1. Lunes, 27-2-2012.
.Historia da Música II. Facebook. Darse de alta. Se colgarán las audiciones para el examen.
Entrar en aula virtual para ver el programa. Guía Akal de la Música.
Trabajos voluntarios. 2 personas. Exponer en clase.
NOCIONES DE CRONOLOGÍA DE LA MÚSICA
OCCIDENTAL.
• Barroco: Monodia. Nacen la ópera y el concierto. 1600-1750 (muerte de Bach).
• Estilo Clásico. Música pura, ópera. 1770-1810.
• Romanticismo. Sinfonismo, música programática, música de cámara, música solística,
ópera. Todo el S.XIX.
• Primer nacionalismo. Últimos años 30 del S.XIX.
• Posromanticismo. Fines S.XIX. Primera mitad del XX.
• Impresionismo. Idem.
• Segundo nacionalismo: Primera mitad del S.XX.
• Expresionismo. Primeras décadas del S.XX.
• Dodecafonismo. II Escuela de Viena. Primer tercio del S.XX.
• Neoclasicismo. 1920-40.
• Música electroacústica. Mediados del S.XX.
• Minimalismo: Desde década de 1960…
En torno al año 1600 surgen las primeras óperas, Monteverdi, Caccini, etc. Surge un
nuevo género musical proveniente de los antiguos motetes y de los madrigales. Importancia
del bajo continuo, una de las características típicas del barroco. Se considera al barroco la
auténtica revolución musical de la historia de la música. Se considera a Monteverdi un
genio, un auténtico visionario. 1750 : Muere Bach, el compositor más importante del
barroco, escribe obras en estilo italiano (Vivaldi) o francés, se considera la obra de Bach
como la síntesis de los estilos internacionales. Tras la muerte de Bach, va a haber una
transición hacia el estilo clásico (Hendel, Beethoven y Mozart).
1770-1810. Hayden, Mozart y Beethoven desarrollan sus obras. Finales de la década de los
80, los tres coinciden en Viena. Hayden era el maestro de Beethoven, que es un caso aparte,
pronto se va a desmarcar del equilibrio formal del clasicismo y va a dar cabida a su enorme
capacidad musical para dar punto de partida al Romanticismo. Beethoven está considerado
un visionario.
Romanticismo. Momento anti-clásico. Beethoven no es un romántico como Brahms y
Liszt, pero ayuda a la formación de este estilo. S.XIX entero. Dos tipos: autores clasicistas
y otros menos clasicistas, ambos siguen a Beethoven. Mendelsson, Schumann o Brahms
son clasicistas. Borodin, Smetana o Liszt son anti-clasicistas. Chopin o Paganini, músicos
románticos, son muy literarios. Es el gran siglo de la ópera y de la sinfonía, de la música de
cámara y de la música para piano.
Último tercio del S.XIX: Reacción contra el romanticismo, sobre todo contra el alemán.
Intenta entender el folclore como base musical. Escuelas nacionalistas. La más importante
es la rusa. Nacionalismo checo (Smetana). Nacionalismo húngaro (Bartok). Siglos XIX-
XX.
A finales del S.XIX, va a haber músicos más románticos tardíos, compositores post-
románticos con temáticas decadentistas: Richard Strauss y Gustav Mahler. Seguidores del

2. Lied.
Autores que reaccionan contra este romanticismo exagerado, de manera destructiva.
Martes, 28-2-2012.
BARROCO.
• Época de crisis.
• Absolutismo.
• Guerra de los 30 años.
• Teatro- teatralidad.
• Crecimiento de la burguesía.
• Mercantilismo.
• Estética de lo grandioso y lo gigantesco.
-Bach y Hendel, dos artistas sobre los que se asocia la fusión de estilos nacionales. El
barroco es fundamentalmente una época de crisis, es la época de la contrarreforma. Época
de los grandes reinos absolutistas, período de guerras. Época en la que el arte entra en
crisis, también entra en crisis la espiritualidad de la gente. Crisis arraigada en la vida de las
personas. Va a existir un arte tremendamente original y novedoso, busca la teatralidad, la
expresión por medio de la teatralidad. Gestos adecuados a la forma, en el barroco, la forma
aparece rota por los gestos abiertos. El crecimiento de la burguesía va a posibilitar en
música nuevos públicos y nuevos patrones musicales. Se va a hacer de los teatros de ópera
un negocio. Este crecimiento de la burguesía llegará a su culminación con la revolución
francesa. Fase precapitalista del comercio.
3 PERÍODOS.
• Barroco Temprano: 1580-1630. Se empieza a dar valor afectivo y violento a través de la
música. Se busca la expresividad a través de la disonancia. Comienza la
diferenciación entre la música vocal e instrumental. Se va a hablar de manierismo
musical, se va a querer pensar con música lo que dice el texto, se va a ver un tipo de
arte retórico, un forzar las cosas casi hasta el límite que podemos ver en la obra de
Claudio Monteverdi.
• Barroco Medio. 1630-1680. Es la época de la ópera y la cantata.
• Barroco Final. 1680-1750. Las formas adquieren unas dimensiones largas. Aparece el
estilo concertato. Por primera vez en la historia la música instrumental domina a la
vocal.
-El barroco surge con una idea falsa de recuperar la música griega, Monteverdi, Galilei y
los intelectuales que rodeaban a Gardi, leyendo los escritos de Platón o Aristóteles, se
plantean que esa música polifónica de finales del S.XVI es bastante complicada. Para los
griegos, releyendo a Platón, ven que era fundamental la unión entre texto y música. La
música era inseparable del texto en la antigua Grecia. La música instrumental en Grecia no
era noble, la consideraban excesivamente técnica, la música de los instrumentos de viento
era la más innoble.
Los barrocos van a intentar resucitar este espíritu de la música griega, volviendo a un nuevo
recitado cantado, en el cuál se pone en práctica algo que Monteverdi dice en sus libros de
madrigales, cuando lo acusan de utilizar una música excesivamente cromática y artificial.
Dice que hasta que el mismo ha sido formado en la composición renacentista, es un gran

3. contrapuntista, empieza a hacer polifonía en el estilo renacentista, sin embargo, a partir del
quinto libro de madrigales, Monteverdi asegura que esa música quita contexto al texto, a
esto le llama prima practica, en la secnda practica se creará una melodía que se pone en
relación con el texto para expresar los afecti, los sentimientos.
-A principios de barroco se produce uno de los cambios más importantes: La música hasta
el S.XVI era totalmente modal, es decir, se basaba en los antiguos modos griegos. A
principios del S.XVI Farlino habla sobre los dos modos más importantes: Do y La,
restándole importancia al resto. Eso se pone en práctica fundamentalmente a partir de los
últimos años del S.XVI, es lo que conocemos como tonalidad. La música barroca dejará la
modalidad y pasará a la TONALIDAD.
La música de Corelli, Bach, Vivaldi, etc, va a ser ya fundamentalmente tonal.
-Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. En el barroco se van a
diferenciar los dos grandes géneros: Vocal e instrumental. Nacen las formas musicales
modernas: Vocal (ópera, cantata) e instrumental (nace la sinfonía).
-El Barroco Medio. Aparecen los grandes autores italilanos: Venecianos o napolitanos.
Aparecen Torelli o Corelli. Los repertorios serios y cómicos se diferenciarán. Scarlatti o
Hendel van a consolidar la ópera. Durante este barroco medio va a ser muy importante
Francia, la época del rey Sol. La música se integra diferenciándose de lo que ocurre en el
resto del grupo. El barroco francés es diferente al italiano.
-El barroco final: Bach, Scarlatti, Hendel, Telemann. Barroco de síntesis. Los compositores
huyen de la simplicidad. Son grandes contrapuntistas, de hecho, Bach y Hendel son dos de
los grandes contrapuntistas de la historia de la música. Aparece el estilo concertato (unir
voces diferentes para concebir una misma obra), se desarrolla y queda como algo defnitivo,
una de las grandes aportaciones del barroco. Se consolida a partir del S.XVII con autores
como Vivaldi, Bach o Hendel.
-Por primera vez en la historia de la música, la música instrumental domina a la música
vocal. La voz va a ir por un lado y los instrumentos por otro, de vez en cuando se
mezclarán en estilos como la cantanta o el oratorio.
.Importancia en cuanto a la música vocal de: Policoralismo (Monteverdi o Bach), ópera,
formas como el oratorio, la cantata, etc. El autor barroco, entendía como coro un grupo.
Orquestas-coros.
.Música instrumental: Formas como la suite, la sonata o el concertó.
.Encontramos autores importantes en: Francia (Couperin, Lully y Rameau), España (Padre
Soler, Francisco Valls y Gaspar Sanz) , Italia (Corelli, Vivaldi), Alemania (Telmann y
Bach) o Inglaterra (Purcell y Haendel). En España, el barroco es un poco más anticuado
que lo que ocurría en el resto de Europa.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA.
-Teoría de los ‘’afectos’’. La música debe ser capaz de cambiarnos el ánimo.
-Se impone el sistema armónico, es decir, tendencia vertical (Renacimiento:
Horizontal).
-Las voces tienen importancia diferente. Hay una principal y las otras acompañan:
MONODIA ACOMPAÑADA- BAJO CONTINUO.
-Ritmo muy marcado que se denomina MECÁNICO.
-Igual que en la pintura, el movimiento se convierte en el elemento esencial de la
música barroca.

4. -Aparece un uso muy rico de las voces. Arte del ‘’bel canto’’. Arte de la ópera.
-Búsqueda de los CONTRASTES entre todos los elementos de la música.
.Audición: „‟Las Vísperas de Monteverdi‟‟. Mezcla de partes instrumentadas y cantadas.
Importancia de las partes instrumentadas, partes solistas. Homofonía.
.Analizar los textos.
Martes, 29-2-2012.
.El barroco va a intentar retomar el neoplatonismo. La música del Renacimiento supone
un clasicismo en cuanto a la manera de construir la música, va a ser algo muy objetivo, por
el contrario, el barroco es una arte muy subjetivo, va a jugar con formas más
complicadas. En música el barroco también va a ser considerado como el arte del
movimiento, el arte que va a buscar la complicidad con el espectador. El autor barroco va
a intentar transgredir las leyes de la música y hacer de la música un arte no espacial. Los
músicos barrocos utilizan ya la experimentación espacial, sobre todo en los espacios
religiosos, surge la policoralidad o composición a varios coros, situados en diferentes
lugares de la iglesia, esto conmienza en en S.XVI en la Basílica de San Marcos de Venecia,
con los Hermanos Gabrielli. Los Gabrielli realizaron experimentos musicales. Se va a
querer engañar a los sentidos. En España, incluso se llegaron a hacer composiciones a 14
coros diferentes, por lo tanto, no solo se realizaron representaciones a 2 coros.
La policoralidad surge realmente como un paso más de la polifonía. Es probable que la
policoraidad naciera o tuviera su germen en la polifonía y en autores como Palestrina o
Victoria por ejemplo.
Los compositores del S.XVII como Caccini, Peri, Galilei o Monteverdi, reaccionan contra
la música del Renacimiento, caminando hacia una absoluta simplicidad. Se crea una
melodía cantada y un acompañamiento musical. Los acordes de bajos solían ser
improvisados.
.Leer el Texto de Caccini para el Lunes.
Lunes, 5, Marzo, 2012.
.Importancia del contrapunto. Con Monteverdi se crean las primeras grandes innovaciones
barrocas de la música, trascenderá a una grandísima cantidad de músicos como Caccini, por
ejemplo. Es un autor que evoluciona desde el Renacimiento, formado en la composición
contrapuntística, poco a poco, sobre todo en música profana, va haciendo un lenguaje cada
vez más sencilla con función de intentar crear un texto que tenga coherencia con la música.
Monteverdi no quería que el texto fuera por un lado y la música por otro. Al principio lo
que surge es un camino hacia la simplicidad, es cierto que lo más simple va a quedar en un
estilo que se va a seguir cultivando en el barroco. Se va a querer lograr una concepción muy
moderna de la música. Con el barroco va a nacer la música moderna. La gran innovación es
que a partir del barroco, la música será TONAL no modal.
Claudio Monteverdi.
.Hay varios textos importantes de la época que nos hablan de las declaraciones de
intenciones de los autores al componer. Explican porqué componen de esta manera y
reaccionan contra lo anterior. Una de las grandes obras será el libro de Madrigales de
Claudio de Monteverdi. El madrigal es una obra para varias voces, para cuatro, cinco o seis
voces, los últimos madrigales están escritos con una voz y acompañamiento de bajo
contínuo. Los madrigales suelen tener textos de calidad literaria elevada, por influencia y

5. traídos de los grandes autores italianos como Dante o Petrarca. Monteverdi hace
evolucionar el madrigal desde el madrigal renacentista hacia la cantata barroca.
En el libro „‟Ciclo de Madrigales‟‟, Monteverdi responde a toda una serie de críticas en el
prólogo que responde a un crítico que le había acusado de alteraciones en ritmo y melodía.
Él responde que hasta ese momento había realizado música siguiendo la prima práctica,
luego responde que ahora seguirá haciendo seconda práctica, primo le parole e poi la
música. Monteverdi se piensa que es lo que tiene que expresar el texto a la hora de ponerle
música.
Caccini, inventor de un nuevo tipo de música, canción acompañada por un instrumento
musical, le llama a su obra, „‟Nueva Música‟‟. Textos con acompañamiento de Bajo
Continuo, ejercicio para que comprendamos los efectos que la música provoca en nuestra
alma. Unión entre lo cantado y el acompañamiento musical. Lo que quiere Caccini con su
música es activar la mente con la inteligencia de las palabras. Importancia de la idea de
hablar musicalmente. Melodía que evoluciona, haciendo alguna disonancia. Importancia de
los cantos para una voz sola.
Bajo continuo: Voz aguda que cantaba e instrumento que realizaba acordes.
En el Barroco, se da la vuelta al espíritu de la música clásica. La música del Renacimiento,
sin embargo, no tiene nada que ver con la música de la antigüedad clásica. El Renacimiento
es la culminación de un proceso que se da en la Edad Media, el barroco es el que seguirá
los ejemplos y los patrones clásicos.
Ej:Caccini. Amarilli. Composición para piano. Sutileza de una modulación musical.
Escrito en tonalidad de Do Menor. Cambiando el si bemol por el si natural, va a convertir el
do menor en Do Mayor. Se multiplica la partitura. Modulación, uno de los recursos
expresivos de la tonalidad. Cecilia Bartli. Amarilli. Interpretación en el S.XX de la obra de
Caccini. Escuchar en Aula Virtual.
Retrato de Caccini.
Ej: Monteverdi. Comienzo de las Vísperas de la Beata Virgen. 1610. En sus últimos
madrigales utiliza el estilo de Caccini, pero va a utilizar también otros estilos. Es un gran
defensor de la homofonía, cuando se utiliza la música coral, al hacer todas las voces a la
vez y al no utilizar el contrapunto, hace que se entienda mejor la obra. Vísperas de la
asunción de la virgen, día en el que salían todas las carrozas en Venecia. El texto se
entiende perfectamente, como todavía estaba al servicio del Duque de Mantua tenía que
corroborarlo, crea un acompañamiento musical parecido al Orfeo. Luego de trabajar en
Mantua lo contratarían y trabajaría en Venecia. Obra que verdaderamente abre el barroco.
Martes, 6, Marzo, 2012.
Venecia va a ser uno de los lugares en los que se inspirará la obra de Monteverdi, como
„’Las Vísperas de la Beata Virgen‟‟, la obra que marca la eclosión del barroco.
Tiene la particularidad de que acaba con el canto del magnífica, ese himno que nos cuenta
el Evangelio de San Lucas que entona el arcángel. El horario de vísperas era una de las
últimas horas litúrgicas del día.
„‟Ave maris stella‟‟: himno que nos indica que las vísperas van a estar dedicadas a la
Virgen María.
Lo que hace Monteverdi en esta obra, es realizar un guiño a la ciudad de Venecia. En este
momento, Monteverdi estaba trabajando a las órdenes del Duque de Mantua, trabajaba con
uno de lso más importantes mecenas musicales. Monteverdi va a utilizar el contrapunto
integrada en la obra, como un recurso más. Por un lado, utilización del estilo recitado

6. (plena evolución de los madrigales), era un conocedor perfecto de los recursos de la
homofonía, también era un decidido defensor y conocedor del estilo del concertato, es
decir, varias voces concertísticas que cantan a la vez.
„’Las Vísperas’’ es una obra escrita para seis voces, para orquesta con flautines, flautas,
violes, sacabuches. Hace toda una serie de gestos que nos hace pensar que esta obra esta
pensada para sorprender al público veneciano. Hay toda una serie de guiños que nos están
refiriendo a la liturgia espléndida que tenía la república de Venecia.
Miércoles, 7, 3, 2012.
Ave Maris Stella. Final de las Vísperas de la Virgen. Himno mariano, guiño a una
república esposada con el mar, Venecia. Himno mariano y marinero. Monteverdi
musicaliza el texto de la manera más antigua. Las vísperas es como un resumen de la
manera de entender Monteverdi el lugar de la composición. Monteverdi utiliza en sus
salmos tipos de composiciones polifónicas, fragmentos homorrítmicos u homofónicos,
fragmentos en los que un solista canta con el ritmo de Caccini y otros bajo continuo.
Cantantes solistas haciendo música en ese estilo típico italiano, el Concertato.
Representación: Perfecta colocación, teatralidad, pura coralidad. Separación de
instrumentos de cuerda y de viento, etc.
Es importante, porque hoy en día todo eso se ha ido perdiendo en la iglesia católica. En
Santiago, la policolaridad tuvo un grandísimo desarrollo. Polifonía clásica en el estilo de
Palestrina. Instrumentos de cuerda separados. La polifonía clásica no tenia ningún
interludio instrumental, siempre con voces. Polifonía clásica junto con bajo continuo. Canto
solista, canta un contratenor (contralto masculino). Nuevo motivo instrumental cuando
aparecen las flautas.
Por lo tanto, Monteverdi va a ser un gran compositor de música clásica y de ópera.
Importancia de obra teatrales en las que todo está cantado, recitado, con coros, etc. Intento
de resurrección en la música de la idea de la tragedia griega. No en vano, uno de los
primero temas en retratarse va a ser el Mito de Orfeo.
-Antes de Monteverdi, la primera ópera que conservamos en la historia de la música es la
„‟Daphne‟‟ de JACOPO PERI, miembro de la camarata florentina. Giulio Caccini va a
escribir una „‟Eurídice‟‟ también anterior a Monteverdi. Importancia de la mitología griega
y el mito de la música.
„‟Orfeo‟‟. Ópera moderna, escrita para un público rico. Monteverdi luego de su estancia en
Mantua se traslada a Venecia, donde sigue componiendo ópera, pero evoluciona: sus óperas
se van haciendo mucho más artísticas y melódicas: „‟Retrono de Ulises a su Patria‟‟ o
„‟Coronación de Popea‟‟ (ópera que escribe para el „‟TEATRO SAN CASSIANO‟‟, primer
teatro que surge en la historia para la representación de ópera.
.Otra ópera muy importante de Monteverdi es la „’Ariadna’’, de la que solo conservamos
un Lamento. Lo anterior al lamente era un madrigal. El género del lamento tuvo una
evolución singular, textos de carácter amatorio, el amor perdido, se van a hacer cantatas
largas, de manera que el lamento fue un género con muchísima importancia en la Italia del
S.XVII. Además de Monteverdi otros grandes autores importantes de lamento fueron: B.
Strozzi o Stronzes.
-Aunque la ópera surge en torno a Florencia, de hecho Monteverdi va a estar inscrito en la
camarata florentina. El estilo de la ópera empieza a difundirse por toda Italia, se crean

7. nuevos teatros de ópera, promovidos por los nobles. Ópera que cada vez se hace más
artística, se hacen arias de los cantantes, introducen elementos trágicos y cómicos, con el
tiempo evolucionarán dos estilos: ópera seria y bufa.
.VENECIA: El lujo de la ciudad hizo que fuera la ciudad operística más importante de los
SS. XVII-XVIII. A Monteverdi le siguieron otros como: F. Cavalli, con obras como
„‟Didone‟‟, „‟Il Giasone‟‟ y por último „‟La Calisto‟‟.
Por otro lado en Venecia, otro compositor fue M.A. Cespi, su obra más importante fue: „‟Il
Pomo de Oro‟‟.
.Junto a Nápoles va a ser la patria de los grandes cantantes castrados.
.NÁPOLES: Va a existir un tipo de ópera peculiar, que muy pronto va a presentar una
ópera más cómica, nace la ópera bufa.
El compositor más importante de ópera del S.XVII y principios del S.XVIII va a ser
ALESSANDRO SCARLATTI.
ROMA.
-Los cardenales también van a mantener y promocionar teatros operísticos.
1601-1602: De Cavalieri en San Felipe Neri, hace representar durante la cuaresma una
representación: „‟De Anima et di Corpore’’, que está considerado el primer oratorio de
tema sagrada de la historia de la música.
A mediados del S.XVII, el oratorio va a ser sin representar. El papa prohibió representar las
óperas sagradas que pasaron a llamarse luego, ORATORIOS. Ej: „‟Sant‟Alessio‟‟.
El siguiente autor de oratorio será G. Carissimi, autor que va a introducir en el oratorio la
figura del orador. Este narrador del S.XVII se caracteriza por ser: largos pasajes narrados
que se inscriben en las arias. Ej: „‟Historia de Jepte‟‟.
Roma contó también con la presencia de cantantes castrados como Luigi Rossi por ejemplo.
-De Italia la ópera se exporta al resto de países: Alemania y España por ejemplo. En
Alemania va a surgir un tipo de ópera: Singspien. En España el principal género de ópera
será la Zarzuela. De los autores más importantes en España, tenemos que destacar a: De
Hita, De Viteros o Enebra.
Audición. Cavalli: „‟La Calisto‟‟: Elementos serios y cómicos. Está considerada esta obra
como un probable germen de la ópera bufa.
Lunes, 12, Marzo, 2012.
12/3/12
MÚSICA BARROCA EN FRANCIA
Época del rey Sol. La danza le importaba más que cualquier cuestión de
estado. Versalles está lleno de retratos del rey sol con atributos de
poder. Versalles es un escenario para el rey sol que se representa a sí
mismo y dejar boquiabiertos a los embajadores. Residencia de los reyes
hasta lar R. F.
Vida cortesana rica, muy ceremoniosa. El barroco en Francia es un
barroco muy peculiar, como el resto de las artes. La música ordenaba la
vida de palacio, el rey se levantaba con música, desayunaba, paseaba,
comía, echaba siesta, hacía recepciones, etc con música.
Desde muy pronto el barroco francés tiene características comunes

8. como el bajo continuo, tendencia a la homofonía, estilo concertato…
pero quería diferenciarse del resto de los países, maneja la política
Europea. El barroco francés es inconfundible.
Tres grandes maneras de hacer música: a la italiana, a la francesa y a la
alemana.
En Francia gusto clasicista en el reinado de Luís XIV, se ve en la música
cantada, recitar continuamente, las arias son más sosegadas que las
italianas. Música majestuosa para servir a la propaganda del rey Sol. No
se busca tanto el dramatismo de la música como en Italia. Ornato,
solemnidad, majestuosidad.
• Existencia de un ritmo propio de la música francesa. (Ritmos
inedales????)
• Inseparable música de ballet, aparece la suite. Suite: conjunto de
danzas precedida de una obertura a la francesa. Origen en el
hecho de que los operistas franceses cogieron la costumbre de
coger las danzas de sus obras y extraerlas del contexto operístico.
• Viola da Gamba, instrumento del barroco francés. Marin de Marais.
• Lully, profesor de danza del rey, violinista, etc, el rey lo convierte en
noble. Lully fue un dictador con respecto a la música teatral de
Italia. Durante su vida no se estrenó ninguna obra en los teatros
franceses que no fueran supervisadas por él.
Introduce danzas al final. Apoteosis final que quiere dar idea de lo
importante que es Francia con respecto al resto.
Mucha música religiosa para ser tocada en la capilla real.
Otros compositores: Charpentier, Campra (enemigo de Lully), Michelle
Delalande.
Obras más representativas: Atys, Perseo, Amadis de Gaula.
El segundo periodo del barroco francés, más rococó: Couperin, Rameau.
Couperin era organista de la corte, tiene muchísima música religiosa,
instrumental. Obras más importantes: Apoteosis de Lully, Apoteosis de
Corelli.
Rameau es el compositor que hace evolucionar la tragedia lírica, es
menos rígido que Lully, transforma la tragedia y la comedia lírica en dos
géneros nuevos: la tragedia ballet y la comedia ballet. Defensor del
estilo evolucionado de Lully en el momento en el que los enciclopedistas
empiezan a atacar una música tan elaborada sin que transmitiera nada.
El tercer periodo coincide con el reinado de Luis XVI, época de los
enciclopedistas. Gran polémica con respecto a la música teatral. Se
representa la primera ópera bufa italiana, más ligera. En París grandes
luchas dialécticas entre defensoras de Lully y la nueva ópera italiana.
Conciliador de ambos C. W. Gluck.

9. Expansión del barroco por Europa
FRANCIA
En Francia el barroco entra más lentamente, más o menos, hacia el 1630, La Música está
centralizada (culta) en la corte de Versalles, en la monarquía absoluta del Rey Sol, Luis
XIV, lo que existe aquí es el “Ballet de Cour” (música, danza, mucha parafernalia), los
músicos iban disfrazados, era un montaje. Los títulos de los ballets eran muy simpáticos.
Era básica, música de entretenimiento.
La prosodia francesa era más medida, verso mensurado, también existen partes cantadas
acompañadas de laudes, y también había partes corales. La estructura del Ballet era variada.
Reglas aristotélicas del teatro, espectáculo dentro del espectáculo para crear variedad. De
este Ballet de Cour tan sólo nos ha llegado algún “air de cour” (alguna aria).
- Los 24 violines del Rey, orquesta muy preparada. A partir de este ballet no hubiera sido
posible pasar a la opera, tuvo que ser la influencia de la ópera italiana la que provoco la
opera francesa.
- Ira penetrando poco a poco la música italiana, 1º el recitativo, algo nuevo que choca con
Francia (donde el recitativo es más marcado, más medido, no como en Italia).Así,
consideraban algo antinatural. Llegarán unos cardenales franceses (Reichelied) que impone
la música francesa, pero con huellas del italiano.
JEAN BAPTISTE LULLY (1632-1687) italiano nacido en Florencia, que luego de
nacionalizó francés. Se convirtió en el íntimo amigo del Rey Luis XIV. Se convirtió en el
mandamás del ballet y de las óperas en Francia y todo tenía que ser supervisado por él.
Su formación es italiana y a partir de los 14 años francesa. Se diferencian tres étapas:
• “Ballets de Cour” (1653-1672)
• En esta segunda etapa compone “Comedies-ballet”
• Operas (1673-1687) Tragedie Lyrique
Las operas francesas de Lully no son muy innovadoras sigue lo italiano, arias medidas,
armonías conservadoras no compone arias tripartitas sino bipartitas. Es innovador en
introducir la obertura de opera al principio de la ópera; obertura a la francesa, una parte
lenta y otra parte rápida. La petit band, la formó Lully.
Otra de las novedades que aportó Lully es que introduce coros en las óperas y en música
sacra, coros grandiosos.
Compuso unas 16 operas en Francia que se llamaron tragedias liricas.
• Audición: Lully. El burgués gentilhombre. Marcha de la ceremonia de
los turcos.
Martes, 13, Marzo, 2012.
El estilo barroco va a tener por tanto dos grandes estilos: el italiano y el francés. Bach va a
aunar estos dos estilos.

10. Ej: Audición. Lully: Marcha de la Ceremonia de los Turcos, basada en una obra de
Moliére. Los ritmos puntilleados que podemos ver en esta obra de Lully son típicos de la
música francesa de la época. Presencia de coros homofónicos.
En la corte del rey sol, la música religiosa también va a tener su importancia. Lully va a
componer muchos grandes motetes: himnos litúrgicos, liturgias para la Semana Santa, etc.
Ej: Audición: Te Deum, Charpentier. que se podía cantar en canto gregoriano, orquestas
solistas, etc. Además de los elementos militares que podemos encontrar en el toque de los
timbales o los ritmos, hay muchos elementos del estilo Concertato italiano. Presencia de
solistas y coro. Obra muy barroca.
Miércoles, 14, Marzo,
2012.
Lully va a ser considerado como el gran creador del barroco francés. Pertenece a la primera
gran época del barroco francés. A caballo entre la primera y la segunda gran época está el
otro gran compositor del barroco francés: Jean Philippe Rameu, considerado como el gran
autor de tragedias del S.XVIII.
Compositor del barroco avanzado, de la misma época que Bach y Haendel. Miembro del
estilo galante, que evolucionará en el estilo clásico de Mozart.
La carrera de Rameu es muy amplia, jalonada por los éxitos, la incomprensión, la polémica.
Comienza siendo organista en Dijon, crea música eclesiástica, música muy ceremonial y
muy solemne. Acude a París a buscar fortuna, sin hallarla en los primeros años, es conocido
por su música religiosa y la creación de obras para clavecín. 1722: Crea el primer tratado de
armonía. Demuestra Rameu que la armonía es una ciencia, demuestra que toda ciencia es
predecible y experimentable. Rameu es un autor barroco que sigue con la idea
racionalismo. Dicotomía muy importante: Logra entrar en la academia de las artes
francesas y después sus ejecuciones prácticas están muy ligadas al pasado, al estilo de
Lully.
La carrera de Rameu se ve marcada por varios hechos. Rameu entra a componer obras
siendo bastante mayor. A partir de su primera tragedia lírica: Hippolyte y Aricie su carrera
va a ser fulgurante. En el momento en el que él se revela como gran músico entran a escena
los enciclopedistas que critican a la música de Rameu por qué para ellos es una música del
pasado, ya que ellos defendían una música algo más moderna. Otros importantes títulos
son: Las Boleares, Cástor y Polux y sobre todo dos obras en las que da un nuevo vuelco a
la tragedia lírica y crea un nuevo tipo de ópera: la ópera ballet- tipo de ópera en la que la
danza tiene tanta importancia como la parte musical (declamada o cantada). De hecho se
considera a Rameu como el gran compositor de daza de la historia musical anterior a
Stravinsky.
Años antes de que Rameu desarrolle esta primera gran carrera lírica, él había entrado en
contacto en París con el caballero de La Pouplimiere. Este caballero le proporciona
contactos, le proporciona ayudas y le permite presentar sus obras en el Teatro de la Ópera
de París.
Después de esta primera gran entrada de Rameu en la lírica musical francesa, hay unos seis
o siete años en los cuáles se le pierde la pista, vuelve a aparecer en el año 1765, haciendo
obras en un nuevo género derivado de la ópera ballet, llamado ópera cómica, que son los
antecedentes de las óperas cómicas de Jacques Offenbach. Muchos de los argumentos de

11. Rameu son tomados de la mitología clásica. Las óperas de Rameu son todas cantadas.
Ej: Danza de las Indias Galantes. 1735. Primera etapa lírica de Rameu. Ópera ballet.
Argumento mitológico. Rondó. ABACADA…. Música muy exótica para el momento.
Ej: Danza de las Indias Galantes. Brillant Solei.
Ej: Rameu. Platea. Tomada de las Metamorfosis de Ovidio. 1745. La escribe para ser
representada en el Palacio de Versalles. Ópera cómica. Argumento sencillo y cruel. Efectos
en los que Rameu intenta representar los sonidos de varios animales en los que se
transforma Zeus: Búhos, Ranas o Burros. Platea caracterizada como una rana.
Martes, 20,Marzo, 2012.
El Barroco en Inglaterra.
Importancia del Anthem. Haendel como compositor nacional inglés.
Ej: Purcell. Dido and Eneas.
-A finales del Renacimiento se instaura una república marcada por el
puritanismo. Las primeras décadas del S.XVII son de escasa actividad
teatral. Durante el Renacimiento en Inglaterra se había cultivado el
madrigal, destacando autores como Morley o Gibons, dos autores que
hacen madrigales en inglés pero de tradición italiana, también
componen música para Laúd, instrumento que se utilizaba bastante en
la corte de Enrique VIII. Morley y Gibons se encuadran dentro de la
música profana. Aparición de la Escuela de Virginalistas: John
Dowland. Los virginalistas eran maestros en el arte de la variación. El
virginal es un clave pequeñito que tocaban las doncellas. Casi toda la
obra de Dowland está recogida en el ‘’Frit Williams book of Virginal’’,
una antología musical.
La música religiosa a finales del S.XVI tiene su representante más
importante en William Byrd, todo esto hay que relacionarlo con la
aparición de William Shakespeare, muchas de ellas requieren música,
porque lo requiere el texto, ej: Otelho o Hamlet. Ej: Anthems de
Haendel. Esta música litúrgica anglicana que elabora Purcell va a estar
recogida por Haendel.
Inmediatamente a la época de Purcell, hay dos compositores que
empiezan a practicar música teatral, a través de la Masque: Matthew
Locke y William Lowes. La masque era algo parecido a lo que sucedía en
Francia, es decir, escenificaciones musicales con texto que se hacían en
la corte, expresivamente para divertimientos cortesanos.
La aportación más importante de Purcell para la historia de la música va
a ser la adaptación de los modelos italianos a la música inglesa. Música
de gran transcendencia que va a recoger Haendel. Entre los Anthems
que compone destacan; ‘La oda para el día de Sta. Cecilia’ o la ‘Oda
para el cumpleaños de la Reina Ana’, mezcla de anthems y cantatas,
sucesión de ocros. Importancia de música instrumental.

12. SONATA EN TRÍO: Dos violines para acompañamiento de bajo contínuo.
MÚSICA DE CONSORT: Música de conjunto. En Inglaterra estaba muy
presente los conjuntos para viola de gamba desde una concepción
propia. La aportación más grande de Purcell es la creación de la primera
obra en inglés: Dido y Eneas. Compone esta obra para ser interpretada
por unas niñas de un colegio . Escrita en inglés, inglés adaptado. Obra
cantada hasta el final.
Una de las características más típicas de la música inglesa va a ser la
presencia de esos coros. El hecho del idioma va a ser muy definitorio. El
hecho de que H. Purcell se atreva a hacer una obra entera en inglés va a
ser muy importante. The Fairy Queen, At the Lazard, entre otras.
Ej: Audición. Dido y Eneas. Está basada en una historia de amor extraída del libro IV de
la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido, y el
refugiadotroyano Enea. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran.
Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino
es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas
decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir.
Audición: Área. Muerte de Dido. Area sostenida por el Basso ostinato:
uno de los procedimientos más importantes de la música para componer
sobre variaciones. Óperas acompañadas por violines con melodías de
oboes y flautas.
Miércoles, 21,
Marzo, 2012.
S.XVI.
Aparecen nuevos instrumentos. Importancia de la familia del violín, instrumentos como la
viola da gamba. La familia del violín aparece en torno al núcleo de Cremona. Las violas da
gamba: instrumentos de forma más primitiva. Las violas de gamba tenían los oídos
armónicos con una c o con una coma. Son instrumentos curvos por delante y planos por
atrás. Las violas de brazo son curvos por delante y curvos por detrás.
Desde el punto de vista constructivo, las paredes de las violas da gamba eran mucho más
débiles que las de las violas de brazo. Número variado de cuerdas: 6 y 8 cuerdas, las violas
de gamba. Eran dos familias diferentes, las dos proceden del Renacimiento y las dos van a
subsistir en el barroco. Con respecto a las violas de brazo, las violas de gamba tenían una
proyección menor de sonido. A lo largo del S.XVII y S.XVIII hubo una subsistencia
importante de los modelos.
El violín, poco a poco, junto al clavicémbalo se va convirtiendo en el gran instituto barroco
por excelencia. En las orquestas, del mismo modo que actuaban los violines en las voces
agudas, actuaban las violas da gamba o violoncellos como bajos. En Francia, la viola da
gamba va a tener una gran tradición. La viola da gamba, similar al violoncello subsistía con
éste. El violón, la viola da gamba bajo va a evolucionar en contrabajo, elemento mixto entre
las nuevas innovaciones entre los luthiers de Cremona y el bajo de la viola da gamba.
Stradivarius.
Nos encontramos ante la época de los grandes luthiers: Amati, Stradivari, etc.

13. Amati sienta las bases ante las que luego trabajarán Stradivarius y Guarnerius.
La viola va a ser más problemática, en relación con la voz que tenia que hacer la viola, se
consideraba un instrumento que tiene que tocarse colgado de una correa por su tamaño. En
violas va a haber muchos más modelos que en lo referente a los violines.
Avances muy importantes en los instrumentos musicales que van a organizar nuevas formas
musicales parejas a innovaciones en la técnica. Las evoluciones en la técnica hace que los
compositores elaboren obras de una mayor calidad artística. El violín a lo largo de todo el
S.XVII culmina una evolución hacia el perfeccionismo.
Las grandes formas musicales que surgen en el barroco, en principio está relacionadas con
el violín: sonata y concierto. En el barroco podemos decir que nacen los géneros musicales
modernos: ópera y cantata y por otro lado los géneros instrumentales: concierto, sonata y
suite.
De la misma manera que a principios del S.XVII se producen todas estas
experimentaciones en Italia, paralelamente a esto, los violinista empiezan a realizar muchos
experimentos sonoros y acústicos. La policoralidad y los ecos se convierten en elementos
de especulación. Los violinistas en esta época, solían estar adscritos a centros religiosos,
sobre todo alrededor de iglesias del norte: Brescia, Bolonia, etc.
Ej: Darío Castello (basílica de San Marcos de Venecia), Marco Uccellini, Giovanni Spada o
Biaggio Marini. Todos ellos autores de obras que llaman sonatas, que surgen a finales del
S.XVII para diferenciarse de la cantata. De manera que, nos encontramos con esa
diferenciación del tipo de obras según los elementos que van a utilizar: CANTATA- música
cantanta. Sonata- música tocada, no contada. La sonata, va a relacionarse como sonata da
Chiesa o da camera, las primeras sonatas van a ser muy experimentales, no van a tener esta
típica estructura tan dividida en movimientes, tipo a-b. Las primeras sonatas eran temas con
variaciones sobre bajos ostinatos o bien composiciones en las que el bajo actuaba con
libertad, pero con un único movimiento con muchos cambios de tempo. Momento en el que
el barroco va a ser contraste y va a fomentar la sorpresa en el espectador con esos cambios.
Ej: Audición. Biaggio Marini. 3 violines en eco. Sonata. Venecia. 1615. 3 solistas:
solista principal y otros dos van a repetir las frases del violín. Es este tipo de
estructura: bajo con un violín que es el principal y los otros dos que lo van imitando.
Escrita en un solo movimiento pero con muchos cambios de tempo. Música muy
virtuosista para la época.
Lunes, 26, Marzo, 2012.
…pedir apuntes.
Concerto grosso: Diferencia de varios solistas, reproduciendo el esquema de la sonata en
trío. Van a unir la concertación con una orquesta. Concerto grosso como denominación de
una orquesta compuesta por violines, viola y bajo, frente al concertino: el primero de los
primeros violines. El concertino es también el encargado de ensayar a la orquesta en
ausencia del director. Oposición de dos elementos: orquesta barroca típica (violines, viola y
bajo) y concertó grosso (dos violines y violoncello). El concertó grosso se va articular por
una serie de 4 o 5 movimientos alternantes en el tiempo, en el que un grupo de solistas
interaccionan con las respuestas de la orquesta. Los conciertos típicos, los de Corelli, están
escritos para este tipo de anotación. Otros autores como Torelli incluyen la Viola en el
concertino. Otros autores posteriores como Scarlatti o Haendel incluyen los instrumentos de
viento de una manera bastante variada. Haendel, curiosamente, tiene dos composiciones de
Concerto Grosso ( opues 6 y 3), y la 3 presenta toda una serie de variaciones.

14. Esta forma se hizo muy normal en la Iglesia de San Petronio, en Bolonia, en los tiempos de
Corelli y Torelli. Música compuesta para ser tocada en iglesia y en las academias de
músicas. 1780: Corelli se va a Roma. En los últimos años de su vida rehace esta música que
compone. Entra el servicio del Cardenal Otogoni y de la Reina Cristina de Suecia, exiliada
en Roma, allí comienza a interpretar su música en pública. Hay testimonios escritos que nos
indican el perfeccionismo de Corelli. Importancia de la interpretación de la música de
manera coordinada. Corelli llegó a interpretar sus concerti Grossi con 150 intérpretes. Se le
alababa por su técnica y por su expresión.
Corelli nos transmite una colección de 12 concerti Grossi que publica en Amsterdam
Etienne Roger, el editor más importante de música del S.XVIII. Nos ofrece el concerti
Grossi como una forma clásica. Sin embargo, sabemos que estos concerti Grossi llevaron
una elaboración grande, fueron compuestos durante su estancia en Bolonia, construyó obras
grandes basándose en obras pequeñas. Importancia de movimientos aislados en los que
había una parte lenta y otra rápida. Presencia de la fuga y del contrapunto (concerti di
Chiesa), en los conciertos de cámara (presencia de danzas).
Corelli muere sin acabar esta colección de obras. En 1712 publica Vivaldi su primera
colección de conciertos, que supone un estado más avanzado del Concerto Grosso que la
del propio Corelli. Corelli siguió un determinado número de criterios para ordenar sus
concertos. El grupo solista va a actuar de una manera bastante autónoma. El concertó
grosso no deja de ser una ampliación de una sonata en trío.
De todos los conciertos, hay uno particularmente famoso, al que Corelli subtitula: Fatto per
la notte di natale. Importancia del matiz religioso, Corelli identifica algunos elementos de
retórica musical con la idea de hacer una música de carácter pastoril.
Las últimas colecciones de concerti Grossi van a ser las de Haendel y las de Bach ( que
fundirá en los Conciertos de Brandenburgo concertó gorsso con otras formas).
Ej. Audición. Corelli Concerti Grossi No.12 in Fa major, Opus 6. Toda una serie de
movimeintos.
Estructura interna de los movimientos: muy sencilla. Estructura binaria.
Martes, 27, Marzo, 2012.
ANTONIO VIVALDI.
Nace en Venecia. Sacerdote de profesión. Hijo de un violinista de San Marcos. Pronto
accede al puesto de trabajo que le va a permitir componer una cantidad enorme de
música instrumental: maestro de violín y director del Hospedale de la Pietá. Vivaldi
interpretaba música y conciertos. La mayor parte de la música que Vivaldi escribe
está escrita fundamentalmente para ser interpretada por esta orquesta de monjas y de
huérfanas.
Contemporáneo a Bach, es el compositor que define y proyecta el estilo y las enseñanzas de
Corelli hacia el S.XVIII, es el compositor que influye en el Bach italianizante y puede ser
considerado el compositor que abre el S.XVIII. Bach recogió ese estilo vivaldiano del
concertó a solo. Es un descubrimiento relativamente reciente, en los años 30. Obra ingente
en Nápoles o Venecia. Al final de su vida realizo varias giras de conciertos como violinista
y compositor de conciertos. Vivaldi era un autor muy conocido en Alemania, de hecho gran
parte de su obra se encuentra en la Biblioteca de Dresde. Bach descubrió pronto la música
de Bach.
Vivaldi es un autor que no tiene parangón en la historia de la música en cuanto a

15. originalidad. Vivaldi era un auténtico virtuoso del violín, capaz de imitar el sonido de los
pájaros. Estilo muy personal que se caracteriza por ser melodioso y sencillo, tiene melodías
que no están muy desarrolladas, algo que lo diferencia con Bach, que tiene un estilo más
complicado.
La música se hacía después de las funciones litúrgicas, ya no son Concerti da Chiesa. De
Brosses nos dice que en los conciertos de los Viernes, en el Hospedale de la Pietá se reunía
la mayor parte de la clase alta veneciana en torno a las interpretaciones de Vivaldi.
Vivaldi compone una gran parte de música sacra y una gran cantidad de conciertos para
violín y para otros instrumentos. La aportación de Vivaldi para el concierto a solo es muy
importante. Vivaldi toma prestada la forma del concertó corelliano y le da su propia forma.
El concierto de Corelli era algo arcaico con estructuras binarias, la orquesta doblaba al
concertino, etc.
Sin embargo, en el concertó Vivaldiano la oposición entre orquesta y concertino se nota
más. Tres movimientos: rápido-lento-rápido. El primer movimiento es más virtuoso, el
segundo tiene forma binaria, ya que el movimiento lento ha de ser un movimiento reposado
y por último, el tercer movimiento vuelve a ser virtuoso: en los concerti da Chiesa es una
fuga y en el resto de los conciertos suele ser un allegro más rápidos que los primeros y
suele ser más difícil. Este esquema compositivo lo podemos ver en Las Cuatro Estaciones.
Una de las grandes aportaciones de Vivaldi será el Ritornello: Cuando los instrumentos
después de las partes vocales vuelven a recoger el mismo tema. Vivaldi la utiliza
conservando y desarrollando ese hecho de una melodía que aparece, pero conservando la
melodía solista. De manera que, el concertó vivaldiano se desarrolla mediante este
esquema: tutti-soli-tutti-soli-tutti-soli-tutti. Este diálogo da al compositor el poder empezara
a jugar con la harmonía. Importancia del violín. Las modulaciones en el ritornello
vivaldiano se dan en las partes solistas. En la aparición del tutti, no tiene porque aparecer el
tema entero, puede aparecer una parte o una variación de ese tema. Vivaldi llega a la forma
ritornello partiendo del Concerto Grosso de Corelli.
2 etapas.
• Etapa en la que está en Venecia. Etapa en la que toca en el Hospedale de la Pietá. A tenor
de su asma va a tener que trasladarse.
• Vivaldi está más volcado a la música vocal. Se traslada a Viena. Muere allí después de
haber conocido la fama y el éxito, de hecho es el primer gran compositor de la
historia de la música, la primera gran estrella de la historia de la música.
Los conciertos de Vivaldi están construidos para: violón, violoncello, flauta, fagot,
clarinete, instrumentos extraños como la Viola de amor, zanfona, etc. Vivaldi solía
combinar también instrumentos, esta idea de experimentación sonora va a ser muy propia
de Venecia.
Muchas de las obras de Vivaldi fueron publicadas en vida, publicadas en Amsterdam de la
mano de Etienne Roger.
Ej: Il Pastor Fido. Sonatas de cámara. Flauta, violín y clave. Opus 1.
Ej: L’astro armonico. Opus 3. Vivaldi muestra sus experimentaciones sobre el concertó
grosso y las sintetiza con el concertó a solo. 3 CONCIERTOS:
• Violines.
• Violines y violoncello.
• Concierto para violín solista, cuerda y continuo.
Aparece en la imprenta un año antes de la Opus 6 de Corelli.
Ej: La Stravaganza. Opus 4. Doce conciertos para violín solista, cuerda y continuo.

16. Ej: Il Cimento dell’armonia e dell’invenzione. Opus 8. Aquí se encuentran las Cuatro
Estaciones.
Ej: La Cetra. Opus 10.
-Multitud de oratorios, entre ellos destaca la ópera sacra, Juditha Triumphans, un símbolo
entre la rivalidad de Venecia y Génova. Óperas serias italianas escritas ya con libretos.
Miércoles, 28, Marzo, 2012.
Ej: Opus III. L’Estro Armonico.
12 conciertos divididos en cuatro bloques de tres conciertos cada uno.
El primero de los conciertos es un concierto para cuatro violines. En unos momentos tocan
los cuatro solistas y los otros tres acompañan y viceversa. Algo que copiará J.S. Bach en
Los Conciertos de Brandenburgo.
Muestra como Vivaldi coge los modelos del concertó grosso y los lleva ya hacia los
conciertos solistas.
El primer movimiento es un guiño al concierto grosso, Vivaldi presenta los elementos del
concertino en un tempo rápido, crea un diálogo entre solistas y acompañamiento. Diálogo
entre dos violines que se van respondiendo. Acto seguido hace un movimiento lento con
unos compases muy breves y un movimiento rápido que es una fuga. Concerto da Chiesa,
vemos como la fuga (una de las expresiones máximas del contrapunto) es algo particular
del concertó da Chiesa.
Esquema rítmico: Rápido – Lento – Rápido.
Concierto absolutamente teatral.
El segundo de los conciertos, más cercano a la forma corelliana, es para 2 violines con
violoncello.
El tercero es para violines.
El cuarto 2 violines y violoncello.
El último es para solo violines.
Los movimientos de los extremos son virtuosos y el del medio es expresivo.
Entre el tutti primero y el segundo se produce una modulación del violinista. La orquesta
recoge las modulaciones del violinista.
Ej: J.S. Bach. Concierto Número X. Para cuatro violines. Lo transcribe para cuatro claves y
orquesta. Transcribe el Ritornello de Vivaldi a cuatro claves y lo transcribe. Es un tema
sencillo a cuatro notas que desarrolla de una manera extraordinaria.
Ej: Vivaldi. Concierto para un violín principal y otro violín lejos.
Lunes, 9, Marzo, 2012.
Johann Sebastian Bach.
-Uno de los compositores más importantes de la historia. Un personaje absolutamente
principal para la historia de la música y que marcó su evolución para la historia.
Retrato de Johann Sebastian Bach.
Con él culmina el barroco musical. Es un adelantado en la época. A partir de los años
veinte del S.XVIII el barroco entra en decadencia, se empieza a demandar un cambio de
estilo que se va a producir sobre todo en Alemania, que se produce en 1780 en Austria con
la presencia de Haydn, Beethoven y Mozart.
Bach se consideraba a si mismo un compositor de música religiosa. Lo más importante de

17. su obra son sus cantatas, su oratorias, etc. Su música religiosa está en torno a la tradición
musical religiosa basada en lo que venía instaurando Lutero en las iglesias que dominaban
las ciudades alemanas.
Muy prolífico en todos los géneros musicales del barroco, salvo la ópera, a diferencia de
Haendel, el otro gran autor alemán.
La obra de J.S. Bach viene siempre precedida por 3 letras: BWV. Catálogo general de la
obra de Bach. Se va a conocer la obra de Bach como la obra de uno de los grandes
contrapuntistas. Los catálogos suelen empezar por música vocal luego instrumental
(sinfónica y de cámara).
Nace en 1685. Muere en 1750. Autor puramente alemán con el que culmina toda una
tradición de músicos alemanes y en particular apellidados Bach, procedente de la zona del
norte de Bohemia. Bach no se puede entender como un fenómeno aislado. Época en la que
Lutero le dará importancia a una forma musical religiosa como el coral. En los países
nórdicos se va a desarrollar muchísima una escuela de músicos de tecla que culmina con la
figura de Juan Sebastian Bach, que en su época era conocido como un gran intérprete de
órgano.
Importancia de Lutero, que va a llevar una forma participativa. Importancia del Concilio
Vaticano II.
Bach era un músico contrapuntística, aprende música con sus hermanos de una manera
autodidacta, lo asimiló todo a través de su herencia musical familiar.
A finales del barroco se produce una combinación de las técnicas del barroco más puro con
una utilización frecuente y recurrente del contrapunto. Bach tuvo una vida básicamente
dedicada a Dios, a la música religiosa y a las iglesias luteranas, una vida en la que no salió
de Alemania. Las influencias muchas veces le llegaron de obras manuscritas, por ejemplo,
Bach va a transcribir los conciertos de Vivaldi, pero lo transforma a otros instrumentos. Un
Bach marcado por la incomprensión y el amor a su familia, tuvo 21 hijos, de los cuáles
algunos de ellos son músicos muy importantes en el músico clásico y pre-clásico.
4 ETAPAS CLAVES. Hoja.
Bach nace en Eisenach y es organista en toda una serie de iglesias.
A principios del S.XVII, Bach obtiene el puesto de músico de cámara en la corte de
Weimar, en la Turiniga alemana. Bach era fundamentalmente clavicembalista, organista y
también tocaba la viola. Bach empieza a escribir cantatas religiosas. Bach escribe cuatro
ciclos de cantatas para todas las festividades anuales luteranas. Va a seguir un poco el
modelo de la cantata italiana, con libretos muchas veces escritas por teólogos y libretistas
luteranos. Importancia de los corales que caracterizan las fiestas del día de la cantata en
cuestión. El coral de Bach tendrá la importancia que tenía por ejemplo el cantus firmus en
la música de Palestrina. La música de Bach abre un camino importante para la música de
cámara.
Las primeras obras las conservamos gracias a transcripciones posteriores del propio Bach.
Bach abandona la corte de Weimar y en 1717 comienza una de las etapas más interesantes
de su vida como músico de cámara del príncipe Leopoldo de la corte de Anthar-Kothen.
Bach se va a ver obligado a componer casi exclusivamente música instrumental. En esta
época Bach escribe toda su música instrumental, por ejemplo los „’Seis Conciertos de
Brandenburgo’’, escribe sus conciertos para violín, sus conciertos para clave, sus suites
para orquesta, sonatas para solista con acompañamiento en clavicémbalo, sonatas en trío,
sonatas para violín. Bach escribe música instrumental para su propia orquesta.
Martes, 10, Abril, 2012.

18. Bach va a tener cuatro partes muy claras en cuanto a su trayectoria, que caracterizan muy
bien su evolución como compositor. Junto a Haendel y Telemann está considerado como
uno de los exponentes del barroco tardío. Posteriormente llegaría el estilo clásico de
Mozart, Haydn o Beethoven.
„’La Pasión según San Mateo’’ de Bach es la culminación de muchas características de la
música barroca, como la policoralidad, sin embargo, en su época fue considerado un
anticuado y no se le dio la importancia que merecía.
La música sigue ya otros derroteros, que promueven nuevas formas musicales más
reglamentadas como pueden ser la sinfonía o la sonata.
Bach es un autor que recoge el barroco ya muy maduro, recoge el arte de la suite francesa y
lo recoge dándole ese carácter propio con el contrapunto. En la historia de la música
alemana, Bach es la cima de un proceso de evolución que comienza con la reforma
protestante de Lutero. Importancia de los corales: composiciones sencillas y homofónicas,
muchas veces basadas en melodías populares muchas veces basados en los textos que los
corales realizan. La música del coral va a ser equiparable a la música del Canto Gregoriano.
Bach es un compositor de música religiosa, para él el objeto de su música era glorificar a
Dios. Importancia de esa obra de arte perfecta que transciende el mundo de lo sensible y
permite llevar al espectador a lo espiritual en obras como ‘’La Pasión de San Mateo’’.
La música religiosa, la música de órgano es lo más importante en la obra de Bach. Su
producción de música instrumental, orquestal y de conciertos es muchísimo menor a su
producción de música sacra. La producción orquestal o instrumental de Bach tiene dos
maneras muy importantes, por un lado tenemos la música para teclado. Además destacan
las producciones para varios instrumentos, no demasiadas en número pero si absolutamente
extraordinarias en calidad. Bach hace esta música con una calidad extraordinaria y una
cantidad menor a la música vocal.
La música instrumental de Bach se reduce a sus dos últimos períodos de vida: 1717-23-
Corte de Anthal-Kothen (compone una gran cantidad de sonatas, los Conciertos de
Brandenburgo, etc.) y en la época de 1723-1750- Kantor en Sto. Tomás de Leipzig.
Bach es original en las combinaciones instrumentales, pero busca la perfección formal, la
belleza del sonido, la expresividad, llegando más allá que la sorpresa tímbrica que nos
presentaba Vivaldi.
En la última parte de su vida: Últimas grandes obras, Prusia. Síntesis del arte del
contrapunto pero basado en obras italianas. ‘’La Ofrenda Musical’’ y ‘’El Arte de la
fuga’’, esta obra, la última de Bach, la deja incompleta. Obra escrita fundamentalmente
para órgano, tiene una riqueza contrapuntística tan grande que se puede tocar con una gran
cantidad de instrumentos.
Música vocal: „‟La Pasión según San Mateo‟‟ y „‟La Pasión según San Autor alemán en el
que culmina toda una generación de organistas y compositores de corales en la iglesias
luteranas, muchos de ellos en su propia familia, todos los músicos Bach son de la misma
familia, culminación de un proceso artesanal de entender la música. Compositor que
sintetiza el lenguaje musical italiano con el francés más el contrapunto típicamente alemán.
Juan‟‟, la segunda más pequeña e íntima. Ambas de una profundidad y de una perfección
extraordinaria. Se sabe que compuso cuatro pasiones para cada evangelista. Las dos están
hechas para la corte de Leipzig. La pasión tenía una gran tradición en época barroca. Lo
que hace Bach es culminar la gran tradición de un estilo que utilizaban otros autores como
Kunhau, Buxtehude o Heinrich Schutz. Se organiza la historia entorno a la figura del
evangelista, el personaje principal. El historicus o narrador va narrando como si estuviera

19. recitando, con acompañamiento en distintas partes de la obra. Discurso del narrador que se
va a ver interrumpido. Presencia de personajes individuales y colectivos (los coros). La
teatralidad es muy clara en las obras de Bach.
Esquema: ‘’La Pasión según San Mateo’’. Audición.
2 coros: cada coro acompañado por su propia orquesta. Por lo tanto, 2 coros-2 orquestas.
C1-C2
O1-.O2
Todo representado con no menos de 5 solistas. Solistas que cantan acompañados por una de
las dos orquestas, por instrumentos de las dos orquestas (a veces). El bajo continuo
acompaña a los cantantes en estilo recitado, cuando canta el personaje de Jesucristo el que
lo acompaña es el cuarteto de cuerda.
Miércoles, 11, Abril, 2012.
Coro policoral, dos coros a cuatro voces, un grupo de mujeres que se hacen una invitación
las unas a las otras para acompañar a Cristo en su sufrimiento. El coral se divide en frases.
En cuanto a la instrumentación, los instrumentos que acompañan son la flauta, el oboe, el
fagot o la viola da gamba.
Ej. Audición. Karl Richter: Interpretación de la Pasión según San Mateo. Bach. El
continuo lo hace un órgano. Obra estrenada en Sto. Tomás de Leipzig. Importancia de
las respuestas de un coro hacia otro.
Música instrumental. Bach coge elementos del estilo de la suite y de la sonata. Bach
nunca se sintió un compositor de música instrumental, cuando lo fue lo adaptó a las
funciones que tenía que interpretar: interpretó música instrumental en la corte de
Weimar e incluso en la corte de Anthal-Kotten.
1er concierto: Concerto Grosso en el que Bach funde la forma del concierto a solo
vivaldiano con la de la suite. Es el más largo de todos, tres movimientos: Allegro-
Lento-Allegro y luego: dos minuetos, un trío y una coronesa. El tercer concierto
presenta elementos ya propios de la música de cámara.
Concierto de Brandenburgo: 3 violines, 3 violas, 3 violoncellos y bajo continuo, es
decir, a cuatro voces. Concierto en el que las voces funcionan como un abanico. De
cuatro voces se pasa a desplegar las voces en tres.
El cuarto concierto: Concerto grosso, aire bastante pastoril, influido por la música
francesa, presenta dos flautas y un violín solistas.
El quinto concierto es la culminación del movimiento vivaldiano en el barroco. Tiene
un primer movimiento extensísimo, los solistas actúan como si fueran una sonata en
trío. Es el primer movimiento de la historia de la música en el que el compositor
compone una larga suita para el teclado.
El sexto es bastante original, está escrita para dos violas de brazo, dos violas de
gamba, violoncello y bajo continuo. Concepción de música de cámara. Las cuatro
partes interaccionan de forma polifónica. Este fue probablemente el primer concierto
que escribió de los seis. Se cree que los conciertos de Brandenburgo fueron
reelaboraciones de obras anteriores.
Ej: Audición. Conciertos de Brandenburgo.
Ej: Obertura de la Suite para Orquesta nº 2. Conservamos de Bach, 4 suites en las
cuáles la obertura está muy desarrollada. Oberturas o suites para orquesta. La suite a
la francesa nace y muere con el barroco. Bach compone cuatro suites en las que
sintetiza lo francés con lo italiano. En realidad es un concierto para flauta con
orquesta que presenta la forma de una suite. Presenta un ritmo muy francés. Fuga:

20. Violines y flautas, violas.
Lunes, 16, Abril, 2012.
HAENDEL
De la misma generación que Bach, del segundo barroco ya en decadencia, pero que
va a dar sus frutos en los tres autores mas prolíficos: Bach y Haendel nacen en
el mismo año en Alemania, pero no van a coincidir. Bach tiene mas interés en
encontrarse con Haendel, pero no encontró el momento. Nacen en un ambiento muy
similar, pero llevan vidas muy diferentes, Bach siempre va a estar al servicio
de la musica religiosa con un aprendizaje artesanal, pues le vine de familia. En
cambio la vida de Haendel es una vida cosmopolita, ligada a su vida de
compositor y poco ligada a sus orígenes alemanes. Es una vida de viajes
continuos, finalizando en Londres, donde adquiere todas sus formas, de modo que
se acaba aceptando como uno de los músicos ingleses por excelencia.
Heandel supone la culminacion del barroc con Bach en cuanto a calidad y su
produccion, Bach e cuanto a la perfeccion de sus musica. La musica de Haendel es
mas mundano, pues se paso toda la vida viajando, su gran carrera en el mundo es
la de compositor de operas serias, en el sentido de la gran opera italiana. Al
igual que Bach es un autor de sintesis, cultiva el estilo frances, sonbr todo en
ellas suites y el estilo italiano en las sonatas y en las operas, peor va a
mezclar ambos estilos cuando sea preciso. Las suites son una¡ conjunto de
danzas, peor muchas osn danzas concertantes, como suites son francesas, sin
embargo en la manera e tratar la musica muchas son ritornellos. Lo mismo sucede
en la musica instrumental, tien mucha produccion pero es compositor de musical
vocal, entr e lo ams conocido están las sonatas y sus dos colecciones de
concierto grossi, que son concerti grossi escritas en el estio italiano, donde
sisntetiza ls enseñanzas de Corelli y Vivaldi y las mezcla con el con la
estetica de la suite. Muchos concierti grossi tienen el concierto solo y después
danzas, elementos tipicos d ella danza. Lo mismo sucede con sus operas cson una
sucesion de arias para solista con una intervencion en algunas mayor que enotras
de los coros, recogendo la tradicion francesa, tambein mete elementos de la
opera francesa como las danzas, lo cual no era propoi de la italiana.
ETAPAS DE LA VIDA
nace en 1685 en el seno d euna familia biurgesa, que quieren que siga la vida de
abogado, eproel ya se interesaba por la musica. A partir de 1703 nos lo
encontraos como musico de la opera de Hamburgo sonde conoce a Teleman, un autor
con el que tendra mucha amistad. En 1706-10 hace una primera estancia en Italia
donde estren aroratorios, cantatas y conoce a Corelli que le influye. En Italia
estrena algunas operas en el estilo de la opera Italiana como Agripina, o Acis y
Galatea. En 1710 es llamado por el princice elector de Hanober y se convierte en

21. maestro de capilla d ella corte, donde estrena Rinaldo, su gran opera. Esta
etapa es breve pues dura hasta 1712, entre estos años hace un viaje a Inglaterra
y se instala en ella donde funda una empresa ----- la vida de Haendelesta
condicionada por la competencia entre ambas em0presas. No vuelve a Londres pero
por una casualidad en 1714 el principe elector de Hanoeber se convierte en
Jacobo I de Inglaterra, lo convierte en musico d ella corte, es el momento de la
mayor proyección de Haendel, es la época cuando compone las suites d ella musica
acuatica y para los fuegos artificiales. Cultiva un estilo que había dejado
marcado de Parcell que era el anthem (himnos), que eran los himnos propios de
Ingleterra. El anthem era un hinnmo en ingles que tenia una cierta sobriedad,
sin muha orquestracion, pero en el moemnto que la ocasionlo requeria se converti
en una orquesta con coro. Haendel sera el mayor compositor de anthems en la
historia, son d euna calidad enorme y los ompone para la coronación el rey. Esto
nos dice que se supo adaptar a todo en la vida, supo aprovechar cada moemnto.
Esto va a hacer que sus oratorios, que realiza a partir del 14, un tipo de obras
demandadas por una tipo de burguesía menos frívola que la nobleza, que
representan virtudes morales. En este sentido el publico le empieza a pedir
oratorios, y los adaptada a la manera inglesa haciendo que se canten en ingles y
en segundo lugar pone al coro como verdadero protagonista de sus oratorios, que
hacen referencia a los anthens.
La composición de Haendel empieza a partir de 1718 que se ven jalonados por
varios éxitos como el Mesías, que es la obra por la que se ha hecho mas famoso,
no tiene la profundidad de Bach pero es una musica muy hermosa donde Haendel. Es
muy curioso porque no tiene personajes, es el oratorio alegórico que nos habla
de Cristo. Entonces a aparecen personajes que cantan los solistas, pero no es
como las pasiones u otros oratorio donde si hay arias de personajes. En este
sentido es importante que la mayor parte de sus oratorios son realmente operas
de tema sagrado n las que pone musica a un libreto sobre una historia bíblica.
El oratorio surge como diferenciación de las operas paganas, sin embargo los de
Haendel son muy precisos en calidad dramática, que se pueden representar. El
estilo musical es el estilo de la opera las arias son virtuosas con una
exquisitez en las voces y timbres que busca el preciosismo del sonido. Haendel
escribe también algún oratorio, porque también tiene oratorios profanos
concretamente el de Semele, que escribió no para ser representado, sino para ser
cantado.
SU OBRA
la musica vocal con los anthems, salmos y antifonas para el servicio de la
corte inglesa. Los anthems para la corte britanica, las diferentes odas, los
oratorios son muchos como Israle en Egipto, Isabel, Sanson, Salomon, Saul y por
supuesto del Mesías, el ultimo es Theodora. También compuso algunas pasiones.
En las suites encontramos las Suites acuáticas que son tres y la música para

22. los juegos artificiales que fue escrita para una orquesta con instrumentos de
viento y de percusión, pensada para compañas una celebración al aire libre,
mientras la cual se iba a quemar una edificio de fuegos artificiales.
Martes, 17, Abril, 2012.
Ej: Concerto Grosso. Op. 3. John Walsh.
En cuanto a Concerti Grossi, Haendel publica la Opus 3 y la Opus 6. La opus 3 es muy
importante, mezcla el concertó grosso modelo Corelli, concertó solo Vivaldi y la suite
francesa. El primer momento es una obertura a la francesa, andante o movimiento lento, un
tercer movimiento que es un allegro y un último movimiento que es un minueto.
Haendel amplía y modifica las enseñanzas de los autores italianos en cuanto al concertino,
en la opus 3, muchos de los conciertos están escritos para violín solista, con partes solistas
a veces compartidas con: flautas u oboes. Ritmos muy marcados. En esta versión se repite
la fuga y el último movimiento lento. El estilo para violín que presenta en esta obra
Haendel es muy italiano (recordemos la importante del violín en obras de Vivaldi). La
presencia de un violín solista es algo muy típico de Corelli.
Esquema musical: AA-BB-CC-DD-AA-BB. Esta idea de los minuetos va a ser realizada
también por Bach y puede ser tomada como un antecedente del clasicismo musical, algo
que posteriormente harán Mozart o Haydn. M1-M2-M1.
Opus 6: Posterior. 12 concerti Grossi. Colección de concerti Grossi extraordinarios, pero en
ellos, Haendel vuelve hacia el estilo más italiano, hacia la esencia del concertó grosso,
influencia de Corelli.
Música vocal: Haendel recoge la tradición de los anthems o antífonas del servicio
anglicano, que habían tenido su compositor más extraordinario en la figura de H. Purcell.
Ej: Zadok the Priest. Anthems o antífonas de la coronación, Haendel los escribe para la
coronación en la abadçoa de Wesminster del Rey Jacobo II. Musicalmente un coro que
podría haber sido un coro para un oratorio, tendencias homofónicas, esta aparente sencillez
homofónica no le quita solemnidad a un coro fastuoso. Coro dividido en 4, orquesta en la
que Haendel introduce instrumentos de cuerda, oboes y tormpeta (que le da una proyección
de tipo glorioso a la obra).
Ej: „‟Sweet Rose and Lily from Theodora’’. Representaciones de uno de los oratorios de
Haendel que se representaron. Maravillosa voz del contratenor David Daniels.
Ej: Giulio Cesare in Egitto. Sara Connolly. Nos cuenta los amores de Julio César y
Cleopatra fastidiados por el hermano de Cleopatra, Ptolomeo. Aria. Realizada para un
cantante castrado. El cantante va imitando la frase del violín e intenta imitar el canto de los
pájaros.
Miércoles, 18, Abril, 2012.
Trabajo. 1 hora de exposición. Entregar un esquema de un trabajo en un folio.
EL CLASICISMO MUSICAL. Haydn, Mozart y Beethoven.
• La muerte de Bach se toma como el final del barroco. 1750.
• Cronología difícil, ya que el barroco perduró de distinta manera en distintos sitios de
Europa.
• Los hijos de Bach, poco a poco van a dejar de seguir el estilo de su padre, para ellos era
un estilo anticuado.
• 1780. En Viena, particularmente, y en otras muchas ciudades europeas aparece el
clasicismo musical.
• Hacia 1750. Inicio del preclasicismo musical.

23. • Final del clasicismo: muy problemático. El XIX, es un siglo plenamente romántico,
Goethe, es del S.XVIII y primeras décadas del XIX y, sin embargo es representatne
del romanticismo.
• Beethoven, es un ilustrado, sin embargo, en su música aparece el germen del
romanticismo. Es el último clásico y el primer romántico.
• Beethoven muere en el año 1827. Cuando Beethoven muere, autores como Schubert, ya
no son clásicos, son románticos. Autores que utilizan melodías, armonías y formas
musicales con carga literaria.
• 1750-1827.
• Existe una primera etapa de preclasicismo en la cuál los músicas combinan técnicas
barrocas como el bajo continuo con otros elementos ya propios del clasicismo:
frases musicales estructuradas en cuatro y cuatro compases, simetría de frases
musicales, desarrollo de motivos temáticos. En base a ello, van a surgir las formas
musicales de la historia de la música:
• Sonata: surge la música de cámara y la gran sinfonía clásica de Haydn, Mozart y
Beethoven.
• Triunfo de las formas de la música tonal, representadas fundamentalmente en las formas
musicales como la sonata. El estilo de Mozart, Haydn o Beethoven se llamará el
estilo de la sonata.
• Se da en los grandes focos de la música operística y sinfónica: Viena, París, Mannheim o
incluso Madrid.
• Se suele llamar clasicismo a los años 80 del S.XVIII, ya uqe son los años en los que
coinciden en Viena los tres grandes representantes del clasicismo: Haydn, Mozart y
Beethoven. Haydn era un autor maduro, lo mismo que Mozart (un verdadero
prodigio musical que a los 16 años se convierte en un autor tan clásico como
Haydn), la gran etapa final de Mozart, van a ser los años en los que compone misas,
ópera, sinfonías y conciertos para varios instrumentos y sobre todo los 27 para
piano y orquesta, época en la que Mozart se escapa de la forma. Mozart empieza a
encontrarse encorsetado en la forma de la sonata, empieza tomando licencias de tipo
formal – se rompe el equilibrio del contenido y surge un momento anticlásico que
será el romanticismo. Mozart tiene obras en las que el elemento expresivo está casi
a punto de romper el equilibrio musical.
• Beethoven: coge la música en el momento en el que Haydn ya había llevado a su
madurez. Debido a sus situaciones personales empieza a hacer una introspección
interior. Empieza la carrera como pianista en Viena, interpretando las obras de
Haydn y Mozart, lo consideran inmoral, ya que Beethoven pone mucha pasión en su
forma de tocar la música. En un momento determinado hace lo que nunca pudo
hacer Mozart, se libera de los señores, de los patronos, y se convierte en el primer
artista libre de la historia de la música. Beethoven coge la música en el momento en
el que habían desaparecido Mozart o Haydn.
• Así como las obras de Mozart o Haydn tenían que ser catalogadas, Beethoven ya no tiene
catálogo, ya que publicó su propia música en vida.
• En este momento, en la música de cámara, la viola empieza a gozar de su propia
autonomía.
• La sinfonía va a propiciar un desarrollo enorme de la orquesta. Surge la orquesta
sinfónica (orquesta propia del clasicismo), que es una evolución de la orquesta
barroca. Se añaden instrumentos diferentes: oboes, clarinetes, fagots, instrumentos

24. de viento como trompetas, etc. En el caso de Beethoven aparecen los trombones. Se
amplía por tanto la instrumentación en la orquesta. Los instrumentos de viento poco
a poco tendrán más calidad, de ahí que la música se escribe poco a poco sea mejor.
• Estilo que se caracteriza por hechos muy importantes: instrumental (nace la forma sonata
y la aplicación de ésta en dos campos: sinfonía y música de cámara, nacen en el
clasicismo. Creación y desarrollo por parte de Haydn de la música de cámara por
excelencia: el cuarteto de cuerda) / Ópera: culminación de la ópera seria barroca.
Mozart compuso óperas para cantantes castrados. A partir de la década de los 30 del
S.XVIIII aparece un nuevo tipo de ópera que empezará con Mozart y culminará con
Rossini: la Ópera Bufa. Ej: ‘’Las Bodas de Fígaro’’ o ‘’Cosi fanno tutte’’ y el
‘’Don Giovanni’’ de Mozart. Este último un drama, reflexión sobre el libre
albedrío, el mal y la muerte, presencia de bufones, de elementos propio de la ópera
bufa.
• Mozart dentro del campo de la ópera crea una gran innovación: compone la primera
ópera en alemán de la historia de la música: ‘’la Flauta Mágica’’. Recordemos que
en aquella época, casi todas las óperas se realizaban en italiano.
• En Viena, aunque el estilo oficial era el de la ópera italiana, había una serie de
representaciones en alemán, que se denominaban Singspiel, un tipo de teatro
musical sostenido por el emperador y su familia, se diferenciaba de la ópera italiana
(que era toda cantad, en que el Singspiel tenía temas cantados y recitados, si en la
ópera italiana había temas de la antigüedad clásica, en el singspiel se tomaban temas
exóticos, entre ellos, desacar el ‘’Rapto en el Serrallo’’ de Mozart, de temática
turca. Esos temas exóticos, van a ser ya muy propios del prerromanticismo. El
exotismo de la ‘’Flauta Mágica’’es que se desarrolla en Egipto. Presenta elementos
que influirán a compositores del S.XIX: Se crea el leitmotiv (o motivo musical para
cada personaje), que interpretará Wagner en la tetralogía. En ‘’Cosi fanno tutte’’ de
Mozart aparece ya la obertura.
• Las óperas italianas de autores como Verdi, seguirán por temas propios de la historia
europea, las óperas alemanas buscarán argumentos fantásticos desarrollados en
ambiente opresivos. Se considera ‘’La Flauta Mágica’’ como la primera ópera
alemana de la historia de la música.
• Orquesta de Mannheim: importantísimo, ya que Haydn o Mozart tocaron con estas
orquestas y realizaron obras basadas en esta orquesta.
Resumen:
• Vuelta a la melodía tras una etapa final del barroco en la que hubo una gran utilización y
un nuevo triunfo del contrapunto con Bach, Telemann o Haendel.
• Esta vuelta hacia la melodía sencilla es una influencia clásica propia de la ilustración.
• El triunfo de las formas musicales. Triunfo de la tonalidad, gran proceso de la tonalidad
que comienza a ppos. Del S.XVII culmina con Hayd, Mozart o Beethoven. Wagner
ya a mitades del S.XIX va a utilizar armonías disonantes.
• Las grandes formas musicales nacen siempre como una evolución de la forma de la
sonata, una ampliación de la forma area da capo, que era muy limitada. La sonata
influye en música de cámara u orquestal.
• El bajo continuo desaparece paulatinamente de la música. Sinfonias de Mozart de su
época final, ya no se interpretan en bajo continuo.
• Preeminencia de la música instrumental sobre la vocal. En menor grado los clásicos son

25. compositores de música vocal. Haydn, por ejemplo, realiza música vocal, pero pasa
a la historia como compositor de la música instrumental.
• Preeminencia de la música profana. Beethoven tiene una misa que es una gran
composición musical, pero no es una misa normal y la mayor parte de su música es
profana.
• Nacimiento y desarrollo de la orquesta moderna. Varias etapas: Mannheim y el
nacimiento de la sinfonía, Clasicismo vienés (Haydn, Mozart y Beethoven).
• Formas: Sinfonía en tres y cuatro movimientos, Mozart en tres o cuatro movimientos y
Beethoven casi siempre en cuatro movimientos.
• Desarrollo del concierto solista. Concierto para piano y orquesta: primer gran
movimiento en forma de sonata, tercer movimiento en forma de rondó, donde
siempre hacia el final del movimiento el solista improvisa con los temas tocados a
lo largo del concierto: CADENCIAS. Poco a poco se evolucionará para la música
de piano con orquesta: Liszt, Chopin o Tchaikovsky.
• Desarrollo de la ópera BUFA, que culmina con Rossini y su ‘’Barbero de Sevilla’’.
Lunes, 23, Abril, 2012.
Audición. Ej: Gluck.
La Ópera en el S.XVIII. Christophe Gluck.
Mediante este autor se crea a transición de la ópera barroca hacia la ópera clásica. Intenta
depurar a la ópera italiana de los tremendos artificios que había sido sometida a lo largo del
barroco, someterla a los cánones griegos y crear una visión de conjunto, crear una obra
artística de la ópera: fundir escenatografía, literatura, etc. Esto evolucionará después con la
llegada de Richard Wagner. Gluck va a intentar recuperar los argumentos de la tragedia
griega, lo mismo hará R. Wagner con su obra de arte total más romántica y propia del
S.XIX.
Gluck tiene un estilo muy personal.
En torno a mediados del S.XVIII: Triunfo de los grandes autores de ópera italiana en
diversos escenarios: Londres, Viena o Milán, con autores hoy en día poco conocidos, pero
que en su época fueron muy importantes: Jomelli, Traeta o Hasse.
Presencia del menor de los hijos de Bach, que jugaron un papel muy importante para la
transición entre el barroco y el clásico. Importancia de la sinfonía y del estilo expresivo. El
pequeño de los pequeños: Johann Christian Bach. Llega a Londres después de una exitosa
carrera como compositor de óperas en París, se establece como compositor de óperas y
sinfonías.
Jomelli, Traeta, Hasse o J.C. Bach, son compositores clásicos y olvidados, fueron muy
prolíficos a la hora de componer, importancia de la gran área da capo con cantantes
castrados, áreas de gran dificultad para los cantantes.
Francia: Se cultiva un estilo de ópera diferente, derivado por los postulados de Jean
Baptiste Lully, estilo de la tragedia lírica, este estilo nuevo, la ópera ballet lo instaurará
Rameau.
Gluck ingresa en la corte de Viena como compositor de óperas italianas y como compositor
de ballets. Precedido del gran éxito que había tenido en Italia con su obra „‟Artajerjes‟‟.
Pronto se convierte en el compositor más querido y famoso de la corte imperial de Viena.
1762: Estrena en Viena su gran obra: „‟Orfeo y Eurídice‟‟. Versión italiana que se adaptará
al francés. Este conocimiento que tiene de la ópera italiana y francesa, le lleva a analizar los

26. problemas y defectos de una y otra y a intentar sintetizarlas en un estilo nuevo.
Óperas realizadas en libreto zeno o metastasio (autores italianos que se dedicaron a hacer
libretos de óperas serias o clásicas). En este momento en Frnaica se produce un hecho muy
importante, el estilo de la tragedia lírica de Lully era abundante en esta época en Francia.
En 1738, una compañía de cómicos italianos llegan a París y estrenan en el Teatro de la
Ópera, „‟La Serva Padrona‟‟ de Pergolessi, la primera ópera bufa de la historia, con un
argumento sencillo, personajes burgueses, música más sencilla y racional. Este nuevo estilo
va a ser una de las grandes aportaciones del clasicismo musical a la historia de la música.
Empieza con Pergolessi y acaba con Rossini y su „‟Barbero de Sevilla‟‟. Destacar „‟Las
Bodas de Fígaro‟‟ de Mozart, obras de Piccini, Vicente Martín y Soler, etc.
Gluck decide emprender una reforma operística encaminada a solucionar los problemas que
tiene tanto la ópera francesa como la italiana. Recoge un tipo de polémicas que existían ya
en la época: disputas entre los defensores de la ópera francesa de la corte, la ópera italiana o
de la burguesía. Querella de los bufones: En varias oleadas. Dialéctica: defensores de la
música antigua o de la nobleza y los de la ópera bufa o música nueva.
Otro autor que defenderá el estilo de Gluck fue Salieri, discípulo de Gluck, que también
escribe grandes tragedias operísticas para ser estrenadas en Francia.
La Reforma de Gluck. Compone „‟Alcestis‟‟ y se despojar de la ópera el abuso de los
cantantes castrati.
La reforma de la ópera
Nacida en los círculos humanistas florentinos de finales del XVI, en parte
como un intento de recuperar las representaciones de teatro musical de
la antigua Grecia, la ópera tiene un desarrollo progresivo en cuyos
primeros estadios el acercamiento al género de grandes músicos
permite ya la creación de obras magistrales. Es este el caso, entre otros,
de Claudio Monteverdi (1567-1643), Jean Baptiste Lully (1632–87),
Henry Purcell (c. 1659–95), George Frideric Handel (1675-1759) o Jean
Philippe Rameau (1683–1764). No obstante, la genialidad de las óperas
en que participan estos autores está asociada más a la música que ellos
logran crear que a ninguna otra cosa. Creo que fue Charles de Saint-
Evremond, un francés del XVII quien dijo, más o menos, que la opera es
el desdichado resultado de la imposible colaboración de un poeta y un
músico. Es esta una expresión un tanto desabrida, pero que sin duda
acierta a señalar el defecto esencial de la ópera que se consumía por las
clases aristocráticas en aquella época. Se trataba de una sucesión de
números musicales, mejor o peor hilvanados, pero carente de una sólida
estructura dramática. Solamente cuando un músico genial participaba
en el asunto podían esperarse resultados brillantes.
La renovación de la forma operística y la creación de un género sobrio y
equilibrado, con capacidad para expresar las más profundas y complejas
emociones humanas, es un mérito que corresponde a Christoph Willibald

27. Gluck (1714-1787), un músico alemán que trabajó sobre todo en Viena
y en París. Sólo tras una larga y exitosa carrera como compositor de
óperas, se propone Gluck una transformación del género, y son tres
obras magistrales: Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767), y Paride ed
Elena (1770), las que marcan este punto de ruptura. En el prólogo del
Alceste, Gluck y su libretista, Ranieri Calzabigi (1714-1795), explican
sus intenciones. Simplicidad, verdad y naturalidad son sus objetivos.
Se trataba, según ellos, de sustituir las endiabladas intrigas y enredos
de las viejas óperas por una historia simple y natural. Del mismo modo,
relaciones humanas ocupan el lugar de las viejas convenciones
cortesanas, y el coro pasa a ser un protagonista más, como en la forma
clásica, y a participar en el drama. La misión de la música es apoyar la
poesía del texto y ha de seguir las situaciones de la historia, sin
interrumpirla ni añadirle ornamentos superfluos. El recitativo secco (sin
acompañamiento) es eliminado (excepto en Alceste); y el resto de los
elementos: aria, coro,recitativo accompagnato, partes orquestales, etc.
quedan soldados en escenas y grupos de escenas con una arquitectura
dramática. En las grandes óperas francesas de su última
época: Iphigénie e Aulide (1774), Armide (1777), Iphigénie en
Tauride (1779) y Echo et Narcisse (1779), Gluck consigue efectos
sorprendentes con perfecta fidelidad a las normas de su "estilo
reformado".
La belleza, el equilibrio formal y la pasión siempre contenida de estas
obras han hecho de ellas un paradigma del clasicismo musical.
Transformada al fin la ópera en un poderoso medio de expresión
poética, sus capacidades serán desarrolladas por los grandes creadores
que se acercarán al género. Muy poco después, Mozart dejará su
impronta genial, y Beethoven, como no podía ser menos, llevará a las
barricadas una forma musical que había sido creada para solaz de las
clases aristocráticas y burguesas en el canto a la justicia y la libertad de
su Fidelio (1805).
La ópera fue siempre un espectáculo integral de difícil y costosa
ejecución. Su acercamiento al gran público sólo fue posible con los
avances tecnológicos del siglo XX. Hoy en día, la facilidad con que
podemos escucharla sólo puede describirse como milagrosa. Se presenta
a continuación el comienzo mismo de la etapa reformada de Gluck, el
diálogo entre el coro y un Orfeo desesperado que llama a su mujer, en
el arranque del acto primero de Orfeo ed Euridice. Intervienen
el Ambrosian Opera Chorus y Agnes Baltsa (contralto) con
la Philharmonia Orchestra, todos bajo la dirección de Riccardo Muti en
una grabación de 1981.
Gluck, habla de recuperar la esencia del área da cappo, defiende la vuelta al esquema A-B-
A.
Hasta el momento, los compositores utilizaban las sinfonías y oberturas de una manera

28. absolutamente arbitraria, no existía ese concepto de unidad de si tal obertura está en
relación con tal argumento. Gluck defiende la idea de que la obertura está dentro de la
ópera, forma parte de ella. El siguiente paso lo da Mozart, cuando en sus oberturas presenta
fragmentos ya cantados, ej: „‟Obertura de Don Giovanni‟‟, „‟La Flauta Mágica‟‟ o „‟Cosi
Fanno Tutte‟‟. Gluck formula este principio importantísimo, algo que recogerá Wagner en
el S.XIX, que escribe la tetralogía, la primera ópera, „‟El Oro del Rhin‟‟ es la obertura de
las cuatro óperas. Gluck va a hablar sobre la importancia de la sencillez en sus óperas.
Reforma los argumentos de las óperas, las áreas, importancia del coro y del papel que éste
tenía en la ópera griega, papel renovado de la orquesta, recitado acompañado, ya no es el
bajo continuo el que acompaña al recitado sino que es la orquesta, como elemento tomado
de la ópera francesa, mete elementos tomados del ballet y de la danza pero, que están
integrados en la ópera. La música de ballet de Rameau no venía muy a cuento, pero en
Gluck si que tiene que ver con la obra, está dentro de la estructura interna de la obra.
Martes, 24, Abril, 2012.
Ej: „‟Che Faro senza Euridice‟‟. Ejemplo de Área da Capo.
Mozart en Viena va a llevar a la culminación la ópera en Viena. Mozart va a ser también
un gran compositor de óperas bufas italianas. La producción operística de Mozart hay que
verla desde varios puntos de vista: compone un tipo de género musical llamado Singspiel,
género musical medio hablado y medio cantado, ej: „‟Bastián y Bastiana‟‟. El primer gran
singspiel de Mozart va a ser „‟el rapto en el Serrallo‟‟, con una calidad musical que hace
parecerlo más una ópera. Los encargos que le vienene a Mozart durante sus estencia en
Vienea, vienen dados por la experiencia de la ópera seria italiana y también por ese otro
tipo de música, la ópera bufa, de la que Mozart realiza pocos títulos pero muy importantes.
La segunda parte: 1785 en adelante, realiza esa gran trilogía de óperas: „‟Las Bodas de
Fígaro‟‟, „‟Cosi fan tutte‟‟ o „‟Don Giovanni‟‟. Esta trilogía es algo extraordinario en la
historia de la ópera, ya que cuenta con un libretista jesuita muy importante, Lorenzo da
Ponte. El argumento de las Bodas de Figaro y de otras óperas de la época, promoverán la
aparición de la Revolución Francesa.
„‟Cosi fan tutte‟‟ es una ópera bufa en estilo napolitano, que eran óperas complicadas
escénicamente pero con pocos personajes. Está basada en una historia real que había
acontecido en Nápoles, la historia de dos hermanos que quieren probar la fidelidad de sus
novias. Los hermanos vuelven disfrazados y se cruzan las parejas.
„‟Don Giovanni‟‟. Obra maestra de Mozart y Laponte. Basado en el mito español de Tirso
de Molina, que Zorrilla en el S.XIX dará fama con el Don Juan Tenorio. Laponte mira lo
que han hecho Tirso de Molina o Moliére con esta historia y realiza un libreto con una
estructura dramática impresionante. Nos encontramos ante uno de los primeros momentos
en los que se representa el terror a base de sonidos. Mozart plantea en la obertura el terror,
transcurre por toda la ópera y la utiliza en el final de la ópera, nos encontramos ante un
gesto de pre-romanticistas. Mozart llama a esta ópera un drama giocoso, está más cerca de
la ópera seria que de la ópera bufa. Es un drama de carácter teológico, persona condenada
por sus malas acciones a la que se le da la oportunidad de arrepentirse pero que no lo hace.
Hay también algunos personajes „bufos‟. Es una ópera llena de áreas maravillosas en
cualquiera de los personajes principales.
Ej: „‟Área del Catálogo‟‟. Don Giovanni. Área estrófica, se repiten dos música con
diferentes letras. Esquema rítmico: A-B.
Miércoles 25, Abril, 2012.

29. Música instrumental: Características novedosas. El estilo clásico va a ser un estilo de
música profana e instrumental. Esto se va a ejemplificar a lo largo de la segunda mitad del
S.XVIII, al dotar a las estructuras barrocas de formas sencillas de una estructura interna
más complicada y más lógica, basada fundamentalmente en un hecho muy importante, el
clasicismo es un momento en el que las leyes de la clasificación tonal empiezan a
desarrollarse. Ej: Haydn, Mozart y el primer Beethoven.
Los autores románticos luego, intentaran liberarse de las leyes de la tonalidad, empezando a
utilizar disonancias. Punto de culminación: disolución de la tonalidad: Tristán e Isolda de
R. Wagner.
El estilo clásico, pese a todo, es un estilo academicista. Triunfo de la tonalidad: Se consigue
sobre todo a través de la sonata, una de las estructuras musicales más importantes de la
historia de la música. Se utiliza la sonata en música de cámara, grandes conciertos
instrumentales, ej: Haydn o Beethoven. Nosotros entendemos sonata como música para
piano, una estructura que poco a poco se irá aplicando a otros tipos de música. 2 tipos:
S.XVIII- SONATA ITALIANA, sonata en tres movimientos (Rápido – lento – clásico) o la
SONATA CLÁSICA (Rápido – lento – minueto – rápido).
Estructura movimientos sonata.
• Forma de sonata: 4 movimientos. Estructura primer movimiento rápido: ampliación área
da capo (3 partes: ABA). Trabajo tonal temático. Sus partes pasa a tener otra
denominación: EXPOSICIÓN – DESARROLLO Y REEXPOSICIÓN. Exposición:
2 temas musicales constrastantes (A y B), dos temas musicales diferentes que se
exponen. La exposición de la sinfonía clásica es doble, las sinfonías más maduras
de Haydn suelen añadir un pequeño pasaje, recuerdo de las sinfonías de ópera
italianas (pasaje lento o Adagio, que desaparece a partir de Beethoven). Tras la
exposición viene el desarrollo, momento en el que el compositor plantea un
conflicto entre los dos temas, según la extensión que le quiera dar a sus sinfonías.
En el trabajo modulatorio lo importante es que el compositor intente buscar el tema
A, surge así la tercera parte o reexposición. Asi como la exposición, los temas se
relacionan con el primero o quinto grado, aquí están utilizados sobre la tónica,
intención: reafirmar el triunfo de la tonalidad.
Forma sonata. A (Exposición). A en tónica – puente entre las dos formas – B en quinto
grado o momento de máxima tensión. B o desarrollo. El compositor lo modula de forma
libre, parte más rara. A tónica o recapitulación, se recupera la forma A en tónica y luego se
podrá utilizar para rematar la composición una coda.
Lied: Dos partes diferenciadas, estrctura de carácter binario.
Beethvoven utiliza un movimiento en el que solo se realiza un gran desarrollo melódico.
La forma A B A de minueto en el área da capo, pasa a ser MINUETTO, TRÍO,
MINUETTO. En toda, importancia de la tónica y de la dominante. Particularidad: 2
ab//ccd. El primer minueto suele ser de carácter rítmico, el trio suele s más reposado, ya
que tiene más carácter melódico que bailable.
Forma minueto: A (ABAB) forma que se repit – B (forma cdc) – A (forma ab sin repet)-
todos presentan estructura binaria.
Rondó. A D A C A. Utilización de un estribillo y estrofas diferentes.
Los primeros conciertos van a utilizar la forma sonata, que surge de manera paralela en dos
centros: uno en torno a Milán, donde hay un autor importante como Giovanni Battista
Sanmartini que empieza a utilizar movimientos sonata y en torno a Berlín, donde se instala

30. el mayor de los hijos de Bach, Carlos Felipe Emmanuel Bach, considerado un avanzado del
clasicismo. Forma parte del Sturm und Drang (movimiento estético y filosófico que se da
en Alemania a partir del último cuarto del S.XVIII). Movimiento que pone el acento en la
expresión. Movimiento que empieza a romper de cara al romanticismo, movimiento que
realmente surge en Alemania. C.E. Bach comienza a realizar sinfonías en Berlín en las que
hay dos temas musicales muy marcados, a veces escritos en la misma tonalidad pero con
contrastes rítmicos muy violentos, esto se toma como un anticipo del romanticismo.
Otro centro, donde va a nacer la orquesta clásica, va a ser el laboratorio al que van a acudir
Mozart o Haydn para saber como componer nuevas sinfonías y llevar a su culminación esta
estructura: es la ciudad alemana de Mannheim, donde nace la primera orquesta sinfónica y
moderna.
La sinfonía culminará en Viena, con la presencia de los tres grande músicos que
representan tres grande momentos del clasicismo:
• Haydn: representa la transición ente el barroco y el clasicismo.
• Mozart: Representa el clasicismo maduro.
• Beethoven: Representa la transición entre el clasicismo y el romanticismo.
Ej: Sinfonía nº 94. Haydn.
Miércoles, 2, Mayo, 2012.
Trabajo Beethoven.
Beethoven e as Sinfonías.
Continuidad estilística entre el clasicismo y el romanticismo. Importancia de las sonatas
para piano. Cuartetos de curda centro del legado musical de Beethoven.
Sinfonías de música orquestal. Precursor de la orquesta moderna y de la técnica actual para
piano. Después de Beethoven, ya llegarían las óperas de Wagner, Berlioz o Verdi.
Segundo período estilístico. Hasta 1814.
Cuatro sonatas para piano. Opus 53. Crea tensión y ansiedad en el espectador.
Opus 57.
Beethoven también compondrá obras para piano y otro instrumento, como puede ser el
violín o el Violoncello.
Opus 47 o Opus 96.
En cuanto a los cuartetos de cuerda, un ejemplo es la Opus 59, dedicada al Conde
Razumovsky.
En esta década, Beethoven quiere mostrar una música que comunique un proceso lógico.
Importancia de las sonatas para violín.
Sinfonía Nº 3. Mi bemol. Opus 55. Se produce una revolución en la historia de la música, la
sinfonía más grande que se produce hasta el momento.
Movimientos: allegro con Brio en si Bemol, marcia fúnebre, adagio assai en do menor,
scherzo y trio, allegro vivace e alla breve en si bemol, finale: allegro molto interrumpido
por Poco Andante, con Espressione e ramatando en Presto, Si bemol.
Instrumentos: dos timbales, dos trompetas, tres trompas, dos flautas, dos oboes, dos
clarinetes, dos fagotes.
Dedicada al príncipe Von Lobkowitz.
Primera obra en la que aparecen tres trompas en una orquesta.
La aparición de episodios, la marcha, de temas épicos influirá mucho a lo largo del
romanticismo. Ej: Wagner.
Dedicada a Napoleón.