El documento presenta reglas y conceptos clave para la dramatización en el cine. Explica que la dramatización es un procedimiento narrativo que le da fuerza a las ideas y que consiste en tratar cualquier acontecimiento o situación de forma dramática para que se pueda seguir con emoción. Luego describe algunas reglas como la concentración, emocionalización e identificación del espectador con el personaje principal. Finalmente, menciona otros procedimientos como el diálogo dinámico, el uso sugestivo del tiempo y la estilización de escenas a

1. Reglas de la
Dramatización
Para el cine
Marcelo Aguilar

2. Como estructurar las construcciones ficcionales
Marcelo Aguilar

3.  La situación dramática o mejor dicho la dramatización, es uno de los los
procedimientos narrativos que constituyen el proceso de realización de un guion y
mejor aún es lo que le otorga fuerza a cualquier idea inspiradora.
 Un procedimiento, puesto al desnudo, tendrá a veces un aspecto solapado. En la medida
en que su función sea esconderse detrás de un resultado para producir un efecto, evita
de esta manera hacerse notar.

4.  Siempre hay una poética e incluso una estética del procedimiento de una narración, (ej.:
el niño que vuelve a pedir que le cuenten el mismo cuento porque esta cautivado por la
narración, mucho más que por la historia que ya le fue develada en la 1º vez).
 Recordamos también que para un guion, el detalle es tan importante, como lo es, las
grandes ideas generales.
Marcelo Aguilar

5. REGLAS:
 -No basta con relatar un acontecimiento sorprendente en sí
mismo, o un suceso real, para conseguir un drama; hay que
dramatizarlo. Por este motivo a veces muchas adaptaciones
cinematográficas de sucesos caen en la trampa de confiar
en demasía en el poder dramático de los acontecimientos
relatados, ya que a lo ocurrido realmente se le olvida de
darle una lógica dramática interna.
 -Un acontecimiento de lo más anodino en sí,
convenientemente dramatizado, puede seguirse con
emoción
La dramatización es un tratamiento que se puede aplicar a cualquier acontecimiento,
situación, anécdota (ficticia o real) para hacerla funcionar en forma dramática y que se
pueda seguir con emoción. De esto se deriva dos reglas:

6. REGLAS DE DRAMATIZACIÓN
 1-Concentración: con el fin de dar mayor
unidad a la historia y de adaptarse, además, al
grado de información asimilable por un
espectador.
 2-Emocionalización: no se contará la historia
de forma neutra, sino de manera que suscite
una participación emocional, que pueda pasar
por una identificación con el personaje
principal, sujeto de la historia. Por otra parte,
este acontecimiento deberá poner una prenda
en juego. Algo que ganar o que perder.
Los posibles trabajos que se pueden hacer sobre un suceso para dramatizarlo son:

7. REGLAS DE DRAMATIZACIÓN
 3-Identificación: exagerando los
sentimientos y las situaciones vividas.
 4-Jerarquización: se iluminarán las cosas
importantes, en relación con detalles que
quedarán como decorado o adorno; no se
contará todo de la misma manera, es
decir, con el mismo grado de importancia.
En ese sentido, el relato estará
estructurado: se dividirá en varias partes,
diferenciado los elementos y poniéndolos
en diferentes planos. No es un narrador
aquel que no elige y que lo cuenta todo al
mismo plano.

8. REGLAS DE DRAMATIZACIÓN
 5-Creación de una línea, de una curva: la narración
seguirá una proyección, se apoyará en tiempos fuertes,
obedecerá a una determinada curva (ascendente en
principio).

9. REGLAS DE DRAMATIZACIÓN
No es necesario ni obligado, utilizarlas todas al mismo tiempo. A veces más vale no
utilizarlas todas.
En la medida que veamos sus modalidades, variantes de acceso y combinaciones,
estas reglas pueden dar variaciones infinitamente.
Marcelo Aguilar

10. Alguno de estos procedimientos, por ejemplo: el diálogo debe ser dinámico y no estático,
no debemos pensar solo en la réplica como única respuesta, pude tener silencios u ausencia
de réplica; debe ser emocional y no solo racional, puede llevar hasta dudas e interrupciones.
Se supone que el diálogo debe reflejar al personaje. Y él y los mismos no tiene que decirlo
todo, el equilibrio debe estar entre la acción y lo dicho.
Otros procedimientos de dramatización pueden ser el sobreentendido, la complicidad, la
alusión, jugar con la verdad y la mentira, la importancia de los nombres, el cambio de
actitud de un personaje en determinado momento, la descripción desarrollada durante un
lapso largo de tiempo de los avatares de un personaje. Además también se puede caracterizar
a través de los accesorios que posea y se muestre de un personaje, trabajando así desde el
contexto y no desde el texto. Una herramienta a trabajar es el tiempo como significación, a
través del transcurrir del mismo y las acciones y reacciones que genere. El uso del antes y del
después. Los lapsos del tiempo a través de lo mostrado o lo sugerido en tiempo real, o las
elipsis, no como supresión, sino como elemento del enigma. La estilización del tiempo para
narrar lo importante de forma lineal o de promover juegos de idas y vueltas entre presente
pasado y futuro e incluso hacernos perder en la narración cual es el verdadero presente, por
ejemplo “Memento”.

11. Metz distingue tres sintagmas frecuentativos (o sea un proceso completo comprimido en
algunas muestras):
 El sintagma frecuentativo lleno (mezcla de imágenes sin ideas de sucesión).
 El sintagma semi-frecuentativo (evolución continua con progresión lenta).
Bullit
Manifesto
Marcelo Aguilar

12.  El sintagma yuxtapuesto (breves evocaciones que remiten a acontecimientos
pertenecientes a un mismo orden de realidad) Este era muy usado en el cine mudo por
razones concretas como la ausencia de sonido real.
 Además hablaba de un sintagma descriptivo creado por una coexistencia espacial y
que no supone una disposición temporal.
Metropolis
2001
Marcelo Aguilar

13. Bonus track 1: Diferencias en la
actuación entre el teatro y el cine
1- Comiencen por tener claro que en cine se actúa totalmente de manera contraria que en el teatro, en
vez de expresar hay que interiorizar, en vez de exagerar hay que simplificar y en vez de recordar la
siguiente frase hay que olvidarla.
2- En teatro el espectador lo ve siempre de cuerpo entero, en cine abundan los primeros planos, por lo
cual en una pantalla grande su imagen es muchas veces mayor al tamaño natural y el mínimo matiz
de cada uno de sus gestos es magnificado.
3- La voz en teatro debe alcanzar hasta la última fila de la sala (30 metros por ejemplo). En cine el
espectador está donde se encuentra la cámara (1 metro por ejemplo). Por lo tanto nuestro volumen de
voz debe ser el mismo que utilizaríamos al hablar con una persona que está a 1 metro de distancia.
4- En teatro el actor posee libertad de movimiento, aunque tenga referencias o marcas, si no llega
exactamente a ellas no es grave. En cine el actor debe controlar sus movimientos en todo momento,
tan solo unos centímetros fuera de la marca establecida hace que el actor no aparezca perfectamente
en cámara.

14. Diferencias en la actuación entre el
teatro y el cine
5- Los gestos en teatro tiende a ser más exagerados, en cine cualquier gesto grandilocuente se ve feo e
incluso de mal gusto. La cámara no permite engaños, un ademán desmesurado resulta superfluo.
6- En teatro el actor interactúa con otros personajes, recibe sus estímulos y energía. En cine el actor
normalmente actúa solo, al menos que el otro personaje aparezca en cámara. Por esta razón todos los
estímulos se los debe imaginar el actor.
7- Cuando un actor interpreta para teatro comienza y termina, vive todo el proceso del personaje. En
una película el actor comienza rodando el final, luego el comienzo y por último el medio (la película
se rueda de forma fragmentada por necesidades de producción), por esta razón el actor no vive ese
proceso y debe ubicar sus emociones dependiendo de la escena.
8- Para el teatro es importante saber, decir e interpretar bien el texto, para el cine lo más importante es
la sencillez, simplificar, ser lo más cercano a la realidad.
9- En Teatro se puede ofrecer una interpretación. Delante de la cámara más vale tener una
experiencia.

15. Bonus track: CONCLUSIÓN
Como punto de partida se impone esta cuestión: ¿de qué modo los nuevos medios transforman el
dispositivo del cine en sus dimensiones primordiales: la arquitectónica (condiciones de proyección
de las imágenes), la tecnológica (producción, edición, transmisión y distribución de las imágenes)
y la discursiva (découpage, montaje, etc.)? ¿Cómo es que esas experiencias crean nuevos
desplazamientos o puntos de fuga con relación al modelo de representación instituido? Como
punto de llegada sostenemos la apuesta de que la noción de dispositivo nos permite repensar el
cine, evitando fragmentaciones y determinismos tecnológicos, históricos y estéticos. Al contrario
del cine dominante, muchas obras cinematográficas reinventan el dispositivo cinematográfico, sea
multiplicando las pantallas y explorando otras duraciones e intensidades, sea transformando la
arquitectura de la sala de proyección y tendiendo otras relaciones con los espectadores. Cuando
hablamos hoy de las transformaciones en curso en el cine, cada vez más, somos llevados a
problematizar el dispositivo en lo que hace a sus aspectos conceptuales, históricos y técnicos. Por
otro lado, asistimos claramente al proceso de transformación de la teoría cinematográfica, esto es,
de una teoría que ya no piensa la imagen como un objeto, sino como acontecimiento, campo de
fuerzas o sistema de relaciones que pone en juego diferentes instancias enunciativas, figurativas y
perceptivas de la imagen.
Marcelo Aguilar

16. Bonus track
 Terciopelo azul con subtítulos
 youtube.com/watch?v=HWccWx0AqXk&app=desktop
 Lost higway con subtítulos
 https://www.youtube.com/watch?v=gIZ-LRCa5Vs
 Entrevista David Lynch
 https://www.youtube.com/watch?v=pPial9mu-RI