1. ANÁLISIS DE POEMAS PRESCRITOS PARA SELECTIVIDAD 2012-13
GARCÍA LORCA
Biografía
Federico García Lorca nació en Granada en el seno de una familia de buena posición.
Desde pequeño destacó por su imaginación, su talento para escribir y su gusto por la
música, clásica y popular.
Fue un destacado poeta, dramaturgo y prosista. Está adscrito a la llamada Generación
del 27 y es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura del siglo XX en
España. Como dramaturgo también se lo considera uno de las cimas del teatro español
del siglo XX.
En 1918 publicó su primer libro Impresiones y paisajes. Más tarde se estrenó en teatro
su obra El maleficio de la mariposa y en 1923 se pusieron en escena sus comedias de
títeres La niña que riega la albahaca y El príncipe preguntón.
Para el teatro, Lorca compuso obras muy variadas, desde dramas surrealistas como Así
que pasen cinco años (1930) a farsas para guiñol como el Retablillo de don Cristóbal
(1928). Sin embargo, su mayor éxito le llegó en la década de los 30 con su trilogía de
tragedias andaluzas: Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) y La casa de Bernarda
Alba (1936). En ellas, Lorca pinta conflictos muy intensos y de clara raíz sexual en un
intento muy logrado de reinventar la tragedia clásica y añadirle elementos modernos.
No obstante, los elementos básicos de la tragedia griega están presentes: el coro que
anuncia la desgracia, la dignidad de los personajes, la fuerza inevitable del destino... En
líneas generales, el teatro de Lorca destaca por su intenso lirismo, por su valor
simbólico y por la mezcla de elementos cultos y populares, a estilo del teatro del Siglo
de Oro,
En poesía, después de su primerizo Libro de poemas (1921), Lorca publicó algunas
obras fundamentales de la literatura hispánica como Canciones (1927), Romancero
gitano (1928-1930), o el poema fúnebre Llanto por Ignacio Sánchez Mejías.
Lorca fue a Nueva York en 1929 huyendo de un desengaño amoroso. Allí residió en la
Universidad de Columbia y pasó una temporada amarga y a la vez reveladora. Fruto de
su estancia en Estados Unidos, surgió uno de sus mejores libros: Poeta en Nueva York
(1929). Esta obra se adscribe a su etapa surrealista y en ella funde elementos oníricos
y reales, imágenes y símbolos que intentan criticar el capitalismo y el desarrollo
industrial como elementos perjudiciales para el hombre. Luego, tras pasar una breve
temporada en Cuba, regresó a España en 1930.
Desde Madrid, donde asistió al estreno de su farsa La zapatera prodigiosa, volvió a
América en 1933, en este caso a Buenos Aires, para promocionar su teatro, que estaba
empezando a cosechar un gran éxito en todo el ámbito hispánico. Durante los años
anteriores a la Guerra Civil, desarrolló una intensa actividad literaria. A la vez, aumentó
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su compromiso con los desfavorecidos y empezó a asumir su homosexualidad, no sin
gran sufrimiento.
Finalmente, murió en 1936 tras la sublevación militar del General Franco. Por su
afinidad con el Frente Popular y su compromiso con la República Española, fue fusilado
por un grupo de falangistas incontrolados en el barranco de Víznar (Granada) Al morir,
dejó varias obras importantes inacabadas y sin publicar. Entre ellas destacan los
Sonetos del amor oscuro, en que expresa de forma muy culta y hermosa su tendencia
homosexual, y el drama surrealista titulado El público. Su figura pronto se convirtió en
un mito y en un icono cultural de la España moderna.
CIUDAD SIN SUEÑO (POETA EN NUEVA YORK)
No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie.
No duerme nadie.
Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas.
Vendrán las iguanas vivas a morder a los hombres que no sueñan
y el que huye con el corazón roto encontrará por las esquinas
al increíble cocodrilo quieto bajo la tierna protesta de los astros.
No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie.
No duerme nadie.
Hay un muerto en el cementerio más lejano
que se queja tres años
porque tiene un paisaje seco en la rodilla;
y el niño que enterraron esta mañana lloraba tanto
que hubo necesidad de llamar a los perros para que callase.
No es sueño la vida. ¡Alerta! ¡Alerta! ¡Alerta!
Nos caemos por las escaleras para comer la tierra húmeda
o subimos al filo de la nieve con el coro de las dalias muertas.
Pero no hay olvido, ni sueño:
carne viva. Los besos atan las bocas
en una maraña de venas recientes
y al que le duele su dolor le dolerá sin descanso
y al que teme la muerte la llevará sobre sus hombros.
Un día
los caballos vivirán en las tabernas
y las hormigas furiosas
atacarán los cielos amarillos que se refugian en los ojos de las vacas.
Otro día
veremos la resurrección de las mariposas disecadas
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y aún andando por un paisaje de esponjas grises y barcos mudos
veremos brillar nuestro anillo y manar rosas de nuestra lengua.
¡Alerta! ¡Alerta! ¡Alerta!
A los que guardan todavía huellas de zarpa y aguacero,
a aquel muchacho que llora porque no sabe la invención del puente
o a aquel muerto que ya no tiene más que la cabeza y un zapato,
hay que llevarlos al muro donde iguanas y sierpes esperan,
donde espera la dentadura del oso,
donde espera la mano momificada del niño
y la piel del camello se eriza con un violento escalofrío azul.
No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie.
No duerme nadie.
Pero si alguien cierra los ojos,
¡azotadlo, hijos míos, azotadlo!
Haya un panorama de ojos abiertos
y amargas llagas encendidas.
No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie.
Ya lo he dicho.
No duerme nadie.
Pero si alguien tiene por la noche exceso de musgo en las sienes,
abrid los escotillones para que vea bajo la luna
las copas falsas, el veneno y la calavera de los teatros.
COMENTARIO DE TEXTO
Ciudad sin sueño” (en Poeta en Nueva York) es un poema sobre la noche.
En un primer nivel de significado la pieza es, tal y como su subtítulo indica, un nocturno
(pieza musical de tono melancólico), pero esta no es la única “noche” que el poeta
abarca. García Lorca expone –a la vez que denuncia– el ocaso de la sociedad
norteamericana, que ha fracasado en tantos sentidos: el horror, el caos y el absurdo se
han instalado en una población sumida en la noche perpetua. La ciudad era un
“símbolo patético” del sufrimiento y de la imposibilidad del amor y el olvido para el
poeta.
El poema se hace eco de los dos ejes temáticos fundamentales de Poeta en Nueva
York: la experiencia de Lorca respecto al mundo (percibe la deshumanización global e
innumerables injusticias) y la propia introspección del autor (que se debate entre el
amor, el instinto y el deseo).
Análisis verso a verso Figuras retóricas
(Se profundiza en las partes destacadas) (En negrita)
(Primera parte)
No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie. Metáfora
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No duerme nadie. Anáfora
Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas.
Vendrán las iguanas vivas a morder a los hombres que no
Hipérbaton
sueñan
y el que huye con el corazón roto encontrará por las esquinas
al increíble cocodrilo quieto bajo la tierna protesta de los
Encabalgamiento
astros.
En un “cielo” que habla metafóricamente de los rascacielos neoyorquinos iluminados
de noche no hay lugar para el descanso o, lo que es lo mismo: es imposible conseguir
la paz o la regeneración, ya que es una urbe eternamente despierta. Las iguanas y los
cocodrilos amenazan, de alguna forma, a quienes no duermen o huyen “con el corazón
roto” (como el propio poeta).
No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie. Paralelismo sintáctico
No duerme nadie. Anáfora
Hay un muerto en el cementerio más lejano Metonimia
que se queja tres años
porque tiene un paisaje seco en la rodilla;
y el niño que enterraron esta mañana lloraba tanto
que hubo necesidad de llamar a los perros para que callase. Encabalgamiento
En esta ciudad (en este “mundo”) ni tan sólo los muertos descansan, sino que
continúan sufriendo, ya que no se vuelve a nacer en una vida nueva. Hasta un niño ya
muerto es capaz de llorar, y al yo poético no se le ocurre mejor solución que una cruel
insinuación a “llamar a los perros”.
No es sueño la vida. ¡Alerta! ¡Alerta! ¡Alerta! Exclamación retórica
Nos caemos por las escaleras para comer la tierra húmeda Metáfora
o subimos al filo de la nieve con el coro de las dalias muertas.
Pero no hay olvido, ni sueño:
carne viva. Los besos atan las bocas Encabalgamiento
en una maraña de venas recientes Metáfora
y al que le duele su dolor le dolerá sin descanso
y al que teme la muerte la llevará sobre sus hombros. Paralelismo sintáctico
Lorca desmiente inicialmente la sentencia de Calderón en La vida es sueño: para el
poeta, “no es sueño la vida”, sino un estado de permanente vigilia que le causa una
gran ansiedad, más parecida a una pesadilla constante.
Para el poeta, el color blanco de la nieve es símbolo de pureza, pero nada más
empezar la vida (o “subir al filo de la nieve”) ya se demuestra la fugacidad de ésta (ya
que nos acompaña “el coro de las dalias muertas”): no hay deseo ni es posible el
olvido. El ser humano es “carne viva”, según la interpretación de Aleixandre
estremecida por la entrega amorosa, pero también por el temor a la muerte y al dolor.
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(Segunda parte)
Un día
los caballos vivirán en las tabernas Metáfora
y las hormigas furiosas Personificación
atacarán los cielos amarillos que se refugian en los ojos de las
Metáfora
vacas.
Otro día Paralelismo sintáctico
veremos la resurrección de las mariposas disecadas
y aún andando por un paisaje de esponjas grises y barcos
Personificación
mudos
veremos brillar nuestro anillo y manar rosas de nuestra
Polisíndeton
lengua.
En los versos anteriores, el poeta propone la visión de un mundo muy distinto al que le
rodea a través de numerosas imágenes típicamente surrealistas. Los caballos son
frecuentemente en la obra de Lorca símbolo sexual y de la pasión arrebatadora: el
hecho de encontrarlos en una taberna hace de ella un lugar para la libertad y el deseo.
En este “día” hipotético, muchos seres se darán cuenta de su condición real (las
“hormigas furiosas” incluso abrirán los ojos a las vacas) y, a pesar del entorno “gris” y
“mudo”, será posible la emoción genuina: cabe la esperanza en el futuro.
¡Alerta! ¡Alerta! ¡Alerta! Exclamación retórica
A los que guardan todavía huellas de zarpa y aguacero, Vocativo
a aquel muchacho que llora porque no sabe la invención del
puente
o a aquel muerto que ya no tiene más que la cabeza y un
zapato,
hay que llevarlos al muro donde iguanas y sierpes esperan,
donde espera la dentadura del oso, Personificación
donde espera la mano momificada del niño Metonimia
y la piel del camello se eriza con un violento escalofrío azul. Sinestesia
El yo poético advierte de un día de un posible Juicio Final que ya había anunciado
anteriormente (“Un día (…) veremos la resurrección de las mariposas disecadas”) y
habla de todo aquello que la ciudad ha aniquilado (la naturaleza, los valores morales,
la inocencia) que “espera” el fin de la alienación.
No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie. Hipérbole
No duerme nadie. Anáfora
Pero si alguien cierra los ojos,
¡azotadlo, hijos míos, azotadlo! Vocativo
Haya un panorama de ojos abiertos Elipsis + Metonimia
y amargas llagas encendidas.
(Tercera parte)
No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie. Anáfora
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Ya lo he dicho.
No duerme nadie.
Pero si alguien tiene por la noche exceso de musgo en las
sienes,
abrid los escotillones para que vea bajo la luna Vocativo
las copas falsas, el veneno y la calavera de los teatros. Epifonema
La última estrofa de “Ciudad sin sueño” es absolutamente desmoralizante: después de
pedir que todos los ojos estén “abiertos” al mundo y haber hablado de la posible
resurrección de todo aquello que ha muerto, Lorca nos descubre la realidad desnuda
que se puede encontrar “bajo la luna”, que siempre tiene un influjo misterioso.
El mundo no es más que un lugar lleno de falsedad y “veneno”, y la vida y la muerte,
en Nueva York o en cualquier sitio, no son más que un teatro.
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MADRID ES UNA CIUDAD DE MÁS
Madrid es una ciudad de más de un millón de cadáveres (según las últimas
estadísticas).
A veces en la noche yo me revuelvo y me incorporo en este nicho en el que hace 45
años que me pudro,
y paso largas horas oyendo gemir al huracán, o ladrar los perros, o fluir blandamente la
luz de la luna.
Y paso largas horas gimiendo como el huracán, ladrando como un perro enfurecido,
fluyendo como la leche de la ubre caliente de una gran vaca amarilla.
Y paso largas horas preguntándole a Dios, preguntándole por qué se pudre lentamente
mi alma,
por qué se pudren más de un millón de cadáveres en esta ciudad de Madrid,
por qué mil millones de cadáveres se pudren lentamente en el mundo.
Dime, ¿qué huerto quieres abonar con nuestra podredumbre?
¿Temes que se te sequen los grandes rosales del día, las tristes azucenas letales de tus
noches?
COMENTARIO DEL TEXTO
Hijos de la ira es, tal vez, el punto más alto de una trayectoria poética distante de la de
sus compañeros de generación y del panorama poético de posguerra. Su áspera visión
del mundo irrumpe en el “garcilasismo” pastueño de la época con un inconformismo
auténtico, violento, desencantado. Hijos de la ira es un libro innovador, incluso
subversivo, por el tratamiento de temas como la muerte, la soledad o la decadencia,
vistos con un realismo descarnado y una honda repugnancia por el mundo que le
rodea. Como se aprecia en el comentario de “Insomnio”, Dámaso Alonso prescinde de
moldes clásicos y utiliza un lenguaje abrupto y desconcertante: usa registros del habla
cotidiana, palabras inusuales en poesía, metros dispares, exclamaciones, repeticiones,
etcétera. De esta manera puede el autor reflejar lo nauseabundo y deforme del mundo
mejor que con estrofas y versos clásicos. Sin embargo, el ritmo permanece
elaboradísimo y sutil para despertar en el lector los sentimientos que atormentan al
poeta.
Estos sentimientos, claro, constituyen los temas principales de “Insomnio”: el
desasosiego vital del poeta, su ansia de respuestas, su protesta airada más sincera ante
Dios. Oímos aquí el lamento de un cadáver, pues vivir es simplemente estar muerto a
la espera de esa confirmación absurda, innecesaria, que llamamos muerte. Estos
temas se estructuran con sutileza en torno a la idea de putrefacción. Hay, pues, una
gradación entre la podredumbre del poeta, de los cadáveres de Madrid y los de todo el
mundo, al compás moroso de las “largas horas”. El lector, atrapado en el arrastrarse
penoso de la lectura, descubre con pavor que no sólo se pudre el cuerpo del insomne:
él también se está descomponiendo. “Yo me pudro, pero tu carne infecta también se
hincha y pronto tus ojos y tu lengua serán estiércol para las cucarachas”, nos susurra.
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8. ANÁLISIS DE POEMAS PRESCRITOS PARA SELECTIVIDAD 2012-13
Otro análisis de la estructura nos lleva a la indignación del poeta ante Dios, actitud
filosófica fundamental en la obra de Alonso. En “Insomnio” se parte del yo poético, se
pasa por el Hombre y se llega a Dios, a quien la voz habla franqueza. El poeta parece
agarrar al Todopoderoso por la solapa y sacudirle, echarle en cara su crueldad, pero en
ningún momento reniega o se abandona al ateísmo. En la obra de Dámaso Alonso existe
Dios y sus poemas son religiosos, con tanta aspereza como devoción.
En cuanto a la métrica, destaca la longitud de los versos. El más corto es alejandrino,
el más extenso llega a las cuarenta y ocho sílabas. Dámaso Alonso elige el verso libre
para alejarse de las formas convencionales que se cultivaban en la poesía española de su
época. Como ya se ha dicho, el orden de los metros clásicos no le sirve para expresar su
opinión sobre el hombre y el mundo. Por otra parte, el ritmo se logra con anáforas,
paralelismos y cesuras, por ejemplo tras la séptima sílaba en los cinco primeros versos.
Sin duda, el ritmo lento está calculado para hundir al lector en la ansiedad de la voz
poética.
En el primer verso, el contraste entre el presumible “habitantes” de la noticia y este
“cadáveres” transforma el registro periodístico y coloquial del verso en pujante lenguaje
poético. El tono lóbrego de esta elección resume la postura vital de “Insomnio”: el poeta
compara Madrid con un inmenso cementerio, es decir, se muestra profundamente
angustiado puesto que no ve en su vida más que decadencia y muerte[1]. Este arranque
fenomenal anuncia con fuerza el bárbaro, siniestro momento que se avecina.
El segundo verso, tras remitir brevemente al título (“en la noche, yo me revuelvo y me
incorporo”), se desploma en el sentimiento esencial del poema, la ausencia de sentido
en esta vida. Las metáforas “nicho” y “me pudro”, junto con “cadáveres” en el verso
anterior, descubren la alegoría horrenda: este mundo, sus casas, sus calles, no está
habitado por hombres sino por muertos, cuya carne se descompone lentamente.
El tono tétrico continúa en los versos tercero y cuarto, que presentan una estructura
paralela. El autor describe las sensaciones del insomne, que oye el viento, los perros y,
sinestesia inquietante, la luz de la luna. El poeta gime, ladra y fluye “como la leche de la
ubre caliente”, muestra, a mi juicio, de lo inútil y desesperantemente monótono de la
vida. Esta imagen se aleja del racionalismo del poema. La crítica la ha calificado de
surrealista, a pesar de que el propio autor lo negó. Nótese, además, que la luna posee un
valor simbólico recurrente en literatura, augurio de muerte y decorado propicio a la
ensoñación sombría, como en su juvenilmente admirado Juan Ramón Jiménez. Es, en
cualquier caso, un latigazo de subjetivismo, prueba de que el poeta, en su desgarrador
delirio, es incapaz de mantener la racionalidad en su discurso.
La tercera parte se abre con la misma estructura que en la anterior, “y paso largas horas
+ gerundio”. Sin embargo, la acción inservible, que se repite durante largas horas, es
preguntarle a Dios el por qué de tanta muerte, de tanta inmundicia, es decir, el por qué
de la vida. En los versos quinto al séptimo se observa una gradación, comentada más
arriba: del poeta se pasa a los habitantes de Madrid y a toda la humanidad. El lector
entiende así que no está sólo ante una angustia personal del poeta, sino ante toda una
concepción del ser humano. El séptimo verso es, pues, uno de los pilares intelectuales
del poema y de la obra de este autor. Dámaso Alonso no concibe la poesía como
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9. ANÁLISIS DE POEMAS PRESCRITOS PARA SELECTIVIDAD 2012-13
artificio estético y artístico, sino que se interesa por el sufrimiento humano, por la
angustia cotidiana de las personas que no encuentran un sentido a su vida. No encuentra
respuestas, sino un Hombre desesperanzado, miserable y abyecto. Sin embargo, Alonso
no es un existencialista ateo, puesto que busca respuestas denodadamente en Dios.
En “Insomnio”, este anhelo de saber aparece en los versos octavo al décimo. Aquí, la
voz poética se dirige a Dios con un “dime” que rompe la distancia divina para situar al
creador y al Hombre en un mismo plano en el que ambos se necesitan mutuamente.
Dámaso Alonso desarrolla posteriormente esta concepción de la creación en su libro
Hombre y Dios.
Por otra parte, es preciso destacar el peculiar estilo del poema. Las anáforas, la
repetición de sintagmas y gerundios o el polisíndeton, engarzados en versos extensos,
obligan a una lectura inaudita en su momento. Esta violencia innovadora en las formas
es coherente con la violencia del contenido. A mi juicio, el gran logro de Dámaso
Alonso consiste en superar poses y convenciones (la rebeldía es, tal vez, la convención
más cultivada en la literatura) para que no le veamos como un intelectual que escribe
poesía, que se indigna en su obra y que nos conmueve con su maestría lírica. Aquí no
hay poesía, ni versos, ni crítica, ni reales academias, ni premios cervantes, sino un
hombre cuya desesperación nos produce lástima y nos asfixia, porque es la nuestra,
porque somos tú y yo los que nos asfixiamos, con una angustia que esta palabrería necia
que me atrevo a llamar comentario nunca podría evocar.
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