Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
El documento describe los principios de continuidad cinematográfica, que busca mantener una ilusión de secuencia entre los diferentes planos de una filmación. Esto incluye mantener la consistencia de objetos, espacio y tiempo, así como ángulos de cámara y movimientos de personajes. También discute las diferentes técnicas de transición entre planos y cómo el tiempo puede manipularse a través de la velocidad y el montaje.
Un documento sobre la idea, el storyline y otros elementos fundamentales del guión audiovisual de ficción describe la idea como la necesidad abstracta de contar algo, el conflicto como la fuerza impulsora de la acción dramática, y el storyline como una breve sinopsis de 3 partes que incluye el planteamiento, el nudo y el desenlace expresado sin detalles de tiempo, lugar o personajes. Además, se mencionan otros componentes como el esquema actancial, los perfiles de personajes y las distintas etapas del guión.
UNA CONFERENCIA ACADEMICA
Ing. José María Noriega
C.A.S BRUNEL UNIVERSITY
DIRECTOR FLUOTEC UNIVERSITY
CMO DIRECTOR COMERCIAL FLUOTEC
José María Noriega nos dio a conocer la función de la luz y la iluminación junto con su importancia como herramienta para crear atmósferas narrativas.
El documento habla sobre la importancia de aprender a mirar y componer fotografías de forma atractiva y equilibrada. Explica algunas reglas básicas de composición como la ley del horizonte, la ley de la mirada y la regla de los tercios. También describe un trabajo práctico que consiste en realizar un reportaje fotográfico sobre un tema elegido trabajando en grupos de dos personas.
La Regla de los Tercios es una regla básica de composición fotográfica que divide la imagen en tercios horizontales y verticales, creando puntos de intersección que son los mejores lugares para situar los puntos de interés de la foto en lugar del centro, generando una composición más atractiva. La regla también sugiere situar múltiples puntos de interés en puntos opuestos para crear una diagonal interesante. Aunque es útil aplicar la regla al tomar la foto, también se puede ajustar la composición después en programas
El documento discute las rivalidades históricas entre los formalistas y realistas en el cine, y describe varios tipos de montaje cinematográfico como el montaje de continuidad, discontinuo, constructivo, vertical e intelectual. Explica conceptos como la regla de los 180 grados, correspondencia de miradas, y plano-contraplano que preservan la continuidad espacial y temporal en el montaje de continuidad.
Este documento describe diferentes técnicas y equipos de iluminación fotográfica. Explica los tipos de luz, como la luz dura, suave, incandescente y fluorescente. También cubre esquemas de iluminación como la luz principal, de relleno y de efecto. Finalmente, detalla equipos como filtros, snoots, reflectores, cajas de luz y paraguas.
Este documento presenta 15 elementos de composición audiovisual que pueden combinarse en una sola toma para lograr transmitir ideas de manera efectiva. Algunos de estos elementos incluyen la regla de los tercios, el punto focal, la unidad, el balance tonal y de masas. Cada elemento tiene connotaciones simbólicas dependiendo del encuadre y pueden usarse para darle relevancia y contenido al proyecto fotográfico o audiovisual.
El documento describe los principios de continuidad cinematográfica, que busca mantener una ilusión de secuencia entre los diferentes planos de una filmación. Esto incluye mantener la consistencia de objetos, espacio y tiempo, así como ángulos de cámara y movimientos de personajes. También discute las diferentes técnicas de transición entre planos y cómo el tiempo puede manipularse a través de la velocidad y el montaje.
Un documento sobre la idea, el storyline y otros elementos fundamentales del guión audiovisual de ficción describe la idea como la necesidad abstracta de contar algo, el conflicto como la fuerza impulsora de la acción dramática, y el storyline como una breve sinopsis de 3 partes que incluye el planteamiento, el nudo y el desenlace expresado sin detalles de tiempo, lugar o personajes. Además, se mencionan otros componentes como el esquema actancial, los perfiles de personajes y las distintas etapas del guión.
UNA CONFERENCIA ACADEMICA
Ing. José María Noriega
C.A.S BRUNEL UNIVERSITY
DIRECTOR FLUOTEC UNIVERSITY
CMO DIRECTOR COMERCIAL FLUOTEC
José María Noriega nos dio a conocer la función de la luz y la iluminación junto con su importancia como herramienta para crear atmósferas narrativas.
El documento habla sobre la importancia de aprender a mirar y componer fotografías de forma atractiva y equilibrada. Explica algunas reglas básicas de composición como la ley del horizonte, la ley de la mirada y la regla de los tercios. También describe un trabajo práctico que consiste en realizar un reportaje fotográfico sobre un tema elegido trabajando en grupos de dos personas.
La Regla de los Tercios es una regla básica de composición fotográfica que divide la imagen en tercios horizontales y verticales, creando puntos de intersección que son los mejores lugares para situar los puntos de interés de la foto en lugar del centro, generando una composición más atractiva. La regla también sugiere situar múltiples puntos de interés en puntos opuestos para crear una diagonal interesante. Aunque es útil aplicar la regla al tomar la foto, también se puede ajustar la composición después en programas
El documento discute las rivalidades históricas entre los formalistas y realistas en el cine, y describe varios tipos de montaje cinematográfico como el montaje de continuidad, discontinuo, constructivo, vertical e intelectual. Explica conceptos como la regla de los 180 grados, correspondencia de miradas, y plano-contraplano que preservan la continuidad espacial y temporal en el montaje de continuidad.
Este documento describe diferentes técnicas y equipos de iluminación fotográfica. Explica los tipos de luz, como la luz dura, suave, incandescente y fluorescente. También cubre esquemas de iluminación como la luz principal, de relleno y de efecto. Finalmente, detalla equipos como filtros, snoots, reflectores, cajas de luz y paraguas.
Este documento presenta 15 elementos de composición audiovisual que pueden combinarse en una sola toma para lograr transmitir ideas de manera efectiva. Algunos de estos elementos incluyen la regla de los tercios, el punto focal, la unidad, el balance tonal y de masas. Cada elemento tiene connotaciones simbólicas dependiendo del encuadre y pueden usarse para darle relevancia y contenido al proyecto fotográfico o audiovisual.
El documento describe diferentes tipos de iluminación para fotografía, incluyendo iluminación frontal, lateral, semi-lateral, contraluz, semi-contraluz, cenital y contrapicado. La iluminación semi-lateral es la más recomendada porque resalta la perspectiva y textura con sombras oblicuas.
tema de iluminación y sonido en televisión.Danieljvega001
El documento describe las diferentes funciones de la televisión como medio de comunicación, incluyendo su función informativa, de entretenimiento, formativa y educativa, y social. También discute conceptos clave como el lenguaje de la televisión, roles, formatos de pantalla, y elementos técnicos como encuadres, tomas, iluminación y movimientos de cámara.
Este documento describe los diferentes tipos de iluminación utilizados en fotografía y cómo afectan la apariencia de la imagen. Explica que la iluminación frontal, lateral y semi-lateral resaltan detalles y textura de manera diferente, mientras que la contraluz y semi-contraluz producen altos contrastes o sombras oblicuas. También cubre la iluminación cenital, contrapicado y la importancia de la difusión de la luz.
Este documento proporciona una introducción a los movimientos de cámara en el cine. Explica que existen dos tipos principales de movimientos: funcionales, que siguen el movimiento del sujeto, y narrativos, que añaden variedad visual o énfasis. También discute conceptos como la sincronización, la continuidad entre planos, y cómo la técnica debe pasar desapercibida para el espectador. Finalmente, analiza el papel del editor y cómo su perspectiva puede diferir de otros involucrados en la producción de una
Este documento discute as teorias da montagem cinematográfica de Sergei Eisenstein e como ele via o cinema como uma evolução dos sentidos humanos. Eisenstein acreditava que a montagem deveria criar um sentido artificial ao invés de tentar representar a realidade de forma realista, usando irregularidades e surpresas para provocar mais emoção no espectador. O documento também explica diferentes tipos de montagem como rítmica, tonal, harmônica e intelectual.
El documento describe las diferentes formas en que se puede representar el tiempo en el cine, incluyendo de forma lineal, abreviada, avanzando o retrocediendo en el tiempo, así como las clasificaciones de tiempo real, fílmico y de filmación. También explica conceptos como adecuación, distensión, condensación y elipsis, la cual puede ser inherente, expresiva, estructural u de contenido.
This document discusses single camera techniques for television and film production. It begins by explaining that single camera productions allow for more creative control by the director since each shot is set up and filmed individually. It then covers key aspects of single camera production like camera usage, lighting, sound, coverage, and editing. Single camera allows lighting and sound to be tailored for each shot, but it requires scenes to be filmed from multiple angles, increasing production time and costs compared to multi-camera productions. Effective coverage of a scene from varied shots and angles is important for the editing process. Overall, single camera techniques provide more realism and flexibility for visual storytelling but require more time and resources than multi-camera.
El documento describe diferentes tipos de planos, ángulos y movimientos de cámara que se pueden usar en la animación. Explica que los planos dividen la secuencia para un mejor control y planeación, mostrando las acciones de los personajes y su relación con el entorno. Describe planos como el general, medio y primer plano, así como ángulos como el horizonte, picado y contrapicado. También cubre movimientos de cámara como el tracking, panorámico, zoom, barrido y shake.
El documento presenta una introducción al lenguaje audiovisual y la composición cinematográfica. Explica la historia del cine desde los hermanos Lumière, pasando por Méliès y la Escuela de Brighton. Luego describe elementos como planos, encuadres, movimientos de cámara y continuidad. El objetivo es comprender la gramática del lenguaje audiovisual y cómo transmitir significado a través de imágenes y sonidos en la pantalla.
El documento describe la evolución histórica de las técnicas de representación espacial en el arte visual, desde las pinturas rupestres hasta el arte abstracto moderno. Se analizan diferentes enfoques como la unidad aislada, la relación de tamaños, la perspectiva lineal y múltiple, el análisis espacial del objeto y la abstracción geométrica. El objetivo ha sido encontrar formas de ordenar la percepción del espacio, la profundidad y el movimiento a través de la interacción dinámica de elementos como la lí
1) A narrativa clássica de cinema segue princípios como causalidade, personagens com metas e motivações claras, e estrutura em quatro atos.
2) Ela busca guiar o espectador de forma clara e coerente através de técnicas como montagem e enquadramento.
3) Embora alguns filmes sejam mais complexos, a maioria dos filmes hollywoodianos ainda segue os princípios básicos da narrativa clássica.
Este documento describe elementos escalares de la imagen como la proporción, la regla de los tercios y la escala. Explica que la regla de los tercios divide la imagen en tercios para situar los puntos de interés en las intersecciones. También cubre cómo representar varios puntos de interés opuestos en diagonal y cómo la escala reduce el tamaño de los motivos más lejanos para crear perspectiva.
Análisis de los 8 sintagmas de Metz en la película "Terapia de Riesgo"Daniel González
Este documento describe diferentes tipos de técnicas cinematográficas como planos secuencia, insertos, sintagmas y secuencias. Explica cómo estas técnicas se usan para crear continuidad o discontinuidad en la narración de una película a través de ejemplos específicos de escenas.
El documento describe diferentes técnicas de iluminación para la fotografía, incluyendo Rembrandt, Split Light, Broad Light, Butterfly y Loop Light. Explica cómo posicionar y configurar las fuentes de luz, el diafragma de la cámara, la velocidad de obturación y la ISO para cada técnica. El objetivo es lograr diferentes efectos en los retratos fotográficos mediante el uso estratégico de la luz.
El documento resume la modalidad expositiva del documental según la clasificación de Bill Nichols. Esta modalidad se dirige directamente al espectador a través de intertítulos o voces que exponen una argumentación. Utiliza elementos como entrevistas y testimonios para respaldar la perspectiva y argumentación del realizador de manera objetiva. El espectador espera que el documental expositivo resuelva un problema o enigma a través de la argumentación del realizador.
O documento fornece instruções sobre os principais conceitos de produção de um curta-metragem, incluindo roteiro, filmagens e edição. No roteiro, discute-se a definição da ideia central, o ponto de vista e as cenas e personagens. Nas filmagens, destacam-se conceitos como enquadramento, regra dos terços e tipos de planos. A edição é descrita como a organização dos trechos filmados em blocos narrativos.
1) O documento discute a escola soviética de cinema e seus principais teóricos e cineastas, como Lev Kuleshov, Vsevolod Pudovkin, Sergei Eisenstein e Dziga Vertov.
2) A escola soviética via o cinema como uma ferramenta para a educação política e propaganda após a revolução de 1917.
3) Os teóricos desenvolveram técnicas de montagem cinematográfica para transmitir ideias e significados através da associação e relação entre planos.
Single camera productions differ from multi-camera productions in their use of cameras, lighting, sound, editing, and genres. With single camera, the director has more control over camera movement to set the mood and get viewers more involved in the scene. Lighting can also be used to create different tones. Sound editing is more complex as it needs to blend shots seamlessly. Editing takes longer without multiple angles to choose from. Common single camera genres include period dramas, crime dramas, horror, and comedy, as they benefit from the sense of realism and ability to set mood that single camera allows.
Este documento describe los diferentes elementos de la composición en imágenes audiovisuales, incluyendo líneas verticales, horizontales, diagonales y curvas, el uso del espacio vacío, la regla de los tercios y el concepto de simetría vs asimetría. Explica cómo cada elemento afecta la sensación transmitida y recomienda evitar el exceso de cualquier elemento para mantener el interés del espectador.
El documento proporciona información general sobre los principios básicos de la iluminación escénica. Explica las propiedades controlables de la luz como la dimensión, selectividad y atmósfera, y recomienda el emplazamiento de los proyectores. También describe los pasos iniciales en el diseño de la iluminación con un número creciente de proyectores, y los documentos necesarios para planificar la iluminación de una producción como el plano, las hojas de dirección y efectos, y la ficha técnica.
El documento resume los elementos fundamentales del cine y el teatro. En el cine, explica conceptos como el fotograma, los planos, los movimientos de cámara, el montaje y otros. En el teatro, describe los códigos verbal, paraverbal y no verbal, y cómo estos se usan en la interpretación de personajes y la comunicación escénica.
El documento describe diferentes códigos de la imagen como la composición, profundidad, iluminación y color. Explica que la ubicación y tamaño de los elementos influyen en la lectura de la imagen, que los objetos más cercanos al espectador tienen mayor importancia, y que los juegos de luz y colores producen efectos en la imagen y espectador.
El documento describe diferentes tipos de iluminación para fotografía, incluyendo iluminación frontal, lateral, semi-lateral, contraluz, semi-contraluz, cenital y contrapicado. La iluminación semi-lateral es la más recomendada porque resalta la perspectiva y textura con sombras oblicuas.
tema de iluminación y sonido en televisión.Danieljvega001
El documento describe las diferentes funciones de la televisión como medio de comunicación, incluyendo su función informativa, de entretenimiento, formativa y educativa, y social. También discute conceptos clave como el lenguaje de la televisión, roles, formatos de pantalla, y elementos técnicos como encuadres, tomas, iluminación y movimientos de cámara.
Este documento describe los diferentes tipos de iluminación utilizados en fotografía y cómo afectan la apariencia de la imagen. Explica que la iluminación frontal, lateral y semi-lateral resaltan detalles y textura de manera diferente, mientras que la contraluz y semi-contraluz producen altos contrastes o sombras oblicuas. También cubre la iluminación cenital, contrapicado y la importancia de la difusión de la luz.
Este documento proporciona una introducción a los movimientos de cámara en el cine. Explica que existen dos tipos principales de movimientos: funcionales, que siguen el movimiento del sujeto, y narrativos, que añaden variedad visual o énfasis. También discute conceptos como la sincronización, la continuidad entre planos, y cómo la técnica debe pasar desapercibida para el espectador. Finalmente, analiza el papel del editor y cómo su perspectiva puede diferir de otros involucrados en la producción de una
Este documento discute as teorias da montagem cinematográfica de Sergei Eisenstein e como ele via o cinema como uma evolução dos sentidos humanos. Eisenstein acreditava que a montagem deveria criar um sentido artificial ao invés de tentar representar a realidade de forma realista, usando irregularidades e surpresas para provocar mais emoção no espectador. O documento também explica diferentes tipos de montagem como rítmica, tonal, harmônica e intelectual.
El documento describe las diferentes formas en que se puede representar el tiempo en el cine, incluyendo de forma lineal, abreviada, avanzando o retrocediendo en el tiempo, así como las clasificaciones de tiempo real, fílmico y de filmación. También explica conceptos como adecuación, distensión, condensación y elipsis, la cual puede ser inherente, expresiva, estructural u de contenido.
This document discusses single camera techniques for television and film production. It begins by explaining that single camera productions allow for more creative control by the director since each shot is set up and filmed individually. It then covers key aspects of single camera production like camera usage, lighting, sound, coverage, and editing. Single camera allows lighting and sound to be tailored for each shot, but it requires scenes to be filmed from multiple angles, increasing production time and costs compared to multi-camera productions. Effective coverage of a scene from varied shots and angles is important for the editing process. Overall, single camera techniques provide more realism and flexibility for visual storytelling but require more time and resources than multi-camera.
El documento describe diferentes tipos de planos, ángulos y movimientos de cámara que se pueden usar en la animación. Explica que los planos dividen la secuencia para un mejor control y planeación, mostrando las acciones de los personajes y su relación con el entorno. Describe planos como el general, medio y primer plano, así como ángulos como el horizonte, picado y contrapicado. También cubre movimientos de cámara como el tracking, panorámico, zoom, barrido y shake.
El documento presenta una introducción al lenguaje audiovisual y la composición cinematográfica. Explica la historia del cine desde los hermanos Lumière, pasando por Méliès y la Escuela de Brighton. Luego describe elementos como planos, encuadres, movimientos de cámara y continuidad. El objetivo es comprender la gramática del lenguaje audiovisual y cómo transmitir significado a través de imágenes y sonidos en la pantalla.
El documento describe la evolución histórica de las técnicas de representación espacial en el arte visual, desde las pinturas rupestres hasta el arte abstracto moderno. Se analizan diferentes enfoques como la unidad aislada, la relación de tamaños, la perspectiva lineal y múltiple, el análisis espacial del objeto y la abstracción geométrica. El objetivo ha sido encontrar formas de ordenar la percepción del espacio, la profundidad y el movimiento a través de la interacción dinámica de elementos como la lí
1) A narrativa clássica de cinema segue princípios como causalidade, personagens com metas e motivações claras, e estrutura em quatro atos.
2) Ela busca guiar o espectador de forma clara e coerente através de técnicas como montagem e enquadramento.
3) Embora alguns filmes sejam mais complexos, a maioria dos filmes hollywoodianos ainda segue os princípios básicos da narrativa clássica.
Este documento describe elementos escalares de la imagen como la proporción, la regla de los tercios y la escala. Explica que la regla de los tercios divide la imagen en tercios para situar los puntos de interés en las intersecciones. También cubre cómo representar varios puntos de interés opuestos en diagonal y cómo la escala reduce el tamaño de los motivos más lejanos para crear perspectiva.
Análisis de los 8 sintagmas de Metz en la película "Terapia de Riesgo"Daniel González
Este documento describe diferentes tipos de técnicas cinematográficas como planos secuencia, insertos, sintagmas y secuencias. Explica cómo estas técnicas se usan para crear continuidad o discontinuidad en la narración de una película a través de ejemplos específicos de escenas.
El documento describe diferentes técnicas de iluminación para la fotografía, incluyendo Rembrandt, Split Light, Broad Light, Butterfly y Loop Light. Explica cómo posicionar y configurar las fuentes de luz, el diafragma de la cámara, la velocidad de obturación y la ISO para cada técnica. El objetivo es lograr diferentes efectos en los retratos fotográficos mediante el uso estratégico de la luz.
El documento resume la modalidad expositiva del documental según la clasificación de Bill Nichols. Esta modalidad se dirige directamente al espectador a través de intertítulos o voces que exponen una argumentación. Utiliza elementos como entrevistas y testimonios para respaldar la perspectiva y argumentación del realizador de manera objetiva. El espectador espera que el documental expositivo resuelva un problema o enigma a través de la argumentación del realizador.
O documento fornece instruções sobre os principais conceitos de produção de um curta-metragem, incluindo roteiro, filmagens e edição. No roteiro, discute-se a definição da ideia central, o ponto de vista e as cenas e personagens. Nas filmagens, destacam-se conceitos como enquadramento, regra dos terços e tipos de planos. A edição é descrita como a organização dos trechos filmados em blocos narrativos.
1) O documento discute a escola soviética de cinema e seus principais teóricos e cineastas, como Lev Kuleshov, Vsevolod Pudovkin, Sergei Eisenstein e Dziga Vertov.
2) A escola soviética via o cinema como uma ferramenta para a educação política e propaganda após a revolução de 1917.
3) Os teóricos desenvolveram técnicas de montagem cinematográfica para transmitir ideias e significados através da associação e relação entre planos.
Single camera productions differ from multi-camera productions in their use of cameras, lighting, sound, editing, and genres. With single camera, the director has more control over camera movement to set the mood and get viewers more involved in the scene. Lighting can also be used to create different tones. Sound editing is more complex as it needs to blend shots seamlessly. Editing takes longer without multiple angles to choose from. Common single camera genres include period dramas, crime dramas, horror, and comedy, as they benefit from the sense of realism and ability to set mood that single camera allows.
Este documento describe los diferentes elementos de la composición en imágenes audiovisuales, incluyendo líneas verticales, horizontales, diagonales y curvas, el uso del espacio vacío, la regla de los tercios y el concepto de simetría vs asimetría. Explica cómo cada elemento afecta la sensación transmitida y recomienda evitar el exceso de cualquier elemento para mantener el interés del espectador.
El documento proporciona información general sobre los principios básicos de la iluminación escénica. Explica las propiedades controlables de la luz como la dimensión, selectividad y atmósfera, y recomienda el emplazamiento de los proyectores. También describe los pasos iniciales en el diseño de la iluminación con un número creciente de proyectores, y los documentos necesarios para planificar la iluminación de una producción como el plano, las hojas de dirección y efectos, y la ficha técnica.
El documento resume los elementos fundamentales del cine y el teatro. En el cine, explica conceptos como el fotograma, los planos, los movimientos de cámara, el montaje y otros. En el teatro, describe los códigos verbal, paraverbal y no verbal, y cómo estos se usan en la interpretación de personajes y la comunicación escénica.
El documento describe diferentes códigos de la imagen como la composición, profundidad, iluminación y color. Explica que la ubicación y tamaño de los elementos influyen en la lectura de la imagen, que los objetos más cercanos al espectador tienen mayor importancia, y que los juegos de luz y colores producen efectos en la imagen y espectador.
Este documento presenta un guion técnico para un video sobre Internet y la Web. Contiene 40 secciones que describen las imágenes, texto, audio y efectos de transición para cada parte del video. El guion proporciona instrucciones detalladas sobre el contenido y formato de cada sección con el objetivo de explicar conceptos clave sobre Internet y la Web.
El documento describe los componentes básicos de un guión audiovisual. Explica que un guión es un texto en construcción constante que describe las imágenes y sonidos que se verán en la pantalla a través de diálogos, acciones, y acotaciones. También define conceptos como secuencia, escena, planos, ángulos de cámara y los diferentes movimientos que puede hacer una cámara.
El documento resume los conceptos fundamentales del montaje cinematográfico, incluyendo definiciones de montaje, moviola, montaje digital, conceptos como lineal y paralelo, y técnicas como elipsis, flashback y flashforward. Explica que el montaje es el proceso de seleccionar, ordenar y combinar imágenes y sonidos para dar forma a una película.
El documento habla sobre los storyboards y los diferentes tipos de planos cinematográficos. Explica que los storyboards son ilustraciones secuenciales que guían una historia o película antes de filmarse. Luego describe los diferentes tipos de planos como el plano general, plano medio, primer plano y más. También habla sobre TVPaint Animation, un software de animación y storyboarding.
Este documento describe los elementos fundamentales del lenguaje cinematográfico, incluyendo tomas, escenas, secuencias, planos, angulaciones de cámara y tipos de movimiento. Explica que una toma es un solo disparo de cámara, mientras que las escenas y secuencias dividen una película en partes narrativas. También detalla los diferentes tipos de planos, como primer plano, plano medio y plano general, y cómo crean significado. Finalmente, brinda una introducción al montaje, o la edición de las tomas
Este documento describe los seis tipos básicos de planos utilizados en la producción de videos y películas: plano de detalle, primer plano, plano medio, plano americano, plano general y espacio off. Cada plano se diferencia por la porción del cuerpo humano u otros objetos que encuadra y sirve para enfocar la atención en diferentes elementos visuales o emociones.
Este documento describe los diferentes tipos de planos utilizados en el lenguaje audiovisual, incluyendo planos de detalle, primer plano, plano medio, plano americano y plano general. Cada plano se diferencia por lo que encuadra y determina el centro de atención de manera distinta. También introduce el concepto de espacio off, que es aquello que no aparece en la pantalla pero cuya existencia se sugiere a través del sonido o las miradas de los personajes.
Este documento presenta una clase sobre preproducción de cine y televisión. Explica conceptos básicos como protagonista, antagonista y conflicto. Luego define términos como elipsis, clímax, escena, secuencia y toma. Finalmente, detalla las etapas de la preproducción como la idea, el story line, la sinopsis, los personajes, el argumento y el guión literario.
Este documento describe diferentes conceptos clave para la producción audiovisual como secuencias, planos, ángulos y movimientos de cámara. Explica elementos como escenas, secuencias, planos secuencia, y diferentes tipos de planos, ángulos, puntos de vista y movimientos de cámara. También describe formatos de guiones y transiciones entre escenas.
El documento introduce el lenguaje del cine. Explica que el cine es un arte, industria, espectáculo y medio de comunicación. Describe los diferentes tipos de planos cinematográficos como primer plano, plano general y plano medio. También explica los diferentes ángulos de cámara como picado, contrapicado y vista normal.
Este documento describe los elementos básicos del lenguaje cinematográfico como los tipos de planos, movimientos de cámara, continuidad, y ritmo. Explica los diferentes tipos de planos como planos generales, medios, primeros planos y detalles. También describe varios movimientos de cámara como panorámicas, travellings, zoom y steadycam. Además, explica la importancia de la continuidad entre planos y el concepto de eje escénico. Finalmente, habla sobre cómo la duración y sucesión de
B Elementos formales y capacidad expresiva de la fotografia y el audiovisual....Fotos3
1) El documento describe diferentes tipos de planos y ángulos de cámara según la escala y la distancia focal. 2) Incluye planos como el plano general, plano medio, primer plano y plano de detalle, así como ángulos como el cenital, normal y contrapicado. 3) También explica diferentes movimientos de cámara como el travelling, zoom y panorámica y cómo se usan para generar efectos narrativos.
El documento presenta una introducción al lenguaje cinematográfico. Explica que la cinematografía se refiere al proceso de plasmar ideas, acciones y emociones en una película usando técnicas como el encuadre, los tipos de planos, las angulaciones y los movimientos de cámara. También define conceptos clave como secuencia, escena, toma, relación de aspecto y función de los diferentes elementos en la forma fílmica de una película.
Este documento describe los elementos básicos del lenguaje cinematográfico como los diferentes tipos de planos, los movimientos de cámara como paneos, travellings y zoom, y la continuidad entre planos. Explica planos como el general, medio y primer plano y cómo transmiten información. También describe varios tipos de movimientos de cámara como rotación, traslación y zoom, y cómo afectan a la narración y perspectiva.
Este documento describe diferentes técnicas de fragmentación del espacio escénico en el cine, como la secuencia, escena, plano y toma. Explica que una escena transcurre en el mismo espacio y tiempo, mientras que una secuencia puede incluir rupturas espaciales o temporales pero forma una unidad dramática. También define diferentes tipos de planos según el encuadre, angulación, tamaño y movimientos de cámara como travellings y zooms. Por último, explica conceptos como campo, fuera de campo y composición de la imagen.
El documento describe los conceptos de tiempo en el cine, incluyendo el tiempo real, tiempo fílmico y tiempo de filmación. También explica los conceptos de continuidad cinematográfica, como la coherencia entre planos, y los errores que pueden ocurrir cuando se rompe la continuidad, como cambios en la ropa o accesorios de los personajes. Finalmente, discute conceptos como el eje de cámara y la relación entre el plano y su contraplano correspondiente.
Este documento describe los conceptos básicos de planos, ángulos y movimientos de cámara en el lenguaje audiovisual. Explica que un plano es la unidad mínima captada por la cámara y define diferentes tipos de planos como el plano de detalle, primer plano, plano medio y plano general según la cantidad de contenido mostrado. También describe diferentes ángulos de cámara como el normal, contrapicado y picado, así como movimientos de cámara con y sin desplazamiento como el travelling, grúa
La primera oración describe las técnicas de fragmentación del espacio escénico en cine y las divide en secuencia, escena, plano y toma. La segunda oración explica que la secuencia es la unidad dramática de espacio y tiempo, mientras que la escena es un bloque de acción dramática. La tercera oración indica que el plano es la unidad narrativa mínima determinada por la posición y movimiento de la cámara.
El documento define los conceptos básicos del lenguaje cinematográfico como el plano, la escena y la secuencia. Explica los diferentes tipos de planos como el plano de detalle, primer plano, plano medio, plano americano y plano general. También describe los movimientos de cámara como el paneo, travelling y dolly. Finalmente, cubre conceptos como los ángulos de cámara como el holandés y contrapicado.
(PA3) Clase 20 termino de la 2da etapa y secuencia, planos y angulosClub Docente Digital
El documento presenta varios trabajos requeridos para la segunda etapa de un proyecto, incluyendo la creación de una historia interactiva ("Bubble de la polimedia"), una línea de tiempo narrativa ("StoryLine"), una secuencia de ideas ("Secuenciado"), una historia explicativa ("Cuenta explica"), y un planteamiento inicial. También incluye información sobre formatos de guion, planos cinematográficos, ángulos de cámara, movimientos de cámara y transiciones para la producción audiovisual.
El documento presenta una serie de preguntas y consideraciones sobre la composición y estructura de documentales cinematográficos. Aborda temas como la selección de temas, el enfoque narrativo, el uso de planos, ángulos, movimientos de cámara, relación entre imagen y sonido, y formas de finalizar el documental.
El documento describe los lenguajes audiovisual y cinematográfico. El lenguaje audiovisual integra elementos visuales y sonoros para comunicar mensajes a través de la interacción entre sonido e imagen. El lenguaje cinematográfico se basa en proyectar fotogramas para narrar historias en movimiento con sonido. Explica elementos como el fotograma, planos, movimientos y angulaciones de cámara que permiten contar historias en el cine.
El documento describe la evolución del lenguaje cinematográfico desde sus inicios hasta el desarrollo de una gramática propia. Los primeros cineastas simplemente filmaban escenas cotidianas desde un punto de vista fijo, pero luego empezaron a usar planos de diferentes tamaños y perspectivas. Directores como Méliès, la Escuela de Brighton y Zecca comenzaron a usar técnicas narrativas como primeros planos y historias de ficción. Más tarde, Griffith perfeccionó el montaje y otros recursos para crear un lenguaje cinematográ
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe tres tipos de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos (de detalle, primer plano, plano medio, etc.), reglas del montaje, transiciones entre planos y técnicas de iluminación y movimiento de cámara. El objetivo es proporcionar una introducción básica a los conceptos y herramientas fundamentales de la producción audiovisual.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe los tres tipos principales de obras audiovisuales (documental, ficción y creación), los diferentes tipos de planos y ángulos de cámara, y conceptos básicos de iluminación y montaje. Explica que los documentales buscan capturar la realidad, las ficciones recrearla de forma manipulada, y las obras de creación reflexionar sobre el arte audiovisual. Además, define planos como detalle, primer plano, medio y general, y ángulos como perpendicular, picado y contrapicado.
Este documento describe la evolución de la web desde la Web 1.0 hasta la Web 3.0. La Web 1.0 consistía en páginas estáticas que solo permitían la lectura de contenido. La Web 2.0 introdujo sitios web interactivos que permiten a los usuarios publicar y compartir contenido. La Web 3.0, también conocida como Web Semántica, usa formatos como RDF para hacer que los datos estructurados sean accesibles y comprensibles para las máquinas.
El documento describe los diferentes tipos de guiones para películas y el proceso de escritura de guiones. Explica que el guión es la historia escrita de la película y contiene diálogos, escenas y descripciones detalladas. También describe las diferentes etapas de escritura como la sinopsis, tratamiento y guión literario/técnico. Además, explica que el storyboard complementa al guión con dibujos detallados de cada toma para ayudar a visualizar la película antes del rodaje.
El documento describe los diferentes tipos de guiones cinematográficos, incluyendo la sinopsis, el tratamiento, el guión literario y el guión técnico. Explica que el guión divide la película en secuencias y escenas, y proporciona detalles sobre diálogos, lugares y tiempos. También describe el storyboard como una herramienta visual que ayuda a los directores a planificar las tomas antes del rodaje.
Google Docs permite crear documentos y presentaciones, guardarlos en el servidor de Google para compartirlos y trabajar en equipo, o guardarlos localmente. También facilita la colaboración en tiempo real en documentos y presentaciones.
LA PEDAGOGIA AUTOGESTONARIA EN EL PROCESO DE ENSEÑANZA APRENDIZAJEjecgjv
La Pedagogía Autogestionaria es un enfoque educativo que busca transformar la educación mediante la participación directa de estudiantes, profesores y padres en la gestión de todas las esferas de la vida escolar.
ACERTIJO DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARÍS. Por JAVI...JAVIER SOLIS NOYOLA
El Mtro. JAVIER SOLIS NOYOLA crea y desarrolla el “DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARIS”. Esta actividad de aprendizaje propone el reto de descubrir el la secuencia números para abrir un candado, el cual destaca la percepción geométrica y conceptual. La intención de esta actividad de aprendizaje lúdico es, promover los pensamientos lógico (convergente) y creativo (divergente o lateral), mediante modelos mentales de: atención, memoria, imaginación, percepción (Geométrica y conceptual), perspicacia, inferencia y viso-espacialidad. Didácticamente, ésta actividad de aprendizaje es transversal, y que integra áreas del conocimiento: matemático, Lenguaje, artístico y las neurociencias. Acertijo dedicado a los Juegos Olímpicos de París 2024.
5. Ficción: Al contrario del documental, las obras de ficción no buscan la captación de la realidad sino recrearla y manipularla con el fin de narrar hechos que pueden o no haber ocurrido. El 90% de las veces no han ocurrido nunca. Este género es el más comercial y apreciado por el gran público y se basa en la capacidad de fabulación de sus autores. Dentro de la ficción encontramos diferentes géneros con sus particulares convenciones formales y narrativas: el western, el drama, la comedia, el thriller, la ciencia-ficción, etc.
6. En las obras de ficción se pretende recrear la realidad tal y como desea que la veamos el autor.
7. Creación: El objeto de este tipo de películas es el arte en sí, los fundamentos del mismo y la investigación de los procesos mismos de la obra audiovisual. El autor de una película de creación pretende crear un objeto de carácter artístico sin las limitaciones ni cortapisas que los géneros y convenciones narrativas o comerciales le puedan imponer. Suelen tener, en muchas ocasiones, una marcada vocación experimental.
8. En las obras de creación se pretende reflexionar sobre el hecho artístico audiovisual.
9. Tipos de Plano La unidad expresiva mínima (y básica) de una obra audiovisual es el plano. Cualquier narración y/o exposición audiovisual se basa en la sucesión y concatenación (cargada de sentido e intencionalidad) de planos.
10. Tipos de Plano Cada tipo de plano se diferencia de los demás por aquello que encuadra y cada tipo de encuadre determina el centro de atención y posee unas determinadas capacidades para la sugerencia emocional (basadas en la convención, esto es, en el hecho de que el espectador ya reconoce su particular gramática debido a su utilización reiterada y de forma intencionada).
11. Para ilustrar los diferentes tipos de encuadre usaremos una imagen del rodaje de "Son de mar" en la que el conocido realizador Bigas Luna dirige a sus actores. Los planos básicos son:
12. PLANO DE DETALLE (Abreviado como PD o, en ocasiones, PPP, es decir primerísimo primer plano). Es un plano muy cercano en el cual la cámara nos muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle de una persona o animal. Sirve para recalcar la presencia de una cosa (generalmente de reducido tamaño) de forma que no pase desapercibida por el espectador pues su importancia para la trama que se está contando es capital.
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14. Plano medio (Abreviado como PM). Encuadra al personaje por encima de la cintura. Nos lo muestra cercano pero nos da más pista sobre su persona (como viste) y le resta, en ocasiones, protagonismo. También permite la inclusión de más elementos en el cuadro (una segunda persona por ejemplo). Es también un plano muy televisivo (los famosos bustos parlantes de los telediarios) e ideal para mostrar conversaciones.
15. Plano americano (Abreviado como PA). También llamado plano 3/4. Encuadra al actor desde la cabeza hasta las rodillas (aprox.) y se llama americano porque se utilizó con profusión en los westerns ya que servía a la perfección para encuadrar al pistolero de turno hasta la altura a la que llegaba su pistolera atada al muslo. En este plano, además de varios personajes, pueden aparecer más detalles del entorno en el que se halla el personaje si bien el interés está en la acción que desarrolla el actor (más que en él mismo).
16. Plano general (Abreviado como PG). El personaje aparece de cuerpo entero y rodeado por su entorno. Puede o no haber más personajes. Puede ser un plano general corto (PGC) o largo (PGL o gran plano general, GPG) según la amplitud de lo que se encuadre. Un plano general largo es muy adecuado para mostrar una gran escena de batalla o un paisaje majestuoso. Necesariamente, el interés en estos planos tan abiertos tiende a abandonar las figuras de los personajes y a quedarse con el todo, con una globalidad frente a la individualidad. Sin embargo, en ocasiones, pueden ser usados como recurso expresivo para destacar, por ejemplo, la soledad de un personaje situando su pequeña figura vista a lo lejos caminado por un desierto.
17. El espacio off Aparte de estos encuadres fundamentales, un realizador debe saber utilizar el espacio off. Este espacio es aquello que no aparece en la pantalla pero cuya existencia se puede suponer y/o sugerir mediante el sonido, las miradas de los personajes, etc. Así, si vemos a un personaje mirando desde una ventana a la calle (mientras oímos gritos de muchedumbre) y éste dice "Por ahí viene la manifestación", sin necesidad de mostrar nada más, el espectador completará en su mente el resto. Relacionado con esto, se halla el concepto de "cuarta pared", es decir, aquella que separa al espectador de la acción que está contemplando.
18. Fundamentos teóricos del montaje El montaje es el final de un proceso, pero hay que pensar en él prácticamente desde el principio. Como se suele decir hay que "rodar para montar". Esto quiere decir que a la hora de rodar hay que prever todos los planos que nos harán falta después en la mesa de montaje u ordenador.
19. REGLAS DEL MONTAJE 1.-La regla de la gradación de escala 2.-La regla de los 90º 3.-La regla del salto de eje
21. REGLAS DEL MONTAJE La regla de la gradación de escalaEs esta una regla sumamente sencilla que, sin embargo, se salta a la torera con demasiada frecuencia con nefastos resultados. Se resumiría así: a un plano general largo (un paisaje) no le puede seguir un primerísimo plano (por poner un ejemplo) de un rostro. Deben intercalarse planos de escala intermedia entre ambos porque sino el salto es demasiado grande: ¿dónde estaba ese personaje en el paisaje anterior? ¿hemos cambiado de lugar?... Estas y otras preguntas pueden aparecer en la mente del espectador.
22. La regla de los 90º Si en el montaje colocamos consecutivamente dos planos de la misma escala (dos planos medios de un mismo personaje por ejemplo) estos deberán tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al menos 90º. De lo contrario, al ser planos tan parecidos parecerá que ha habido un corte o al menos un efecto extraño y desagradable para el espectador.
23. La regla del salto de eje Dos planos consecutivos deberán ser siempre tomados desde el mismo lado del eje de la acción. Por ejemplo, en una conversación y durante un plano-contraplano (primero se ve a uno de los personajes de frente y al otro de espaldas y, luego, al contrario) la cámara deberá estar siempre en el mismo lado de forma que el personaje A esté siempre a la derecha y el B a la izquierda y viceversa. No respetar esta regla supone sumir al espectador en el más completo caos respecto a las coordenadas espaciales pudiendo llegar a creer que hay una tercera persona, que un personaje mira al lado contrario al hablar, etc...
24. TRANSICIONES BASICAS ENTRE PLANO Y PLAN Al corte Un plano sigue a otro directa y limpiamente. Sugiere una continuidad espacio-temporal en la acción por lo tanto hay que cuidar el raccord para no dar lugar a los "temidos" gazapos. Si cambiamos de lugar y momento de la acción mediante un corte, el plano siguiente debe ser lo suficientemente diferente como para que el espectador no piense que continúa viendo la misma escena.
25. Fundido Un plano va desvaneciéndose dejando la pantalla, generalmente, en negro (aunque es posible fundir a cualquier color). Deja claro el cambio de tiempo en la acción (a veces también de lugar). Hacer un fundido a negro para después volver a la misma escena que se desarrollaba es, por tanto, un error más que lamentable que, definitivamente, sembrará de dudas la mente del espectador.
26. Fundido encadenado Un plano va desvaneciéndose y deja lugar al siguiente que va apareciendo en pantalla. Sugiere el paso del tiempo pero de una forma menos marcada y dentro de una unidad de acción más o menos extendida en el tiempo. Por ejemplo, mediante este tipo de transición se puede mostrar la construcción de un edificio en sus diferentes fases, etc... Cada vez prolifera más por la creciente influencia del lenguaje del videoclip pero su abuso denota una mala capacidad narrativa. Resolver escena tras escena con este sistema es propio de realizadores poco talentosos.
27. Angulación y movimiento de la cámara La cámara (tanto de vídeo como cinematográfica) no tiene porque permanecer inmóvil ni esclava de su eje perpendicular. De hecho, permite grandes variaciones de angulación y movimiento tanto apoyada en un trípode o una grúa, como situada sobre un travelling o sobre el hombro del operador.
28. Hay que conocer estas posibilidades para su posterior empleo con diferentes fines expresivos. LA ANGULACIÓN 1.-Eje Perpendicular2.-Picado3.-Contrapicado4.-Angulación aberrante
30. LA ANGULACIÓN Eje perpendicular Es la más convencional y utilizada. La cámara se coloca perpendicularmente a la acción que pretende captar. Está situada a la misma altura que los personajes. Es la angulación más realista y estable.
31. Picado La cámara está situada a una altura superior a la de los personajes y los filma o graba desde arriba. Suele dar una sensación de vértigo, inferioridad del personaje que aparece, amenaza que se cierne sobre él, pequeñez del mismo, inestabilidad, etc. Esta angulación provoca que la parte superior del cuerpo parezca más grande que la inferior.
32. Contrapicado La cámara se situa a una altura inferior a la de los personajes y los filma desde abajo. Se suele emplear para dar una apariencia colosal a los personajes o conferirles un halo de superioridad o sugerir que se hallan (físicamente) a una mayor altura que los otros actores. El cuerpo filmado de esta forma adquiere una estructura triángular con la cabeza como vértice superior que se achata progresivamente. Su abuso o uso inadecuado (o demasiado pronunciado) suele resultar un tanto ridículo ya que deforma la figura.
33. Angulación aberrante No se emplea demasiado salvo en video-clips o cuando se pretende provocar sensaciones muy concretas y, habitualmente, extremas o desconcertantes. La cámara se ladea lateralmente además de por encima o debajo de la perpendicular produciendo un punto de vista insólito y que sugiere inestabilidad, ruptura, desequilibrio...
34. EL MOVIMIENTO Existen dos movimientos básicos de cámara (panorámica y travelling). Mover la cámara porque sí carece de sentido y confunde al espectador. Un movimiento de cámara siempre debe llevarnos de un punto de interés a otro. Si abandonamos a un personaje para realizar una panorámica que acaba en una piedra, mejor será que esa piedra sea pertinente en la acción porque de lo contrario habremos perdido el tiempo y se lo habremos hecho perder al espectador.
35. Panorámica La cámara efectúa un movimiento de rotación, es decir, gira sobre su propio eje horizontal, sobre sí misma en definitiva. Las panorámicas pueden ser meramente descriptivas, es decir, servir para mostrar el entorno en el que se desarrolla la acción pero, por definición, deben conducirnos de un punto de interés relevante que sirva a la narración a otro.
36. Travelling La cámara efectúa un movimiento de traslación, es decir cambia su situación sobre el suelo (o en relación a dondequiera que esté). Este movimiento se denomina así porque habitualmente se realiza colocando la cámara sobre unas vías sobre las cuales se mueve. Dicho ingenio se llama travelling. También se puede realizar desde una grúa o sobre cualquier otro soporte. Sirve para seguir el movimiento de un objeto de interés (una persona, un vehículo...) a su misma velocidad.
37. Cámara al hombro Ambos movimientos (panorámica y travelling) se pueden realizar cámara al hombro lo cual confiere garra y frescura a la narración si bien el aspecto temblón de la imagen puede no ser plato de gusto para todos los espectadores. Existen variantes de estos movimientos como el travelling subjetivo en el cual el cámara (con el camascopio al hombro o mediante steady-cam) camina o corre y simula que lo que vemos es lo mismo que ve el personaje.
38. El zoom Se puede simular un travelling de acercamiento o alejamiento (también llamado plano de avance) mediante el zoom de la cámara. Sin embargo, este recurso da como resultado un efecto muy poco realista. La perspectiva no cambia, simplemente conseguimos hacer más grande una porción de la imagen.
39. El uso del zoom debe limitarse al mínimo y a ser posible nunca utilizarlo dentro de un plano. El zoom sirve para variar la distancia focal de la lente sin tener que cambiarla. Es mucho más eficaz y realista el uso de un "dolly" (el trípode de la cámara va sobre ruedas). Con esto se consiguen maniobras de acercamiento y alejamiento con cambio de perspectiva.
40. La iluminación. Elementos fundamentales Elementos fundamentalesIluminación de una superficie plana Para la iluminación de una superficie plana la luz más adecuada es una de haz concentrado que permita dirigir la iluminación. Para evitar sombras, reflejos y evitar que se pongan de relieve irregularidades de la superficie normalmente se utilizan dos fuentes de luz opuestas en 45 grados. Una luz suave, siempre que sea posible disminuye todos estos efectos.
41. ILUMINACIÓN DE UN OBJETO Luz principal. Es la luz principal o dominante en el sujeto. No es necesariamente la más brillante. Es la luz que modela, forma y define el sujeto. Si una persona tiene una sola luz sobre ella, es por definición la principal. Esta es una luz "predominante", por lo general de haz concentrado, que se suele colocar en una posición frontal y cruzada ( aunque no necesariamente ). Esta luz crea las sombras principales; pone de manifiesto la forma, la disposición y la textura de la superficie, e influye ampliamente en la exposición.
42. Luz de rellenoEs una luz suave y que no produce sombras, reduce el contraste entre las partes más iluminadas y las más oscuras, permitiendo que se vea el detalle en las sombras. Cualquier luz que equilibre la luz principal se denomina de relleno. ContraluzEs una luz rebordeadora desde detrás del sujeto, que lo separa del fondo. Ayuda a poner de manifiesto los contornos y la transparencia. Luz de ambienteEl ambiente es o una luz base envolvente sobre la que nosotros iluminamos o una luz general, un relleno sin dirección fija. El ambiente en exteriores puede ser la luz de día reflejada por el cielo y los alrededores. En una sala el ambiente puede ser un relleno general, rebotando una luz contra un techo blanco.
43. Tipos de luz en función de su dispersión Luz suave Es una iluminación difusa y sin sombras que se obtiene mediante fuentes de luz amplia, luz reflejada sobre un área extensa o cielo nublado. Produce gradaciones tonales intermedias delicadas y sutiles. Puede iluminar las zonas sin generar nuevas sombras adicionales. Sus inconvenientes son que se esparce por todas partes, esto es, no se puede dirigir. Puede crear una iluminación plana, aplastada y carente de relieve.
44. Luz dura Es una iluminación muy direccional que produce sombras pronunciadas. Se obtiene con fuentes de iluminación puntuales o con luz directa del sol. Este tipo de luz produce un efecto de recorte del sujeto neto y bien definido, sin embargo el paso de la parte luminosa a la oscura es muy abrupto y seco. Puede, por tanto, producir sombras poco atractivas y falsas. Aparecen sombras múltiples cuando el sujeto se ilumina con más de una fuente luminosa.
45. Luz rebotada o indirecta Es una iluminación indirecta que complementa a la luz principal y que incide en el sujeto rebotada contra un reflector (un panel blanco, papel de plata...).
46. El sonido Cuando se prepara el rodaje (grabación en nuestro caso, ya que trabajamos en vídeo) de un cortometraje, documental o videocreación, normalmente, un director amateur cuidadoso intenta prestar atención al menor de los detalles:
47. Se rodea de un buen equipo. Intenta contar con la mejor cámara que pueda conseguir. - Junto al equipo de producción (que a menudo se reduce a sí mismo), alquila los focos, crea los decorados y consigue el atrezzo y el vestuario. - También diseña un buen storyboard que asegure un rodaje fluido en el que ningún plano necesario se quede en el tintero. - Trabaja con los actores para que sus interpretaciones se acerquen lo más posible a lo que tiene en mente...
48. Solución ante un sonido nefasto: Volver a grabar los planos (cosa imposible casi siempre por motivos de tiempo y dinero) o doblar el cortometraje, lo que le quitará frescura y alejará el resultado final de lo que nosotros queríamos.
49. No grabes directamente con el micrófono de la cámara. Las cámaras digitales también hacen ruido y queda registrado. Tal vez, en un plano muy cercano pueda servirte pero, en un plano general, grabarás todo tipo de sonidos y con suerte, entre ellos, la voz de tus actores. Utiliza un micro direccional conectado a la cámara y sujeto en una pértiga que permita dirigirlo a los actores y captar con nitidez sus voces. Para planos muy generales, que delatarían la presencia de la pértiga, usa micros escondidos o inalámbricos. Si es posible, además, pasa la señal de audio por una mesa de mezclas y grábala en un DAT.
50. Los auriculares son imprescindibles. Una cosa es lo que nosotros oímos en el set de rodaje y otra es lo que registra el micrófono. Lo que se oye por los cascos "va a misa". El operador de sonido debe ir siempre provisto de auriculares. De lo contrario, su opinión sobre si una toma es buena o no, a nivel de sonido, será tan poco de fiar como la del responsable de catering.
51. Los sonidos especiales, se añaden en postproducción. 1ª forma: Los actores hablan, la gente habla y tu micrófono recoge el sonido de ambos. Resultado: en la mayoría de los casos, se oirá un ruido ininteligible, a no ser que utilices varios micrófonos y tras varias pruebas consigas el nivel de volumen óptimo en el murmullo de los clientes del bar. Desventajas: se pierde mucho tiempo y si sale mal, estás vendido (no quedándote otra opción que recurrir al temido doblaje).
52. 2ª forma: Los actores hablan, la gente finge que habla y tu micrófono recoge el sonido de los actores. Resultado: tendrás una conversación grabada nítidamente. Después, sólo tienes que grabar aparte el murmullo de la gente, ponerlo de fondo et voilà... la magia del cine triunfa una vez más.
53. Para crear sonidos especiales, dispones de excelentes bibliotecas de sonidos libres de derechos, en las que puedes encontrar prácticamente cualquier cosa que se te pase por la cabeza: desde el estruendo de un avión a reacción al aleteo de un colibrí. Si te gusta el bricolaje sonoro, tu mismo puedes "fabricar" tus propios efectos especiales de sonido haciendo uso de tu imaginación (si unos cocos pueden simular el trote de un caballo, un plástico arrugado con habilidad puede pasar perfectamente por el crepitar de unas llamas....).
54. La música tiene un valor expresivo No hagas videoclips si lo que pretendes es contar una historia en formato corto. La música no es un relleno sino que sirve para subrayar estados emocionales dentro de tu narración. Si es posible, intenta que sea original. Si conoces algún músico, cuéntale tu historia, dile que quieres expresar en cada momento y confía en que sea capaz de trasladarlo a un pentagrama. Si no te queda más remedio o necesitas una canción concreta porque es fundamental en tu historia, utiliza música ya existente pero cuidado: ponte en contacto con el dueño o representante de sus derechos de autor para que te permita usarla.