1. DISCIPLINAS DE LAS ARTES VISUALES Y SU IMPORTANCIA EN LA
EDUCACIÓN
ÁREA: Educación por el Arte
GRUPO: A
MODALIDAD: Presencial
LOGROS DE APRENDIZAJE:
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• Utiliza los elementos visuales para la reproducción y creación de arte plástico y Reconoce la
importancia de la práctica de las disciplinas de las artes visuales.
• Elabora materiales para el dibujo artístico a computadora y domina las diferentes Técnicas de
elaboración de un dibujo como instrumento de comunicación.
Aprendizajes esperados: al concluir el tema los Alumnos habrán desarrollado las Siguientes
capacidades. o Maneja la iconografía de las Artes visuales en Computadora. Según los iconos de las
artes Plásticas por escuelas. o Analizan las diferentes tendencias sociales según el medio y la época
que Están realizadas o Investiga los estilos de las técnicas usada según la época en que están
Realizadas y el medio social que los indujo a realizar dichas obras y a que estrato social está
dirigido. o Experimenta con diferentes elementos para la elaboración material ecológico para
implementar diferentes técnicas en el dibujo. o Analiza las diferentes calidades y texturas de
materiales apropiados para elaborar el carbón vegetal.
RESUMEN
El presente documento conducirá a todos los docentes a optimizar su labor de acuerdo al área en la
que se desempeña y a mejorar el tratamiento de enseñanza – aprendizaje, como también a realizar
una Educación Integral. La revisión de este material y manejo de las “Estrategias Metodológicas”
dentro de la tarea docente juega un papel muy importante para lograr desarrollar en el alumno la
capacidad de análisis, síntesis y fundamentalmente impulsar su capacidad de creatividad y
abstracción. En esta primera parte se da a conocer la clasificación de las artes y entre ellas las artes
visuales reconociéndolas como las que se aprecian a través de la vista y ocupan un lugar en el
espacio con elementos como: movimiento Plástico, velocidad, dirección y la interpretación del
Lenguaje Visual. Las artes plásticas en su doble perspectiva de proceso y producto conduce a una
concepción integral en sus diversos atributos: creación social, manifestación ideológica,
comunicación social y como parte del desarrollo integral del ser humano. Se dan a conocer las
diferentes técnicas de la pintura: óleo, acuarela, temperas, lápices, acrílicos y el dibujo artístico
como instrumento de comunicación, materiales del dibujo artístico, etapas del dibujo: boceto,
apunte y dibujo terminado

2. LAS ARTES VISUALES
Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en el cual el
individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos materiales utilizando
diversas técnicas que le permiten expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo
que lo rodea, utilizando el dibujo como base fundamental de cualquier obra artística. Entre las
disciplinas que comprenden las artes visuales tenemos la pintura, el grabado, la escultura, la
fotografía, la serigrafía y el diseño. El concepto Artes Visuales se gesta a fines de la II Guerra
Mundial, cuando los artistas europeos que habían emigrado a New York asientan una producción
artística que se relaciona con la libertad expresiva y formal propiciada por las vanguardias de fines
del S. XIX, a lo que se sumó el crucial empuje que significaron las propuestas de Marcel Duchamp.
Pero es alrededor de 1980 cuando el término "Artes Visuales" empieza a predominar en el
vocabulario, pues es más adecuado para el arte contemporáneo que la denominación "Artes
Plásticas". En las artes plásticas se comprende que cada una de las disciplinas, ya sea dibujo,
grabado, escultura, pintura o fotografía, es un ámbito cerrado en sí mismo, con sus métodos y
fronteras bien definidas. Cada una tiene su universo propio que dialoga levemente con los otros. En
cambio, el arte desde la segunda mitad del S. XX en adelante, propone una vasta interacción; en
principio esto se lleva a cabo integrando a la pintura o escultura, otros recursos y lenguajes diversos,
tales como sonidos, escritura, imágenes en movimiento, etc. Esto naturalmente genera una amplia
cantidad de formas posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción y clasificación son más
abiertos e integrados Los artistas visuales normalmente circulan por diversas áreas creativas:
diseñan ambientes o instalaciones, crean actos teatrales efímeros o performances, luego se
interesan en utilizar videos, imágenes de TV y medios digitales, experimentan integrando la
escultura con la pintura o con la imagen en movimiento, recogen objetos y los utilizan
estéticamente, intervienen fotografías, recurren a la música o a la luz, se alimentan del cómic, del
imaginario popular y los medios de masas, o toman prestado elementos de la publicidad y el diseño.
Y muchas veces, crean y diseñan la obra, pero otras personas las hacen. Básicamente, las ideas que
definen el Arte Visual son:
A) Apropiación, por parte del artista, de una cantidad ilimitada de recursos así como de estilos,
incluso de siglos pasados (Renacimiento o Quattrocento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo),
los que son incorporados de modo innovador al interior de las composiciones.
B) Circulación y Experimentación, puesto que la gran mayoría de los artistas cuenta con una
disciplina base, por ejemplo, pintura o fotografía, pero investiga otras disciplinas que puedan
potenciar estéticamente su producción; ésta es vista entonces como una continuidad (basada en
conceptos) que se presenta a través de diferentes soportes y materias.
C) Pluralismo y Globalización: tiene que ver con la fluida comunicación entre artistas de distintos
países y continentes, facilitada por medios de comunicación como Internet, o por las cada vez más
óptimas condiciones de viaje, traspaso de fronteras y emigración. El fenómeno de la globalización
permite un enriquecimiento del lenguaje artístico, puesto que ingresan a la "escena internacional"
artistas tercermundistas que aportan elementos estéticos de su propias culturas; así mismo, se
produce una suerte de similitud general en el estilo: ya no se distingue una obra como característica
de un país, y tampoco es relevante que así sea.

3. D) Estrategias Expositivas: tanto los artistas como los curadores buscan nuevas estrategias
expositivas acordes a la naturaleza de las obras, creando exposiciones innovadoras en ideas,
montaje y formatos. Experimentan con la ocupación de espacios públicos o sitios abandonados, la
instalación de la muestra exclusivamente en Internet o en periódicos, y también con variaciones en
la duración de la misma: desde pocas horas, hasta el clásico período de varias semanas o meses de
exhibición
OBJETIVO DE LAS ARTES VISUALES
Preparar profesionales capaces de utilizar adecuadamente los conocimientos, técnicas y elementos
materiales de las Artes Visuales dentro de un marco teórico-práctico; asimismo, formar una actitud
crítica y autocrítica, creativa y responsable, desarrollar el interés por la investigación y
experimentación en las áreas de Pintura, Escultura y Estampa.
El profesional en Artes Visuales es aquel que posee conocimientos teóricos-prácticos que le
permiten ejercer las Artes Visuales en cualquiera de las áreas y que también realiza funciones ya
sean de tipo cultural o artístico.
ELEMENTOS MEDIADORES DEL LENGUAJE VISUAL
Según las intenciones del artista y la finalidad de la composición creativa, así será la elección de los
elementos que va a utilizar, sea o no geométrico. Por ese motivo, es imprescindible conocer el
conjunto de los elementos gráfico-plásticos del lenguaje visual para escoger el que más interese en
función de los aspectos que se desee destacar. El punto. Es el más elemental de los signos gráficos.
Mediante la huella de un lápiz o mediante algunas formas cerradas, se puede representar
gráficamente.
La línea. Es el principal elemento configurador de la superficie plana y del espacio. Mediante la
línea se puede dar al plano y al espacio una organización o centrar la atención en una parte de la
composición. Pero la línea no sólo es un elemento configurativo, sino que también es un elemento
expresivo. La línea, bien sea obtenida por trazo directo, por límite de colores o mediante simple
insinuación, dibuja la forma, la estructura de una superficie plana, pero también forma parte de una
obra volumétrica: escultura o arquitectura.
La forma. Se compone de dos elementos: el contorno externo y el esqueleto estructural, es decir,
las líneas invisibles que definen el cuerpo de la forma. Hay formas naturales y formas artificiales;
estas últimas están elaboradas por el ser humano e incorporadas a sus composiciones plásticas.
El color. Es una sensación que se percibe por el sentido de la vista, es decir, es una cualidad de la
materia y de la luz. El color es uno de los instrumentos principales de la comunicación como factor
expresivo, dada su capacidad de comunicar y de suscitar sentimientos en el espectador.
La textura. Es el acabado de una superficie, bien sea natural o artificial; es decir, puede ser una
cualidad del material utilizado o el acabado dado por el artista a un objeto o a una composición.
Pero la textura no sólo es un elemento formal, sino que es un instrumento muy útil a la hora de
dotar de expresividad a una obra.

4. PRINCIPALES ELEMENTOS DEL LENGUAJE VISUAL
Los elementos se eligen de acuerdo a la finalidad del mensaje que quiere transmitir el artista. Estos
elementos son el punto, la línea, el color, la textura y la forma. En el cuadro inmediatamente
inferior, los colores definen la forma y en el de más abajo, el uso de líneas define a los personajes.
LA LÍNEA Definición
La línea es la trayectoria o recorrido que describe un punto en movimiento. Define las formas y es
uno de los elementos básicos del lenguaje plástico y visual, pudiendo expresar todo tipo de
sensaciones, dado su poder comunicativo. Las líneas geométricas son aquellas cuyo trazado
requiere el uso de un instrumento de precisión: regla o compás. La línea recta geométrica es aquella
que está trazada por medio de una regla, no tiene principio ni fin y puede ser horizontal, vertical o
inclinada. La línea curva es aquella trazada con un instrumento de precisión como el compás, las
plantillas u otro elemento de diseño.
Características
Contiene fuerte expresividad gráfica y gran energía. Crea tensión en el espacio geográfico en el que
se encuentra. Organiza el plano y su lectura. Comunica movimiento, dirección e incluso estabilidad.
Elemento configurador de formas Una simple línea puede determinar una forma plana e incluso un
volumen. Cada línea se describe como combinación de cuatro cualidades fundamentales en su
trazado:
• Límites. Si la línea encierra o no a la forma representad" es aborta o cerrada.
• Trayectoria. Según el tipo de recorrido que describe, una línea puede ser recta, curva o quebrada.
• Cuerpo. Según su mayor o menor grosor, el color y la textura; cualidades que en parte quedan
determinadas según los materiales e instrumentos que se eligen al dibujar.
• Continuidad. Si la línea está trazada a intervalos más o menos largos se dice que es Discontinua;
si, por el contrario se trata de sólo una línea, será continua.
Combinaciones de líneas
La línea quebrada está formada por fragmentos de líneas rectas, segmentos unidos por puntos y con
diferentes inclinaciones; la sensación que produce es dinamismo.
La línea ondulada es la combinación de curvas y produce la sensación de movimiento.
La línea mixta está compuesta por rectas y curvas, y la sensación que produce es una combinación
de ambas.
Trazo de rectas

5. Las relaciones de dos rectas entre sí sobre un plano, según su posición, pueden ser las siguientes:
Paralelas. Son aquellas que por mucho que se prolonguen nunca llegan a cortarse.
Perpendiculares. Son las que se cortan y los ángulos que producen entre sí tienen 90°.
Oblicuas. Son aquellas líneas que se cortan y los ángulos que producen entre sí no son múltiplos
de 90°.
Semirrectas. Son cada una de las dos partes en que un punto divide a una recta,
es decir, una semirrecta tiene principio, pero no tiene fin. Donde se cruzan dos semirrectas se forma
un ángulo. Por un punto pueden pasar infinitas rectas y si se unen dos puntos de una recta se forma
sólo un segmento. El segmento tiene principio y fin.
IDENTIFICACIÓN Y APLICACIÓN DE LAS ARTES VISUALES
Se identifican y aplican lo siguiente:
Movimiento Plástico: Si entendemos que movimiento es la acción y efecto de mover o moverse y
que en Física se le estudia como el cambio de posición de un cuerpo con respecto a otro, podemos
concluir afirmando que dentro de las artes plásticas se le considera como el desplazamiento
armónico de líneas y figuras teniendo en cuenta
Velocidad y dirección.
La Velocidad: Se percibe como el desplazamiento de los elementos, en el Arte Visual este
desplazamiento es provocado por los diversos factores tensiónales dado que los elementos son
quietos; la tensión provoca la dinámica y la sugerencia del cambio.
La Dirección: Está determinada por el sentido de la secuencia en que un objeto, forma o color
siguen un orden dado, por la tensión de una línea o de una forma con respecto a su propia dinámica.
El Lenguaje Visual: El lenguaje visual como base de la creación artística obedece a reglas o
conceptos en los que se refieren a la organización visual, pero es necesario aclarar que tales
principios y reglas pertenecen más a la sensibilidad personal de quien utiliza este lenguaje.
Interpretación del Lenguaje Visual: Se puede interpretar de muchas formas a diferencia del lenguaje
hablado o escrito cuyas leyes gramaticales están establecidas, esto quiere decir que la interpretación
visual puede realizarse de varias maneras ya que sus leyes varían de acuerdo al gusto personal y la
sensibilidad de cada quien. Elementos Conceptuales: Son aquellos que no son visibles; no existen
de hecho sino que parecen estar presentes; por ejemplo las líneas paralelas, sobre una radiación de
líneas; dan la sensación que fueran líneas curvas, hay planos que envuelven un volumen, que
ocupan un espacio; estas líneas, volúmenes y espacios no están realmente allí y si lo están no son
conceptuales: El punto, la línea y el plano.
Elementos visuales: Cuando dibujamos un objeto en un papel, empleamos una línea conceptual (no
visible). La línea visible tiene largo y tiene ancho. Cuando los elementos conceptuales se hacen
visibles tienen forma medida y color.

6. a. Forma: Todo lo que pueda ser visto posee una forma.
b. Medida: Todas las formas tienen un tamaño.
c. Color: Una forma se diferencia de las demás por su color. El color se le entiende en un sentido
amplio; el espectro, los neutros (blancos, negros y grises).
d. Textura: Se refiere a la diversidad de superficies, estas pueden ser planas, rugosas y pueden ser
captadas tanto por la vista como por el tacto.
Movimiento Real: Si entendemos al movimiento como el desplazamiento armónico de líneas y
figuras teniendo en cuenta dirección y velocidad, diremos que el movimiento real esta determinado
por el desplazamiento de un objeto real; ejemplo: el movimiento que producen las olas, el
movimiento del hombre al comer o caminar, etc.
Movimiento Virtual: Es aquel que podemos representar a través de un gráfico, utilizando líneas,
formas, colores que son estimuladores visibles. La Forma: Se le considera como la apariencia
externa de una cosa, todos los elementos visuales constituyen lo que generalmente llamamos
"forma". Clases: positivas y negativas
Forma Positiva: Cuando es negra y ocupa un espacio sobre una superficie blanca.
Forma Negativa: Cuando es blanca y ocupa un lugar en una superficie negra.
Por lo general a la forma se le ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como
un espacio blanco rodeado de un espacio ocupado. En los dibujos en blanco y negro tendemos a
considerar al negro como ocupado y al blanco como vacío. Así una forma negra es reconocida
como positiva y una forma blanca como negativa.
La forma sea positiva o negativa es considerada por lo general como la figura que esta sobre un
fondo, ver ejemplo. Graficamos una forma que este dentro de un cuadrado la cual solo
representamos utilizando blanco y negro. De esta figura podemos obtener cuatro formas diferentes.
a) Forma blanca sobre fondo blanco
b) Forma blanca sobre fondo negro
c) Forma negra sobre fondo negro.
d) Forma negra sobre fondo blanco.
Si aumenta la complejidad del dibujo, aumenta asimismo las diferentes posibilidades de realizar
nuevas creaciones, debemos referir a nuestros estudiantes que utilizando el blanco y el negro de
nuestro dibujo podríamos obtener hasta dieciséis variedades distintas en vez de cuatro. Interrelación
de Formas.- Las formas pueden encontrarse entre sí de diferentes maneras. Dibujemos dos círculos
de la misma medida y realicemos las diferentes combinaciones entre sí y vamos a encontrar ocho
variaciones a saber:

7. 1. - Distanciamiento: Separamos los círculos.
2. - Toque: Juntamos los círculos (se toque uno al otro)
3. - Superposición: Superpones un círculo con el otro.
4. - Penetración: Ambas formas siguen siendo enteramente visibles.
5. - Unión: Ambas formas pierden una parte de su contorno cuando están unidas.
6. - Sustracción: La sustracción puede ser considerada como la superposición de una
Forma negativa sobre una positiva.
7. - Intersección: Sólo es visible la porción en que ambas formas se cruzan entre sí.
Como resultado de la intersección surge una forma más pequeña
8. - Coincidencia: Los dos círculos se convierten en uno.
La Forma como Plano
Es una superficie bidimensional, todas las formas lisas que comúnmente no sean reconocidas como
puntas o líneas, son planos. Una forma plana esta limitada por líneas conceptuales (que no son
visibles) constituyen los bordes de la forma. Las características de estas líneas conceptuales y sus
interrelaciones dan la forma plana, Las formas planas tienen una variedad de figuras que pueden ser
Geométrica: Son aquellas que para su representación gráfica se necesita el concurso de la
matemática.
Orgánicas: Son aquellas que para su representación gráfica se necesita el concurso de la
matemática.
Rectilíneas: Están limitadas por líneas rectas que no están relacionadas matemáticamente entre sí.
Manuscritas: Caligráficas o creadas a mano alzada.
Accidentales: Determinadas por el efecto de procesos o materiales especiales u obtenidos
accidentalmente.
Las formas planas pueden ser sugeridas por medio del dibujo.
Los puntos o líneas agrupados en forma
Densa y regular pueden sugerir así mismo formas planas. La distribución de las formas positivas y
negativas, pueden adoptar una serie de variaciones creativas que los estudiantes deberán poner en
práctica, Dentro de las técnicas tenemos los siguientes:

8. TÉCNICAS DE DIBUJO LINEAL VECTORIZADO EN DIFERENTES PROGRAMAS
(SOFWARE)
Descripción
COREL DRAW es una suite integral que facilita el desarrollo de una amplia variedad de diseños
profesionales para diferentes áreas. Por tradición es el programa líder en artes gráficas e
ilustraciones basadas en vectores.
En las versiones recientes CorelDRAW ha incluido una variedad de complementos orientados a
aplicaciones específicas.
Corel Photo Paint para tratamiento de imagen.
Corel Trace, Convierte imágenes a vectores.
Corel Capture, Captura pantallas de forma seccionada y/o completa.
Barcode Wizard, Asiste en la generación de Códigos de Barra.
Corel Rave, Desarrolla gráficos y animaciones interactivas para Web.
FontNav, Instala y desinstala fuentes sin recargar el sistema. Todo complementado con las
herramientas modernas para enlaces, publicación de impresos, páginas web y edición de
documentos electrónicos PDF.
Es así que este software será un aliado para empezar nuestro trabajo y desarrollaremos el siguiente
contenido:
Capitulo 1
Conceptos
1.1 Entorno/Interfaz
1.2 Activación de Barras
1.3 Paletas de Color
1.4 Ventanas Acoplables
1.5 Caja de Herramientas
1.6 Barra de Propiedades
1.7 Manipulación de Objetos
1.8 Acercamiento y Ubicación
1.9 Inicio-Pagina y
Adecuación
Capitulo 2
Formas Vectoriales
2.1 Formas Geométricas
2.2 Formas Básicas
2.3 Reubicar y renombrar
2.4 Contornos y rellenos
2.5 Relleno sólido o uniforme
2.6 Rellenos Degradados
2.7 Patrones de Relleno
2.8 Relleno de textura
2.9 Relleno Interactivo
Capitulo 3
Trazos Y Efectos
3.1 Herramienta mano alzada
3.2 Herramienta Bézier
3.3 Herramienta pluma
3.4 Trazo Artístico
3.5 Trazos Combinados
3.6 Mezclas y Siluetas interactivas
3.7 Combinación de objetos
3.8 Extrusión interactiva
3.9 Herramienta cuchillo
3.10 Borrado y Lentes
Capitulo 4
Imágenes y Textos
4.1 Mapas de bits
4.2 Power Clip

9. 4.3 Importación de Imágenes
4.4 Transformación de Imágenes
4.5 Efectos de Bitmaps
4.6 Adición de Textos
4.7 Perspectiva de textos
4.8 Textos sobre contornos
4.9 Sombreado d texto
4.10 Adaptación de texto
Capitulo 5
Publicación
5.1 Sombra y Transparencia
5.2 Separación de sombras
5.3 Edición de texto
5.4 Reubicación y cortes
5.5 Código de Barras
5.6 Publicación PDF y HTML
5.7 Conversión Texto en Curvas
5.8 Exportar diseños
5.9 Modificación de
Formatos
5.10 Impresión y Separación
de Colores
ADOBE PHOTOSHOP es un programa que ofrece diversidad de herramientas y funciones
mejoradas, que permiten realizar un trabajo íntegro y novedoso.
Photoshop está dirigido básicamente a Diseñadores Gráficos, Fotógrafos, Publicistas, Productores
de Video y Diseñadores Web, con el fin de agilizar el trabajo y ofrecer a la vez soluciones creativas
e innovadoras en la presentación de diversos proyectos.
Por esta razón Photoshop es una de las creaciones más completas que satisface las necesidades del
mercado del diseño y la comunicación.
Capitulo 1
Conceptos preliminares
1.1 Área de trabajo
1.2 Barra de Menús
1.3 Cuadro Herramientas
1.4 Área de Paletas
1.5 Creación de un nuevo archivo
1.6 Manejo de capas
1.7 Enlace de Capas
1.8 Capas de texto
1.9 Transformación de objetos
Capitulo 2
Herramientas básicas
2.1 Creación y manejo de arreglas y líneas
guía
2.2 Herramienta texto
2.3 Herramienta Mascara de Texto
2.4 Herramienta de Selección
2.5 Herramienta de Marco
2.6 Herramienta Lazo y Recortar
2.7 Herramienta Pluma como selección
2.8 Herramienta Varita Mágica
Capitulo 3
Colores, tonos y estilos
3.1 Configuración de Color
3.2 Herramientas de color
3.3 Herramienta Bote de Pintura
3.4 Herramienta Degradado
3.5 Herramienta Pincel
3.6 Herramienta Cuentagotas
3.7 Paleta de Estilos
Capitulo 4
Retoque de imagen
4.1 Pincel corrector y parche
4.2 Sustitución de color
4.3 Tampón de clonar
4.4 Tampón de motivo
4.5 Desenfocar, enfocar y dedo
4.6 Sobreexponer, subexponer y esponja
4.7 Niveles y curvas
4.8 Equilibrio de color
Capitulo 5

10. Estilos de capa y filtros
5.1 Generalidades de estilos de capa
5.2 Sombra paralela
5.3 Bisel y Relieve
5.4 Resplandor exterior, Bisel y relieve con
textura
5.5 Filtros, Galería de filtros
5.6 Filtro Licuar, Píxelizar, estilizar, ruido y
desenfocar
Capitulo 6
Plugins e Imageready
6.1 Módulos de Plugins
6.2 Convertir a Imageready
6.3 Guardar Imágenes
6.4 Guardar Imágenes para Internet
ADOBE FLASH
Descripción
Todo Diseñador Gráfico sabe que si busca iniciarse en el mundo del diseño web en base a su
experiencia; deberá de tener como aliado a Adobe Flash ya que esta herramienta le proporcionara
gran flexibilidad en el diseño y animación, además de tener su propio lenguaje. Ahondaremos en
este curso orientado a los Alumnos de las artes graficas, el cual contiene las nociones para sacar el
potencial que cada uno lleva escondido. este modulo consta de 5 capítulos, cada uno de ellos estan
correctamente estructurados y mantiene un avance gradual para un mejor aprendizaje.
Contenido de los Capítulos
Capitulo 1
Conceptos Modulo
1.1 Página de Inicio
1.2 Entorno / Interface
1.2 Preferencias de Documento
1.3 Escenas
1.4 Herramientas y Paneles
1.5 Creación / Formas Preestablecidas
1.6 Color, Trazo y Relleno
1.7 Modelos de Dibujo
1.8 Degradados y Transparencias
Capitulo 2
Interacción / Objetos
2.1 Transformar Duplicar
2.2 Línea de Tiempo
2.3 Interpolación de Movimiento
2.4 Interpolación de Forma
2.5 Animación
2.6 Símbolo Gráfico
2.7 Símbolo Botón
2.8 Símbolo Clip de Película
2.9 Conversión a Símbolos
Capitulo 3
Símbolos / Imágenes Modulo
3.1 Efectos y Filtros
3.2 Inclusión de imágenes
3.3 Líneas de Referencia
3.4 Estándares y Efectos
3.5 Tonalidad y Brillo
3.7 Conversión a Trazos
3.8 Secuencia de Imágenes
3.9 Movimiento Guía
3.10 Generación de Máscaras
3.11 Acciones Detener-Avanzar
Capitulo 4
Texto Sonido Y Video
4.1 Textos Estáticos
4.2 Filtros y Efectos de Texto
4.3 Separación de Elementos
4.4 Tipos de Texto y Variables
4.5 Botones de Texto
4.6 Incorporar de Sonidos
4.7 Scripts de Control
4.8 Importación y Control de Video
4.9 Conversión de video
4.10 Componentes de Video

11. Capitulo 5
Complementos
5.1 Componentes para Interface
5.2 Explorador de Película
5.3 Acciones
5.4 Presentaciones y Formularios
5.5 Cuestionarios e Interacciones
5.6 Exportación de Formatos
5.7 Exportación Multimedia
5.8 Publicación / Páginas Web
5.9 Aplicativos Adicionales
5.10 Sitios de Referencia
EL DIBUJO
El dibujo es un arte que tiene como objeto representar gráficamente formas e ideas. Puede
realizarse a mano alzada o por medio de instrumentos especializados, observando ciertas reglas o
normas.
El ser humano siempre ha tenido necesidad de representar todo lo que lo rodea encontrando en el
dibujo, el medio más ameno para realizar este deseo. Los primeros dibujos se remontan en el
paleolítico superior, hace 35.000 años, cuando el Homo sapiens representaba sobre las superficies
rocosas de las cuevas o sobre la piel de los abrigos, animales que cazaba. Un ejemplo de esta
manifestación artística lo encontramos en las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira, en
Cantabria (España).
Más tarde los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las construcciones más imponentes
de la historia; las pirámides. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado
substancialmente. Se había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al
equilibrio, minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios.
Ahora hacía falta detallar la figura de los dioses para agradecerle el esplendor de los egipcios.
DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata
de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo
humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de
representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular,
tienen tres.
También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio
arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de
sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo
diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El
dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se
convierte en un arte independiente.
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre
prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno
o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas

12. primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas
o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos
Mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o
con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una
capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la
figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con
el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los
El dibujo de los chicos va transitando diferentes etapas que pueden, en alguna medida, relacionarse
con la edad. Sí se puede decir que un nene de 7 años tiene que haber superado la etapa del garabato,
pero no hay que pensar que al otro día de cumplidos los 4 va a dejar el garabato para elaborar un
monigote, ya que se trata de una esquematización y la evolución de cada niño es diferente. El
proceso de dibujo no se aprende, es innato y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de
práctica proporciona al artista un estilo propio y personal. No obstante se tiene que conocer unas
leyes o principios básicos aptos para poder empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos
con un camino muy pedregoso.
Actitud
La primera cosa que nos pase, si intentamos dibujar a conciencia intentando crear una Obra
decente, sea esa impresión que no avanzamos. Los dibujos nos salen torcidos, mal proporcionados
o incluso, ese perfil tan simple a simple vista es impensable plasmarlo en nuestra hoja en esto
instantes. Esa actitud es lo primero a modificar.
No se debe pensar en lo mal que dibujamos o en la poca semejanza de nuestros dibujos;
simplemente trazar, de momento, imitando literalmente las formas que nuestros ojos vean. Para ello
se debe practicar un juego de visualización y trazo.
Visualización del trazo
Coge un objeto, sitúalo delante de ti. Mira uno segundos y realiza una línea imitando un trazo de ese
objeto. Vuelve a mirar el objeto y continua trazando, Sigue el procedimiento hasta terminar el
dibujo. Te darás cuenta que en ese periodo no has mal interpretado tus trazos. Simplemente has ido
reproduciendo tal cual veías. Esta es la idea de asimilar.
Inclinación
A la hora de dibujar, como se ha dicho hasta ahora, se ha de tener un visión generalizada de lo que
estamos creando; la inclinación de la mesa ayuda a ello, a demás de proporcionar la libertad del
movimiento del brazo necesaria.
Si dibujamos sobre una superficie completamente horizontal el brazo ha de realizar un esfuerzo
complementario. Cuando se extiende hacia la parte superior del papel al brazo ha de estirarse
forzosamente, igualmente ocurre cuando nos acercamos el brazo hacia nosotros, que ha de
replegarse. Al inclinar alejamos la zona próxima a nosotros y acercamos la alejada, consiguiendo
así un "equilibrio" favorable.

13. Esta inclinación también viene marcada por el tamaño de la figura: mayor tamaño-mayor
inclinación, menor tamaño-menor inclinación.
Superficie
El razonamiento es el causante del desprendimiento de partículas de gráfico (o el material con el
que estamos trabajando) sobre el papel, por eso la zona de contacto entre estos dos elementos ha de
presentarse siempre constante. Así evitaremos que nuestro trazo salga irregular y tosco.
Si dibujamos sobre superficies rugosas obtendremos texturas no deseadas; aunque a veces se utilice
intencionadamente como técnica de dibujo. Lo ideal son superficies lisas y duras para evitar el
hundimiento de la mina sobre dicha superficie. Si nuestro lugar de trabajo no cumple dichos
requisitos podemos servirnos de un tablero adicional de tamaño superior a la hoja que utilicemos
para dibujar, para poder albergar toda su extensión
ETAPAS DEL DIBUJO
Aclarado esto, podemos recorrer las etapas del dibujo infantil:
1. La etapa del garabateo: Desde que agarran por primera vez un lápiz –alrededor de los 2 años-
hasta los 4 años, aproximadamente, los niños atraviesan tres momentos diferentes. Primero dibujan
garabatos desordenados, una especie de rayones en la hoja sobre el que no tienen más control que el
que les permite empezar y terminar, y que por eso mismo muchas veces sigue en la mesa sobre la
que está apoyado el papel. Más tarde logran controlar un poco más los movimientos y pueden
detenerse para llevar el trazo hacia donde desean durante la realización de sus garabatos. Por
último, el garabato con nombre aparece cuando el niño comienza a atribuirle un significado a lo
que dibujó y entonces dice que hizo “un perro”, “un auto” o “a mamá”, a pesar de que nada de esto
sea reconocible en el dibujo.
2. La etapa pre-esquemática: Se da aproximadamente entre los 4 y los 7 años y se caracteriza por la
búsqueda consciente de una forma en el momento de dibujar. Es durante esta etapa cuando se
produce el momento mágico en el que mamá o papá van a reconocer en los trazos del niño el objeto
que él dice haber representado. Lo más común es que este primer dibujo sea el de la figura humana,
que inicialmente suele representarse con un círculo y dos líneas que salen verticalmente de él y que
el niño nombra como “las piernas”, “los brazos” o “las manos”. Estos “cabeza-pies” o “renacuajos”
aparecen entre los 4 y los 5 años y se van complejizando con el agregado de otras dos líneas a modo
de brazos, con un redondel entre las piernas a modo de abdomen y, más tarde, el cuerpo.
3. La etapa esquemática: Va de los 7 a los 9 años y las formas se hacen mucho más definidas. Ya a
los 7 años es esperable que logren representar la figura humana con detalles claramente
identificables por un adulto, sin embargo la representación de la figura humana es muy personal y
puede considerarse como un reflejo del desarrollo del individuo. En esta etapa el niño puede
considerar las relaciones entre los objetos y ya no trabaja sólo con dibujos de objetos aislados unos
de otros: esto se evidencia con la aparición de la línea que representa el suelo y que proporciona una
base al resto de los dibujos. Más tarde aparecerá “el cielo”. Es común en esta etapa que dibujen con

14. Transparencias y, como si estuvieran sacando una radiografía, los muebles de una casa pueden
verse a través de la pared.
4. La etapa del realismo: Entre los 9 y los 12 años los chicos buscan que sus dibujos sean más fieles
a la realidad y grafican objetos, paisajes y también sensaciones, buscando ya la tercera dimensión y
tomando en cuenta la superposición. Muchas veces la atención a los detalles del dibujo va en
detrimento de la acción y las representaciones resultan estáticas. La línea de base va desapareciendo
porque se empieza a concebir al suelo como un plano y lo que era la línea de cielo pasa
gradualmente a ser la línea de horizonte.
Teoría del color
El color es algo abstracto que denota sentimientos o emociones Para aplicarlo con criterio
primeramente viene una base teórica que hay que aprender. Para estudiarlos se tiene el círculo
cromático; donde se ordenan colores primarios, secundarios y mezclas de estos.
Los colores primarios son aquellos que no se obtienen por la mezcla de ningún otro color; sin
embargo a partir de la mezcla de estos se obtienen otros colores. Son ejemplo: el azul, el amarillo y
el magenta o rojo.
Los colores secundarios vienen formados gracias a la mezcla de la misma cantidad de dos
primarios. El verde (mezcla de amarillo y azul), naranja (mezcla de amarillo y magenta) y el violeta
(mezcla de azul y magenta) son colores secundarios.
Los colores terciarios se obtienen de la mezcla de un primario con su secundario más cercano.
Como se intuye variando la cantidad de mezcla de primarios con secundarios obtenemos una amplia
gama de colores que se irán formando paulatinamente como una transición continua de colores.
Existe una nomenclatura de la relación entre posiciones de colores en el círculo cromático. Mientras
que los colores cercanos se llaman armónicos o relativos. Los colores opuestos en el círculo
cromático reciben el nombre de complementarios.
Otro aspecto importante en la teoría del color son los valores tonales ideales para crear atmósferas
y sensaciones de profundidad o espacio. El tono refleja brillantez u oscuridad creando así una
sensación de dimensión en una superficie completamente plana como puede ser un lienzo. Contra
posicionando colores (o mezclando diferentes tonalidades) obtendremos temas más vivos y
rítmicos.
EL BOCETO
Dibujo hecho de forma esquemática y sin preocuparse de los detalles o terminaciones para
representar una idea, un lugar, una persona, un aparato o cualquier cosa en general.
Borrador o bosquejo que se dibuja antes de acometer la realización de cualquier obra artística.
Borrón o apunte que hace el artista antes de empezar una obra, se utiliza también en publicidad para
dar la primera idea de lo que puede ser un spot publicitario

15. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS.
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre
prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno
o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas
primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas
o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos
mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o
con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una
capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la
figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con
el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los elementos.
INSTRUCCIONES DE DIBUJO
Importancia de las artes visuales en la educación La necesidad de impartir una asignatura
primordialmente formativa de índole artístico, coadyuva a la autoformación del educando ya que los
objetivos de la materia proporcionan al estudiante la posibilidad de desarrollar sus capacidades de:
Observación, análisis, síntesis, interrelación, deducción, reflexión y abstracción, siendo la base para
que el educando reciba armónicamente los conocimientos teórico-prácticos, acentuando así su
carácter formativo del curso.
El conocimiento y la comprensión del arte, concientiza y sensibiliza al educando en la importancia
del arte y lo hace apreciar la herencia cultural que nos ha legado el hombre, de esta manera lo
induce a preservar su entorno. El Arte, es el resultado de lo que afecta al ser humano, y es por
medio de la obra realizada que se ha podido estudiar su evolución.
Las Artes Visuales fueron unas de las primeras manifestaciones que tuvo el hombre para
comunicarse. El lenguaje hablado cubrió necesidades elementales, pero la comunicación simbólica
y creativa fue más allá de lo elemental. Una creación artística es una manifestación emotiva y
racional que permite dicha comunicación.
El observar el arte a través del tiempo, nos brinda la oportunidad de estudiar la evolución del
hombre, el manejarla nos da la capacidad de concretar ideas, proporcionándonos el medio para
desarrollar la posibilidad de comunicarnos de una manera más amplia con los demás.
Se ha demostrado científicamente que el estudio de las artes, desde edad temprana, cultiva en el ser
humano una sensibilidad que lo lleva ha desarrollar una ética muy sólida en su vida adulta.
No se exagera cuando se afirma que si dentro de los planes de estudios, desde el preescolar hasta la
universidad, se incorporan materias relacionadas a las artes, formaremos personas con una
sensibilidad que les permita elevar el espíritu, así como conocer su yo interno, con un amplio
criterio.

16. No olvidemos que las artes están vinculadas íntimamente a los sentidos y que estos nos nutren para
una vida plena, es decir disfrutar de la existencia.
Una pintura, un edificio, un parque, una fotografía nos dan referencia de nuestro sentir y ser,
además nos llevan a comprender a nuestros antepasados, son fiel testimonio de nuestra historia, ya
que sin ésta no nos podríamos reconocer, quienes somos, ni para donde vamos. Sin las artes
visuales no tendríamos identidad, ni reconoceríamos el lugar donde nacimos sin el referente visual.
Es muy importante aclarar que no se debe pretender hacer artistas a todos alumnos y alumnas, unos
serán ejecutadores y otros ejecutantes, por ejemplo los coleccionistas de arte no saben pintar pero si
aprecian y conocen de arte, también podemos decir que no es necesario escribir un libro para gozar
del placer de la lectura.
Refiriéndonos más al ámbito educativo, es importante mencionar que las artes visuales pretenden
que los alumnos y alumnas amplíen su visión de la realidad, la aprecien y la expresen de un modo
libre y original, estimulando una actitud perspectiva cada vez más sensible frente a ciertos
elementos y características del medio natural y cultural en que los alumnos y alumnas viven,
manifestándose en expresiones espontáneas del mundo propio, en las que se reflejan sus
sentimientos, ideas, emociones y fantasías. Por lo mismo, es necesario evitar que los niños y niñas
copien modelos predeterminados, si no tratar de estimular su creatividad, y desarrollar la valoración
y reconocimiento de la diversidad como una condición propia de los seres humanos.
Es muy importante destacar que cuando hablamos de las artes visuales, nos referimos a una
capacidad tan personal y subjetiva que ésta puede ser interpretada desde diferentes puntos de
vista. Sin embargo, podemos resumirla como aquella capacidad que nos permite enfrentarnos
a los desafíos de la vida.
Como conclusión podemos decir que las Artes Visuales es una capacidad tan importante a lo largo
de nuestra vida, que se convierten en un deber de la educación estimular y favorecer su
desarrollo.
Bibliografía
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Educativas. Educación Artística. Aportes para la Capacitación Ns 4, Buenos Aires,
Ediciones Novedades Educativas