melodías y acordes y buscaré
la manera de hacer que parezca real. Lo curioso es
que las cosas que sí pudo llegar a tocar nota por nota,
nunca se llegaron a grabar con la cámara. Siempre le
estaban enfocando a su cara mientras yo les iba
diciendo: venga vamos, enfocarle a los dedos, mirar
como lo puede tocar de verdad jaja. Pero estuvo
genial, y Sean era muy serio y un tipo encantador, no
era como una estrella o una diva. Un tipo con los pies
en el suelo que quería hacerlo lo mejor posible y que
trabajó muy duro.
¿Sabes si siguió manteniendo el interés por seguir
tocando después del rodaje? Porque hay varios
actores como Johnny Depp a los que les encanta
tocar...
Lo hizo durante un tiempo. Un par de años mas tarde,
estuve haciendo un par de bolos en San Francisco,
que es donde él vive y tiene una oficina, y llamé a esa
oficina y pregunté por él a su secretaria por si Sean
estaba por ahí. Y me dijo que no estaba, pero que
justo el día anterior estuvo ahí hablando de mí y
tocando su guitarra en la oficina. Y le pregunté: ¿sigue
tocando? Y ella me contó que guarda una guitarra en
la oficina y la coge de vez en cuando y la toca.
¿Trabajar en la película cambió de algún modo tu
vida?
Sí y no, lo hizo en el sentido de que a través de la
película y de su música, llegué a mucha mas gente.
Porque interesó ese modo de tocar. Todavía me
encuentro a músicos que tocan otros estilos y que me
dicen que cuando vieron y escucharon la película
quisieron tocar ese estilo de Django, y a través de ella
me descubrieron. Así que mucha gente se enganchó
a ese modo de tocar y conocen mi nombre gracias a
la película.
Yo toqué con muchos músicos de jazz muy conocidos
antes de eso, y grabé algunos discos, pero
probablemente eso expuso mi nombre a una mayor
audiencia. Además me ayudó a reconectar con la
escena del gypsy jazz de Django en America, que ha
funcionado mucho durante los últimos 20 años. Cada
ciudad grande como Seattle o Tucson tienen su
propio Hot Club. Hay mucho interés en los músicos
que tocan ese estilo. Así que gracias a trabajar en la
película me llaman muchas veces para tocar como
artista invitado o quieren escucharme tocar ese estilo
de música, así que es muy divertido.
Una vez leí una entrevista a Keith Richards en la que
contaba que cuando su familia y sus hijas se
enteraron que iba a rodar Piratas del Caribe, se
volvieron todas locas por conocer a Johnny Depp, y
decía algo así cómo: ¿te puedes creer que soy el
puto guitarrista de los Rolling Stones y en mi casa lo
único que les importa es que su padre les presente
al Johnny Depp, como si yo fuera un pringado? ¿Te
pasó algo por el estilo a ti?
Es divertido, recuerdo que un año o dos después de
la película, estaba tocando en un sitio pequeño en
New York con un trio de jazz, y vino una de las
camareras a decirme que un amigo suyo quería
decirme algo: oh Dios mío, es increíble, tocas y suenas
igual que Sean Penn.
Estas cosas pasan, sobre todo hoy en día con las
redes sociales y el mundo de las fake news jaja.
Sí, incluso he hablado con músicos que deberían
saber y me han comentado: sabes, vi esa película y es
muy interesante, ¿cuales crees que son los mejores
discos de Emmet Ray que debería comprar? Y yo les
digo que compren mis discos jaja. Woody hizo la
película tan bien hecha que mucha gente se piensa
que existe un guitarrista llamando Emmet Ray en la
historia y en algún lugar. Pero eso es divertido y está
bien.
_Rocket| 43

Tu curriculum es espectacular, has tocado con
musicazos de la talla de Ray Brown, Peter Bernstein,
Jim Hall, Les Paul, Bucky Pizarelli, Jimmy Bruno,
Randy Brecker… ¿cuáles han sido los más especiales
para ti?
Eso es una pregunta muy complicada, porque todos
son muy especiales por una u otra razón. Pero diría
que George Van Eps es un caso especial, lo separaría
del resto porque fue super especial. También toqué
con un trompetista llamado Ruby Braff allá por los 80
y 90. Hicimos muchos conciertos con bajo, guitarra y
trompeta o corneta. Y cuando vuelvo a escuchar a
veces la música que hicimos o lo recuerdo, siento que
fue muy especial. Las interpretaciones y el feeling
que teníamos. Y en cuanto a guitarristas, toqué mucho
con un guitarrista en New York llamado Jack Wilkins,
que falleció hace unos pocos meses. Él era una
persona entrañable con quien tocar, tocar con él era
un maravilloso intercambio de ideas, confianza y
emoción. Nunca tomando el camino fácil o dando
marcha atrás, siempre era una reunión maravillosa de
dedos, mentes y notas.
Imagino que tocando solo con otro guitarrista ha
sido un modo de aprender y mejorar muchísimo
¿no?. Sobre todo porque cada guitarrista tiene su
propia personalidad...
Así es. Jack era completamente diferente de George
Van Eps, y también pasé mucho tiempo tocando con
Bucky Pizarelli, que era muy especial y en un modo
diferente, mas relajado. Tuvimos muy buenos
momentos. También debería mencionar a otra
persona, creo que hay un par de videos en YouTube
tocando con ella hace años, una gran clarinetista
llamada Anat Cohen. Ella toca clarinete y saxofón y
tiene una preciosa carrera con sus propios grupos y
escribiendo su música original. Hicimos conciertos a
duo de vez en cuando a lo largo de los años y
siempre hubo mucha emoción en esas reuniones.
“añosmastarderecibíla
llamadaparagrabarenla
bandasonoradesupelículay
elproductormepreguntósi
podríaenseñaraSeanPenna
tocarlaguitarra”
_Rocket| 44

JOE
BONAMASSA
EL GUITARRISTA DE BLUES JOE BONAMASSA ESTÁ CELEBRANDO EL VIGÉSIMO
ANIVERSARIO DE “BLUES DELUXE” CON UN NUEVO LANZAMIENTO DE 10
PISTAS QUE SALE CON SU PROPIO SELLO J&R ADVENTURES, BONAMASSA
APARECE, COMO ERA DE ESPERAR, COMO UN PROLÍFICO MAESTRO DE LA
GUITARRA, QUE OFRECE MATERIAL NUEVO BIEN PRODUCIDO QUE
PROBABLEMENTE EMOCIONARÁ A SUS FANS. LA SENSACIÓN DE QUE SE LO
ESTÁ PASANDO GENIAL LO HACE TODO AÚN MEJOR
Texto: Jordi Pinyol/ Fotos: Archivo
_Rocket| 45

Teníamos experiencia produciendo otros discos
parecidos a este de otra gente como Joanne Shaw
Taylor o Joanna Connor. Yo hice un disco con Marc
Broussard del mismo modo. Tenemos mucha
experiencia en este mundo y con la misma banda. Así
que toda la historia fue hacer un buen solo y todo lo
demás estaba tocado muy sólido. Ok, nos gusta esta
toma, ya hemos terminado. Luego cantarla, y a seguir
con otra. Como en la vieja escuela.
Me parece muy interesante que lleves dos
guitarristas en la banda, cuando en la mayoría de
grupos solo hay uno o dos, ¿es mas difícil hacer que
funcione el grupo con tres guitarristas?
Bueno, todo el mundo sabe lo que está haciendo. Josh
y yo tocamos juntos en discos de otros artistas, y
vemos qué rol coge cada uno. Tú tomas el rol de la
Telecaster y yo tomaré una guitarra archtop mas lo-fi o
viceversa. Y todos sabemos como encajar. Lo bueno
de todo esto es que no hay egos. ¿A quién le importa
que parte tocamos?. En este caso es mi disco y por
ende hago todos los solos, pero bueno, es un disco en
solitario, ya sabes. El proceso fue bastante directo, no
fue muy complejo. Puedes meterte en problemas
sobrepensando mierdas.
¿Y cuando pasas tiempo con ellos, compartís ideas y
aprendéis cosas el uno del otro?
Claro, yo robo material de todo el mundo. No sé si
ellos roban de mí, pero yo robo de ellos.
Estás celebrando el vigésimo aniversario del primer
Blues Deluxe, y por lo que he leído al respecto, ¿fue
ese disco un punto de cambio en tu carrera?
Sí, con ese disco creo que la gente se empezó a fijar. Y
creo que también fue el primer disco en el que hice lo
que me dio la puta gana. No había A&R, nadie
necesitaba un hit en la radio, era mi última bala. Yo
tenia 25, mirando al fondo del pozo de la extinción.
Pero para ser honesto contigo, cuando estás de
espaldas contra una pared de ladrillos, no tienes otra
opción que moverte para adelante. Y eso es lo que
hice. Luego la gente en Europa y en España se
empezaron a fijar en el disco antes que en este lado
del charco, y pude regresar y hacer gira por América. Y
empezó a venir mas gente. Así que sí, fue el principio
de los 25 años más jodidamente duros de mi vida. Pero
aquí estoy, nueve veces disco de platino, lo que sea.
Me ha sorprendido y gustado mucho que en el disco,
además de blues, hay muchas influencias soul, r&b y
del sonido Motown…
Hay un poco de todo. Mi viaje hacia el blues fue a
través de Londres, en lugar de Mississippi o Chicago.
Así que tenia que rendir tributo a mis influencias
inglesas, y por lo tanto hay pequeños guiños a Londres
y al soul y también a mis ídolos B.B. King, Bobby Bland.
También hay versiones raras de Guitar Slim e hicimos
una versión del gran Bobby Parker que es muy chula.
Felicidades por tu nuevo disco, lo primero que me
llamó la atención al escucharlo es la gran
producción, es super orgánica y se escuchan y se
entienden todos los detalles y los arreglos.
Sí, nuestro chico Alan hace un gran trabajo mezclando
y Eric Boulanger lo masterizó. Es un buen equipo el
que hemos montado. Y Josh hizo un gran trabajo.
¿Cómo grabasteis el disco?, porque imagino que lo
grabasteis tocando juntos en directo ¿no?
Hicimos ocho canciones en tres o cuatro días en
Sunset Sound, en L.A. Y luego grabamos las últimas
tres en Nashville. Todas las cuerdas y vientos fueron
grabados en Nashville. Y básicamente eso fue todo,
grabamos el disco en seis o siete días.
¿Y el proceso de composición y hacer los arreglos?
Tuvimos un día de pre-producción y lo vimos todo.
Sabes, una vez entras ahí es como que ellos tocan
solos. Eliges un tono y un poco el arreglo, decides si
quieres hacer un solo largo o corto, no es difícil.
Especialmente con esa banda que son tan buenos.
Tienes razón, son muy buenos, de hecho en la
canción “Hope you realize it” hay una linea de bajo
de Calvin Turner que es espectacular.
Tuvimos una discusión acerca de eso, de si íbamos a ir
a full con el rollo Tower of Power. Decidimos que
deberíamos, no vamos a engañarnos y ocultar de
donde vino la inspiración. Calvin es genial. Tocó en
todo el disco, y Kirk Fletcher y Josh Smith a las
guitarras también, igual que yo. No nos faltaron
habilidades en este álbum. Lemar, Reese y Jeff Babko,
fue todo muy bueno.
¿Cómo es de importante Josh Smith para ti como
productor, ademas de ser un guitarrista
espectacular?
Le pedí a a Josh que lo hiciera porque habíamos
estado hablando de cómo sonaría, y él tiene una visión
muy clara de lo que queríamos hacer con Blues
Deluxe Vol. 2.
_Rocket| 46

Bobby era amigo mío y estoy triste que ya no esté con
nosotros y pueda escucharla. Es su segunda canción
que versiono. Creo que el disco en sí mismo es muy
sólido desde el principio al final. Y no costó mucho,
simplemente buenos músicos, con canciones bien
pensadas y arreglos decentes, entramos y lo
ejecutamos. Fue así de simple. Creo que no estuvimos
en el estudio mas de 4 o 5 horas por día. Como mucho
trabajamos de 11 a 17h quizás y luego lo dejábamos.
No me gusta trabajar tarde.
El resultado es brillante, y habéis incluido dos
canciones originales que me encantan, una tuya y
otra de Josh en la que hay una guitarra muy
melódica y preciosa.
Cuando Josh trajo la canción, dijimos, está muy bien
pero deberíamos darle un rollo a lo Gary Moore, como
en Still Got the Blues. Porque sin chicos como Gary o
como Walter Trout, el blues rock en Europa hubiera
sido muy distinto. Ellos abrieron el camino para que
gente como yo entrara 20 años mas tarde. Gary y
Walter ya estaban haciendo esta mierda en los 80 y
90. Y yo no empecé realmente hasta principios del
2000.
Tuve el placer de entrevistar a Walter hace unos
meses, y me contaba que con el paso del tiempo
cada vez intenta tocar menos notas, y me parece que
en este disco ¿tú también estás tocando muy
melódico y con menos notas que en otros discos, al
igual que él? No sé si sabias que Walter hizo una
camiseta que decía “Too loud, too many notes”
(demasiado alto, demasiadas notas).
A medida que te haces mayor y tienes una carrera de
35 o 40 años a tus espaldas, yo ya llevo casi 50 discos
grabados, piensas: ¿qué coño tengo que demostrar?
No tengo que tocar por todos lados, eso ya lo he
hecho. Puedes hacerlo de vez en cuando, pero no
tienes que volverte loco. Eso es lo que aprendes con la
madurez.
Por supuesto que no tienes nada que desmostrar, de
hecho creo que probablemente John Mayer y tú sois
los dos iconos mas grandes de la guitarra de blues
ahora mismo, y que estáis contribuyendo a que haya
una vuelta al blues y salgan muchos músicos de
blues jóvenes.
Todo el mundo tiene una puerta de entrada a ello. La
mía fue Clapton. Y John Mayall & the Bluesbreakers,
Rory Gallagher, Gary Moore. Esos son mis chicos, con
los que pensaba: yo quiero hacer esto. Ahora que
_Rocket| 29
_Rocket| 47

estoy en mis cuarenta y muchos, estoy empezando a ver a
veinteañeros que dicen que han descubierto el blues a
través de The Ballad of John Henry. Mierda, ¿en serio?
¿Cuántos años tienes? Así que vas viendo eso cada vez
más, y me siento honorado. Es un gran placer ver que eso
pasa en tiempo real. Porque pierdes el sentido del tiempo.
De hecho escribí todo un disco acerca de ello, de lo rápido
que pasa el tiempo.
Estoy seguro que dentro de 20 o 30 años aparecerá un
músico de blues que lo estará petando y hará un disco
como este Blues Deluxe e incluirá temas tuyos…
Absolutamente, ¡ponte con ello!. Creo que es genial. Lo
bueno de esta música, es que si intentan enfrentar unos
músicos con otros para ver quien es mejor, eso no importa.
Todo el mundo tiene su carril, y si encuentras el tuyo y te
mantienes en él, hay sitio para todos. Eso como si me dices
que comes pastel de chocolate todos los días, al final te
aburres. Por mucho que te guste el chocolate, te acabas
aburriendo. Así que yo soy pastel de chocolate, pero no
puedes comer todos los días, de vez en cuando vas a
querer una hamburguesa o espaguetis. Así que está lleno
de grandes artistas que van a hacer que esto siga rodando
mucho mas allá de cuando yo ya no esté.
Has mencionado a Clapton, ¿creo que tocar con él en el
Royal Albert Hall fue otro punto muy importante en tu
carrera, verdad?
Sí, todavía lo es. El ha sido muy influyente para mí y es un
buen amigo desde hace tiempo. Nunca podré devolverle lo
que hizo por mí. Vino e hizo algo que cambió mi carrera. Ese
fue el mejor chute de vitamina B12 que podría haber pedido
nunca. Porque significó mucho para mí, y todo el mundo vio
eso. Significó mucho, no fue como: venga, vamos a ver a
qué famoso podemos traer y que aparezca por aquí. Yo
estaba en el Royal Albert Hall porque quería ser como él. Y
él vino. Eso fue cojonudo.
Y ahora que estás en un momento de tu carrera en el que
miles de artistas estarían locos por poder tocar contigo, y
has tocado con muchos de los grandes, ¿hay alguien
especial con quién te gustaría tocar o a quién te gustaría
conocer algún día?
He conocido a la mayoría de mis ídolos a lo largo de los
años. No pude conocer a Albert King, yo era demasiado
joven, de hecho todavía no estaba en activo tocando. Pero
pude tocar con John Lee Hooker, con B.B. King, con
muchos de mis ídolos. Para serte sincero, nunca hubiera
pensado siquiera que pudiera compartir escenario con
ellos, y a muchos los puedo llamar amigos.
Imagino que probablemente nunca pensaste que
llegarías a este punto en tu carrera, ¿cómo te sientes
ahora que has llegado hasta aquí?
Agradecido. Hemos llevado esto mucho mas allá de lo que
nunca había pensado. Siempre lo deseas pero nunca te
imaginas. He tocado en el Hollywood Bowl, y hace veinte
años no habría sido capaz de meter a cinco personas en
L.A. Es un honor para mí.
¿Sueles escuchar música nueva y artistas actuales o mas
bien a tus ídolos de siempre?
Me gusta descubrir nueva música. Descubrí una banda
holandesa llamada Dewolff. Son muy buenos.
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