1. LA HISTORIA DEL CINE
El cine es el arte que más rápido ha
evolucionado en su historia. Ninguna
de las otras artes ha recorrido tanto
camino en sus primeros cien años de
vida: desde unos rudimentarios
comienzos hasta unirse con las
tecnologías de última generación que
aseguran al cine una continuación de
su evolución.

2. ORÍGENES DEL CINE
• La historia del cine comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando
los hermanos Lumière realizaron la primera proyección pública de
imágenes en movimiento. Los Lumière habían inventado el
cinematógrafo, que tenía como antecedente el Kinetoscopio de
Thomas Edison, solo que ellos consiguieron fabricar una cámara
más portátil y funcional, que registraba imágenes en movimiento
sin reproducirlas.

3. ORÍGENES DEL CINE
• El éxito de este invento fue inmediato, y pronto fue distribuido por todo el
mundo. En la Exposición Universal de 1900 el aparato causó una gran
sensación, lo que supuso el impulso definitivo para su expansión. Una vez
comprobado su potencial económico, el cine se convirtió en un espectáculo
de feria, barato y popular, pero poco a poco comenzó a dejarse de ver así y
ciertos intelectuales lo empezaron a reivindicar como un Arte. A partir de
1910 comenzaron a producirse en Europa películas de mayor duración y más
calidad. En Francia se adaptaron obras de Víctor Hugo o Emile Zola, y en
Estados Unidos empezaron a fundarse los primeros estudios
cinematográficos. Algunas de las películas rodadas durante estas tres
primeras décadas han pasado a la historia del cine, convirtiéndose en clásicos
y marcando indudablemente la evolución posterior del lenguaje
cinematográfico. El nacimiento de una nación (1915) o Intolerancia (1916),
convierten a su autor, David W. Griffith (1915), en uno de los padres del
lenguaje cinematográfico. De la misma manera pasarían a la historia Frizt
Lang, Sergei M. Eisenstein, Cecil B. DeMille, Charles Chaplin, Friedrich W.
Murnau, Vertov, Jean Epstein, etc.

4. EL ORIGEN DE LA CÁMARA
CINEMATOGRÁFICA
• Ya desde el siglo XVII encontramos los
primeros antecedentes claros del cine,
en las linternas mágicas. La linterna
mágica era un primitivo tipo de
proyector de imágenes, realizadas y
dibujadas a mano, que ya fomentaban
el entretenimiento colectivo en torno a
una proyección. Muchas de ellas iban
acompañadas de música y subtítulos, y
llegaron a ser intrincadas y artísticas.
Buena parte de la narración
cinematográfica viene heredada de
este tipo de proyecciones. Su uso
principal consistía en educar y
entretener, siendo las diapositivas
cómicas o fantásticas.

5. EL ORIGEN DE LA CÁMARA
CINEMATOGRÁFICA
• Aunque, el verdadero precursor del proyector cinematográfico fue el kinetoscopio;
no se entendería la evolución técnica y comercial del medio cinematográfico sin
este aparato, desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson junto a Thomas
Edison, a principios de 1890. Ya encontramos en el kinetoscopio términos que nos
sonarán familiares, como son las tiras de película perforada de 35 mm. El
kinetoscopio consiste en un aparato que, a través de un orificio, permitía ver
imágenes en movimiento sobre un fondo oscuro. Otro de los conceptos de los
orígenes del cine es la persistencia retiniana, que es la perdurabilidad en la retina
de una imagen en movimiento un instante después de haber desaparecido de
nuestra vista. Esta persistencia retiniana, a 24 fotogramas por segundo, nos crea la
ilusión perfecta de movimiento sin ningún tipo de parpadeo. Así llegamos a la
creación de la primera cámara cinematográfica, su grabación y la posterior
proyección. La primera pieza filmada con una cámara de cine fue ”Salida de la
fabrica Lumière”, estrenada en un pase privado el 22 de marzo de 1895, al que
había asistido Méliès. La grabación causó sensación entre los espectadores, que se
acostumbraron al uso de la cinematografía como medio para capturar imágenes
cotidianas en movimiento; desde las míticas Súper-8 hasta las modernas cámaras
de los móviles.

6. DEL CINE MUDO AL SONORO
• El cine mudo es aquel que no tiene sonido, siendo únicamente en imágenes.
La idea de combinar las imágenes con sonido grabado es tan vieja como la
cinematografía, pero hasta finales de los años 20, la mayoría de las películas
eran mudas. Este periodo anterior a la introducción del sonido se conoce
como la "era muda". El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez
antes de la aparición de las películas con sonido. Ya que el cine mudo no podía
utilizarse por medio de audio sincronizado con la imagen para presentar las
escenas, se añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia pero
también para mostrar conversaciones importantes. Las proyecciones de
películas mudas normalmente no sucedían en completo silencio, solían estar
acompañadas por música en directo, improvisada por un pianista. El cine
mudo solicitaba un mayor significado en el lenguaje corporal y en la expresión
facial, para que las personas que lo esten viendo pudieran comprenderlo
mejor.

7. DEL CINE MUDO AL SONORO
• La mayoría de las películas mudas
fueron filmadas a velocidades más
lentas que las películas con sonido.
En el año 1926, la productora Warner
Brothers introdujo el primer sistema
sonoro eficaz, conocido como
Vitaphone, con el que se podía
grabar el sonido y unirlo con las
películas. Un año después, en 1927,
la Warner lanzó 2El cantor de jazz2 ,
de Alan Crosland. Su eslogan sacado
del texto de la película “aún no has
oído nada”, marcó el final de la era
muda. Hacia 1931 se creó el
Movietone, que grababa el sonido
directo a la película, en una banda
lateral. Este aparato fue inventado
por Lee Forest. El cine sonoro pasó a
ser un fenómeno internacional de la
noche a la mañana.

8. EL CINE EN LOS AÑOS 20 Y 30
• El final de la década de los veinte (el 6 de octubre de 1920) está
marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La
primera película que se considera sonora es ”El Cantor de Jazz”, de
Alan Crossland. Warner Bros hizo esta película cuando estaba casi en la
ruina, lo que le ayudó a recuperarse e implantar el sonido en las
películas. Aunque en un principio parecía que la incorporación del
sonido restaba expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la
capacidad comunicativa de los diálogos. Los espectadores podían
entender mejor las historias y muchos intelectuales vieron la
posibilidad de escribir guiones interesantes. La implantación del cine
sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una
Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el
cine momentos para huir de los problemas cotidianos.

9. EL CINE EN LOS AÑOS 20 Y 30
• El cine en color llega en 1935 con la
película "La feria de las vanidades", de
Rouben Mamoulian, aunque
artísticamente su plenitud se consigue en
el film de Víctor Fleming, "Lo que el viento
se llevó" (1939). El cine de animación se
fue implantando entre los gustos del
público, especialmente entre los más
pequeños. Walt Disney es el creador
americano preferido, incluso más allá del
propio país. Es el momento de directores
como John Ford -conocido sobre todo por
sus "westerns" épicos, como "La
diligencia" (1939). Frente a directores con
planteamientos comerciales, hacen
aparición otros como Von Stroheim,
Hitchcock u Orson Welles; éste último
realizó las obras maestras "Ciudadano
Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento"
(1942).

10. EL CINE EN LOS AÑOS 50 Y 60
• Los años 50 representan para los
norteamericanos una nueva época de
bienestar que cambió el estilo de vida, sobre
todo en lo que se refiere al ocio. La
adquisición de televisores supone un fuerte
competidor para el cine. El número de
espectadores disminuye y hay que buscar
maneras para recuperarlo. La mejor forma
será dándole al público lo que la pequeña
pantalla no puede: espectacularidad. Es
entonces cuando la pantalla crece, se
proyecta en color y el sonido se convierte en
estéreo. Se conocen los musicales -como
"Cantando bajo la lluvia" (1952), de S.Donen
y G.Kelly-, y las superproducciones. Hacen
aparición nuevos mitos de la pantalla
como Marlon Brando, James Dean o Marilyn
Monroe.

11. EL CINE EN LOS AÑOS 50 Y 60
• A lo largo de los años 60, se formó un cine introspeccionista, donde la
psicología de las personas, sus angustias y sus dudas existenciales, pasa a
ser el referente principal. En Gran Bretaña, el ”free cinema” se encuadra
dentro de una estética contestataria, crítica para con su sociedad puritana
y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las
grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en
ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony
Richardson o Karel Reisz. En los EEUU, a partir de la década de los 60, la
nueva generación de directores se forman en la televisión. Se trata de
unos cuantos cineastas inquietos también por hacer un nuevo cine
narrativamente más independiente que no por el producido
tradicionalmente por Hollywood; directores como Cassavettes, Lumet,
Mulligan, Penn o Nichols. Muchos de ellos operaron desde Nueva York y
crearon el cine underground, anti comercial, antihollywood y de
vanguardia. Paralelamente, algunos géneros que requieren grandes
inversiones, como las superproducciones o los musicales, ofrecen sus
últimas grandes muestras.

12. EL CINE EN LOS AÑOS 70, 80 Y 90
• A finales de los años 70, y después de unos años de cine espectacular basado
en el catastrofismo, se impone la recuperación de la superproducción desde el
punto de vista de la calidad y de la rentabilidad. Concretamente de la mano de
Georges Lucas -autor de "La guerra de las galaxias" (1977)- y de Steven
Spielberg, realizador de "Encuentros en la tercera fase" (1977)-. Paralelamente,
otros directores apuestan por un cine igualmente comercial pero tratando con
un estilo de realización muy personal y creativo, como Ford Coppola
,Scorsese, Brian de Palma, Burton, Lynch... Son unos años en los que o se
cuestiona todo, o se retorna al pasado con nostalgia; abundan los remakes. En
los años 80, la aparición e introducción del vídeo, y el aumento de los canales
televisivos , hacen que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es
preciso buscar de nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos
especiales prueban atraer a los espectadores hacia la sala oscura. Frente a este
cine consumista aparecen autores más preocupados por los temas políticos. La
globalización de la economía afecta al cine norteamericano que se alía con la
industria electrónica oriental.

13. EL CINE EN LOS AÑOS 70, 80 Y 90
• También son tiempos de grandes melodramas y de recuperación de la
comedia; en ésta última destaca Woody Allen. En España, la transición
política posibilitó el despegue de un nuevo cine sin censura que influyó en
la aparición de la llamada "movida madrileña". Pedro
Almodóvar enriquece la escena cinematográfica a través de sus films
posmodernos. Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se
apoderó del cine norteamericano; así que decidió inspirarse en los héroes
del cómic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación
de efectos especiales. También algunas series históricas de televisión
serán objeto de versiones para la gran pantalla. Géneros como la comedia
clásica, los grandes dramas, los dibujos animados, el fantastic o el western
han retornado con fuerza; géneros tradicionales en diversos films y la
aparición de un nuevo grupo de actores jóvenes conocidos como la
"generación X", además de actores infantiles intérpretes de películas
familiares.

14. EL CINE EN LOS AÑOS 70, 80 Y 90
• Llegados a los cien años de cine, el
procedimiento basado en la
fotoquímica se alía con las nuevas
tecnologías electrónicas y de los
estudios salen películas donde el
ordenador ha tenido mucho que
ver en el proceso de obtención o
manipulación de las imágenes.
Hombres de carne y hueso
transformándose en hombres
cibernéticos, los grandes saurios
paseándose en pleno siglo XX,
protagonistas dando la mano a
personajes muertos hace décadas...
De la mano de la electrónica
aparece la realidad virtual.

15. La forma de hacer cine esta cambiando
con el desarrollo tecnológico. Los efectos
especiales aplicados en las películas han
transformado la manera de hacer y ver
cine, y demuestran que la magia del
séptimo arte es una realidad. Películas
como “El señor de los anillos”, “Avatar”,
“Los juegos del hambre”, “La guerra de las
galaxias”, “The amazing spider-man 2”, y
muchas más son obras maestras en lo que
se refiere a lo digital y tecnológico, y
demuestran que se puede hacer
absolutamente todo en el cine. Ahora el
futuro digital a llegado con la tercera
dimensión (3D), en el que el espectador
tendrá la sensación de estar en una
“nueva dimensión”, donde los objetos se
acercan y cree poder tocarlos. El cine
digital es el que utiliza la tecnología para
grabar, distribuir y reproducir películas.