Este documento resume la evolución del teatro de Valle Inclán desde el modernismo hasta la creación del esperpento, así como los principales ciclos y características de su obra teatral. También resume la estética y las principales obras de Lorca, centrándose en sus tragedias, y analiza los diferentes movimientos del teatro español de posguerra hasta el teatro experimental.

1. EL TEATRO DE VALLE INCLÁN Y LA ESTÉTICA ESPERPÉNTICA .
Ramón Maria del Valle Inclán nació en 1866 y murió en1936.
Su obra (1866-1936) evoluciona desde un modernismo nostálgico y lírico a un tipo
de literatura, llamada esperpento basada en la visión aparentemente deformada de
la realidad y del lenguaje, a través de la cual ofrece una crítica demoledora de la
realidad. Es decir, en toda su obra hay un proceso de esperpentización que lo aleja
de lo meramente estético e idealizado hacia lo comprometido. Para clasificar su
teatro se puede hablar de varios ciclos.
Ciclo decadentista: El carácter antiburgués le lleva a exaltar los valores de la
sociedad rural arcaizante de la que provenía. Etapa basada en la estética
modernista que lo aleja totalmente del teatro poético español. Las obras más
conocidas son El Yermo de las almas y El Marqués de Bradomin.
Ciclo del primitivismo: Mitifica una sociedad supersticiosa, violenta y cruel,
desgarrada por oscuras pasiones. Se suelen encuadrar en este ciclo la trilogía
Comedias bárbaras(Águila de Blasón , Romance de Lobos y Cara de Plata).Las
acotaciones de las obras cobran una importancia inusual y el espacio y el tiempo
son más propios de la novela que del teatro.
También se incluye Divinas palabras (1920) con aparición de personajes y
ambientes degradados. Se muestra el mundo de la miseria y la marginación.
Ciclo del distanciamiento irónico y artificioso (las farsas): Lo forman La marquesa
Rosalinda, Farsa infantil de la cabeza del dragón, Farsa italiana de la enamorada del
rey y Farsa y licencia de la reina castiza. Las tres últimas fueron publicadas juntas
con el título de Tablado de marionetas para educación de príncipes. Se desmitifica el
modernismo así como sus valores . Estas obras presentan un continuo contraste
entre lo sentimental y lo grotesco, y sus personajes, marionetas de feria, anuncian la
llegada del esperpento.
Ciclo del esperpento: Formado por: Luces de Bohemia . Los cuernos de don
Friolera, Las Galas del difunto y La hija del capitán; estas tres últimas publicas juntas
bajo el título de Martes de Carnaval.
La estética del esperpento, definido en Luces de bohemia en el conocido episodio de
los espejos deformantes del Callejón del Gato de Madrid, es utilizada para centrarse
en su momento histórico y criticarlo. La base de la esperpentización es la
deformación sistemática de la realidad, que se muestra en profundidad, pero en los
aspectos más grotescos y brutales. Se da así una visión cómica y macabra. Los
personajes se deshumanizan, se animalizan o cosifican, se convierten en fantoches,
en caricaturas de si mismos, de los que el público se distancia.. Lo trágico pasa a
ser grotesco. Se mezcla la tradición literaria con técnicas cinematográficas, y con
todos los registros lingüísticos, desde lo más preciosista a lo más arrabalero.
Valle es una de las figuras más importantes del teatro español. Crea un teatro con
muchos escenarios. Maneja el lenguaje de forma magistral, mezcla los géneros
novelescos y teatrales y se relaciona con tendencias propias del teatro europeo,
como el expresionismo.

2. EL TEATRO DE FEDERICO GARCÍA LORCA: LAS TRAGEDIAS
Se centra en buscar un lenguaje que devuelva al teatro su esencia poética y su
dimensión trágica, alejado del prosaismo y del costumbrismo burgués. Revitaliza
géneros tradicionales, como la tragedia y la farsa, y lo combina con la escritura de
obras de vanguardia.
Lorca defiende la importancia social del teatro. Creará "la Barraca".
Rasgos generales de su teatro son un tratamiento poético de la realidad, la mezcla
de lenguaje popular y de imágenes atrevidas de inspiración surrealista. Temas, el
amor y el deseo sexual que desembocan en la frustración y la muerte.
3 grupos de obras: el drama histórico y las farsas, las comedias "imposibles" y las
tragedias.
Primera etapa Comienza su producción dramática con El maleficio de la mariposa,
algunas piezas breves o el guiñolesco Títeres de cachiporra (El retablillo de don
Cristóbal pero su primer éxito llega con Mariana Pineda, drama histórico en verso
donde Mariana, la heroína, muere ajusticiada en Granada por bordar una bandera
liberal.
En las farsas, encuentra a la vez lo cómico y lo poético. Se aleja del realismo,
deforma los personajes , una pequeña obra maestra es La zapatera prodigiosa, que
trata la insatisfacción amorosa y El amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín.
Una segunda etapa de influencia vanguardista donde sufre una doble crisis por su
homosexualidad y por las críticas de sus amigos Dalí y Buñuel lo que da lugar a las
comedia imposibles donde se adentra en el subconsciente de los personajes como
El público, Así que pasen cinco años y Comedia sin títuio.
En la tercera y última etapa. Son los años de La Barraca, compañía de teatro
universitario que lleva por los pueblos el teatro clásico español. A esta etapa
corresponden sus tragedias, de ambiente rural. Se equilibran el lenguaje poético y la
acción dramática, los asuntos se toman de la realidad, muchos de los personajes
tienen una dimensión mítica y simbólica, se centran en un desarrollo de la
personalidad y los problemas de personajes siempre femeninos. Hay pocos
personajes principales, que son mujeres. Los temas son la tensión entre el amor y
las determinaciones culturales, la frustración vital de las mujeres. Las fuerzas
naturales imponen un destino trágico. Amor y Muerte.
Bodas de sangre, se inspira en un suceso real. Desarrolla la tragedia de una pasión
irrefrenable, donde se desatan el amor, el odio y la muerte.
Yerma es el drama de una mujer rural que se enfrenta al problema de la esterilidad.
La casa de Bernarda Alba
Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores, es un drama urbano trata de
señoritas de provincias condenadas a esperar inútilmente el amor en un medio
burgués mediocre que ahoga sus deseos de felicidad

3. Teatro de posguerra, de la evasión al testimonio social: Mihura y Sastre
Ante esta situación la Guerra Civil la primera corriente de posguerra es el teatro
comercial, se dirige a un público a la clase media, trata conflictos cotidianos y
personales, y olvida la problemática social. Destaca la comedia burguesa, cuyo
mejor exponente es un Benavente es un teatro bien construido, de intriga y
numerosos recursos para interesar o conmover. Otros autores de este tipo son Luca
de Tena, Torrado, Calvo Sotelo.Existe también un teatro de propaganda cuyo
representante más destacado es J. Mª Pemán.
Mayor interés tiene el teatro de humor se alejan del realismo y predomina lo
inverosímil , la fantasia, lo insólito y lo absurdo. La complejidad de la puesta en
escena, la riqueza de incidentes, la multiplicación de tramas paralelas, el uso del
tema amoroso para plantear situaciones insólitas... son características de este
teatro. Sin embargo, ese humor inverosímil no tuvo tanto éxito de público, y tuvieron
que evolucionar hacia un humor más convencional.
Representantes más importantes son Jardiel y Miguel Mihura.
Miguel Mihura Fue articulista y dibujante, guionista, fundó la revista (La Codorniz).
Su obra más importante es Tres sombreros de copa, supone una ruptura con el
teatro cómico anterior y vemos hallazgos del teatro del absurdo con asociaciones
disparatadas, comportamientos ilógicos etc.... los empresarios que se niegan a
representarla, el autor decide cambiar de rumbo hacia un teatro convencional.
Desde finales de los 40 (con Historia de una escalera de Buero Vallejo en 1949)
comienza a surgir una corriente teatral de testimonio social, 1955. El público juvenil y
universitario se une al burgués, la censura se relaja y aparece el teatro realista un
teatro de denuncia y protesta, sobre situaciones injustas en la España de la época.
Sus características son la aparición de personajes populares, humildes, marginados,
obreros, etc., y argumentos basados en la realidad el paro, la emigración, la lucha
por la vida, etc.
Las obras se inscriben en el realismo, pero con rasgos esperpénticos. La estructura
teatral se separa por partes y cuadros, y se enriquecen las acotaciones. El lenguaje
se adecúa a los personajes mediante los registros lingüísticos. Los juegos de luz y
oscuridad, los efectos especiales separan las obras. Se profundiza en el carácter de
los personajes.
Los autores más importantes son Antonio Buero Vallejo apuesta por un teatro difícil
pero no temerario para que pueda llegar al público y Alfonso Sastre por uno sin
censura.
Alfonso Sastre, será el principal teorizador del teatro de protesta y denuncia, es
decir, un teatro inconformista. El drama más conocido es Escuadra hacia la muerte
la cual fue prohibida su representación. También destaca La Taberna fantástica. Con
ellas proponia transformar el teatro y convertirlo en un arma de denuncia y crítica a
la sociedad. Su teatro se caracteriza por un compromiso político, social y la denuncia
de la dictadura.

4. EL TEATRO EXPERIMENTAL: ARRABAL Y NIEVA
Como en la novela y la poesía se cuestiona la situación del país, (la realidad
contemporánea, la pobreza) y la estética vigente, el realismo. Autores y compañías
utilizarán la alegoría para sus denuncias.
Características:1 el texto literario ya no es la base del teatro,2 el teatro se considera
como espectáculo o fiesta, 3 mayor importancia a la escenografía y las técnicas
visuales, la acción casi se destruye.4 Los personajes funcionan como signos o
símbolos.5 La obra es una creación colectiva, en la que puede incluirse al público de
manera activa es un teatro abierto. 6 Tiene influencia del teatro de vanguardia
extranjero ( Artaud, Brecht etc... Es un teatro difícil y minoritario.
Destacan dos autores:
Fernando Arrabal Crea su llamado Teatro Pánico, escrito y estrenado en París
basado en teatros radicales anteriores, en teatro de la crueldad, del absurdo,
surrealismo. Sobresale una actitud de rebeldia ante la sinrazón del mundo. Mezcla
elementos esperpénticos, surrealistas, poéticos, para crear un continuo efecto de
sorpresa. Su objetivo es provocar, criticar a la España negra, al conservadurismo y
exaltar la libertad. Un pesimismo existencial planea sobre todas sus obras, que se
centran en la incomunicación humana, la soledad y el exilio.
Las obras más importantes son Pic-nic, Los hombres del triciclo o El cementerio de
automóviles.
Francisco Nieva el más importante de los dramaturgos experimentales españoles de
la segunda mitad de siglo. En su obra se encuentra lo superrealista, fantástico,
onírico e imaginativo. Es un teatro antirrealista, en el que cobran gran importancia
los elementos escénicos (el vestuario, el maquillaje, las luces, los sonidos)
Él mismo divide su obra en:
Teatro realista con Sombra y quimera de Larra.
Teatro de farsa v calamidad. Obras de corte más tradicional, con muchos elementos
literarios, y de lo irracional, imaginativo lo misterioso, lo romántico. Maldita serán
coronada y sus hijas es una crítica a la España de posguerra, a la hipocresía y la
mentira. ran Coronado
Teatro furioso: Dramas cercanos al esperpento, con un lenguaje barroco. Los
personajes no son individuos, sino prototipos. Las obras son ceremonias, fiestas. No
hay verosimilitud, no hay una acción continuada, sino escenas sueltas de aire
carnavalesco. Transmite todo tipo de elementos no convencionales: lo marginal, lo
heterodoxo, lo erótico, lo prohibido.
Obras: La carroza de plomo candente y Coronada y el toro.

5. CLAVES ESTÉTICAS DEL TEATRO DE BUERO VALLEJO: EL SIMBOLISMO Y LA
EXPERIMENTACIÓN DRAMÁTICA
El simbolismo nace de un realismo descriptivo en el que la acción se carga de
significados simbólicos con los que el autor quiere enriquecer el texto, y potenciar el
mensaje esquivando la mirada del censor.
El símbolo exige la atención del espectador, que debe buscar más allá de lo que ven
sus ojos para llegar a la comprensión absoluta del texto.
El simbolismo se encuentra presente tanto en los temas, como en los personajes o
en los recursos escénicos. Los espacios escénicos también tienen este papel de
símbolos: como la escalera (simbolo del inmovilismo) de Historia de una escalera, el
semisótano o el propio tragaluz, en El tragaluz o la celda/habitación de La fundación,
la terraza de Hoy es fiesta, En estos espacios aparecen sonidos, como el pitido del
tren en El Tragaluz, o el sonido del corazón en El sueño de la razón, pero también
objetos, como la leche derramada en Historia de una escalera, o los cuadros de
Velázquez, en Las Meninas, incluso animales, como el ratoncito de La Fundación.
Los personajes son también simbólicos, separados en activos y contemplativos. Su
papel simbólico lo tienen el sueño, la alucinación y la locura, pero también sus taras
físicas (ciegos, sordos) que no solo expresan las limitaciones humanas en general,
sino la tragedia de la soledad del individuo. Destaca la ceguera, rasgo común de En
la ardiente oscuridad y El concierto de San Ovidio; la oposición luz/oscuridad es
fundamental en todas sus obras, la luz simboliza la verdad, la justicia y la liberación
del individuo. El hombre no es libre porque no puede conocer el misterio que lo
rodea.
Buero Vallejo evoluciona en su técnica dramática, para hacer al espectador partícipe
de estas tensiones. Va dejando de lado un realismo inicial, lo que los críticos han
llamado una técnica cerrada para pasar a una concepción más vanguardista y
personal, con una técnica abierta:
Los escenarios se vuelven múltiples, y se muestran de forma paralela las acciones
de los personajes con el empleo de la luz, la oscuridad, los efectos sonoros, que
forman los denominados procedimientos de inmersión, que permiten al espectador
entrar en la conciencia y los pensamientos de los personajes. En La Fundación
vemos la escena a través de los ojos de un personaje enfermo, y recuperamos la
conciencia con él; en ese proceso el escenario cambia de una habitación en una
fundación, a una celda en la cárcel, en El Tragaluz, es el paso del tren el que actúa
como elemento de inmersión, vivimos la sordera de Goya en El sueño de la razón.
Separa cuadros y enriquece las acotaciones, muy detalladas. La acción se vuelve
más compleja, incluso con rupturas en el desarrollo temporal (elipsis, saltos atrás en
el tiempo, etc.)
Introduce las técnicas del monólogo y del coro. Esa mezcla entre tradición y la
experimentación, la renovación sin ruptura con las técnicas anteriores es la clave de
su éxito.