El documento describe los elementos básicos de la estructura en un video documental, incluyendo tomas, escenas, secuencias y actos. Explica que la estructura es fundamental para guiar la historia de manera coherente y mantener el interés del público. Además, define términos como punto de ataque, historia de fondo y estructura de tres actos que son útiles para entender cómo se construye la narrativa en un documental.
1) A narrativa clássica de cinema segue princípios como causalidade, personagens com metas e motivações claras, e estrutura em quatro atos.
2) Ela busca guiar o espectador de forma clara e coerente através de técnicas como montagem e enquadramento.
3) Embora alguns filmes sejam mais complexos, a maioria dos filmes hollywoodianos ainda segue os princípios básicos da narrativa clássica.
1. El documento discute tres enfoques para estudiar el lenguaje cinematográfico: analítico, dialéctico y especulativo. 2. Señala que el enfoque estructural del cine se ubica en el analítico, el cual estudia las relaciones sintácticas entre elementos para construir significado. 3. Describe los principales elementos del lenguaje cinematográfico como ángulo de cámara, escala de planos, iluminación, y cómo transmiten significados.
Este documento describe diferentes tipos de estructuras y formas narrativas en el cine. Entre las estructuras se encuentran la progresiva o aristotélica (inicio, nudo y desenlace), la episódica que cuenta historias desde diferentes puntos de vista a través de flashbacks o flashforwards, y la fragmentaria o impresionista que narra de forma secuencial. Las formas narrativas incluyen la descripción, elipsis, metonimia, metáfora, comparación, reiteración y sinestesia. Además, las macro-estructuras pued
Film Language: Editing explanation examples and worksheets. Ian Moreno-Melgar
A long and detailed look at what editing is in Film and how it helps to not only present a story to the audience but how it functions on a technical level. The presentation is broadly split into two areas: Pace and Transitions. Each section contains a definition, a range of examples (many of which are gifs and videos which obviously won't play on here) and some activities for students to engage with.
O documento discute técnicas de montagem cinematográfica como transições entre cenas, raccords para ligar planos de forma a manter a continuidade narrativa e visual, e exemplos históricos de uso de plano/contraplano, montagem alternada e montagem construtiva/analítica. Também aborda como a televisão e mudanças de contexto influenciaram a evolução da montagem no cinema contemporâneo para planos mais próximos e ritmo mais acelerado.
The document discusses analyzing film shots through mise-en-scene and visual signifiers. It defines mise-en-scene as everything visible in a scene and explains that it provides context about characters, genre, time and location. Visual signifiers are specific mise-en-scene elements that convey meaning. Analyzing shots involves identifying how costume, props, lighting, location and body language are used and what they reveal about the film, characters and story.
The document discusses various concepts related to analyzing the form and structure of films and how they create meaning, including:
1) It examines different types of conflicts that can be presented in films such as man vs man, man vs society, etc. and how they focus audience attention.
2) It outlines several themes commonly explored in films such as morality, human nature, social problems, human dignity, and complexity of relationships.
3) It describes different types of meaning that can be conveyed in films such as emotional, referential, explicit, and implicit meanings.
This document discusses conventions of documentary and single camera production. It defines a documentary as a recording of actual events based on people's perspectives or facts. Key conventions include using actual footage, voiceovers, interviews, and text inserts. It also discusses narrative structures like linear, non-linear, and open/closed endings. For single camera production, it notes that one camera is used at a time, allowing flexibility in shots and lighting but requiring more editing. Technical aspects like camerawork, lighting, sound, and scripting are also covered.
1) A narrativa clássica de cinema segue princípios como causalidade, personagens com metas e motivações claras, e estrutura em quatro atos.
2) Ela busca guiar o espectador de forma clara e coerente através de técnicas como montagem e enquadramento.
3) Embora alguns filmes sejam mais complexos, a maioria dos filmes hollywoodianos ainda segue os princípios básicos da narrativa clássica.
1. El documento discute tres enfoques para estudiar el lenguaje cinematográfico: analítico, dialéctico y especulativo. 2. Señala que el enfoque estructural del cine se ubica en el analítico, el cual estudia las relaciones sintácticas entre elementos para construir significado. 3. Describe los principales elementos del lenguaje cinematográfico como ángulo de cámara, escala de planos, iluminación, y cómo transmiten significados.
Este documento describe diferentes tipos de estructuras y formas narrativas en el cine. Entre las estructuras se encuentran la progresiva o aristotélica (inicio, nudo y desenlace), la episódica que cuenta historias desde diferentes puntos de vista a través de flashbacks o flashforwards, y la fragmentaria o impresionista que narra de forma secuencial. Las formas narrativas incluyen la descripción, elipsis, metonimia, metáfora, comparación, reiteración y sinestesia. Además, las macro-estructuras pued
Film Language: Editing explanation examples and worksheets. Ian Moreno-Melgar
A long and detailed look at what editing is in Film and how it helps to not only present a story to the audience but how it functions on a technical level. The presentation is broadly split into two areas: Pace and Transitions. Each section contains a definition, a range of examples (many of which are gifs and videos which obviously won't play on here) and some activities for students to engage with.
O documento discute técnicas de montagem cinematográfica como transições entre cenas, raccords para ligar planos de forma a manter a continuidade narrativa e visual, e exemplos históricos de uso de plano/contraplano, montagem alternada e montagem construtiva/analítica. Também aborda como a televisão e mudanças de contexto influenciaram a evolução da montagem no cinema contemporâneo para planos mais próximos e ritmo mais acelerado.
The document discusses analyzing film shots through mise-en-scene and visual signifiers. It defines mise-en-scene as everything visible in a scene and explains that it provides context about characters, genre, time and location. Visual signifiers are specific mise-en-scene elements that convey meaning. Analyzing shots involves identifying how costume, props, lighting, location and body language are used and what they reveal about the film, characters and story.
The document discusses various concepts related to analyzing the form and structure of films and how they create meaning, including:
1) It examines different types of conflicts that can be presented in films such as man vs man, man vs society, etc. and how they focus audience attention.
2) It outlines several themes commonly explored in films such as morality, human nature, social problems, human dignity, and complexity of relationships.
3) It describes different types of meaning that can be conveyed in films such as emotional, referential, explicit, and implicit meanings.
This document discusses conventions of documentary and single camera production. It defines a documentary as a recording of actual events based on people's perspectives or facts. Key conventions include using actual footage, voiceovers, interviews, and text inserts. It also discusses narrative structures like linear, non-linear, and open/closed endings. For single camera production, it notes that one camera is used at a time, allowing flexibility in shots and lighting but requiring more editing. Technical aspects like camerawork, lighting, sound, and scripting are also covered.
El documento describe las diferentes formas en que se puede representar el tiempo en el cine, incluyendo de forma lineal, abreviada, avanzando o retrocediendo en el tiempo, así como las clasificaciones de tiempo real, fílmico y de filmación. También explica conceptos como adecuación, distensión, condensación y elipsis, la cual puede ser inherente, expresiva, estructural u de contenido.
Narrative structure in film refers to how films tell stories through a sequence of events. Films use narrative form to structure stories, with a beginning, middle, and end. Key elements of narrative structure include an exposition, rising action, climax, falling action, and resolution. Character development and conflicts between characters, nature, society, or other forces drive the narrative forward. Filmmakers select and order events to craft a plot that tells a version of the complete story in a concise time frame.
Single camera productions (SCP) use only one camera to film scenes for a sense of realism. This allows for cheaper budgets since fewer crew are needed. SCP directors have more freedom in camera placement. Scenes are filmed multiple times from different angles. Lighting and audio equipment are also simpler for SCP than multi-camera productions. TV genres like crime dramas and horror often use SCP for their realistic feel, while genres like period dramas and sitcoms may use multi-camera to capture atmosphere or allow for audience laughter. Formats include series with ongoing narratives, serials that explore many stories, and single dramas that are self-contained episodes.
Orson Welles was a renowned actor, director, writer and producer best known for his 1941 film Citizen Kane. At age 23, Welles caused a panic with his realistic radio dramatization of The War of the Worlds. He was later offered complete artistic control by RKO to make Citizen Kane, his first film. Citizen Kane was groundbreaking for its technical innovations including lighting, camerawork and storytelling techniques. Though it is now considered one of the greatest films ever made, it was a financial failure upon release due to controversy surrounding its unfavorable portrayal of newspaper magnate William Randolph Hearst, on whom the main character was loosely based.
Documentaries come in many forms and use various techniques and conventions to represent reality. They can be either for television or film. Television documentaries typically have shorter runtimes and may be divided into episodes, while film documentaries can be longer and divided into parts. Various styles include observational, investigative, personality and historical documentaries. Filmmaking techniques like reconstruction, archival footage, and voiceovers help documentaries effectively convey information to viewers.
The document discusses the repertoire of elements, which are key elements that are consistently repeated throughout film genres to define them. It identifies seven categories of elements: iconography, props, style, settings, narrative, characters, and themes. As an example using the horror genre, it lists common iconography, props, styles, settings, narratives, characters, and themes found in horror films.
The document discusses various editing techniques that can be used to manipulate the tempo or pace of a film. It explains that shorter shot lengths have become more common in recent films compared to older films, speeding up the overall pace. Different shot types like long shots or quick cuts can also influence tempo, as can techniques like shot transitions, timing of cuts, flashbacks/flashforwards, shot reverse shot, eye line matching, and continuity editing. Soviet montage theory emphasized using rapid, symbolic cuts between images to convey meaning.
Documentaries can take various forms and serve different purposes. They aim to both document information to inform audiences as well as entertain them. There are six main types of documentaries: docudrama, which reenacts real events; fly on the wall, which observes without participants' awareness; mixed, combining elements like interviews; fully narrated, using voiceover; docusoap, following people's lives; and self-reflexive, acknowledging the filmmaking process. Examples are provided for each type.
A study/revision guide that introduces film students to (or reminds them of) mise-en-scene. 33 pages of activities, commentary, analysis and screenshots, all designed by an experienced film studies teacher and senior examiner.
This guide, which is perfect as a unit of work, homework booklet or as a revision guide, can be purchased for just £2.50 at: https://www.tes.com/teaching-resource/-12009989 and can then be easily printed and handed out to students.
The document discusses single camera techniques versus multi-camera techniques. It provides details on:
- Single camera production uses one camera to film each shot from different angles, while multi-camera uses multiple cameras simultaneously.
- Single camera is used for dramas, documentaries and comedies as it allows more creative control, while multi-camera is used for live productions like news shows.
- A scene from the film Silence of the Lambs effectively demonstrates how single camera captures emotions and tension between two characters in a confined space better than multi-camera could.
Vertigo - FM4 Film Studies - Auteur, Gender and Psychoanalytical AnalysisElle Sullivan
The document discusses various critical approaches that can be used to analyze the film Vertigo, including auteur theory, psychoanalysis, and feminist film theory. It provides details about Alfred Hitchcock's directorial style and how he used techniques like camerawork, lighting, and motifs to convey themes of obsession, manipulation, and voyeurism in the film. It also summarizes some key plot points and references to mythology to illustrate Hitchcock's artistic vision and how the film can be interpreted through different critical lenses.
El documento describe los tres niveles de la representación fílmica: 1) Puesta en escena, que se refiere a los contenidos representados en la pantalla, 2) Puesta en cuadro, que se refiere a la modalidad de representación de la imagen, y 3) Puesta en serie, que se refiere a las relaciones entre las imágenes a través del montaje y la organización temporal. Dentro de cada nivel, se explican conceptos como escenario, iluminación, orden y duración que afectan la representación del espacio y el tiempo en el cine.
El documento describe el lenguaje del cine y sus técnicas. Explica que el cine se construye a través de una secuencia de imágenes y sonidos. Detalla varias técnicas cinematográficas como los planos, el montaje, el manejo del tiempo y el espacio. También habla sobre los guiones, resaltando que cuentan una historia a través de escenas, secuencias y partes.
This document defines different types of sound used in films and their effects on audiences. It discusses diegetic sound, which is heard by characters in the film, and non-diegetic sound, which is heard only by audiences. Diegetic sounds include ambient noise, dialogue, and music from within the film world, while non-diegetic sounds include soundtrack music, narration, and added sound effects. Parallel and contrapuntal sounds are also discussed, with parallel sounds enhancing atmosphere and contrapuntal sounds having audio that does not match the visuals. Words to describe sounds are provided at the end.
Este documento describe los conceptos básicos de la narración cinematográfica. Explica que una narración cinematográfica combina imágenes y sonidos para presentar una historia con personajes, eventos, tiempo y espacio. También discute los conceptos de narrador, géneros cinematográficos, guión, tiempo narrativo y orden de una película.
This document discusses conventions of the horror genre including common settings, characters, iconography, narratives, and subgenres. It also summarizes some key genre theories. Specifically, it notes that dark, isolated, or natural settings are commonly used to set the atmosphere in horror. Character archetypes include families, friends, and vulnerable characters. Iconography includes low lighting, weapons, and dark colors. Narratives often involve a group being persecuted by an antagonist with an unpredictable ending. Subgenres discussed are gothic, slasher, psychological, paranormal, gore, and found footage. Theories addressed are those proposed by Altman, Dyer, and Stacy regarding pleasures, escapism, and genre evolution over
La carta Gantt es un cronograma que detalla la duración de las actividades de un proyecto y permite reorganizarlas en caso de inconsistencias. Es importante planificar las actividades para evitar confusión y pérdida de tiempo. La carta Gantt debe crearse considerando un horario laboral de 8 horas de lunes a viernes y recomienda subdividir el tiempo en semanas. El plan de rodaje es un documento gráfico que indica el número de planos, escenas y requerimientos por día para cada jornada de rodaje.
Mise-en-scene refers to everything that appears before the camera, including lighting, setting, color, characters and their costumes, makeup, props, facial expressions, body language, and gestures. Lighting can establish mood and includes natural, available, and artificial light sources like key, fill, and rim lights. Setting details the location, time period, and architecture. Color conveys meaning and emotion. Characters are represented through these visual elements to fit or challenge stereotypes.
El documento describe los elementos estructurales básicos de un video documental como tomas, escenas, secuencias y actos. Explica que la estructura es fundamental para contar la historia de manera coherente y mantener el interés del público. Además, describe conceptos como la estructura de tres actos tradicional y cómo esta no siempre se aplica a los documentales debido a que no siguen una narrativa lineal.
El documento describe el proceso de elaboración de guiones audiovisuales. Explica las técnicas narrativas aplicadas a la construcción de relatos de ficción, incluyendo el planteamiento, desarrollo y desenlace. También cubre conceptos como la trama y subtrama, características de los personajes y diálogos. Por último, detalla las etapas del proceso de construcción de un guión, que incluyen la idea, documentación, story line, sinopsis y tratamiento.
El documento describe las diferentes formas en que se puede representar el tiempo en el cine, incluyendo de forma lineal, abreviada, avanzando o retrocediendo en el tiempo, así como las clasificaciones de tiempo real, fílmico y de filmación. También explica conceptos como adecuación, distensión, condensación y elipsis, la cual puede ser inherente, expresiva, estructural u de contenido.
Narrative structure in film refers to how films tell stories through a sequence of events. Films use narrative form to structure stories, with a beginning, middle, and end. Key elements of narrative structure include an exposition, rising action, climax, falling action, and resolution. Character development and conflicts between characters, nature, society, or other forces drive the narrative forward. Filmmakers select and order events to craft a plot that tells a version of the complete story in a concise time frame.
Single camera productions (SCP) use only one camera to film scenes for a sense of realism. This allows for cheaper budgets since fewer crew are needed. SCP directors have more freedom in camera placement. Scenes are filmed multiple times from different angles. Lighting and audio equipment are also simpler for SCP than multi-camera productions. TV genres like crime dramas and horror often use SCP for their realistic feel, while genres like period dramas and sitcoms may use multi-camera to capture atmosphere or allow for audience laughter. Formats include series with ongoing narratives, serials that explore many stories, and single dramas that are self-contained episodes.
Orson Welles was a renowned actor, director, writer and producer best known for his 1941 film Citizen Kane. At age 23, Welles caused a panic with his realistic radio dramatization of The War of the Worlds. He was later offered complete artistic control by RKO to make Citizen Kane, his first film. Citizen Kane was groundbreaking for its technical innovations including lighting, camerawork and storytelling techniques. Though it is now considered one of the greatest films ever made, it was a financial failure upon release due to controversy surrounding its unfavorable portrayal of newspaper magnate William Randolph Hearst, on whom the main character was loosely based.
Documentaries come in many forms and use various techniques and conventions to represent reality. They can be either for television or film. Television documentaries typically have shorter runtimes and may be divided into episodes, while film documentaries can be longer and divided into parts. Various styles include observational, investigative, personality and historical documentaries. Filmmaking techniques like reconstruction, archival footage, and voiceovers help documentaries effectively convey information to viewers.
The document discusses the repertoire of elements, which are key elements that are consistently repeated throughout film genres to define them. It identifies seven categories of elements: iconography, props, style, settings, narrative, characters, and themes. As an example using the horror genre, it lists common iconography, props, styles, settings, narratives, characters, and themes found in horror films.
The document discusses various editing techniques that can be used to manipulate the tempo or pace of a film. It explains that shorter shot lengths have become more common in recent films compared to older films, speeding up the overall pace. Different shot types like long shots or quick cuts can also influence tempo, as can techniques like shot transitions, timing of cuts, flashbacks/flashforwards, shot reverse shot, eye line matching, and continuity editing. Soviet montage theory emphasized using rapid, symbolic cuts between images to convey meaning.
Documentaries can take various forms and serve different purposes. They aim to both document information to inform audiences as well as entertain them. There are six main types of documentaries: docudrama, which reenacts real events; fly on the wall, which observes without participants' awareness; mixed, combining elements like interviews; fully narrated, using voiceover; docusoap, following people's lives; and self-reflexive, acknowledging the filmmaking process. Examples are provided for each type.
A study/revision guide that introduces film students to (or reminds them of) mise-en-scene. 33 pages of activities, commentary, analysis and screenshots, all designed by an experienced film studies teacher and senior examiner.
This guide, which is perfect as a unit of work, homework booklet or as a revision guide, can be purchased for just £2.50 at: https://www.tes.com/teaching-resource/-12009989 and can then be easily printed and handed out to students.
The document discusses single camera techniques versus multi-camera techniques. It provides details on:
- Single camera production uses one camera to film each shot from different angles, while multi-camera uses multiple cameras simultaneously.
- Single camera is used for dramas, documentaries and comedies as it allows more creative control, while multi-camera is used for live productions like news shows.
- A scene from the film Silence of the Lambs effectively demonstrates how single camera captures emotions and tension between two characters in a confined space better than multi-camera could.
Vertigo - FM4 Film Studies - Auteur, Gender and Psychoanalytical AnalysisElle Sullivan
The document discusses various critical approaches that can be used to analyze the film Vertigo, including auteur theory, psychoanalysis, and feminist film theory. It provides details about Alfred Hitchcock's directorial style and how he used techniques like camerawork, lighting, and motifs to convey themes of obsession, manipulation, and voyeurism in the film. It also summarizes some key plot points and references to mythology to illustrate Hitchcock's artistic vision and how the film can be interpreted through different critical lenses.
El documento describe los tres niveles de la representación fílmica: 1) Puesta en escena, que se refiere a los contenidos representados en la pantalla, 2) Puesta en cuadro, que se refiere a la modalidad de representación de la imagen, y 3) Puesta en serie, que se refiere a las relaciones entre las imágenes a través del montaje y la organización temporal. Dentro de cada nivel, se explican conceptos como escenario, iluminación, orden y duración que afectan la representación del espacio y el tiempo en el cine.
El documento describe el lenguaje del cine y sus técnicas. Explica que el cine se construye a través de una secuencia de imágenes y sonidos. Detalla varias técnicas cinematográficas como los planos, el montaje, el manejo del tiempo y el espacio. También habla sobre los guiones, resaltando que cuentan una historia a través de escenas, secuencias y partes.
This document defines different types of sound used in films and their effects on audiences. It discusses diegetic sound, which is heard by characters in the film, and non-diegetic sound, which is heard only by audiences. Diegetic sounds include ambient noise, dialogue, and music from within the film world, while non-diegetic sounds include soundtrack music, narration, and added sound effects. Parallel and contrapuntal sounds are also discussed, with parallel sounds enhancing atmosphere and contrapuntal sounds having audio that does not match the visuals. Words to describe sounds are provided at the end.
Este documento describe los conceptos básicos de la narración cinematográfica. Explica que una narración cinematográfica combina imágenes y sonidos para presentar una historia con personajes, eventos, tiempo y espacio. También discute los conceptos de narrador, géneros cinematográficos, guión, tiempo narrativo y orden de una película.
This document discusses conventions of the horror genre including common settings, characters, iconography, narratives, and subgenres. It also summarizes some key genre theories. Specifically, it notes that dark, isolated, or natural settings are commonly used to set the atmosphere in horror. Character archetypes include families, friends, and vulnerable characters. Iconography includes low lighting, weapons, and dark colors. Narratives often involve a group being persecuted by an antagonist with an unpredictable ending. Subgenres discussed are gothic, slasher, psychological, paranormal, gore, and found footage. Theories addressed are those proposed by Altman, Dyer, and Stacy regarding pleasures, escapism, and genre evolution over
La carta Gantt es un cronograma que detalla la duración de las actividades de un proyecto y permite reorganizarlas en caso de inconsistencias. Es importante planificar las actividades para evitar confusión y pérdida de tiempo. La carta Gantt debe crearse considerando un horario laboral de 8 horas de lunes a viernes y recomienda subdividir el tiempo en semanas. El plan de rodaje es un documento gráfico que indica el número de planos, escenas y requerimientos por día para cada jornada de rodaje.
Mise-en-scene refers to everything that appears before the camera, including lighting, setting, color, characters and their costumes, makeup, props, facial expressions, body language, and gestures. Lighting can establish mood and includes natural, available, and artificial light sources like key, fill, and rim lights. Setting details the location, time period, and architecture. Color conveys meaning and emotion. Characters are represented through these visual elements to fit or challenge stereotypes.
El documento describe los elementos estructurales básicos de un video documental como tomas, escenas, secuencias y actos. Explica que la estructura es fundamental para contar la historia de manera coherente y mantener el interés del público. Además, describe conceptos como la estructura de tres actos tradicional y cómo esta no siempre se aplica a los documentales debido a que no siguen una narrativa lineal.
El documento describe el proceso de elaboración de guiones audiovisuales. Explica las técnicas narrativas aplicadas a la construcción de relatos de ficción, incluyendo el planteamiento, desarrollo y desenlace. También cubre conceptos como la trama y subtrama, características de los personajes y diálogos. Por último, detalla las etapas del proceso de construcción de un guión, que incluyen la idea, documentación, story line, sinopsis y tratamiento.
Este documento habla sobre los elementos fundamentales para crear un guión o historia cinematográfica. Explica que existen tres tipos de producción de guión, y describe la estructura dramática clásica de tres actos. También define los componentes básicos de una historia como los personajes, el tiempo, el espacio y los acontecimientos, y ofrece detalles sobre cómo construir cada uno de estos elementos para contar una historia de manera efectiva.
El documento presenta reglas y conceptos clave para la dramatización en el cine. Explica que la dramatización es un procedimiento narrativo que le da fuerza a las ideas y que consiste en tratar cualquier acontecimiento o situación de forma dramática para que se pueda seguir con emoción. Luego describe algunas reglas como la concentración, emocionalización e identificación del espectador con el personaje principal. Finalmente, menciona otros procedimientos como el diálogo dinámico, el uso sugestivo del tiempo y la estilización de escenas a
Modulo 7 Que Es Una Historia Y Que Es Un PersonajeHugo Mejia
Este documento presenta información sobre la estructura narrativa, los personajes y la iluminación en la narración cinematográfica. Explica que una narración mínima incluye un personaje y una estructura de introducción, nudo y desenlace. Describe los elementos básicos de un guión cinematográfico como la idea, el conflicto y los personajes. Finalmente, define lo que es un personaje y las expresiones faciales universales.
Este documento es un resumen de 3 oraciones de un documento sobre la estructura de un documental. Contiene información sobre la Escuela Normal No. 3 de Toluca, incluyendo el curso, profesor, alumna, grado y grupo. Además, proporciona detalles sobre el ciclo escolar y la fecha del documento.
El documento describe los elementos clave de la estructura narrativa para audiovisuales, incluyendo la historia, personajes, narrador, introducción, planteo, clímax y final. También discute técnicas narrativas no lineales como flashbacks y flashforwards, y ofrece consejos para crear una narrativa efectiva que conecte con la audiencia.
El documento define qué es un guión y describe sus características principales. Explica que un guión es un texto literario que forma parte de una creación audiovisual y que debe contar una historia a través de imágenes y diálogos. También describe los pasos clave en la elaboración de un guión, incluyendo definir la idea, el conflicto y los personajes, y establecer la estructura dramática siguiendo los tres actos y momentos clave como el detonante, los puntos de giro y el clímax.
El documento describe los elementos fundamentales de la narratología y la estructura de un guión audiovisual. Explica que la narratología estudia lo que se cuenta (la historia) y cómo se cuenta (el relato), e identifica los componentes clave como acontecimientos, personajes, tiempo, espacio y focalización. Luego detalla que un guión típicamente sigue una estructura de tres actos con planteamiento, nudo y desenlace, y que cada página equivale aproximadamente a un minuto de película.
El documento presenta una introducción al análisis de películas desde diferentes perspectivas como la crítica, forma y contenido. Explica conceptos narrativos como unidades narrativas, elipsis, transiciones, montaje, personajes y estructura de relatos. También propone un método categórico de análisis en 6 fases y discute estrategias pedagógicas para enseñar a analizar películas en el aula.
Este documento describe los elementos fundamentales del lenguaje cinematográfico, incluyendo tomas, escenas, secuencias, planos, angulaciones de cámara y tipos de movimiento. Explica que una toma es un solo disparo de cámara, mientras que las escenas y secuencias dividen una película en partes narrativas. También detalla los diferentes tipos de planos, como primer plano, plano medio y plano general, y cómo crean significado. Finalmente, brinda una introducción al montaje, o la edición de las tomas
El documento habla sobre los conceptos fundamentales de la narratología audiovisual. Explica que la narratología estudia dos campos: lo que se cuenta (la historia, diégesis y fábula) y cómo se cuenta (el relato, discurso, intriga y trama). También analiza elementos clave de la narración como los acontecimientos, personajes, tiempo, espacio y focalización. Por último, resume que en la estructura narrativa de los audiovisuales suele haber tres partes: planteamiento, nudo y desenlace.
El documento describe las diferencias entre la estructura narrativa aristotélica tradicional y el teatro épico narrativo de Bertolt Brecht. Según Aristóteles, una historia tiene tres partes principales - el planteamiento, el nudo y el desenlace - que siguen un orden cronológico lineal. Brecht, por otro lado, propone un teatro "épico" que es narrativo en lugar de dramático, donde los actores cuentan una historia en lugar de representarla como si estuviera sucediendo.
Este documento ofrece información sobre la creación de guiones audiovisuales. Explica las diferencias entre lenguaje escrito y audiovisual, el proceso de creación de un guión que incluye escribir la historia, desarrollar el argumento, definir personajes y escribir escenas, y define qué es un storyboard y cómo este sirve para previsualizar una historia antes de filmarla.
El documento describe los fundamentos del montaje cinematográfico, incluyendo sus tipos (montaje lineal, conceptual, paralelo), tiempos (condensación, distensión, simultaneidad, flashback), y ritmos (analítico, sintético, arrítmico, en crescendo). Explica que el montaje es la ordenación narrativa y rítmica de los planos filmados para integrarlos de forma coherente según una idea previa y ritmo determinado.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe tres tipos de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos (de detalle, primer plano, plano medio, etc.), reglas del montaje, transiciones entre planos y técnicas de iluminación y movimiento de cámara. El objetivo es proporcionar una introducción básica a los conceptos y herramientas fundamentales de la producción audiovisual.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
1. ESTRUCTURA de un video documental
Todos hemos visto documentales que parecieran no tener sentido ni dirección. Tal vez tenían
buenos comienzos, pero luego parecían comenzar de nuevo, de nuevo y de nuevo. La película,
parecía tratar un tema pero la conclusión trataba otro asunto por completo. La historia comenzaba
en el presente, clavándose rápidamente en el fondo para nunca resurgir; o bien, la situación y los
personajes fueron tan pobremente desarrollados que terminábamos por perder interés en el final.
Estos problemas comúnmente se encuentran en la estructura. La estructura es el cimiento en el
cual la historia se construye, ya sea una historia presentada mediante una persona, un libro o una
pantalla. Es la columna narrativa que determina dónde comienza la historia, dónde termina y cómo
se va extrayendo la información a lo largo de la película. La estructura funciona en torno a las
expectativas del público, pues es parte de la naturaleza humana tratar de obtener un sentido de los
patrones y la disposición de las imágenes, rellenar los vacíos de información y averiguar lo que
sucederá a continuación. Los cineastas pueden jugar con provocar este tipo de anticipación o
encontrar o contradecir las expectativas incrementando el involucramiento en la historia por parte
del espectador. No existe tal cosa como la falta de estructura; hasta un video experimental tiene
algo que entrelaza cada imagen. Ese algo, bueno o malo, es la estructura.
ELEMENTOS DE ESTRUCTURA
Los fundamentos de una película son las tomas (shots), escenas (scenes), secuencias
(sequences) y, en algunos casos aunque no todos, actos (acts). Estos términos son comúnmente
empleados, pero tienen significados variados y en ocasiones usos diversos, por lo que las
siguientes definiciones clarifican su empleo en este libro.
TOMA
Una toma (shot) es una sola unidad de imagen. Puede haber movimiento dentro de la toma o
puede ser estática. Puede ser un acercamiento (close-up), una toma abierta (wide-shot), un paneo
(pan) o una toma de abajo hacia arriba (tilt), pero comienza y termina con la acción del cineasta al
iniciar y terminar de filmar o grabar; más adelante, el editor recortará cada toma, seleccionando la
misma y otorgándole un nuevo comienzo y salida. Tomas individuales pueden proporcionar una
cantidad importante de información: el punto de vista, la hora del día, humor, emoción, carácter,
ritmo, tema. Una toma también puede incluir un reverso (reversal), el cual funciona como un giro en
el trama de la historia, ocasionalmente entendido como un cambio de valores o el cambio de un
estado a otro. Se puede encontrar un ejemplo de una toma con un reverso en Yosemite: The Fate
of Heaven; seguimos el movimiento de una cascada que desciende a lo que parece ser naturaleza
pura – hasta que nos encontramos con un tramo congestionado de turistas escandalosos. El
reverso se encuentra en el cambio del aislamiento a la muchedumbre, de naturaleza a humanidad,
de pureza a contaminación y ruido. Un reverso, es sin duda también, el ángulo opuesto de una
toma. En una conversación entre dos personas, por ejemplo, la toma puede ser viendo de frente a
un personaje y de espaldas al otro, mientras el reverso sería viendo de frente al segundo personaje
y de espaldas al primero.
ESCENA
Una escena se conforma de una serie de tomas dentro de una sola locación. La escena podría ser
en el palacio de justicia o una en un barco. Normalmente, una escena es mucho más que una
imagen de una locación; no obstante, es una sub-sección del conjunto de la acción. Una escena
está conformada por pedazos (beats).
2. Las escenas también contienen reversos. Las escenas funcionan mejor cuando empiezan en un
estado emocional o informacional y terminan en otro; es decir, cada escena tiene su propio inicio,
desarrollo y final; lo cual significa filmar con la historia en mente, asegurándose que la escena ha
sido suficientemente desarrollada. El cineasta Steven Ascher señala la necesidad de filmar cada
escena de tal manera que la esencia de la misma se transmita en el menor tiempo posible. “Filmar
la vida real es un reto constante por destilar la realidad en un subconjunto significativo de si
misma…los momentos importantes y los gestos, las líneas de diálogo que sugerirán el resto de la
escena sin tener que ver el resto de la misma.”
Las escenas (solas o agrupadas en secuencias) comúnmente culminan en reversos, llamados
puntos transformación (turning points), los cuales motivan un cambio radical en la historia. Por
ejemplo, en un misterio policiaco, al revisar el esqueleto de un cadáver que se supone ser los
restos de un hombre de la tercera edad, los investigadores descubren que son los restos de una
mujer joven; al hacer dicho descubrimiento, deben poner en libertad al sospechoso que habían
encarcelado.
SECUENCIA
Una secuencia es una serie de tomas y escenas que en conjunto, cuentan la historia, con cierta
continuidad, de un evento que forma parte de la historia principal. Semejante a un capítulo de un
libro, una secuencia normalmente tiene por sí misma, un inicio, un desarrollo y un final. Es
importante señalar que el momento crucial o punto de transformación (turning point) al final de la
secuencia es más grande que los encontrados al final de una escena o toma. Robert McKee
explica que idealmente, cada escena crea un cambio o un reverso menor, cada secuencia, un
cambio moderado y cada acto, un cambio mayor.
Las secuencias suelen ser resumidas según su función dentro de la historia. Se diferencian de las
escenas ya que pueden abarcar distintas locaciones. Es de mayor importancia que la secuencia
produzca un avance en la acción o la historia principal.
ACTO
Un acto es una serie de secuencias que se dirige hacia punto de transformación o momento crucial
en la historia – un momento climático que surge directamente de la historia, haciendo necesario el
desarrollo de las siguientes series de secuencias en el acto sucesivo. Cada acto tiene un papel
dentro de la historia total y la tensión o el ímpetu dentro de los mismos, debe de ir en crescendo.
En la estructura de tres actos tradicional, también conocida como estructura dramática, el primer
acto contiene la exposición de la historia, el segundo acto la complica generando tensión y el
tercero presenta el momento climático y finalmente la resolución.
Existen tres puntos importantes de los actos: primero, hay algo perteneciente a la estructura
dramática que parece determinar la manera en que los humanos percibimos las historias, segundo:
muchos documentales no caben propiamente dentro de este tipo de estructura, aunque pueden
aproximarse y tres, existen muchas formas de generar un hilo conductor efectivo – o, según el
escritor Madison Smartt Bell, el diseño narrativo (narrative design) – en un documental que no
contiene la estructura de tres actos. Sin embargo, la película debe de contener personajes que
provoquen el interés y empatía del público, y cada secuencia debe generar creciente tensión e
interés. Cada escena debe llevar la acción hacia delante y la película debe concluir la historia
(misión, ensayo, aventura, etc.) de manera satisfactoria, aunque no debe cumplirse en tres actos.
Antes de continuar con algunos detalles de la estructura de actos, se explicarán términos útiles.
3. Incidente provocador (Inciting Incident)
El incidente provocador es el evento que provoca el movimiento de la acción en la historia. Puede
ser algo que haya ocurrido antes de comenzar a filmar, por ejemplo, la memoria histórica de una
comunidad de exiliados que se vuelve posible reconstruir tras la muerte del tirano que provocó el
exilio.
Punto de Ataque (Point of Attack)
Es importante no confundir el punto de ataque con el incidente provocador. El punto de ataque es
la acción o el momento en que el realizador comienza su historia. Este momento generalmente se
considera como una de las decisiones más difíciles que se tiene que tomar a lo largo de la
producción. De hecho, se toma y se deja (la decisión) constantemente, antes de elegir el punto de
ataque final. El punto de ataque incita al espectador a que se inserte dentro de la percepción del
cineasta, junto a los temas y sus personajes.
Es prácticamente un hecho que el punto de ataque cambiará, conforme el realizador se familiarice
con el material, determinando temas más aptos para contar la historia que se desea presentar.
Normalmente, uno comienza con el mejor inicio posible en ese momento, permitiéndolo que
evolucione de ahí en adelante.
Antecedentes o Exposición (Backstory/Exposition)
La historia de fondo es la exposición de la información necesaria para comprender la historia, sin
embargo, estos dos términos, historia de fondo (backstory) y exposición, no son sinónimos
propiamente. La historia de fondo implica los eventos que sucedieron antes de comenzar la historia
principal y normalmente incluye material que según el cineasta, es esencial para que el
audiovidente “capte” la historia.
La historia de fondo tiene distintas formas: títulos (el texto presentado en la pantalla), entrevistas y
narración. Este material, frecuentemente, se corta o se excluye de la película durante el proceso de
edición, debido al tiempo, ya que habitualmente, esta información ofrece más interrupciones de lo
que se requiere como espectador. Sin embargo, cuando el uso de la historia de fondo es motivado
por los personajes, enriquece la historia presentada, añadiendo profundidad en la motivación de
los mismos, e iluminando los temas y los problemas o enfatizando ironía y continuidad histórica.
Vale la pena mencionar que si la historia de fondo comienza a dominar la película, se debe
reconsiderar cual es la historia que se desea contar, ya sea presente o pasada.
Estructura de Tres Actos (Three-Act Structure)
Para quienes desean explorar el mundo de la estructura de tres actos, lo siguiente es una
introducción básica. La estructura de tres actos o la estructura dramática es un sello del sistema
hollywoodense, por lo tanto, una de las mejores formas de estudiarlo es rentando películas de tal
tipo, las cuales probablemente fueron filmadas bajo la fórmula tradicional (estructura de tres actos),
posibilitando su análisis, escena por escena, utilizando un cronómetro o el contador del
reproductor. La estructura de 3 actos posiblemente no pueda ser vista hasta el final de la película,
pero de manera general sigue la siguiente división:
El Primer Acto
4. El primer acto generalmente dura un cuarto del tiempo de duración de la historia completa. En
éste, se introducen los personajes y el problema o el conflicto (es decir, este acto contiene la mayor
parte de la exposición (información o antecedentes) relevante. El Primer Acto normalmente
contiene el incidente provocador – suceso que origina el conflicto y determina el ritmo a todo lo
demás – a pesar de que este suceso, ocasionalmente, ya ha ocurrido antes de que la historia
comience. Normalmente existe un momento crucial o punto de transformación antes de que
termine el acto. Al término del Primer Acto, los audiovidentes tienen conocimientos de los
personajes, la historia y lo que inicialmente se encuentra en juego. El primer acto logra llegar a una
cúspide emocional, el más intenso de la película hasta ese momento, requiriendo la acción que
proyecta el segundo acto.
El Segundo Acto
El segundo acto es el más largo de la película, aproximadamente la mitad de la duración de la
película. El escenario ha sido establecido en el Primer Acto y se ha introducido el conflicto. En el
segundo acto, el ritmo de la historia se acelera con las complicaciones emergentes, reversos y
alteraciones inesperadas que se llevan a cabo; además, lo que se encuentra en juego continúa
incrementando la tensión. El segundo acto puede causar muchas dificultades, ya que existe el
riesgo de encontrarse opacado por la historia o perder el interés. El segundo acto debe continuar la
construcción de la trama con nueva información y nuevas situaciones puestas en juego, que
provoquen el avance de la acción que se va tejiendo dentro de la historia. El segundo acto debe
lograr llegar a una cúspide emocional, mayor aún que la del primero, requiriendo la acción que
proyecta el tercer acto.
El Tercer Acto
El tercer acto normalmente dura menos que un cuarto de la duración de la historia. Al ser revelado,
este acto muestra el personaje acercándose a la derrota; o bien él o ella aparecerá en el momento
más obscuro al llegar su cierre. Una percepción equívoca y común es pensar que el tercer acto
resuelve la historia, simplemente la intensifica. La tensión existente al final del tercer acto debe ser
mayor aún que la tensión del final del Segundo Acto. Dicha tensión lanza al audiovidente hacia la
resolución, esos últimos momentos en el cual se resuelve la historia, se llenan los huecos
necesarios y permite la victoria del protagonista.
Estructurando Historias Múltiples
A pesar de que sólo se puede notar una historia primaria, el seguimiento de dos o hasta tres líneas
temáticas dentro de una historia es posible. En términos hollywoodenses, estas son historias “A”,
“B” y posiblemente hasta una historia “C”. La historia “A” carga el mayor peso y es con la cual las
demás piezas se estructuran, pero las otras historias también deben contener altibajos
emocionales.
Las historias deben informar una a la otra, es decir, en algún momento, éstas deben conectarse
para conformar una entidad completa y coherente, narrando una historia principal. El uso de
historias múltiples normalmente permite la creación de películas más complejas, en comparación
con una película de estructura más estricta y lineal. En vez de contar los sucesos en el mismo
orden en el cual ocurrieron, se puede seleccionar un evento dentro de una vida, usándolo para
enfocar la narrativa fílmica primaria, lo cual otorga la libertad de explorar el pasado e incluso el
futuro en caso de requerirlo.
Lo que NO es la estructura de tres actos
5. La estructura de tres actos no significa tomar una película, dividiéndola en tres partes,
denominando cada una, un acto. Un acto solamente puede ser considerado un acto si le da un
avance o progresión a una historia o un ensayo principal que se quiso contar. Por ejemplo, una
película que revise los primeros asentamientos de los Estados Unidos no debe estructurarse de la
siguiente manera: “Primer Acto, Plymouth, Segundo Acto, Jamestown, Tercer Acto, Nueva York”.
No existe una historia común; pueden existir temas comunes y por lo tanto puede funcionar como
un plan organizacional de la película, pero no son actos. No obstante, se puede contar tres
historias dramáticas e individuales dentro de esa estructura, una en cada locación, las cuales se
pueden combinar posteriormente para formar la película.
Tres Actos en Cinco o Uno o Dos
Una película conteniendo cinco actos o uno solo, aún puede contener la estructura dramática (tres
actos). Existen muchas razones prácticas para dividir una historia, incluyendo cortes para los
comerciales (televisión) o un intermedio (teatro). No obstante, una obra de “un acto” o un programa
televisivo de “cinco actos”, aún pueden ser divididos en tres actos. De manera inversa, por la
simple razón de que la historia se encuentre dividida para los cortes comerciales, no significa que
esas divisiones son actos; muchas películas biográficas, por ejemplo, se forman de manera
cronológica más que por la historia contada para que los cortes entren en momentos dramáticos,
sin embargo, generalmente no representan una estructura de tres actos.
Aplicando la estructura narrativa
Algunos realizadores de documental piensan en la estructura a lo largo del proceso de producción
pero no se enfocan en ella hasta que están editando. Otros juegan con la estructra desde el
comienzo, creando hilos narrativos o escaletas diversas a las que regresan una y otra vez en la
producción y postproducción, revisándolas y reformándolas constantemente. No importa como
anticipes que vas a constuir tu película o cual sea tu proceso, la estructura es una especie de
marco que te permite anticipar y criticar tu propia historia, pensando en el espectador ideal, y no
una fórmula mágica y absoluta para producir películas.
En términos de realmente medir la duración de las escenas, secuencias y actos, es preciso decir
que casi todos los realizadores casi no lo hacen, pues normalmente es algo que se da de forma
intuitiva. No obstante, si una película parece tardarse eternamente para empezar, o tus primeros
espectadores les encanta el comienzo pero luego pierden interés, o tu audiencia queda totalmente
confundida por un gran final pero que no tenía nada que ver con el principio, mapear la historia o
escribir la estructura en papel puede ser útil.
Tratar de imaginar lo que la historia es en su esencia, o nivel más básico, luego se revisa la
película con un cronómetro en mano y se dibuja un bosquejo de la historia y sus diversas partes.
Viendo la historia en una hoja de papel como un esquema se vuelve mucho más facil que tiene dos
comienzos, o que el primer acto dura el doble de lo que debería, o que el último acto lleva hasta un
punto climático que puede ser potente emocionalmente pero no tiene nada que ver con la historia
que se planteo en un principio.
Mientras hagas esto considera que si una historia funciona, aun si las leyes de la estructura o el
cronómetro dicen lo contrario, déjala ser, ya que la narración es un arte y no una ciencia, sigue tus
instintos, si la película es grandiosa que más da cuantas reglas rompiste para hacerla? Incluso
puedes haber creado un nuevo género documental.