1. resumen

Evolución de las caricaturas
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13dejuniode2013
HISTORIA DE LAS CARICATURAS O DIBUJOS ANIMADOS
Los dibujos animados nacieron antes que el cine. Emile Reynaud creó en 1877 el
Praxinoscopio, partiendo del zootropo que desarrolló Honer en 1834. Reynaud consiguió la
proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y la proyección de movimientos
no cíclicos. Más tarde mejorando su Praxinoscopio creó el teatro óptico que añadía la
posibilidad de proyectar las imágenes sobre cintas perforadas. Durante diez años y antes de
la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representaciones públicas sobre
una pantalla en el museo Grévin de París en 1892.
Para hacer del cine de animación una realidad, era necesaria la invención del trucaje,
llamado paso de manivela o imagen por imagen, cuya paternidad está muy reñida.
J. Stuart Blackton, un Inglés afincado en los Estados Unidos produjo la primera película
animada llamada Fases divertidas en 1906. En 1907, rueda La casa encantada, en el que la
fotografía sotp-action se usó repetidamente para dar vida a objetos inanimados. El filme se
hizo enormemente popular y su técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que
empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la
animación que hoy se conoce como stop-motion.
El Francés Georges Méliès asistió a la primera función de los hermanos Lumière en el Grand
Café de Volpini, cuando los "inventores" del cine presentaron la imagen de un tren llegando a
la estación y acercándose poco a poco a la pantalla. Entre los presentes, Méliès se
constituyó como el espectador más cautivado por las imágenes, a tal punto que intentó
comprar uno de los proyectores, pero los Lumière se negaron. En abril de 1896, Méliès
presentó su primer film y en 1902, llegó su obra maestra indiscutida Le Voyage Dans la Lune
(Viaje a la luna).
El español Segundo de Chomón, director, fotógrafo, creador de efectos especiales y trucos
de cine e iluminador a color, entusiasmado por el invento de los hermanos Lumière, viajó a
París en 1897, para estudiar de cerca el invento. Pionero del cine español, aplicó su enorme
imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fue contratado por Pathé para competir con
Georges Méliès realizando películas fantásticas. A partir de 1912, trabajó en Italia y realizó
junto a Piero Fosco, Cabiria, una de las obras fundamentales del momento.
Emile Cohl, dibujante de comics, creó sus primeros monigotes en Francia entre los años
1908 y 1912, pero prosiguió su carrera en Estados Unidos a partir de 1914, en donde dio
vida en colaboración con McManus, al personaje Snookum, protagonista de la primera serie
de dibujos animados del mundo.

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En Francia, al acabar la primera guerra mundial, creó junto con Louis Forton la serie
protagonizada por Pieds Nickelès. Realizó a continuación Fantasmagoria, film que tiene el
valor de abrir la animación al campo del grafismo. Cohl, no animaba objetos sino caracteres
autónomos con personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los
cartoons.
Si el género nació en Francia, conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos.
Winsor McCay, dibujante de comics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El
pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el
propio Blackton. El resultado fue el estreno en 1911, de un vodevil en el cual, en un momento
dado, sobre una pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después
McCay realizaría Gertie, el dinosaurio, considerada su obra maestra.
El norteamericano Earl Hurd perfeccionó la técnica de los dibujos animados, al patentar en
1915 el uso de hojas transparentes de celuloide (en inglés, cells) para dibujar las imágenes y
que permitirían superponer a un fondo fijo las partes en movimiento. Este método de trabajo,
mejorado por Raoul Barré, un canadiense que emigró a Nueva York a principios del siglo XX,
revolucionó la forma de hacer películas de dibujos animados (fue él, quien por primera vez
pensó en perforar los márgenes de los dibujos, con el fin de asegurar la estabilidad de las
imágenes durante las tomas de cámara).
Los hermanos Max y Dave Fleischer dieron vida a personajes que alcanzaron gran
popularidad, ellos fueron los mayores competidores de Walt Disney. Ambos crearon grandes
éxitos de los dibujos animados como el travieso payaso Coco (1920-1939) y la seductora
Betty Boop (1930-1939) inspirada en la cantante Helen Kane, su risa característica "poopoo-
pi-doo" sería un rasgo del que se apropió Marilyn Monroe.
Su más duradero personaje fue el marinero Popeye (1930-1947), creado originalmente por
E.C. Segar para la publicidad de espinacas en conserva. Realizaron además, trabajos de
larga duración como Gulliver's travels, 1939; The Eistein Theory of Relativity, 1923 y Darwin's
Theory of Evolution, 1925.
La principal contribución a la técnica de la animación aportada por los hermanos Fleischer
fue el rotoscopio, un aparato que permite calcar personajes animados sobre personajes
reales proyectados.
El estadounidense Otto Messmer, fue el autor del gato Félix para los estudios del australiano
Pat Sullivan. El gato Félix fue preludio de los animales antropomórficos que creará Walt
Disney.
Nacido en Chicago en 1901 y fallecido en Hollywood en 1966, el caricaturista y dibujante
publicitario Walt Disney se interesó por los dibujos animados hacia 1919 y creó la serie Alice

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Comedies (1924-1920). La incorporación del sonido en 1928 le permitió jugar con los efectos
musicales y adaptó el Technicolor a partir de Árboles y flores (Flower and Trees, 1932). En
1935 perfeccionó la truca multiplana, que facilitaba la descomposición del dibujo en varios
términos independientes y que utilizó por primera vez en El viejo Molino (The old Mill, 1937).
La madurez de su compleja organización industrial le permitió abordar los primeros
largometrajes de dibujos animados de la historia del cine. El primero de ellos fue
Blancanieves y los siete enanos (Snow White and the seven dwarfs, 1937).
Walt Disney emprendió con Fantasía (1940) un ambicioso experimento audiovisual,
combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico
con cuatro pistas (Fantasound). Fantasía venía a inscribirse en el dibujo animado de
vanguardia, que había conocido ya curiosas experiencias audiovisuales en Europa. Así, por
ejemplo, Une nuit sur le Mont Chavre (1933) de Alexandre Alexeïeff y Claire Parker, con
música de Musorgki, obra en que obtenía la animación mediante una pantalla de alfileres,
cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista.
Walt Disney comenzó a sentir a partir de 1940 los aguijones de los competidores. Walter
Lantz, creador del osito Andy Panda, inició en 1941 la serie del pájaro carpintero Woody
Woodpecker, producida por la Universal, que introdujo el sadismo y el furor destructivo en el
género, rasgos que fueron quintaesencia de la pareja formada por el gato Tom y el ratón
Jerry , creados por William Hanna y Joe Barbera, al servicio de Fred Quimby (Metro-Gold-
wyn-Mayer) Los excitantes sádicos de sus agitadas aventuras, que contrastan con la ternura
de Disney, marcaron un cambio de rumbo en el género, que se acentuó durante la
postguerra.
La segunda guerra mundial cierra, en la historia del dibujo animado, la gran era de Walt
Disney.
Ray Harryhausen asistió en 1933 a un preestreno de la película que cambiaría su vida: King
Kong. A partir de ese momento su obsesión por el trucaje, las miniaturas y los efectos no
hizo más que crecer. Después de sus estudios y de diferentes trabajos, fue llamado por el
viejo maestro Willis O'Brien (el "padre" de King Kong) para que fuese su ayudante. Sus
primeros años en la industria se desarrollaron en producciones modestas hasta que a
mediados de los 50, hizo The Beast of 20000 fathoms, luego vendría Godzilla. Después de
este éxito empezó a hacer películas personales, lo que le sirvió para afianzarse en la
industria. Pero su éxito llegaría de la mano de su personaje favorito, Simbad. A finales de los
50, comenzó un ciclo de aventuras exóticas mostrando especial predilección por el mundo
árabe y mitológico.
Su auténtica obra maestra son los espectrales esqueletos andantes. Es imposible olvidar el
extraordinario duelo de Simbad contra el esqueleto en El 7 1/4 viaje de Simbad.
Para finalizar y en contrapartida, en el este de Europa el Ruso Ladislas Strarevich, un
apasionado de la entomología, produce en Moscú durante 1909 y 1910 documentales acerca
de los insectos lituanos; vistas las condiciones de trabajo, decidió crear cucarachas

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"virtuales" articulándolas uniendo las patas al tórax con cera. Ese primer film fue una obra sin
precedentes: La Batalla de las Cucarachas Macho, fue la primera película de muñecos. La
revolución rusa le forzó a emigrar en 1920 a París, donde sería conocido como Ladislas y
donde pasó el resto de su vida diseñando y realizando sus películas, rechazando ofertas de
la potente industria cinematográfica norteamericana.
Así termina una parte de la historia de la animación. Las novedades tecnológicas,
especialmente las computadoras, han marcado un antes y un después en la realización de
este tipo de forma de entretenimiento. Aún hoy, en el siglo XXI hay mucho por crear y
descubrir en este terreno.
La animación y la televisión
En los años 60 y 70, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación
desaparecieron definitivamente de los cines, a partir de entonces limitadas a los
largometrajes comerciales, terreno dominado por Disney hasta los años 90. A pesar de ello el
cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados,
etc.), sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo.
En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la
animación para cine. Sin embargo, en los años 70 algunas alternativas gozaron de favor del
público. El más conocido puede ser Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes
al movimiento underground (Heavy Traffic, Fritz el gato caliente) y posteriormente sus
películas de fantasía (El señor de los anillos, Wizards, Tygra). Entre los cortometrajistas
destacaron John y Faith Hubley.
Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo:
la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños
hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. De entre los muchos
artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que utiliza el stop-motion y
la plastilina para crear mundos surrealistas. Otros nombres que se pueden mencionar son los
de Yuri Norstein, Walerian Borowczyk, Jan Lenica, etcétera.
Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados nipones, en lo sucesivo
conocidos como anime. Autor de cómics prolífico, adaptó varias de sus propias obras,
consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión Astroboy, que definió los rasgos
habituales del anime: rasgos faciales de los personajes, animación limitada, narración
semejante al cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic.
Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y hasta cortometrajes
experimentales. Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la
década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores

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independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.
En Europa occidental los logros fueron más puntuales: películas como El submarino amarillo
de George Dunning, Allegro non troppo de Bruno Bozzetto o El planeta salvaje de Réne
Laloux tuvieron repercusión. En el cortometraje destacaron artistas como Raoul Servais,
Jean-François Laguionie o Paul Driessen.
La caricatura política:
Es aquella cuyo tema gira en relación a cuestiones estrictamente políticas, desde un
nivel local o internacional; en la que no sólo se representan a diversos personajes
contemporáneos, sino que además también se representan por medio de imágenes
conceptuales, decisiones u opiniones sobre política en general.
b) La caricatura social:
Es aquel tipo de caricatura en la que se refleja a una determinada sociedad sea en plan de
crítica, burla o chanza, y tiende a representar a una serie de personajes en situaciones de la
vida contemporánea
.
c) La caricatura político-social:
Hay momentos en el que es sumamente difícil clasificar una imagen como caricatura social o
política, desde el momento en el que muchas veces representando y criticando una
determinada situación social, a la vez también se está criticando lo político que crea esa
situación por lo que la diferencia que en algunos casos se da entre estos dos subgéneros
algunas veces es inexistente.
d) La caricatura costumbrista:
Sería una escena de costumbres en la que aparece una excesiva carga de crítica o sátira
que la convierte en una caricatura dando así lugar a una observación irónica de la realidad.
e) La caricatura simbólica:
Este tipo de caricatura representa a un objeto determinado que dentro de un contexto
especial adquiere una fuerte carga política o social.
f) La caricatura festiva:
Es aquel tipo de caricatura alegre y desenfadada que sólo busca la comicidad como fin
utilizando para ello la caricatura de personas u otros objetos contemporáneos.
g) La caricatura fantástica:

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Es aquella que recurre a lo fantástico con el fin de poder reflejar así una idea, el ejemplo más
significativo lo encontramos en los grabados de Goya tal y como señala Baudelaire
h) La caricatura personal:
Es aquella que se centra en los personajes contemporáneos y en su representación
caricaturesca bien sea sólo de la cara o de todo el cuerpo.
The Walt Disney Company (también denominada Disney Enterprises, Inc. o simplemente
Disney) fue fundada en el año 1923 por Walt Dis La caricatura política:
Es aquella cuyo tema gira en relación a cuestiones estrictamente políticas, desde un nivel
local o internacional; en la que no sólo se representan a diversos personajes
contemporáneos, sino que además también se representan por medio de imágenes
conceptuales, decisiones u opiniones sobre política en general.
b) La caricatura social:
Es aquel tipo de caricatura en la que se refleja a una determinada sociedad sea en plan de
crítica, burla o chanza, y tiende a representar a una serie de personajes en situaciones de la
vida contemporánea.
c) La caricatura político-social:
Hay momentos en el que es sumamente difícil clasificar una imagen como caricatura social o
política, desde el momento en el que muchas veces representando y criticando una
determinada situación social, a la vez también se está criticando lo político que crea esa
situación por lo que la diferencia que en algunos casos se da entre estos dos subgéneros
algunas veces es inexistente.
d) La caricatura costumbrista:
Sería una escena de costumbres en la que aparece una excesiva carga de crítica o sátira
que la convierte en una caricatura dando así lugar a una observación irónica de la realidad.
e) La caricatura simbólica:

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Este tipo de caricatura representa a un objeto determinado que dentro de un contexto
especial adquiere una fuerte carga política o social.
f) La caricatura festiva:
Es aquel tipo de caricatura alegre y desenfadada que sólo busca la comicidad como fin
utilizando para ello la caricatura de personas u otros objetos contemporáneos.
g) La caricatura fantástica:
Es aquella que recurre a lo fantástico con el fin de poder reflejar así una idea, el ejemplo más
significativo lo encontramos en los grabados de Goya tal y como señala Baudelaire
h) La caricatura personal:
Es aquella que se centra en los personajes contemporáneos y en su representación
caricaturesca bien sea sólo de la cara o de todo el cuerpo.
The Walt Disney Company (también denominada Disney Enterprises, Inc. o simplemente
Disney) fue fundada en el año 1923 por Walt Disney y es una de las corporaciones más
grandes del mundo dedicada a las comunicaciones y el entretenimiento. Es la segunda
empresa de comunicaciones de Estados Unidos. Las oficinas centrales de la compañía se
encuentran en Burbank, California en Los Angeles. En el año 2005 tuvo ganancias de 31 mil
millones de dólares estadounidenses. Cotiza en la bolsa de Nueva York la clave NYSEIS y
está listada dentro del DJIA. En sus comienzos, la compañía fue llamada Walt Disney
Productions, pero cambió su nombre el 6 de febrero de 1986.
HISTORIA CRONOLÓGICA
• 1923: Disney Bros. Studio es fundado el 16 de octubre por los hermanos Walt y Roy
Disney y el animador Ub Iwerks. Producen la serie Comedias de Alicia.
• 1925: Por insistencia personal de Walt Disney la compañía se renombra como Walt
Disney Studios.
• 1927: Finaliza la producción de Alice; Disney obtiene el contrato para animar Oswald
el conejo afortunado
• 1928: Walt pierde el contrato de la serie Oswald; Se produce el primer corto animado
de Mickey Mouse: Plane Crazy

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• 1929: Primera Silly Symphony: The Skeleton Dance. El 16 de diciembre, se reemplaza
la sociedad inicial formada en 1923 por Walt Disney Productions, Ltd. Se forman otras tres
compañías asociadas: Walt Disney Enterprises, Disney Film Recording Company, y Liled
Realty and Investment Company.
• 1930: Primera aparición de Pluto
• 1932: Primera película de animación en Technicolor denominada: Flowers and Trees.
Primera aparición de Goofy
• 1934: Primera aparición del Pato Donald
• 1937: El estudio produce su primera película, Blancanieves y los Siete Enanos
• 1938: El 29 de septiembre las empresas de Walt Disney Enterprises: Disney Film
Recording Company, Liled Realty e Investment Company se fusionan en Walt Disney
Productions.
• 1940: El Estudio se desplaza a Burbank, California hasta hoy en día
• 1941: Comienza por primera vez una huelga de animadores; Como USA entra en la
Segunda Guerra Mundial, el estudio comienza la producción de material propagandístico y
moral para el gobierno.
• 1944: La compañía tiene pocos activos en caja; y como consecuencia lanza una re-
edición de Blancanieves y los siete enanos generando un importante beneficio a la
compañía.
• 1945: El estudio lanza su primer actor vivo (no-animado) para una película, James
Baskett, se convierteen una estrella como Tío Remus en Song of the South
• 1949: El estudio comienza la producción de películas totalmente en vivo con La Isla
del Tesoro.
• 1952: El 16 de diciembre Walt Disney funda WED Enterprises con el objeto de lanzar
parques temáticos.
• 1953: El 6 Abril Walt Disney funda Retlaw Enterprises para tener sólo control sobre los
derechos de su nombre. Posteriormente operará sobre ciertas atracciones dentro de
Disneyland, entre ellas se tiene el Monorail y el tren de Disney’ (Disneyland Railroad).
• 1954: El estudio funda Buena Vista Distribution con el objeto de distribuir las
características de sus películas; comienzo del programa de TV denominado: Disneyland

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• 1955: Se abre Disneyland en Anaheim, California. Walt Disney Productions es
propietaria de un 34,5% de Disneyland, Inc. incrementando su propiedad hasta un 65,5% en
1957, en entonces compra el resto de las acciones a ABC en 1960.
• 1961: El estudio lanza las licencias y los derechos sobre Winnie-the-Pooh, estos
personajes son hoy en día todavía rentables al estudio; se crea una subsidiaria internacional
denominada Buena Vista International.
• 1964: La compañía compra tierras y comienza a construir cerca de Orlando, Florida
para Walt Disney World (entonces conocida como Disney World o El proyecto Florida)
• 1965: La producción regular de cortos animados cesa, debido a la baja demanda de
los teatros. Walt Disney Productions adquiere WED Enterprises.
• 1966: Muere Walt Disney su hermano Roy le sustituye.
• 1967: Comienza la construcción de Walt Disney World
• 1971: Abre Walt Disney World Resort en Orlando, Florida; Muere el hermano de
Disney Roy Oliver Disney y Donn Tatum empieza la larga lista de presidentes.
• 1977: Roy E. Disney hijo de Roy Disney y sobrino de Walt Disney renuncia a la
compañía por diferencias creativas.
• 1981: Planes de un canal de cable son anunciados.
• 1982: EPCOT Center abre en Walt Disney World Florida, El hijo-en-ley de Walt
Disney, Ron W. Miller reemplaza a Cardon Walker en el puesto de CEO.
• 1983: Comienza la emisión de The Disney Channel en los sistemas de cable
americanos; abre el parque temático de Tokyo Disneyland en Japón
• 1984: Se crea la empresa Touchstone Pictures; El estudio escapa de una compra por
Saul Steinberg (business), Roy Edward Disney y sus socios de negocio. Stanley Gold
destituye del cargo de CEO a Ron W. Miller, reemplazándolo por Michael Eisner y Frank
Wells. Resultado del primer Save Disney de Roy E. Disney
• 1985: El estudio empieza a hacer cortos animados (cartoons) para la Televisión
empezando por Adventures of the Gummi Bears y The Wuzzles; En cintas de video se lanza
por primera vez Pinocchio se convierte en un super-ventas.
• 1986: La primer película clasificada R viene de Touchstone, la compañía cambia de
nombre de Walt Disney Studios a The Walt Disney Company el 6 de febrero.
• 1987: La compañía y el gobierno Francés firman un acuerdo para que se pueda crear
el primer Disney Resort en Europa, comienza el proyecto Euro Disney.

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• 1989: Se lanza La Sirenita. La célula de animación renace. Disney ofrece un fuerte
suma de dinero por la compra de los personajes de Jim Henson, Los Muppets. Abre los Walt
Disney-MGM Studios en Walt Disney World.
• 1990: Se estrena en TV The Muppets at Walt Disney World, pero Jim Henson muere y
el trato nunca se cierra.
• 1991: La Bella y la Bestia es el primer filme animado en ser nominado a un Oscar a
Mejor Película.
• 1992: El controvertido parque de Euro Disney Resort abre a las afueras de París,
Francia.
• 1993: Disney adquiere el estudio independiente de películas llamado Miramax Films;
La mercadotecnia de Winnie the Pooh se agota, y se elaboran productos de Mickey Mouse
por primera vez.
• 1994: El parque Euro Disneyland se renombra como Disneyland París, Frank Wells
muere en un accidente aéreo, Jeffrey Katzenberg renuncia debido al rechazo de Eisner de
que diriga los estudios de animación y funda Dreamworks SKG. Planes para Disney America
en Virgina, California o Ciudad de México son abruptamente parados sin explicación alguna.
• 1995: En Octubre la compañía contrata al super agente de Hollywood Michael Ovitz
como presidente, Disney lanza bajo un acuerdo con Pixar Animation Studios la primer
película en CGI Toy Story.
• 1996: Las empresas ajenas a Walt Disney se renombran bajo el sello Disney
Enterprises además adquiere Capital Cities/ABC, Michael Ovitz es despedido bajo un
“acuerdo mutuo” de millonarios costos para la empresa.
• 1997: Las series antológicas reviven de nuevo, esta vez en formato de DVD.
• 1998: Animal Kingdom abre en Walt Disney World, Disney firma un contrato de 5
películas con Pixar la primera de ellas es A Bug’s Life.
• 2000: Robert Iger toma el puesto de Presidente y COO, se relanzan los clásicos de
Disney en DVD bajo el sello Masterpieces
• 2001: Disney California Adventure y Tokyo DisneySea abren sus puertas al público,
Disney compra Fox Family por 3 mil millones de dólares dando a Disney poco más de 81
millones de televidentes.
• 2002: Walt Disney Studios abren cerca de Disneyland París el área entera es re-
llamada Disneyland Resort París, Disney finaliza las negociaciones para adquirir los
derechos de los formatos de las series Mygthy Morphin Power Rangers.

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• 2003: Roy Disney renuncia al puesto de director del estudio de animación y de la
mesa directiva alegando las mismas razones que hace 26 años junto con Stanley Gold
inician la campaña Save Disney 2 que exigía la renuncia de Michael Eisner, Disney lanza su
primera película con clasificación PG-13 esta es Piratas del Caribe. En este mismo año
realizan la produccion de la serie Power Rangers Tormenta Ninja, la cual es la primera
generacion que no es de saban Entertaiment
• 2004: Comcast lanza una oferta de compra hostil hacia Disney, Michael Eisner es
reemplazado como jefe de la mesa directiva por George Mitchell, el 17 de febrero Disney
compra los personajes de Los Muppets (excepto los personajes de Plaza Sésamo)
• 2005: Disneyland celebra su 50 cumpleaños el 17 de julio. El 11 de septiembre Hong
Kong abre oficialmente un parque temático. Robert A. Iger reemplaza a Michael Eisner como
CEO el 1 de octubre. También en Octubre, los co-fundadores de Miramax: Bob y Harvey
Weinstein dejan la compañía para formar su propio estudio.
• 2006: El 25 de enero, Disney anuncia la compra de Pixar Animation Studios por 7,4
billones de dólares. Steve Jobs se convierte en accionista mayoritario. El 7 de febrero Disney
recupera los derechos, Oswald The Lucky Rabbit, mediante un convenio con NBC Universal
mediante el cual el comentarista deportivo de ABC, Al Michaels, se cambia a NBC.
• 2007: Adquiere Club Penguin. Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, tercer y última
parte de la más exitos triología de la compañía, es estrenada siendo un gran éxito. Canadá –
Disney Adquiere los programas originales de teletoon.
• 2008: Disney readquiere la cadena de tiendas Disney Store. Prepara nuevos
proyectos como “Bolt”; “La Princesa y el Sapo” (2009) ; y “Rapunzel” (2010). Disney adquiere
el personaje de Pucca y su productora Vooz Inc. Disney entra en la sociedad de televisión
española NET TV, lanzando en abierto, por primera vez en su historia, el canal Disney
Channel en dicho país.
• 2009 : Disney anuncia la compra de Marvel por 4.000 millones de dólares, cerca de
5000 personajes pasan al mundo Disney Enterprises,Inc.. Disney créa la priméra Princesa
Disney de raza afroamericana. Se confirma que Disney tiene la autorizacion de emitir Naruto
Shippuden en Estados Unidos. En un comunicado de prensa, el distribuidor de Viz Media ha
confirmado que Naruto Shippuden fue adquirida por Disney XD en los EE.UU. y comenzará a
transmitir el 28 de Octubre.
2010
Disney compra a la empresa de videojuegos Wideload Games

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En Julio del 2010, después del Mundial de Fútbol, Disney se retira las acciones con Corus
Entertainment por faltan de acciones y tuvo que alanzar con la Astral Media, según los
accionistas en Canadá. Disney podrá a retornar sus acciones con Corus en Diciembre del
2014.
WALT DISNEY
A pesar de los esfuerzos de sus biógrafos, un fondo de leyenda sigue aun planeando sobre
la figura de Walt Disney. Un repetido rumor asegura que Disney era un emigrante europeo,
probablemente español, que llegó a los Estados Unidos y que, más tarde, por temor a
suspicacias, falseó su origen. También han sido mitificadas las circunstancias de su muerte:
muchos creyeron que Disney había sido congelado con modernas técnicas de hibernación.
Su cuerpo aún permanecería así con las constantes vitales suspendidas, a la espera de un
futuro en que pudiese despertar y nuevos procedimientos quirúrgicos reparasen su salud.
Pero la prosaica realidad es que el cadáver Disney fue incinerado por deseo de sus
familiares. No ha de extrañar, sin embargo, toda esta mezcla de realidad y fantasía alrededor
de quien pasó a la historia de la cultura occidental como uno de los más prolíficos,
contradictorios e influyentes cultivadores de la imaginación infantil.
Walter Elias Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois. Cuarto de los cinco
hijos que tuvieron Elias y Flora Disney, su infancia transcurrió entre apuros económicos y
bajo la severidad de su padre, carpintero de profesión, que probó suerte en toda clase de
negocios sin que nunca consiguiera mejorar su maltrecha economía. Eternamente
menospreciado por su padre, Walt creció muy unido a su madre, una antigua maestra
descendiente de alemanes, y a su hermano Roy, ocho años mayor que él.
En 1906, Elias Disney decidió empezar una nueva vida en una granja cerca del pequeño
pueblo de Marceline, Missouri, donde Walt descubrió la naturaleza y los animales. También
entonces nació su interés por el dibujo, que compartió con su hermana pequeña, Ruth. Elias
Disney hacía trabajar tan duro a sus hijos en el mantenimiento de la granja que los dos
mayores, Herbert y Raymond, decidieron dejar el hogar para instalarse por su cuenta otra
vez en Chicago.
Los difíciles comienzos
La precaria situación en que quedó la familia con la marcha de los dos jóvenes empeoró en
el invierno de 1909, cuando el padre contrajo fiebres tifoideas y la enfermedad le obligó a
vender la granja y a trasladarse a Kansas City, Missouri, donde encontró un empleo como
repartidor de periódicos, tarea en la que Roy y Walt le ayudaban. Ello supuso un menor
rendimiento del pequeño Walt en la escuela, donde nunca fue un alumno aventajado.
Pasados un par de años, Walt, que ocasionalmente ganaba algún dinero vendiendo sus

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caricaturas, se matriculó en el Instituto de Arte de Kansas City, donde aprendió las primeras
nociones sobre la técnica del dibujo. En aquellos años de su adolescencia descubrió el cine,
un invento que le apasionó desde el primer momento.
En 1917, cinco años después de que Roy Disney abandonara también el hogar paterno,
Elias Disney se trasladó con su mujer y sus dos hijos pequeños de nuevo a Chicago, donde
probó suerte montando una pequeña fábrica de mermelada. En la primavera de 1918, Walt,
con sólo diecisiete años, falsificó su partida de nacimiento y se enroló como soldado en la
Cruz Roja para combatir en la Primera Guerra Mundial. Llegó a Europa cuando ya había paz,
pero estuvo destinado en Francia y Alemania hasta septiembre de 1919. Una vez licenciado,
se fue a vivir con su hermano Roy a Kansas City, donde buscó empleo como dibujante.
Su sueño era convertirse en un artista del Kansas City Star, el diario que había repartido en
su infancia, pero encontró trabajo como aprendiz en una agencia de publicidad, la Pesmen-
Rubin Commercial Art Studio. Con un sueldo de 50 dólares al mes, en aquel empleo conoció
a Ubbe Iwerks, un joven de su misma edad y excepcionalmente dotado para el dibujo, con el
que entabló amistad. Cuando los dos se quedaron sin trabajo montaron su propia compañía,
la Iwerks-Disney Commercial Artists. La empresa duró apenas un mes, ya que Walt prefirió
aceptar un empleo seguro, aunque convenció a sus nuevos jefes para que contrataran a
Iwerks. En aquel trabajo ambos aprendieron las técnicas, todavía muy rudimentarias, de la
animación cinematográfica.
Inquieto e innovador por naturaleza, Disney pidió una cámara prestada y montó un
modestísimo estudio en el garaje de su casa, en el que con la ayuda de Iwerks y trabajando
por las noches, produjeron su primera película de dibujos animados. El filme tuvo aceptación
y consiguieron nuevos encargos hasta que Disney, que todavía no había cumplido los
veintiún años de edad, convenció a Iwerks para que volvieran a probar suerte como
empresarios con una compañía a la que llamaron Laugh-O-Gram Films. Con una producción
basada en cuentos tradicionales, las cosas les fueron bien hasta que la quiebra de su
principal cliente los arrastró también a la bancarrota.
A Hollywood
En 1923, después de intentar inútilmente remontar el bache, Disney emigró a Hollywood. La
floreciente industria cinematográfica había convertido a Hollywood en una tierra de
promisión. Disney creyó que con su experiencia como cámara obtendría trabajo de director,
pero ningún estudio quiso contar con sus servicios, por lo que decidió volver a montar su
propia empresa con su hermano Roy como socio. El 16 de octubre de 1923, la Disney
Brothers Studio firmó su primer contrato importante, pero todavía insuficiente para hacer
frente a sus dificultades financieras. Ya entonces, Walt puso de manifiesto lo que después
sería una constante en su compañía: que era capaz de recurrir a cualquier estratagema para
sacar el negocio adelante. En 1924, Ubbe Iwerks se unió a ellos y Walt pudo dejar de

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trabajar como animador para dedicarse al área para la que siempre estuvo más capacitado:
la creación de personajes y argumentos y la dirección.
El 13 de julio de 1925, tres meses después de que su hermano Roy se casara, Disney
contrajo matrimonio con Lillian Bounds, una joven empleada de su estudio, con la que tuvo
dos hijas: Diane Marie, nacida el 18 de diciembre de 1933 cuando el matrimonio ya
descartaba que pudieran tener descendencia, y Sharon Mae, a la que adoptaron en 1936. En
la primavera de 1926, y después de haber tenido que cambiar de local porque la compañía
crecía, los dos hermanos cambiaron el nombre de su empresa, que pasó a llamarse Walt
Disney Studio. Pero el estudio sufrió un importante revés cuando su principal cliente se
quedó con los derechos del conejo Oswald, un personaje creado por Disney que había
protagonizado diversos cortometrajes.
El triunfo del ratón Mickey
Con la determinación de eliminar en lo sucesivo los intermediarios, Disney concibió
durante un viaje en tren de Hollywood a Nueva York a Mortimer, un ratoncito rebautizado
luego con el nombre de Mickey por sugerencia de su esposa y al que Iwerks dio forma. Así lo
contó Disney, pero, en realidad, la paternidad de Mickey Mouse ha sido siempre motivo de
polémica, y actualmente tiende a atribuirse el propio Iwerks. En octubre de 1928, cuando
Disney buscaba distribuidor para las dos películas que había producido con Mickey Mouse
como protagonista, se proyectó el primer filme del cine sonoro. Adelantándose a otros
productores que creyeron pasajera aquella innovación, Walt se apresuró a incorporar el
sonido a una tercera película de Mickey, Willie en el barco de vapor(1928). Buen imitador de
voces y acentos, Disney hizo que el ratoncillo y su novia, Minnie, hablaran con su propia voz
para abaratar costes. La película, estrenada el 18 de noviembre de 1928 en un teatro de
Nueva York, obtuvo un rotundo éxito de público y crítica.
En 1929, con su excepcional sexto sentido para los negocios, autorizó que varias compañías
reprodujeran en sus productos la imagen de Mickey Mouse, al que incorporaron guantes y
zapatos blancos para evitar que manos y pies desaparecieran sobre fondos oscuros. El 13
de enero de 1930 empezó a publicarse una viñeta del popular personaje (con Disney como
guionista e Iwerks como dibujante) en varios periódicos de Estados Unidos, y ese mismo año
se editó un libro de dibujos de Mickey que fue reeditado en numerosas ocasiones.
Adicto al trabajo, para el que robaba muchas horas de sueño, Disney tuvo una seria crisis de
salud que le obligó, a finales de 1931 y cuando el club de Mickey Mouse ya tenía un millón
de miembros, a tomarse unas largas vacaciones con su esposa. De vuelta a Hollywood, se
apuntó a un club deportivo donde practicaba boxeo, calistenia, lucha libre y golf. Poco
después descubrió la hípica y, finalmente, el polo, del que fue un fanático durante el resto de
su vida. Una afición que cultivó con tanta pasión como su fascinación por los trenes y las
miniaturas.

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Con Mickey Mouse como buque insignia de una compañía en alza, Disney creyó que no
debía dormirse en los laureles ni aburrirse haciendo sólo películas del famoso ratoncillo, que
en 1932 le supuso el primero de los Oscar que recibiría durante su carrera. Respaldado por
un equipo de excelentes dibujantes e ilustradores, desplegó todo su espíritu creativo en la
primera serie de sus Sinfonías tontas(1932). Realizados en technicolor, los diversos
cortometrajes que componían esta producción significaron en su época un experimento
sobre el uso expresivo del color. En noviembre de aquel mismo año, el estudio Disney se
convirtió en el primero que tuvo su propia escuela de dibujantes y animadores.
Un año más tarde, el 27 de mayo de 1933, estrenó la sinfonía tonta que hacía el número
treinta y seis y que iba a tener un éxito inesperado: Los tres cerditos. Sin pretenderlo, su
famosísima canción ¿Quién teme al lobo feroz? se convirtió en un canto de esperanza para
millones de norteamericanos que intentaban no ser devorados en la vida real por la Gran
Depresión. En 1934, cuando su estudio contaba con 187 personas, nació el pato Donald, un
personaje de carácter irascible y perverso, que vino a sumarse a los perros Pluto y Goofy.
Los largometrajes
Cuando ya se había hecho un nombre en la industria de Hollywood, Walt Disney emprendió
una iniciativa arriesgada y sin precedentes: producir el primer largometraje de dibujos
animados de la historia del cine.Blancanieves y los siete enanitos (1937) demostró no sólo
que Disney y su equipo eran unos virtuosos de la animación, sino que los dibujos animados
podían ser todo un género cinematográfico. La película recaudó cuatro millones de dólares,
todo un récord para la época, pero dejó endeudado a Disney hasta 1961 por culpa de la
amortización de los créditos que tuvo que pedir, ya que el presupuesto inicial de 500.000
dólares de la película había acabado triplicándose.
En Blancanieves y los siete enanitos se utilizó por primera vez la cámara multiplano, capaz
de sugerir profundidad de campo gracias a un ingenioso sistema de superposición de cinco
láminas filmadas en un mismo plano para simular lejanía, y un nuevo sistema de technicolor.
La película fue el primer ejemplo de que el cine de animación de la escuela Disney tenía un
sólido procedimiento narrativo, en el que los personajes humanos eran descritos a partir de la
«mirada» de los animales humanizados o de los seres fantásticos. También quedó patente
en el filme el gusto de Disney por lo tenebroso y su estilo de sugerir más que de mostrar
abiertamente el terror.
La década de los cuarenta fue un período de gran actividad en la Disney, caracterizado tanto
por la consolidación del estilo iniciado con Blancanieves y los siete enanitos como por la
contradicción que Walt sentía entre su tendencia artística a la innovación y al riesgo y la
necesidad de atender a un mercado nada dado a las novedades y los experimentos. Reflejo
de ello fue la tibia respuesta del público a las siguientes películas salidas de su «factoría» de
sueños. Pinocho (1940), considerada como una de las piezas maestras del cine de

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animación por los críticos y en la que se invirtieron 2.600.000 dólares, fue un desastre
comercial.
Lo mismo sucedió con Fantasía (1940), que costó 2.300.000 dólares. En ella dibujantes y
animadores combinaron las evoluciones de los personajes de dibujos animados con la
música de Stravinski, Dukas, Beethoven, Ravel, Bach o Chaikowski. Considerada una obra
maestra por unos y una insultante caricatura de la música clásica por otros, Fantasía no fue
la «obra total» que Walt Disney había imaginado y deseado. Estos fracasos comerciales
abrieron una importante brecha económica en la empresa, paliada poco después por los
éxitos consecutivos deDumbo (1941) y Bambi (1942).
Después del sketch sobre La danza de las horas, de Ponchielli, que codirigió con Norman
Ferguson en Fantasíautilizando el seudónimo de T. Hee, Walt Disney abandonó el campo de
la realización para dedicarse casi en exclusividad a la tarea de dirigir el incipiente imperio
cinematográfico en el que se había convertido la empresa que tan modestamente había
iniciado quince años antes. El 6 de mayo de 1940 finalizó la construcción de sus nuevos
estudios en Burbank, que le granjearon el sobrenombre de «Mago de Burbank».
Diseñados por él mismo con el objetivo de facilitar el trabajo de sus empleados, aquellos
estudios contaban con veinte grandes edificios, separados por calles a las que se les puso el
nombre de sus personajes. La plantilla de la empresa rondaba los 2.000 empleados, a los
que Disney exigía un alto nivel de creatividad y producción a cambio de salarios muy bajos,
aunque nunca reparó en gastos a la hora de hacer sus películas y siempre llevó
personalmente una vida privada sin lujos ni ostentaciones.
Anticomunista furibundo
El 10 de noviembre de 1940 empezó a colaborar con el FBI, después de que el entonces
director de la agencia federal de investigación, J. Edgar Hoover, hubiera intentado en varias
ocasiones reclutar al productor cinematográfico como agente para que le facilitase cualquier
información o detalle sobre la presencia de elementos subversivos (comunistas, sindicalistas
o anarquistas) en Hollywood. Sin embargo, los primeros devaneos políticos de Disney
tuvieron un cariz más progresista y se remontaban a 1938, cuando se adhirió a la Society of
Independent Motion Picture Producers, asociación de productores y cineastas
independientes opuestos al dominio absoluto de los grandes estudios de Hollywood. Desde
aquel grupo, que contaba con figuras como Orson Welles o Charlie Chaplin, Disney fue
derivando hacia un ideario próximo al partido nazi norteamericano y a un sentimiento
fuertemente antimarxista.
En 1941, un sindicato de ilustradores recién creado en su compañía amenazó al «Mago de
Burbank» con ir a la huelga en demanda de mejores salarios. Disney pretendió evitar
personalmente el conflicto dirigiendo un discurso a sus empleados, pero éstos, para estupor
suyo, ya que concebía la empresa como una gran familia, no le dejaron pasar de las

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primeras frases. El 29 de mayo de aquel año, los estudios Disney quedaron casi paralizados
por una huelga en la que participaron la mayoría de los trabajadores y que duró todo un año.
El conflicto se saldó cuando la empresa aceptó que los trabajadores pudieran elegir
libremente su sindicato, incluido el izquierdista Screen Cartoonists Guild.
Los acuerdos que llevaron al final de la huelga fueron firmados por Roy Disney, ya que Walt
se encontraba de viaje por diversos países de Sudamérica. De aquel largo viaje salieron
varias películas destinadas básicamente al público latinoamericano. Entre ellas, Saludos,
amigos(1943) y Los tres caballeros (1945), en las que combinó dibujos animados y actores
de carne y hueso. En 1943, buena parte de sus mejores dibujantes le abandonaron para
fundar la UPA (United Productions of America), donde nacería, entre otros, el miope
personaje de Mister Magoo.
Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, en la que Disney había accedido a filmar
para el gobierno estadounidense películas propagandísticas, dejó la presidencia de su
compañía, cediéndole el cargo a su hermano Roy, pero sólo mantuvo unos meses aquella
decisión y a finales de 1945 volvió a ocupar el sillón presidencial. Nada más volver, despidió
a más de 400 empleados, asegurando que la empresa pasaba por una crisis y tenía que
cumplir el acuerdo concertado con la Screen Cartoonists Guild de conceder el aumento
salarial del 25% a los dibujantes.
Reafirmado en su antimarxismo y colaborador del FBI hasta su muerte, Disney se
comprometió a abortar todo elemento que atentara contra la nación norteamericana en la
reunión celebrada el 24 y el 25 de noviembre de 1947 en el hotel Waldorf Astoria de Nueva
York, que culminó con la llamada Declaración Waldorf, en la que muchos productores
cinematográficos se comprometieron a colaborar con la Comisión de Actividades
Antiamericanas en la «caza de brujas».
En agosto de 1948 hizo un viaje con su hija Sharon para filmar imágenes en Alaska, y con el
material realizó la serie de cortos titulados Aventuras de la vida real. Su hermano Roy se
opuso al proyecto (para entonces estaban ya tan distanciados que sólo se veían después de
pedir cita a sus respectivas secretarias) y auguró un incierto destino a este tipo de
documentales. Se equivocó, ya que el primero de ellos, titulado La isla de las focas (1948),
no sólo resultó rentable, sino que fue premiado con un Oscar en la categoría de
cortometrajes.
Prácticamente finalizada la década de los cuarenta, Disney recibió una interesante propuesta
de Howard Hughes: un crédito sin intereses de un millón de dólares a cambio de su ayuda en
un terreno (el sector cinematográfico) que el multimillonario tejano no conocía y en el que
quería invertir. Con aquel dinero, Disney puso en marcha 18 nuevos proyectos, entre ellos
Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Tras una
costosísima incursión en el cine futurista con 20.000 leguas de viaje submarino (1954), volvió
a proyectos más baratos y que sintonizaran con el orgullo de ser norteamericano. Para

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entonces, su compañía ya no era la reina de los dibujos animados. La Warner Brothers
empezaba a hacerle una seria competencia con la estrella de su serie Looney Tunes, Bugs
Bunny. Aquel conejo era el contrapunto del cándido, apolítico y asexuado Mickey Mouse, que
a principios de los años cincuenta vivió sus momentos más bajos de popularidad, aunque
siguió siendo el personaje preferido de Disney y el emblema de su imperio.
Disneylandia
En 1953, después de ganar un nuevo Oscar al mejor documental con El desierto viviente,
inició conversaciones con la cadena televisiva ABC para ceder la emisión de sus películas al
nuevo invento. A diferencia de otros productores de Hollywood, que la consideraban una
amenaza, Disney creyó que la televisión era un excelente medio de difundir sus productos.
Un año después inició la realización de filmes específicamente para televisión, la parte de su
producción artística más denostada por los críticos. Críticas que también le lloverían años
después conMary Poppins (1964), su primer largometraje con sólo actores reales. Pero a
Disney no le importaron, porque esas películas le daban el dinero que necesitaba para hacer
realidad un proyecto que acariciaba desde hacía tiempo: construir un enorme parque de
atracciones basado en sus personajes.
Adicto al trabajo y perfeccionista, el productor cinematográfico diseñó hasta el último detalle
de Disneyland, que abrió sus puertas el 17 de julio de 1955 en Anaheim, California. Este
parque, con una extensión de 120 hectáreas, costó 17 millones de dólares, y Main Street
USA, su calle principal por donde transitaban cientos de actores disfrazados de personajes,
recreaba a la perfección la calle mayor de Marceline, el pueblo donde vivió su infancia
Disney, que aquel verano de 1955 ya era abuelo del primero de los diez nietos que tuvo.
Multimillonario y galardonado con veintinueve Oscars, en la década de los sesenta se había
consolidado como uno de los personajes más conocidos y queridos de todo el mundo, pero
su salud flaqueaba, y todo su imperio entró en una lucha por la sucesión. Fumador
empedernido y aficionado al alcohol, murió el 15 de diciembre de 1966 en Los Ángeles,
California, víctima de un cáncer de pulmón, después de haber supervisado los esbozos de
Disney World, parque temático al estilo de Disneyland pero más enfocado hacia los adultos,
que abriría sus puertas en 1971 en Orlando, Florida (en 1983, la compañía inauguró en
Japón el Tokio Disneyland y en 1992 abrió sus puertas el Euro Disney de París).
El «Mago de Burbank» había fallecido sin llegar a ver terminado El libro de la selva (1967), la
segunda película más comercial de Disney desde los tiempos deBlancanieves y que dirigió
Wolfgang Reitherman, quien asumió la producción de los largos de animación disneyanos
hasta 1981. Después de años de mucha producción y pocos éxitos destacables, los estudios
Disney volvieron a ser los reyes del género de dibujos animados con La bella y la bestia
(1991), Aladdin (1992) y El Rey León (1994). Con el fallecimiento de Disney, entraba en la
leyenda uno de los nombres fundamentales de la cultura popular del siglo XX. Con variada
fortuna, tratarían de sustituirle figuras tan dispares como su hermano Roy O. Disney, su

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sobrino Roy E. Disney y su yerno Ron Miller. Pero sólo el productor ejecutivo Michael Eisner
demostró ser un digno sucesor suyo.
LOS ENGAÑOS DE WALT DISNEY
Cuando yo era niño, recuerdo con gran ilusión los dibujos animados de Walt Disney. No
había otros tan llamativos y divertidos. Sus personajes eran tan reales, que creía que podían
ser auténticos. Años más tarde, pude comprobar que, aunque esos personajes son fruto de
la imaginación, han sido llevados a la realidad en los parques de atracciones de Walt Disney.
En estos parques, la fantasía de los dibujos animados se vuelve palpable. Uno incluso llega a
perder la noción del tiempo.
Desgraciadamente, aunque las actividades y diversiones de Walt Disney siempre han sido
vistas como un entretenimiento familiar recomendable y símbolo de la unión familiar en
EE.UU., el presente artículo pretende abrir los ojos a la realidad a aquellos padres cristianos
que realmente aprecien a sus hijos
La Historia
Walt Disney fue un hombre de una infancia difícil. Desde muy pequeño, recibía palizas
brutales de su padre, casi a diario. Ello hizo que la confianza de Walt en sus padres fuera
deteriorándose poco a poco hasta que la perdió completamente. Después de graduarse de la
enseñanza secundaria, Walt intentó alistarse en el ejército. Cuando se le pidió el certificado
de nacimiento, Walt descubrió que ni la oficina estatal correspondiente, ni en su iglesia tenía
su certificado de nacimiento. Esas experiencias marcaron para siempre la vida de Walt. Si se
observa detenidamente, muchos de los personajes de Walt Disney no conocen realmente a
sus padres o bien se separan de ellos, por ejemplo: Pinocho, Bambi, Fantasia o Dumbo. Su
trágica infancia también afectó las relaciones laborales con constantes conflictos con sus
empleados de los que se reía, humillaba y ridiculizaba.
La Mitología
Es interesante descubrir que muchos de los personajes de Disney son dioses de la mitología
griega encarnados en dibujos animados. Una de las primeras películas de Disney fue "La
Diosa de la Primavera". Esta película está basada en la diosa griega Perséfone, hija del Dios
Demeter. Pluto, el simpático personaje en los comics de Disney, es un dios de la mitología
griega pero con menos fortuna. En vez de gobernar los cielos y la tierra, gobierna el reino de
los muertos en las profundidades de la tierra. De hecho, Pluto es el sobrenombre de Hades,
rey de los infiernos y dios de los muertos. La mitología cuenta que Pluto secuestró a
Perséfone para que viviera con él en la tierra. Demeter se disgustó pero supo que Perséfone
había sido secuestrada. Demeter fue a visitar a Zeus al Monte de los Olimpos y le rogó que
hiciera algo. Zeus envió a Hermes para rescatar a Perséfone. La única condición para que se

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llevara a cabo el rescate era que Perséfone no comiera nada. Es Pluto quien persuade a
Perséfone para que coma.
La introducción de mitología griega en las producciones de Disney fue el primer paso para
seguir introduciendo toda una serie de temas antibíblicos incluida la magia blanca, la brujería,
y el misticismo. En "Blanca Nieves y los Siete Enanitos" dichos enanitos no son más que
duendes con poderes y habilidades especiales que habitan en lugares secretos de la tierra.
Entre sus habilidades está la de aparecer y desaparecer según su voluntad. En "Pocahontas"
se venera la madre tierra como una diosa. Los griegos y romanos llamaban a esta diosa
Gaia.
El Mundo de los Espíritus
En 1940, salió a la luz la película "Fantasia". En ella se combina la hechicería, la brujería y el
espiritismo. Aparecen todo tipo de dioses y animales mitológicos y toda una serie de espíritus
y demonios. Entre ellos Chernobog, quien en la mitología eslava representa al diablo. En una
escena de esta película, se escucha el "Ave María" de Schubert mientras espíritus malignos
ascienden de las tumbas hasta la presencia de Chernobog para rendirle tributo. Este les
muestra su poder del mundo oculto. Cuando comienza a amanecer, los espíritus vuelven a
sus tumbas y Chernobog se esconde en una montaña. En 1960, "Fantasia" se convirtió en
una película muy admirada por la generación hippie. Muchos hippies pensaban que para
lograr una película así el personal de Walt Disney debió de haber entrado en trance. Más
tarde, Arthur Babitt, uno de los animadores de la película, haciendo referencia a ese
comentario dijo: "Si, es cierto. Yo mismo era adicto a varios tipos de drogas."
La Gran Obsesión
La gran obsesión de la vida de Walt Disney se debió a un encuentro que tuvo con un vidente.
Este le dijo que no viviría más de 35 años. Desde aquel momento hasta el día de su muerte,
Walt vivió completamente obsesionado por el tema de la muerte y el más allá. Según uno de
sus biógrafos: "Walt buscaba sus ángeles y demonios personales para mejorar el trabajo de
su empresa." (1) Esa obsesión se reflejó en muchas de sus películas. Una de esas fue
"Davy Crockett". Davy Crocket encarna al propio Walt. En una escena el personaje aparece
ascendiendo a los cielos prematuramente. Exactamente lo que se le había predicho a Walt.
En "Cenicienta" el cuento fue alterado por un autor francés llamado Perrault. En la versión
más aceptada de este cuento, Cenicienta es ayudada por su madre que después de morir se
reencarna en una vaca. Perrault cambió ese personaje e hizo aparecer a la madre de
Cenicienta como una diosa medio pagana, medio cristiana. Walt Disney llegó a decir: "Los
animales de los cuentos no son realmente animales. Son seres humanos con forma de
pájaro o de bestias." La doctrina de la reencarnación, promovida por el Hinduismo y el
Budismo, es totalmente contraria al cristianismo ya que destruye la imagen de Dios como un
ser personal que crea al hombre y se le revela mediante una relación personal con él.

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En "El Rey León" Rafiki aparece en una postura llamada doble-loto que se usa para la
meditación budista. En la película "Pocahontas" la abuela de Pocahontas muere y se
reencarna en un gran árbol que le anima a "escuchar los espíritus." En un libro-casete que
publicó Disney con el título de "Pocahontas de Disney--Escucha con tu Corazón.",
Pocahontas está sentada hablando con su abuela reencarnada en un sauce. Pocahontas
dice: "Abuela, ¿Cuál es mi camino? ¿Cómo voy a encontrarlo?" A lo que el sauce le
responde: "Hija, a tu alrededor hay espíritus. Ellos viven en la tierra, el agua y el cielo. Si los
escuchas, te guiarán." Desgraciadamente, pocos saben que en la verdadera historia
Pocahontas se convierte al cristianismo.
Se Promueve la Promiscuidad
Los personajes infantiles en las películas de Walt Disney se van adaptando a la realidad de
la sociedad actual. Tinker Bell, la compañera de Peter Pan, parece más una mujer de cabaret
que un cómic infantil. Tink es un hada y, al igual que los amigos que le acompañan, no son
más que seres directamente relacionados con ritos y creencias espiritistas. Las hadas son
seres que viven en un mundo invisible que es paralelo al mundo real en el que nosotros
vivimos. También se piensa que pueden ser espíritus de dioses olvidados, de árboles,
guardianes de animales o plantas. Algunos de estos espíritus pueden adherirse a una familia
completa, como en el caso de Tinker en "Peter Pan". El código moral de estos seres está en
directa contradición al código moral de la Biblia. Son seres muy interesados en la fertilidad y
la promiscuidad sexual. Disney usó en muchas de sus películas personajes de este tipo, en
las que suelen aparecer en levitación.
También Jasmina en "Aladino" o "Pocahontas" son personajes a los que se les ha hecho
perder la inocencia infantil al darles una apariencia demasiado femenina. El experto en
asuntos familiares Robert Kinght hablando al respecto dice:
"No hay razón para que se haga eso en una película para niños, pero Disney sabe que los
niños empiezan a notar esas cosas. Y veo este asunto como una parte de la agenda
establecida para este país...Esa agenda es la sexualización de los niños. (3)
En "El Rey León", Simba golpea el suelo y levanta una nube que forma las letras S-E-X. Es
curioso que fuera un niño de cuatro años quien descubrió este mensaje. ¿Puede ser
accidental que aparezca un mensaje de ese tipo en una película para niños?
La Bella Durmiente
En 1956, se estrenó "La Bella Durmiente", otra película llena de escenas que promueven,
inadvertidamente, la mitología, la brujería y el espiritismo. Casi nadie sabe que esta es una
historia de magia negra europea que data de la Edad Media. En un momento de la película,

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el personaje femenino se transforma en un dragón. Esto no es casualidad, ya que en magia
negra las brujas consideran que pueden transformarse en animales.
El Viaje de Natty Gann
Esta película cuenta la historia de una chica que viaja a través de EE.UU. para poder
reunirse con su padre. Durante el viaje, entabla una relación con un lobo que actúa como su
amigo guía, protector y guardián. Sorprendentemente, en el ocultismo los lobos son criaturas
creadas por espíritus malignos. Los lobos amigables son comunes en la mitología y se les
conoce por rogar a las deidades por las personas a las que protegen. A los lobos incluso se
les atribuye la educación de los niños, como ocurre en la película de Disney "El Libro de la
Selva".
De acuerdo a la mitología griega, los dioses y diosas toman frecuentemente la forma de lobo,
y en el ocultismo el lobo tiene multitud de asociaciones con el diablo. En algunas ocasiones
el diablo toma la forma de lobo, y los lobos tiene una relación directa con la brujería desde
hace mucho tiempo. Se dice que las brujas aúllan como los lobos e incluso utilizan porciones
de ese animales en sus ritos. Según Frank Thomas y Ollie Johnston, dos animadores de
Walt Disney, no es necesario atravesar la barrera tras la cual los niños sienten terror. A los
niños les gusta que les asusten pero no que les aterren. A pesar de ello, las emociones que
viven los niños pueden acompañarles para el resto de sus vidas. El autor Robert Morey dice
que: "Cuando los padres permiten que escenas malignas sean vistas en el hogar, se crea
una atmósfera en la que los niños pierden el ánimo de relacionarse con Dios, prefiriendo las
cosas del mundo en su lugar."
Jesucristo Desfigurado
Si bien las películas de Walt Disney han conseguido introducir creencias contrarias al
cristianismo como el politeísmo, quizás el ataque más directo haya sido contra el propio
Jesucristo, aunque de forma velada.
En la película "Hércules", se presenta a los dioses de la mitología Griega como seres
bondadosos. El propio Hércules nace en un ambiente de valores familiares y es admirado por
todos ya que ha sido destinado a ser el dios más poderoso de todos. (Notemos las
coincidencias con Jesucristo.) En ese momento Hades, el dios de los infiernos, envía dos
demonios para destruir al pequeño dios. En la película, Hércules se convierte en un mortal
pero mantiene sus poderes sobrenaturales. Llegado un momento, Hércules pierde el control
de su poder, no comprende su propósito y piensa que "quizás los dioses tengan la
respuesta." Acude al templo de Zeus donde después de arrodillarse ante un dios, Zeus le
dice: "Si demuestras ser un héroe en la tierra, tu divinidad te será restablecida." Después de
vencer varias batallas, Hércules va a consultar a Zeus pero este le dice que su esfuerzo no
es suficiente. Hércules, entonces, le pregunta qué más puede hacer. En ese momento Zeus
le dice: "Busca dentro de ti."

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Finalmente, Hércules da su vida por una mujer a la que ama, recupera su divinidad y vuelve
al Olimpo como el mayor héroe de la historia. El salvador de la humanidad de Disney busca
dentro de sí, cuando Jesucristo hizo todo lo contrario, a pesar de que Satanás le tentó a
hacerlo igual que lo sigue haciendo hoy; Hércules da su vida por una mujer, pero Jesucristo
da su vida por la humanidad. Pocos saben que en la mitología cuando Hércules está a punto
de morir, Zeus desciende del cielo en una nube y le rescata para que pueda vivir para
siempre en el Olimpo. Exactamente lo opuesto que ocurrió con Jesucristo. No obstante, en
Walt Disney ha
La famosa Walt Disney, o The Walt Disney Company" es uno de las compañías de medios
de comunicación y entretenimiento más grandes del mundo. Fue fundada el 16 de octubre de
1923 por Walt Disney y Roy Disney , al paso del tiempo se convertiría en uno de los estudios
de Hollywood, es operador y licenciatario de parques temáticos, y diversos canales de
televisión abierta y por cable, como ABC , ESPN. Las oficinas corporativas se encuentran
concentradas principalmente en The Walt Disney Studios en Burbank, California.
-En brevedad la Disney Company dio frutos y luz gracias a un pequeño y simpático roedor,.
Un ratón llamado Mickey Mouse, conocido por todo el mundo y millones de niños pero este
no es el fin todavía queda por decir, su primera aparición de este pequeño fue en Steam
Boat, el 15 de mayo de 1928 fue un cortometraje mudo (al final lo coloco)..
Con esa pequeña aparición el roedor empezó a dar sus frutos a la compañía, decidieron
hacer comics de este ¿por qué no? si eran tan popular decidieron probar, después de esto es
que aparece la primera aparición de Goofy en el una película a color... Fue la primera
película de animación en Technicolor denominada: Flowers and Trees.
-Avanzando la Walt Disney con su roedor,... decidieron hacer su primer largometraje que fue
Blanca nieve y los siete enanos fue el primer largometraje animado a color, ganador de un
óscar. En 1937 Fantasía fue también uno de sus largometrajes más exitosos, (personalmente
yo vi fantasía cuando andaba chamo, la volví a ver y entendí un montón de cosas en la que
no me había fijado, tienen que volverla a ver para que noten el valor de ese largometraje y si
no la han visto se las recomiendo) En su película Song of the South apareció su primer actor
vivo...
En 1945 Disney contactó a Salvador Dalí para crear un cortometraje llamado "Destino" El
cual se publicó hasta el año 2003,...En el año 1955 se abrieron las puertas de
"Disneyland"...el parque animado más importante del mundo,.. Disney además creo su propio
canal televisivo llamado "Disney Chaneló" después con "Disney XD" remplazando a "Jetas"
en Latinoamérica.

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-En 1989 llega otra película llamada La Sirenita película que ganó un Oscar por mejor banda
sonora... Ahora llega el momento crucial en el cual la Disney deja de ser la misma, a que me
refiero yo con que dejó de ser la misma, si muchos tienen memoria deben recordar la famosa
unión que tuvo la Pixar y la Disney aunque hubieron ciertos problemas entre ellas se pudo
alcanzar las metas y una de ellas fue la famosa película de "Toy Story"...La Disney convirtió
a los dibujos animados menospreciados en un medio de expresión artística tales como: ney y
es una de las corporaciones más grandes del mundo dedicada a las comunicaciones y el
entretenimiento. Es la segunda empresa de comunicaciones de Estados Unidos. Las oficinas
centrales de la compañía se encuentran en Burbank, California en Los Angeles. En el año
2005 tuvo ganancias de 31 mil millones de dólares estadounidenses. Cotiza en la bolsa de
Nueva York la clave NYSEIS y está listada dentro del DJIA. En sus comienzos, la compañía
fue llamada Walt Disney Productions, pero cambió su nombre el 6 de febrero de 1986.
Fue la única compañía familiar de las cinco grandes. En lo que a beneficios se refiere
estuvo a mucha distancia de Loew´s o de Paramount. Únicamente durante los últimos años
de la era de los estudios pasó del cuarto puesto que ocupaba en la industria al segundo.
Warner Bros fue fundada en 1923 por Harry, Sam, Albert y Jack L. Warner, cuatro
emigrantes polacos. Comienzan su andadura con su propio estudio en Sunset Boulevard, en
el que producen unos cinco largometrajes al año. Hasta 1925 no se adentran en el mundo de
la distribución, momento en el que despega en la industria cinematográfica. Compraron diez
cines de estreno en importantes ciudades, y así la Warner comenzó a conformar su sistema
de distribución.
En 1927 lanza el primer largometraje sonoro de la historia del cine, El cantor de jazz, y
adquiere el control de varios centenares de salas, lo que marca su entrada en el rango de las
cinco grandes.
La Warner se centrará, tras alguna incursión en el musical o en las comedias de
Lubitsch, en temas serios de la mano de directores como Melvin LeRoy, Michael Curtiz,
William Wellman o Raoul Walsh, y actores como Edward G. Robinson, Bette Davis,
Humphrey Bogart o James Cagney, que aportan a estas películas un ritmo y un estilo de
interpretación fuerte, depurado, basado en la energía, que harán historia. Se le presenta a
veces como el único estudio que trató temas serios.
A pesar de los penosos acontecimientos para el cine que siguen a la Segunda Guerra
Mundial la Warner verá nacer algunas de sus obras más destacadas (Al rojo vivo de R.
Walsh, El halcón maltés de J. Huston, El sueño eterno de Hawks)
Sin embargo, a principios de los 50 no puede hacer frente a la descomposición
generalizada del sistema de Hollywood y la Warner interrumpe su “cine comprometido” para
dedicarse al género de aventuras o del musical familiar. A lo largo de este decenio, las

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mejores películas Warner procederán de equipos independientes, creados alrededor de
veteranos como John Ford, Raoul Walsh o Howard Hawks.
En 1967, el Warner Bros se asocia con la compañía canadiense Seven Arts y, en
1969, pasa a depender de la Kinney National Service. En los años setenta, la Kinney
adoptará el nombre de Warner Communications y extenderá, con éxito, sus actividades a
numerosos sectores: edición de libros y discos, programas de televisión, etc.
CARICATURAS: ¿ANTIGUAS O ACTUALES?
"¿Las caricaturas de antes eran mejor que las de ahora?".
Seguramente cada generación tendrá una visión distinta, ya que cada década vió de
frente diversos temáticas con las que se pudo haber identificado. No pretendemos hacer una
recreación histórica del tema, pero es una buena idea hacernos esta pregunta: ¿Por qué
pensamos que las caricaturas de nuestra época eran mejores?
Cada época tiene sus características, y estas también alcanzan a los dibujos
animados. Podemos decir que las caricaturas en México se veían desde los años 70´s, sin
embargo tienen su auge a partir de los años 80´s, quizá los motivos no los vamos a tocar en
este artículo, pero en esta década se recrea y se reconstituye el canal 5 (XHGC) en México,
canal que era dirigido originalmente a las familias, para convertirse en un espacio destinado
exclusivamente a los niños y los adolescentes.
Con este cambio, muchos de los que ahora andamos entre los 20, 30 y hasta 40 años,
fuimos testigos de muchas caricaturas Japonesas, Estadounidenses y quizá alguna de otro
país. Las temáticas eran diversas, así como los personajes, pero lo que llamaba la atención
era la forma en que trataban las problemáticas de sus protagonistas. Hay honrosas
excepciones de caricaturas de finales de los 70´s como Remi, Heidi y Candy Candy, que
reflejaban los conflictos de la condición humana, y que a muchos nos hicieron llorar en más
de una ocasión.
Pero poco a poco las historias pasaron de lo sencillo a lo complejo, mostrando con los
años cosas cada vez más realistas, saturadas de violencia y cargadas de un sentido y
mensajes más allá de lo que los niños pueden comprender.

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Vemos con nostalgia las caricaturas antiguas y nos sorprendemos como las
caricaturas actuales se pierden en conflictos, peleas, luchas de poder, lenguaje no adecuado,
y lo más peligroso quizá: la representación equivocada de los roles de niñez y adolescencia.
Estas caricaturas, donde se maneja una visión muy fantasiosa y muy distorsionada de
lo que en la vida real sucede, es un peligro ya que juegan con los roles establecidos,
llegando a provocar una confusión en el niño, sobre lo que los adultos también hacen y
desean.
Como les decía, el objetivo de este tema es hacer hincapie en lo diferente que son las
caricaturas actuales, y realmente en ningún momento las estamos censurando, ya que es
muy claro que existen algunas que valen la pena, quizá lo que ponemos en perspectiva, es
que como padres, deben de darse un tiempo para supervisar lo que ven sus hijos. Quizá si
no se ponen listos, se lleven desagradables sorpresas.
“Gertie el dinosaurio” de 1914 está considerado como la primera caricatura animada.
Anteriormente se habían hecho otros dibujos animados, pero Gertie fue el primer personaje
animado del cine. Después, durante los años 20, apareció “Félix el gato” de Otto Messmer en
numerosas películas de corta duración. Y más tarde, en los años 30, Walt Disney creó “Los
tres cerditos”, “Blancanieves y los siete enanitos”, “Pinocho” y “Dumbo”.
CARICATURAS ANIMADAS
Las caricaturas animadas o simplemente dibujos animados, han ocupado un lugar importante
en nuestras vidas, personajes entrañables que nos acompañaron interminables horas
durante nuestra infancia que aún recordamos con alegría. Recordemos las 10 mejores
caricaturas animadas de todos los tiempos.
1.-El Pájaro Loco
(1930)
Creado por Ben Hardaway y producido por Walter Lantz. Divertida caricatura animada que
narraba las aventuras de un inquieto y pícaro pájaro carpintero llamado Woody.

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2.-Popeye
(1933)
Creada por E. C. Segar. Sus inicios se remontan a divertidas historietas para dar un salto a
los cortos cinematográficos para terminar siendo una de las mejores series animadas. Narra
las aventuras de un bonachón marinero tuerto que siempre peleaba con Brutus por el amor
de su delgaducha Oliva.
3.-Tom y Jerry
(1940)
Creada por Hanna-Barbera. Empezaron como celebrados cortos animados, algunos
ganadores de la academia, para luego convertirse en una serie animada. Narra las
incansables persecuciones de un disparatado gato llamado Tom y un travieso ratón llamado
Jerry. En las últimas ediciones Tom y Jerry son entrañables amigos y dejaron las
persecuciones de antaño.
4.-Los Picapiedras
(1960)
Producida y creada por Hanna-Barbera. Narra la típica familia estadounidense pero
ambientada jocosamente en la prehistoria. Una de las caricaturas animadas más
representativas de Estados Unidos, en algún momento fue considerada la familia
estadounidense más popular.
5.-La Pantera Rosa
(1963)
Personaje animado creado por Blake Edwards, sus primeras apariciones fueron en los
créditos de las películas del propio Edwards. Debido al éxito que obtuvo por sus apariciones
al año siguiente tuvo su primera serie animada propia. Narraba las divertidas aventuras de
una muy sagaz pantera rosa. En 1976 se dio vida a este singular personaje en la película
titulada La Pantera Rosa ataca de nuevo. (The Pink Panther Strikes Again). Más
recientemente, en el 2006 se produjo el largometraje La Pantera Rosa, y en el 2009 salió al
mercado La Pantera Rosa 2.

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6.-Candy
(1979)
Anime japonés creado por Yumiko Igarashi, derivado de la manga del mismo nombre. Es
considerada hoy una serie animada de culto para muchas generaciones. La serie narraba la
historia de una niña blonda huérfana que vive el hogar de Pony, luego es adoptada y conoce
su primer amor. Se realizó una película con poco éxito en 1992.
7.-Marco
(1976)
Anime japonés basado en la obra “Corazón” del italiano Edmondo de Amicis. Narra la
travesía de un pequeño niño llamado Marco, que viaja desde Italia a Sudamérica en busca
de su madre.
8.-Los Pitufos
(1981)
Creados por el caricaturista Peyo, alcanzaron su mayor fama en la serie animada producida
por Hanna-Barbera en la década de los 80. Narra las aventuras de un grupo de pequeños
mágicos seres azules que viven en una gran aldea y son perseguidos incansablemente por el
villano Gárgamel. Se han realizado nuevas versiones, películas, video juegos y está en
espera de una nueva producción cinematográfica para el 2011.
9.-Los Simpsons
(1989)
Creada por Matt Groening, es la serie animada más importante de los Estado Unidos, con un
gran record en el horario estelar estadounidense. Narra las divertidas historias de una familia
muy peculiar donde resaltan las locuras de Homero y las travesuras del pequeño Bart. En el
año 2007 se estrenó la versión cinematográfica de la serie con un auspicioso éxito.
10.-Dragon Ball
(1997)
Caricaturas japonés creado por Akira Toriyama, es considerado el anime más seguido en el
mundo entero. Narra las fantásticas aventuras de un pequeño niño que va en busca de las
esferas del dragón. Se realizó una entrega cinematográfica de esta serie animada en el
2009.

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Diferencias (antes & ahora)
Al principio eran dibujos con historias sencillas y duraban unos pocos segundos o minutos,
los personajes aún no tenían sus voces propias, pero eran reemplazados por una pista con
música y algunos sonidos sencillos como el de una locomotora, una risa, o alguien tocando
en una puerta.
Las imágenes eran totalmente bidimensionales, es decir, muy planas pues los efectos de luz
y sombra eran muy básicos, al contrario de lo que son ahora: son tridimensionales pues usan
muchísimos efectos con el color, las sombras, cientos de efectos de movimiento con las
cámaras, que dan la sensación de volumen y profundidad, y una gran cantidad de detalles
que dejan pasmados a cualquiera.
Incluso las que son hechas en computadoras como por ejemplo Shrek, que llevan la
animación a un nivel nunca antes visto, donde es posible dar animación por ejemplo, a cada
pelo de la melena de un león que se mueve con el viento. Inclusive hay cortos animados
donde están tan bien hechos los personajes que es casi imposible decir si son reales o
meros dibujos.
La historia de Cartoon Network
Cartoon Network es un canal de televisión por cable creado por Turner Broadcasting, que
muestra principalmente de programación animada. El canal comenzó a emitir el 1 de octubre
de 1992. Cartoon Network también puede referirse a los estudios que producen programas
originales para la red.
Además de la red original de América, hay numerosas versiones internacionales:
Cartoon Network Australia, Europe, Alemania, India, Italia, Japón, América Latina, nórdico,
Pakistán, Filipinas, sudeste de Asia, Turquía.
Cartoon Network (Reino Unido & Irlanda), disponible en el Reino Unido y la República de
Irlanda.
Cartoon Network es un canal de televisión por subcripción creado por Turner Broadcasting y
dedicado a la animación, siendo el más grande del mundo en este tipo de transmisiones. Su
estreno fue el 1 de octubre de 1992 en Estados Unidos y como su primer programa emitido
fue un episodio de Bugs Bunny titulado Rhapsody Rabbit. Este canal se emite en todo el
mundo a través de cable y satélite, con versiones de su programación en diversos idiomas.
Historia

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Al final de 1980, el conglomerado de televisión por cable de Ted Turner había adquirido la
biblioteca de películas de MGM (que incluía el antiguo catálogo de dibujos animados de
Warner Bros), y su canal de cable Turner Network Television (TNT) había ganado una
audiencia con su filmoteca. En 1991, compraron el estudio de animación Hanna-Barbera.
El canal Cartoon Network fue creado como un lugar donde aprovechar la considerable
cantidad de material de animación de que disponía Turner, y la programación inicial consistía
exclusivamente en reposiciones de series de animación clásicas de Warner Bros. y MGM,
con muchas caricaturas de Hanna-Barbera usadas para llenar espacios.
En 1996, la compañía Time Warner adquirió Turner Broadcasting, lo cual sirvió a Cartoon
Network para disponer de nuevo material, al tener ahora acceso a todo el archivo de Warner
Bros de los años 50 y 60.
A partir de entonces, Cartoon Network inicia su producción propia junto a Hanna-Barbera,
creando varias nuevas series de animación conocidas como Cartoon Cartoons, entre las que
destacan El Laboratorio de Dexter (Dexter’s Laboratory), Johnny Bravo, Cow and Chicken
(en España Vaca y Pollo, en Latinoamérica La Vaca y el Pollito), o The Powerpuff Girls (en
España Las Supernenas y en Latinoamérica Las Chicas Superpoderosas), estas comparten
la pantalla con los clásicos y algunas series modernas de producción externa.
Hasta que en la década del 2000 el canal decide comenzar una nueva reformación de su
programación, sustituyendo progresivamente la animación antigua por nuevas series.
La mayor parte de la programación, son producciones originales producidas por los Estudios
Cartoon Network en Estados Unidos con novedades y adaptaciones especializadas para el
público residente en Latinoamérica. En los últimos 15 años, Cartoon Network Latinoamérica
ha combinado los dibujos animados favoritos de todos los tiempos provenientes de la
biblioteca de la animación más grande del mundo junto con los dibujos animados originales,
innovadores, ganadores de premios y con la adquisición también de nuevas series de dibujos
animados para proveer entretenimiento al público de todas las edades.
Entre los niños de 6 a 12 años, 10 de los 15 programas favoritos son presentados por
Cartoon Network Latinoamérica, incluyendo Cartoon Cartoons (tales como Las Chicas
Superpoderosas, El Laboratorio de Dexter, La Vaca y el Pollito, Johnny Bravo y Coraje, el
Perro Cobarde), los favoritos de siempre (como Scooby-Doo, Tom & Jerry y los Looney
Tunes) y las reconocidas adquisiciones mundiales Pokémon y Dragon Ball
Cartoon Network atrae personas de todas las edades; niños de 7-12 años, jóvenes de 13-17
años y adultos de 18-24 años, siendo así la segunda cadena televisiva de más alto rating en
Latinoamérica

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Estructura de señales
El complejo cuenta con 4 feeds o lugares de transmisión masivos en los cuales se transmite
la programación de acuerdo a las necesidades de la población. La distribución se realiza de
la siguiente manera:
* Señal 1: México
* Señal 2: Brasil
* Señal 3: Argentina
* Señal 4: Señal Genérica disponible para el resto de países de Latinoamérica. Oficinas
ubicadas en Chile y Venezuela.
Cartoon Network en México
México ha logrado convertirse en el principal mercado económico de Cartoon Network
Latinoamérica. La mayoría de las series son dobladas en estudios de grabación y doblaje del
mismo país. En el 2005, Cartoon Network logró superar a todos sus competidores situándose
como el canal de mayor rating en México, dentro del total de hogares con TV de paga, entre
niños de 4 a 11 años y adolescentes de 12 a 17 años. En el 2003, Cartoon Network celebró
sus diez años con una fiesta de tres días en el centro comercial Perisur de la Ciudad de
México.
Cartoon Network en Argentina
La señal regional para Argentina, el canal está entre los canales de cable más vistos de
Argentina y sus niveles de comercialización de la señal se incrementaron desde su
lanzamiento.
Cartoon Network participó en la animación de la película Patoruzito y su secuela, Patoruzito 2
firmando un acuerdo con Red lojo producciones y Telefé Cine, junto con la producción de la
miniserie de Patoruzito. En el 2006, Cartoon Network ha lanzado una tarjeta para
bonificación de contenidos, junto con un servicio de contenido multimedia Web, denominado
Mensualidad Cartoon, al cual se le suma la realización de un concurso para trabajar en los
estudios de Cartoon Network y becas en universidades para el área artística. En Alto
Palermo todos los años se realiza la Copa Toon.
Segmentos de programación
Durante años el canal ha realzado segmentos dedicados a un grupo específico de programas
los cuales han logrado atraer a más televidentes.
Activos

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* Cine Cartoon - Estrenado en diciembre de 2009. Segmento similar a sus predecesores;
Teatro Cartoon y Cine manía. Actualmente ocupa los horarios de programación de los
bloques anteriormente mencionados.
* Copa Toon - Un programa anual que trata de un campeonato de fútbol al estilo cartoon.
Este se originó en el año 2001 y en su edición del 2005 jugaron futbolistas reales contra
cartoons, empatando finalmente a 12 goles. Diversas figuras latinoamericanas del fútbol han
pasado por el programa como Pelé, Iván Zamorano, Rafael Márquez, Carlos Tévez y
Ronaldinho. El bloque aun sigue vigente pese a tener apariciones esporádicas en vísperas
de eventos deportivos como los mundiales de fútbol.
* Cortos - Un espacio de 30 minutos en donde el canal exhibe episodios cortos de diferentes
producciones animadas. Fue incorporado en diciembre de 2009 y se emite los domingos a
las 11:30.
* Votatoon - Bloque de programación que muestra el pedido del público mediante un sondeo
de 2 opciones mediante la página Web del canal o por telefonía celular. Alternando los
géneros y programas cada semana. Se transmite todos los sábados de 15:00 a 18:00.
* Cartoon Cartoons, ahora llamado Cartoon Pop - Bloque de programación que consta de
cortos de algún Cartoon Cartoons escogido de forma aleatoria (producciones de Cartoon
Network Studios). Al principio este bloque se llamaba Cartoon Cartoons, pero en 2008
cambió el nombre a Cartoon Pop. Actualmente se transmite todos los dias de 4:00 a 7:00 am
.
* Hora Acme - Uno de los segmentos más viejos creados por el canal. En este bloque se
emiten series de animación clásica de estudios como Warner Brothers y MGM.
Anteriormente se transmitía todos los días de 5:00 a 6:00, pero salió de la programación en
el año 2007. Su reincorporación en la programación del canal fue el 1 de octubre de 2009.
* Especiales de 3 horas - Anteriormente era un segmento de especiales de fin de semana de
4 horas y de 2 horas, el cual cada semana Cartoon Network presenta un maratón de
cualquier serie que el canal decida emitir los viernes a las 17:00.
* Ja Ja Ja - Es una contraparte del bloque Har Har Tharsday de Cartoon Network Estados
Unidos e incorporado a finales de noviembre de 2009 en donde se emiten únicamente series
del género de comedia y exhibidas por Cartoon Network. Se transmite los días jueves de
18:00 a 20:00.
* Top Top Toons - Incorporado en enero de 2010. Es un bloque de 3 horas en donde se
exhiben las series más relevantes de Cartoon Network como Pokémon y Ben 10: Fuerza
Alienígena. Se transmite de lunes a domingo.

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* Héroes - Incorporado en enero de 2010. Las series emitidas son únicamente series de
temática de acción y superhéroes. Se transmite los días martes a las 18:00.
* Animaction - Incorporado en enero de 2010. Es un bloque de 2 horas en donde se exhiben
series de anime y acción como Pokémon y Kamen Rider: Los caballeros dragón. Se
transmite los días miércoles a las 18:00
* Cartoon All Stars - Incorporado en enero de 2010. Es un bloque donde se exhiben las
series más famosas del canal como Scooby Doo y Tom y Jerry. Se transmite los días lunes a
las 18:00.
Eliminados de la programación
* Boomerang - Cartoon Network decide crear el nuevo canal Boomerang en el 2001,
basándose en un antiguo bloque de programación para dar salida definitivamente a la
animación clásica de su programación. Sin embargo, a mediados del 2006 se le decidió darle
una nueva imagen renovando totalmente su contenido, removiendo casi por completo las
series antiguas y poniendo en su lugar series modernas como Chiquititas, Rincón de luz,
Betty Toons, etc. Además de renovar su logotipo. En junio de 2008, el canal retiró por
completo la programación clásica, para dar lugar a un canal de series live-action dirigido a un
público juvenil.
* El Pequeño Mundo de Cartoon Network - Este segmento estaba dirigido a los niños de 4 a
6 años. En el se transmitían cortos de varias producciones adquiridas por el canal, se dejó de
emitir en 2006 luego de que CN retirara toda la programación preescolar del canal,
mudándola a Boomerang, donde se emitió hasta 2008 cuando fue removida.
* Cartoon-A-Doodle-Doo. Un segmento de proporciones similares a Boomerang con la
diferencia en que Cartoon-A-Doodle-Doo apareció mucho antes que Boomerang.
Anteriormente se transmitía de domingo a viernes de 6:00 a 7:00, pero salió de la
programación en el año 2002.
* Toonami - Estrenado en Estados Unidos en el año 1997 y en Latinoamérica a finales de
2002. La mayoría del bloque estaba compuesta por series de anime y otras producciones de
Estados Unidos. En la señal de Latinoamérica se transmitía de lunes a jueves a las 0:00,
pero este bloque desapareció del canal permanentemente en marzo de 2007, aunque el
canal sigue transmitiendo algunas series en diversos horarios.
* Adult Swim - Estrenado en los Estados Unidos en el 2001 y en Latinoamérica en el 2005,
con un carácter más adulto, con series creadas buscando ampliar su público objetivo, con
contenidos adultos, que algunos televidentes pueden considerar no apto para menores de 18
años, según explica el mismo bloque. En abril de 2008, Cartoon Network decide retirar Adult
Swim del canal debido a los bajos niveles de audiencia. Actualmente Adult Swim es emitido
en el canal I.Sat.

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* Talisman - Un bloque similar a su sucesor en Latinoamérica (Toonami) En el solían ser
transmitidas series americanas como Hombres de Negro, Godzila y series de anime como
Sakura Card Captors y Pokémon
* CineToon - Un segmento similar a Teatro Cartoon con la única diferencia en que la
ambientación de este segmento muestra a personajes de Hanna-Barbera en la sala de un
cine observando la película emitida por el canal, era transmitido los sábados a las 9:00, su
contenido eran películas familiares.
* El teatro del Sr. Spim - Fue el primer segmento de películas creado por Cartoon Network en
Estados Unidos y luego fue llevada a las señales de Cartoon Network en Latinoamérica. Las
primeras películas que se emitieron en este bloque fueron producciones de Hanna-Barbera.
Este bloque fue eliminado en el año 1999 por su sucesor Teatro Cartoon.
* Teatro Cartoon - Fue el sucesor del bloque El teatro del Sr. Spim en 1999. Es un bloque de
programación que muestra una película aleatoria de 2 horas o menos, completando el tiempo
faltante con cortos relativos a esta. Fue reemplazado por Cine Cartoon en diciembre de
2009.
* Cinemanía - Estrenado en julio de 2007. Segmento similar a Teatro Cartoon pero se
transmite diferentes tipos de películas infantiles. Fue reemplazado por Cine Cartoon en
diciembre de 2009.
* Viernes de Cartoon Cartoons - Durante los viernes en la tarde y noche se emiten episodios
nuevos de alguna serie o estreno de una nueva serie creada por el canal. Este bloque
desapareció en agosto de 2009.
* Caleidoscopio - Un segmento en donde combinan historias de episodios de serie emitidas
por el canal, por lo general eran series de Hanna-Barbera, este bloque desapareció en el año
2005.
* Horario Central - Similar a Cartoon Cartoons pero con la diferencia en que los cartoons a
ser emitidos pueden variar de orden o series que el canal elija para ser emitidas, no siempre
suelen ser las mismas. Este bloque desapareció en el año 2005.
Segmentos Especiales
Cartoon network En busca del verano
Entre los meses de julio y de agosto del 2007 y 2008 en Latinoamérica se Inició la campana
publicitaria de Cartoon Network conocida como “En busca del verano”, la cual consiste en un
segmentos en que personajes como Puro Hueso, Billy, Queso y Blu toman el remolque del
abuelo Max, el abuelo de Ben en Ben 10 y van a un lugar llamado Verano, estos segmentos
se presentaron de lunes a viernes desde las 10:00 hasta las 17:00 (horario en

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Latinoamérica). Así mismo como un realce, el logotipo fue alterado durante la duración del
bloque.
En los sitios web de Cartoon Network de Latinoamérica hay un juego web que consiste en
viajar por diferentes lugares para encontrar el "verano" junto con algunos personajes de las
series de Cartoon Network.
En sitios latinoamericanos de Cartoon Network el juego tiene idiomas totalmente dobladas al
español, inglés y portugués (depende el país donde se proporciona esta campaña
publicitaria), a excepción de EEUU, ya que en ese país no se lleva a cabo esta campaña
publicitaria.
Lo más curioso de esta publicidad es que algunos personajes tienen escasas apariciones
principalmente Queso y Coraje. Algunos videos que aparecen en televisión no aparecen en
el juego y hay videos donde aparecen imágenes de productos y marcas corporativas que
patrocinan esta campaña.
"En Busca del Verano" es una de las publicidades que ha tenido lugar en julio y agosto para
patrocinar nuevas programaciones (temporales) y juegos emocionantes para los niños.
Campañas Realizadas
Nuevo Slogan: "Hacemos lo que queremos"
Cartoon Network presentó nuevo contenido producido localmente, una nueva campaña con
una nueva imagen y el rediseño completo de sus sitios Web.
Es el nuevo eslogan del Cartoon Network, el cual demuestra una nueva política implantada
por el canal. El nuevo eslogan “Hacemos lo que queremos” da por demostrar lo que Cartoon
Network aplica en su programación diaria.
Durante años Cartoon Network ha hecho varios cambios de programación los cuales en su
mayoría ha favorecido al público pero en los últimos años esto se ha ido degradando de poco
en poco.
Cuando el canal incorpora las varias series de animes, el bloque Toonami durante la tarde;
observadores, entre ellos padres de familia, se han dado cuenta de que los programas que
se transmitían mostraban mucha violencia para un canal infantil y por ello el bloque fue
trasladado a la madrugada, pero debido a la censura, la competencia con Animax, y un mal
horario, este bloque desapareció.
Otro de los cambios fue la incorporación del bloque de animación para adultos Adult Swim.
Este bloque tuvo sus críticas en distintas partes del continente.

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Al llegar marzo del 2008, el canal empezó su nueva campaña y uno de los puntos más
relevantes en el cambio de programación del canal fue la eliminación permanente del bloque
Adult Swim y la expansión de series de anime en los horarios de programación siendo ahora
que las emisiones son de día y de noche.
Esto nos dice que Cartoon Network ha adaptado una nueva personalidad más autónoma y
libre de expresarse.
CARICATURAS DE ANTES
La pantera rosa
Oso yogui
El pulpo manotas
Don gato y su pandilla
Los pitufos
Los rescatadores
El capitán cavernícola
La abeja Maya
Bel y Sebastián
Birdman
El corre caminos
El pájaro loco
Fantasías animadas de ayer y hoy
Hormiga atómica
Popeye el marino
Scooby doo
CARICATURAS ACTUALES
Bob esponja
Padrinos mágicos
Ben 10
Danny Phantom
Total drama
Naruto
Dragón ball
Los simpsons
Ren y stimpy
Bakugan
Bey blade
Mucha lucha
El show de superhéroes minis
Pucca
Inu yasha
La granja
Billy y mandy
Pingüinos de Madagascar,

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