El documento describe la historia y colecciones del Museo del Prado en Madrid. Comienza explicando el origen del museo en el edificio diseñado por Juan de Villanueva en 1785 y su apertura al público en 1819 bajo el reinado de Fernando VII. Luego resume las principales colecciones de pintura española, italiana, flamenca, holandesa, francesa, alemana y británica que alberga, así como escultura, artes decorativas y dibujos. Finalmente, presenta 50 obras maestras recom

1. Pulsando cualquier tecla, la presentación avanza. Pinchando en el Indice , y una vez en este, se puede seleccionar la parte de la presentación donde queremos ir. Octubre 2008 Volumen I

2. Paseo por el Museo del Prado Origen del Museo del Prado Interior del Museo Obras Maestras Curiosidades y datos interesantes Ampliación del Museo Plano Alrededores del Museo

4. El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785 , como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas. El Real Museo, que pasaría pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y posteriormente Museo Nacional del Prado, abrió por primera vez al público en noviembre de 1819.

5. Descripción del edificio de Villanueva Está formado por un cuerpo central al que flanquean unas galerías alargadas que terminan en unos pabellones cuadrados en cuyo interior se cobijan las rotondas. El cuerpo central sobresale con una construcción que tiene seis columnas de orden toscano, un entablamento, una cornisa y un ático que lo remata. En su cara posterior, termina en forma semicircular o absidial, de tal modo que su plano adopta forma basilical. Originariamente, dicha estancia abarcaba las dos plantas de altura, y a finales del XIX se dividió en dos pisos. El inferior era la sala de juntas, hasta su reciente conversión en recibidor. La planta superior es la actual sala 12, presidida por Las Meninas . Las dos galerías laterales tienen dos plantas en altura. La inferior con unos ventanales profundos y alargados que acaban en un arco de medio punto y la superior con una galería de columnas jónicas (en la actualidad hay un tercer piso retranqueado, obra posterior).

11. Después de una breve descripción de cada una de las colecciones. Se presentan las 50 Obras Maestras recomendadas en la Web del Museo del Prado, todas ellas, acompañadas de una breve descripción.

12. PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850 Con gran diferencia, la mayor y más importante colección del mundo. Cronológicamente abarca desde murales románicos del siglo XII hasta el final del siglo XIX. Sus ricas colecciones incluyen pintura medieval, con Bartolomé Bermejo, Juan de Flandes y Berruguete, renacentista, con autores como Pedro Machuca, Juan de Juanes y Juan Correa de Vivar, manierista con el protagonismo absoluto de El Greco, y barroca con Zurbarán, Ribera, Murillo y Velázquez. Sólo las colecciones de estos cuatro autores suman 200 pinturas. Del siglo XVIII, destacan aparte de Goya los bodegones de Luis Meléndez y la variada colección de Luis Paret, considerado el mejor pintor español de estilo rococó. Desde hace muchos años se trabaja en la puesta en valor de la pintura española del siglo XIX posterior a Goya, que incluye riquísimos y muy caudalosos fondos desde el Neoclasicismo hasta Sorolla; las pinturas de este siglo suman casi 3.700 obras en total (más de la mitad de todas las pinturas del museo). Entre las últimas novedades de la colección española antigua, destacan las compras de La condesa de Chinchón de Goya, El barbero del Papa de Velázquez y la Colección Naseiro de bodegones, que ha cubierto múltiples lagunas dentro de tal temática

13. Anónimo Soldado o Montero Yáñez de la Almedina, Fernando Santa Catalina Velázquez Vista del jardín de la Villa Medici de Roma Goya Perro semihundido Haes, Carlos de Perro La canal de Mancorbo en los Picos de Europa Románica y Gótica Renacimiento Siglo XVIII Barroca Siglo XIX PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850

14. Tiziano, Vecellio di Gregorio La bacanal de los andrios Carracci, Annibale Venus, Adonis y Cupido Batoni, Pompeo Francis Basset, I barón de Dunstanville PINTURA ITALIANA Desde el primer Renacimiento, con unos pocos ejemplos de Fra Angélico, Mantegna, Antonello da Messina y Botticelli, hasta el siglo XVIII (Tiépolo y Corrado Giaquinto). También, ocho obras de Rafael y su taller, obras maestras de Correggio, Bronzino, Andrea del Sarto, Sebastiano del Piombo, Federico Barocci, Annibale Carracci, Caravaggio, Guido Reni, Guercino, Luca Giordano... y la mayor colección mundial de la escuela veneciana (Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano).

15. El Bosco Mesa de los pecados capitales Jordaens, Jacob Tres músicos ambulantes Teniers, David El Alquimista PINTURA FLAMENCA Primitivos flamencos como Weyden (El descendimiento de la cruz), Dieric Bouts, Petrus Christus y Hans Memling, y la mejor colección de El Bosco. Igualmente sobresalientes son las pinturas de Patinir, El Triunfo de la Muerte de Pieter Brueghel el Viejo y varias de Quentin Metsys y Pieter Coecke. Pintura flamenca del siglo XVII: una enorme colección de Rubens, más de 25 cuadros de van Dyck, varios de Jacob Jordaens, incluyendo su Autorretrato con su familia, y la serie de Los Cuatro Sentidos de Brueghel. Es una de las mejores colecciones flamencas del mundo, sólo comparable con la del museo de Viena.

16. Rembrandt Artemisa Claesz., Pieter Bodegón PINTURA HOLANDESA La pintura holandesa del XVII tiene una presencia mucho más corta, aunque incluye La reina Artemisa de Rembrandt y ejemplos de Gabriel Metsu, Adriaen van Ostade, Mathias Stomer y Philips Wouwerman.

17. La Tour, Georges de Ciego tocando la zanfonía Poussin, Nicolas El Parnaso Lorena, Claudio de Paisaje con el embarco en Ostia de Santa Paula Romana PINTURA FRANCESA Apenas hay ejemplos anteriores a 1600, aunque los siglos XVII y XVIII cuentan con obras magistrales de Poussin, como El Triunfo de David y El Parnaso. Claudio de Lorena cuenta con varios paisajes magistrales, y hay un par de ejemplos de Simon Vouet. El tenebrismo cuenta con ejemplos llamativos de Georges de La Tour y Valentin de Boulogne. Retratistas de los borbones españoles, como Jean Ranc y Van Loo, tienen presencia junto a maestros rococós como Watteau y Boucher. .

18. Alberto Durero Aautorretrato Lucas Cranach Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau Hans Baldung Grien Las edades y la muerte PINTURA ALEMANA Reducida en número, pero de gran calidad. Cuatro de las obras maestras de Alberto Durero, entre ellas su Autorretrato de 1498 y la pareja de tablas de Adán y Eva, así como una Virgen y dos curiosas escenas de cacería de Lucas Cranach, dos alegorías muy importantes de Hans Baldung Grien y, ya del siglo XVIII, un rico grupo de retratos de Anton Raphael Mengs.

19. David Roberts La Torre del Oro Alma Tadema, Sir Lawrence Escena pompeyana, o La siesta PINTURA BRITÁNICA Existe una pequeña colección de pintura inglesa, tanto de artistas nativos como de extranjeros que trabajaron de forma estable en aquel país: Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, David Roberts y ya de la época victoriana, Lawrence Alma-Tadema .

20. Anónimo El baile de las ménades Anónimo La emperatriz Sabina Anónimo El niño de la espina ESCULTURA Escultura griega y romana, también del siglo XVI y posterior. Destacan las Musas que pertenecieron a Cristina de Suecia, y que tras la última ampliación se ubican en el recibidor oval, bajo la sala de Las Meninas.

21. ARTES DECORATIVAS El Tesoro del Delfín, valiosa colección de orfebrería y gemas talladas. Además el Museo guarda una rica colección de tapices, armaduras porcelanas, así como el caudaloso monetario que fue de Alberto Bosch

22. DIBUJOS Y ESTAMPAS Sobresale la colección de dibujos de Goya, la más amplia del mundo. Junto a ella, la colección de dibujos españoles del siglo XIX, con más de 3.000 obras originales, es de extraordinaria importancia. Las colecciones de dibujos extranjeros son más desiguales, aunque incluyen notables ejemplos italianos; de manera sorprendente, en fecha reciente se identificaron dos bocetos de Miguel Ángel para la Capilla Sixtina.

23. Las 50 Obras Maestras, del Prado

24. La cacería de liebres muestra a un cazador a caballo -casi de frente como el Soldado-, con el tridente en la mano, lanzando tres perros para acosar a las liebres y llevarlas hasta la red tendida por el cazador Anónimo Cacería de liebres Planta Baja Sala 51c

25. Juan de Flandes concibe el espacio de esta Crucifixión con un punto de vista bajo, que evoca las composiciones de Mantegna y la dota de resonancias italianas, por el modo de disponer al los personajes con un dominio de líneas rectas que otorgan monumentalidad al conjunto. Para llamar la atención sobre Cristo Crucificado, situado en el centro, ante un fondo de paisaje, idea un semicírculo de figuras en torno a Él. A la originalidad del pintor flamenco al representar este tema iconográfico se suma su dominio técnico, patente en la forma de reproducir las calidades de las cosas como las piedras preciosas y el coral esparcidos por el suelo. Flandes, Juan de La Crucifixión Planta Baja Sala 57b

26. Tabla central del Retablo de Santo Domingo de Silos de la parroquia de Daroca, Zaragoza, que representa al santo abad benedictino vestido de obispo. El personaje aparece sentado en un trono gótico decorado con estatuas policromadas de las siete virtudes, las teologales: Fe, Esperanza y Caridad y las cardinales: Prudencia, Justicia, Fortaleza y Templanza. Destaca especialmente el extremo realismo del rostro de Santo Domingo y la fuerza de su mirada, características propias del arte flamenco que, en este caso, no son verídicas sino ideales, ya que fue en el siglo XI cuando el monje Domingo fundó, cerca de Burgos, el Monasterio de Silos, donde vivió. Este realismo contrasta con el abundante uso del oro que, como se había especificado en el contrato, no aparece embutido, como es habitual en Aragón. Bermejo, Bartolomé Santo Domingo de Silos entronizado como obispo Planta Baja Sala 50

27. Berruguete, Pedro Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán Planta Baja Sala 57b La disposición del escenario y de las figuras reflejan la modernidad de Berruguete en cuanto a las nuevas tendencias compositivas. A su vez, la pintura ilustra su capacidad para la narración pictórica. La escena compone una magnífica crónica de la Castilla de tiempos de los Reyes Católicos. Los personajes vestidos a la moda del siglo XV, están dotados de una gran realidad y verismo, rozando lo anecdótico, como el personaje que duerme debajo del santo. Procede de la Sacristía de Santo Tomás de Ávila.

28. El Greco La Trinidad Planta Primera Sala 10a Basada en un grabado de Alberto Durero, es uno de los primeros encargos de El Greco en Toledo. El artista armoniza los conceptos de dibujo y color desarrollados respectivamente en el foco romano y veneciano. En los diferentes colores de los mantos destaca la contrastada gama de su paleta, que entronca con la de Tintoretto. También se pueden apreciar ecos de la obra de Miguel Ángel en la vigorosa anatomía de Jesús. La obra fue pintada para el ático del retablo del altar mayor de la Iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo, por encargo de Diego de Castilla, deán de Toledo y albacea de doña María de Silva, enterrada en el convento. Fue adquirida en 1832 por Fernando VII al escultor Valeriano Salvatierra.

29. El Greco El caballero de la mano en el pecho Planta Primera Sala 10a Retrato de personaje desconocido, vestido con traje negro de cuello y puños de encaje y luciendo colgante y espada, detalle que destaca su condición de caballero. Una de las obras maestras del Renacimiento español y una de las más divulgadas de la producción de El Greco. Pintada en los primeros años del artista en Toledo, El caballero de la mano en el pecho se distingue por la expresividad de la mirada que el personaje mantiene fija en el espectador y el naturalismo en el gesto de la mano. Existen muy diversas interpretaciones entorno a la identidad del personaje y al significado del gesto, afirmando algunos que simboliza diferentes estados, como arrepentimiento o un juramento. Aunque existan dudas razonables, se ha llegado a identificar al caballero con Juan de Silva y Ribera, III marqués de Montemayor, alcalde del Alcázar de Toledo.

30. El Greco Adoración de los pastores Planta Primera Sala 9a Es una de las obras más importantes de la producción tardía del pintor; destinada al que iba a ser el panteón familiar dentro de la Iglesia Conventual de Santo Domingo el Antiguo, en Toledo. Para tal efecto, el artista recuperó un tema que había tratado en diversos momentos de su carrera, un símbolo de resurrección y eternidad que acompañaría los restos del pintor, probablemente autorretratado en el pastor del primer término. Se ha pensado que escogió este episodio por el significado de su apellido (Theotocopoulus) y la palabra griega Theotokos (Madre de Dios). El panteón ideado dejó de ser tal muy pronto, y la tela cambió de ubicación dentro de la iglesia, sufriendo distintos deterioros. En 1954 fue adquirida para el Museo del Prado.

31. Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y El triunfo de Baco, o Los Borrachos Planta Primera Sala 12 Es una de las obras más importantes de la producción tardía del pintor; destinada al que iba a ser el panteón familiar dentro de la Iglesia Conventual de Santo Domingo el Antiguo, en Toledo. Para tal efecto, el artista recuperó un tema que había tratado en diversos momentos de su carrera, un símbolo de resurrección y eternidad que acompañaría los restos del pintor, probablemente autorretratado en el pastor del primer término. Se ha pensado que escogió este episodio por el significado de su apellido (Theotocopoulus) y la palabra griega Theotokos (Madre de Dios). El panteón ideado dejó de ser tal muy pronto, y la tela cambió de ubicación dentro de la iglesia, sufriendo distintos deterioros. En 1954 fue adquirida para el Museo del Prado.

32. Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y La Rendición de Breda, o Las Lanzas Planta Primera Sala 16 Ambrosio Spínola, general genovés al mando de los tercios de Flandes, recibe del gobernador holandés, Justino de Nassau, las llaves de la ciudad de Breda, rendida tras un largo asedio. El hecho, acaecido el 5 de junio de 1625, se consideró en su momento un episodio clave de la larga guerra que mantuvieron los españoles para evitar la independencia holandesa. La obra, con clara finalidad de propaganda política, insiste en el concepto de clemencia de la monarquía hispánica. A diferencia de otros cuadros de historia contemporánea, Velázquez no se recrea en la victoria, y la batalla tan solo está presente en el fondo humeante. El pintor centra la atención en el primer plano en el que se desarrolla no tanto el final de la guerra como el principio de la paz.

33. Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y La fábula de Aracne, o Las Hilanderas Planta Primera Sala 15a Representación compleja y altamente intelectual del mito clásico de Aracne. El mito aparece representado en dos planos bajo la apariencia de un día cotidiano en la Fábrica de Tapices de Santa Isabel. Al fondo de la escena el rapto de Europa aparece hilado en el tapiz que cuelga de la pared y, ante él Atenea, vestida con armadura, castiga a Aracne. Las mujeres que observan el suceso, y que podríamos confundir con clientas de la fábrica, serían en realidad las jóvenes lidias testigos del momento. En primer término, las hilanderas representarían el desarrollo del concurso. Atenea, hilando en la rueda y Aracne devanando una madeja.

34. Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y La familia de Felipe IV, o Las Meninas Planta Primera Sala 12 El cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja composición construida a partir de una admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la representación de la atmósfera. Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del mismo han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto. Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad

35. Ribera, José de El sueño de Jacob Planta Primera Sala 26 El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles. El asunto muestra la capacidad técnica de Ribera para construir un discurso metafórico. A través de la representación de un pastor tendido a descansar en el campo describe uno de los episodios bíblicos más conocidos. La visión en primer plano del personaje sólidamente construido y los rasgos realistas de la escena sirven para hacer verídico el sueño milagroso, que se describe en un haz de luz bajo un cielo azul y gris.

36. Murillo, Bartolomé Esteban Fundación de Santa María Maggiore de Roma: I. El sueño del patricio Juan Planta Primera Sala 28 Conjunto pictórico que representa el origen milagroso de la fundación de Santa Maria Maggiore de Roma. Fueron encargados para la iglesia sevillana de Santa María la Blanca, remodelada en los años posteriores a 1660 y concebidos como programa de exaltación mariana que desarrolló la bula papal de 1661 sobre el misterio de la Inmaculada Concepción. El sueño del patricio Juan muestra la aparición de la Virgen al patricio y a su esposa mientras duermen, momento en el que María les encomendó que levantasen una gran iglesia bajo su advocación en el monte Esquilino con la planta diseñada por una milagrosa nevada.

37. Zurbarán, Francisco de Agnus Dei Planta Primera Sala 18 Imagen de devoción, muy difundida en la España del siglo XVII, que representa un Agnus Dei, el “Cordero de Dios” que alude al sacrificio de Cristo muriendo para salvar a la humanidad. Destaca la sencillez de la composición formada exclusivamente por la imagen del joven animal con las patas atadas y apoyado sobre un alféizar fuertemente iluminado por un único foco de luz. Zurbarán realizó seis versiones de este tema, con pequeñas variantes iconográficas, lo que indica que tuvo un relativo éxito entre la clientela privada. Ésta es la versión de mayor calidad y corresponde a su etapa de madurez artística.

38. Maíno, Fray Juan Bautista Recuperación de Bahía de Todos los Santos Planta Primera Sala 16 El 1 de mayo de 1625 don Fadrique de Toledo recuperó para España la importante plaza de Bahía de Todos los Santos en Brasil, ocupada un año antes por los holandeses. El cuadro, dividido en dos partes, representa el momento posterior a la batalla. A la derecha, el general español muestra un tapiz a los vencidos, en el que el rey Felipe IV está siendo coronado con el laurel de la victoria por el conde-duque de Olivares y por Minerva, pisando a la vez los cadáveres de la Herejía, la Ira y el Engaño, en alusión a los enemigos de la monarquía española. A la izquierda, Maíno optó por mostrar las consecuencias de la guerra, a través del sufrimiento de las víctimas representado en la mujer rodeada de niños que podría personificar la Caridad cristiana.

39. Sánchez Cotán, Juan Bodegón de caza, hortalizas y frutas Planta Primera Sala 18 Bodegón colocado en el interior de una alacena en el que se pueden observar apoyados en la superficie: un grupo de dos serines, dos jilgueros y dos gorriones en una caña, tres zanahorias, dos rábanos y un gran cardo blanco cerrando la composición. Y colgados del alfeizar superior: tres limones, siete manzanas, un jilguero, un gorrión y dos perdices rojas. La composición destaca por su sobriedad, intimismo e intensidad, características que se enfatizan gracias a la luz lateral que produce grandes sombras, creando una ilusión perfecta y plenamente realista propia de las naturalezas muertas pintadas por Cotán que se convertirán en el prototipo del bodegón español

40. Goya y Lucientes, Francisco de La maja desnuda Planta Primera Sala 29 Imagen de Venus desnuda, tendida sobre un diván de terciopelo verde con almohadas y colcha. La leyenda ha querido ver en la modelo a la duquesa de Alba, aunque también ha sido identificada con Pepita Tudó, amante de Godoy desde 1797. En 1800 aparece citada por primera vez en el palacio de Manuel Godoy sin su pareja, La maja vestida (P741), como sobrepuerta. En 1808 aparece mencionada por segunda vez junto a La maja vestida (P741), en el inventario realizado por Frédéric Quilliet, agente de José Bonaparte, de los bienes de Manuel Godoy, quien quizás las encargó. Y en 1813 se describe a las damas como Gitanas en el inventario de incautación de bienes de Godoy por el rey Fernando VII.

41. Goya y Lucientes, Francisco de La familia de Carlos IV Planta Primera Sala 32 Destaca el cuidado en el diseño de los trajes, a la última moda, de las joyas, posiblemente creaciones del joyero de la corte Chopinot y de las condecoraciones, como la banda de la Orden de Carlos III, de la recién creada Orden de María Luisa, el Toisón de Oro y las cruces de la Inmaculada y de San Jenaro. La armoniosa, clara y a un tiempo compleja composición, revela la maestría del artista. La sutil definición de los caracteres atestigua la capacidad del pintor para analizar al ser humano.

42. Goya y Lucientes, Francisco de El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío Planta Primera Sala 39 Representación de los fusilamientos de patriotas de Madrid por el ejército de Napoleón, como represalia al levantamiento del 2 de mayo de 1808 contra la ocupación francesa. Los soldados franceses, de espaldas a la derecha de la composición, apuntan a los madrileños que han de morir. El dramatismo y la tensión de la escena quedan subrayados por el uso de la luz, que ilumina fuertemente a los héroes permitiendo diferenciar sus caracteres y actitudes en un detallado estudio psicológico de los personajes.

43. Goya y Lucientes, Francisco de Saturno devorando a un hijo Planta Baja Sala 67 Las pinturas murales que decoraron la casa de Goya conocida como la “Quinta del Sordo”, se han popularizado con el título de Pinturas Negras por el uso que en ellas se hace de los pigmentos oscuros y negros y también por lo sombrío de los temas. El carácter privado e íntimo de esta casa, hizo que el artista se expresara en estas obras con gran libertad. Pintadas directamente sobre los muros, la técnica empleada debió de ser mixta, pues los análisis químicos revelan el empleo de aceites en su composición. Todas las pinturas fueron mandadas trasladar a lienzo por el barón Émile d'Erlanger, quien adquirió la Quinta en 1873. Las obras sufrieron enormemente con este traslado, perdiendo gran cantidad de capa pictórica en el proceso. Finalmente el Barón donó las pinturas al Estado, siendo destinadas al Museo del Prado, donde se exponen desde 1889. Saturno, en el momento de devorar a uno de sus hijos, es una de las imágenes más expresivas de las Pinturas Negras. Ocupaba el muro de enfrente al de La Leocadia (P754) en la sala de la planta baja de la Quinta del Sordo.

44. Meléndez, Luis Egidio Bodegón: un trozo de salmón, un limón y tres vasijas De una fase avanzada en la producción del pintor puede ser considerado este soberbio exponente de su virtuosismo en la captación de los elementos, todos ellos tratados con un lenguaje directo y realista. En primer término, un limón se contrapone, aislado, al grupo que constituyen una rodaja de salmón fresco y varios cacharros de cocina; estos últimos son una vasija de cobre, un perol del mismo metal y un puchero de Alcorcón sobre el cual, a modo de tapa, figura un trozo de loza; detrás se adivina el mango, posiblemente de un cucharón. El plano que sustenta el conjunto desaparece en el fondo, subrayado su límite por una cucharilla de largísimo asidero

45. Rosales Gallinas, Eduardo Doña Isabel la Católica dictando su testamento Rosales representó el momento en que la Reina Católica dicta su testamento en Medina del Campo el 12 de octubre de 1504, días antes de morir. En una estancia regia casi sumida en la penumbra, bajo una cama de dosel, destaca Isabel, con una medalla de la Orden de Santiago colgada del pecho. El blanco de las ropas de cama contrasta con los colores apagados de los presentes. La única nota de color la crea el manto rojo de un apesadumbrado rey Fernando, quien tiene a su lado a su hija Juana. En el grupo de los asistentes se reconoce a Cisneros vestido con el hábito cardenalicio.

46. Sorolla y Bastida, Joaquín Chicos en la playa Tres niños desnudos, tendidos boca abajo se divierten en una playa, disfrutando de los últimos coletazos de las tranquilas olas. Sorolla conjuga en esta pintura dos temas que fueron objeto de su atención en numerosas ocasiones: los niños y la playa. Estas escenas cargadas de luz marcaron definitivamente la estética que hizo tan popular al artista. El color abordado con un exquisito análisis es otra de las características de sus pinturas de exteriores, y en este ejemplo sobresale el pelo rubio del chico en el centro de la composición, cuyo color se confunde con el de la cálida arena. La pincelada larga y jugosa, construye la pintura con tintas de gran expresividad.

47. Angelico, Fra La Anunciación Planta Baja Sala 49 Retablo pintado para el convento de Santo Domingo en Fiesole, cerca de Florencia. La tabla central muestra bajo el pórtico la Anunciación del Arcángel Gabriel a María y, a su izquierda, la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. La condenación y salvación del hombre. En el banco o predela se narran escenas de la vida de la Virgen: Nacimiento de María y los Desposorios con San José, Visitación de María a su prima Santa Isabel, Nacimiento del Niño Jesús, la Presentación del Niño en el Templo y la Dormición de la Virgen con Cristo recogiendo su alma. Fra Angelico, también conocido como Beato Angelico, dedicó su obra exclusivamente a los temas religiosos pues entendía el arte como un aspecto de la devoción religiosa. Particularmente minucioso en los detalles y calidades de los objetos, naturaleza y personajes representados, Fra Angelico aúna en su estilo de la tradición tardogótica italiana con el nuevo lenguaje renacentista. Ejemplo de ello es la profundidad espacial de la arquitectura que, aunque sigue las recomendaciones de Brunelleschi de centrarse en un escenario cuadrado y sin adornos, denota algunos fallos propios de una obra temprana en la producción del artista.

48. Mantegna, Andrea El Tránsito de la Virgen Planta Baja Sala 49 Esta escena muestra el último momento terrenal de la Virgen María quien, según los Evangelios Apócrifos fue elevada por Cristo al Reino de los Cielos en cuerpo y alma tras su muerte terrenal, momento también conocido como la “Dormición de la Virgen”. La composición de esta pintura está dominada por la búsqueda de la perspectiva, conseguida especialmente gracias a la geometría del dibujo del pavimento, al juego de escala de tamaños de las figuras y a la ventana del fondo que actúa como “punto de fuga”. También es digno de destacar la fuerte individualización de las fisonomías de los personajes, así como la maestría en la ejecución del paisaje, siendo una de las primeras representaciones topográficas reconocibles de la pintura italiana.

49. Messina, Antonello de Cristo muerto, sostenido por un ángel Planta Baja Sala 49 En la pintura de Antonello, de gran virtuosismo técnico, convive una caligrafía minuciosa de origen nórdico, perceptible en el paisaje o el cabello de Cristo, con un tratamiento monumental de la anatomía y una preocupación por el volumen y la perspectiva claramente meridionales.

50. Rafael El Cardenal Planta Baja Sala 49 Retrato de un cardenal que se ha identificado con los cardenales Alidosi, Bibbiena, Cybo o Trivulzio. Esta obra fue pintada en Roma, momento en el que Rafael culminó su capacidad para pintar las personas más reales de lo que son, que le reconocían sus contemporáneos. La composición deriva de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pues en ambos casos el modelo aparece sentado, formando un triángulo con su cuerpo y su brazo. Resultan especialmente sorprendentes los contrastes cromáticos entre el brillante rojo del capelo, la manga blanca y el rostro del cardenal, gracias al uso de las luces. Esta característica y la minuciosidad de la pincelada otorgan un carácter tridimensional al retratado, que deja vislumbrar el interés por la escultura que Rafael tenía en esos años.

51. Tiziano, Vecellio di Gregorio El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg Planta Primera Sala 11 Retrato ecuestre del emperador Carlos V (1500-1558) conmemorativo de la victoria en Mühlberg de las tropas imperiales sobre las protestantes. La aparente sencillez de la composición esconde una compleja simbología que muestra al Monarca en su doble condición de caballero cristiano y heredero de la tradición imperial romana. Ejemplo de ello es la lanza que sostiene el Emperador con su mano derecha y que siendo el símbolo del poder de los césares, también hace referencia al arma de San Jorge y a la lanza que portaba Longinos durante la Pasión de Cristo (soldado romano que clavó su lanza en el costado de Cristo y que a continuación se convirtió al cristianismo).

52. Tiziano, Vecellio di Gregorio La bacanal de los andrios Planta Primera Sala 7a Celebración de los efectos del vino en la isla de los Andrios, en la que la bebida manaba de un arroyo por gracia del dios Baco. Una ninfa aparece desnuda en primer término y al fondo sobre el montículo, yace Sileno, asiduo acompañante del dios. El pasaje de la partitura situada en el centro inferior de la composición ha sido atribuido al músico flamenco, activo en la corte de Ferrara, Adriaen Willaert. Su letra, “ Qui boyt et ne reboyt il ne seet que boyre soit ” hace referencia a la celebración del vino por parte de hombres y dioses.

53. Veronese, Paolo Venus y Adonis Planta Baja Sala 75 Venus abanica a Adonis, que descansa sobre sus rodillas, mientras mira a Cupido abrazar un perro. Esta obra fue concebida como pareja de Céfalo y Procris (Museo de Estrasburgo), y ambas ilustran pasajes de Las Metamorfosis de Ovidio, en este caso el Libro X, dedicados a amores truncados por la muerte repentina y fortuita de uno de los amantes. La pintura muestra el último instante de felicidad de los amantes antes de la muerte de Adonis por los colmillos de un jabalí. Veronés optó por mostrar la psicología del amor, plasmada en el rostro ensombrecido de Venus, conocedora de la suerte que aguarda a su amado. Realizada tras una posible estancia en Roma, Veronés se inspiró en la escultura helenística de El niño de la oca para la figura de Cupido y en el Endimión de un sepulcro conservado en la Basílica romana de San Juan de Letrán para Adonis.

54. Tintoretto, Jacopo Robusti El Lavatorio Planta Baja Sala 75 Escena del Nuevo Testamento ( Juan 13, 1-20) que muestra el momento justo anterior a la Última Cena, en el que Jesús se dispone a lavar los pies de San Pedro, como ejemplo de humildad y servicio al prójimo. El desplazamiento a un lateral de los actores principales, Cristo y San Pedro, responde a su emplazamiento original en el muro derecho del presbiterio de San Marcuola, de tal modo que la acción de Cristo lavando los pies a San Pedro era la parte de lienzo más próxima a la feligresía.

55. Correggio Noli me tangere María Magdalena, de rodillas y ricamente vestida a la moda del siglo XVI, reconoce a Cristo resucitado en la figura de un hortelano. El detallismo con que la obra está pintada delata el destino del encargo, la capilla de la familia Ercolani en Bolonia, uno de los pocos encargos privados realizados por Correggio tras regresar a Parma en 1520 después de su estancia de formación en Roma. La composición es de un equilibrio extraordinario, en el que se contrarrestan la inestabilidad de la figura de la Magdalena con la serenidad de Cristo frente a un paisaje iluminado por la luz del amanecer.

56. Caravaggio David vencedor de Goliath Planta Primera Sala 5 David, vencedor de Goliath se inclina sobre el cuerpo muerto de su enemigo dispuesto a atar la cabeza degollada a modo de trofeo. El cuadro muestra la última escena de la batalla entre filisteos e israelitas narrada en el Antiguo Testamento ( Samuel 17, 51), en la que David mata al gigante Goliath con la sola ayuda de una piedra y una honda trayendo la victoria al pueblo de Israel. La autoría de esta pintura ha sido controvertida, pero hoy en día se acepta unánimemente la atribución al maestro

57. Gentileschi, Orazio Lomi de Moisés salvado de las aguas Planta Primera Sala 4 Moisés es depositado por su madre en una cesta que abandona en el Nilo, de donde es salvado por la hija del Faraón ( Éxodo 2). Gentileschi tuvo una primera formación en Florencia para luego trasladarse a Roma donde fue amigo de Caravaggio, realizando obras próximas a su estilo que interpreta de forma personal. Posteriormente trabajó en Génova y en París, pasando después a Londres, donde acabó su vida. Este lienzo de carácter sofisticado y elegante, con suntuosas gamas cromáticas, fue pintado durante su estancia en la corte de Carlos I de Inglaterra como regalo del artista a Felipe IV de España.

58. Tiepolo, Giambattista Inmaculada Concepción Planta Primera Sala 23 La Virgen María aparece sobre la bola del Mundo y la media luna, pisando la serpiente del Pecado Original, coronada por la paloma del Espíritu Santo y rodeada por ángeles y por algunos de los símbolos marianos. Éstos son la vara de azucenas, la palmera, la fuente y el espejo. Esta escena muestra la manera tradicional de representar la Inmaculada Concepción de la Virgen, que fue concebida sin pecado original. La obra fue un encargo Real para la Iglesia de San Pascual de Aranjuez. El boceto para este lienzo se conserva en las Courtauld Institute Galleries de Londres.

59. Weyden, Roger van der El Descendimiento Planta Baja Sala 58 El gran maestro de Tournai centra la composición en la Compassio Mariae , la pasión que experimenta la Virgen ante el sufrimiento y la muerte de su Hijo. Weyden maneja con maestría las figuras representadas en un espacio limitado al fondo y en los extremos, donde los movimientos opuestos y complementarios de San Juan y la Magdalena cierran la composición. En el interior de ese espacio sobresale el juego de diagonales paralelas que diseñan los cuerpos de Cristo y de María, poniendo de manifiesto su doble pasión. Impactan los gestos, la contención con que se expresan los sentimientos y el juego de curvas y contra curvas que une a los personajes.

60. El Bosco El jardín de las Delicias, o La pintura del madroño Planta Baja Sala 56a En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Obra de carácter moralizante, es una de las creaciones más enigmáticas, complejas y bellas de El Bosco, realizada en la última etapa de su vida. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, hijo natural del gran duque de Alba, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

61. Patinir, Joachim El paso de la laguna Estigia Planta Baja Sala 56a Según la tradición clásica, el barquero Caronte atravesaba en su barca la laguna Estigia con las almas de aquellos que accedían al Infierno. En el mundo cristiano medieval este tema fue sacralizado al convertirlo en una elección entre el Bien y el Mal. Aquí Patinir sitúa un ángel en el lado izquierdo, que señala el difícil camino hacia el Paraíso, pese a que el alma se encamina ya al acceso del Infierno, donde vigila la entrada el Cancerbero, o perro de tres cabezas.

62. Moro, Antonio María Tudor, reina de Inglaterra, segunda esposa de Felipe II Planta Baja Sala 55 Hija de Enrique VIII y de Catalina de Aragón, María Tudor nació en 1516 y subió al trono de Inglaterra en 1553. En 1554 casó con Felipe II y murió en 1558. Sentada sobre un rico sillón de terciopelo bordado, la Reina aparece vestida con traje gris rameado y sobretodo de terciopelo morado, rica indumentaria propia de su elevada condición, igual que las joyas que luce en el vestido, tocado, puños y cinturón. Del cuello cuelga un pinjante con una perla de lágrima. En la mano derecha sostiene una rosa encarnada propia de la familia Tudor y en la izquierda una pareja de guantes, símbolo asimismo de distinción. El retrato reúne la minuciosidad descriptiva característica de la pintura flamenca y el majestuoso distanciamiento propio de la dignidad de la retratada, que Moro supo captar magistralmente y que servirá de modelo a futuros retratos cortesanos.

63. Brueghel 'el Viejo', Pieter El triunfo de la Muerte Planta Baja Sala 56a La pintura reproduce un tema habitual en la literatura del medioevo como es la danza de la Muerte, que fue frecuentemente utilizado por los artistas nórdicos. Brueghel dotó a toda la obra de un tono pardo rojizo, que ayuda a dar un aspecto infernal a la escena, apropiado para el asunto representado. La profusión de escenas y el sentido moralizante utilizado por el autor, son parte de la influencia de El Bosco en su obra.

64. Rubens, Pedro Pablo Adoración de los Magos Planta Primera Sala 9b A la izquierda de la composición, bajo una columna clásica, el Niño ayudado por su madre, juega con los regalos que le ofrece uno de los Magos. Desde ese punto hacia la derecha se representa el resto de las figuras que componen el cortejo de los Reyes. En un primer momento la obra tenía unas dimensiones más pequeñas que las actuales. Cuando en 1628/1629 Rubens visitó España amplió la pintura hasta sus dimensiones actuales. En una franja superior incluyó dos ángeles de influencia tizianesca, incorporando otra franja a la derecha, donde hizo constar su autoría, autorretratándose sobre un caballo.

65. Rubens, Pedro Pablo Las tres Gracias Planta Primera Sala 9 Rubens las representó junto a una fuente, bajo una guirnalda de flores y ante un fondo de paisaje. Las figuras están inspiradas en la escultura clásica, visible en la intención de reproducir la frialdad del mármol en sus carnes. El ritmo circular y la elegante ondulación son características habituales en el artista, aspectos que se unen a las formas grandilocuentes y los colores cálidos que incorpora el pintor en las obras de sus últimos años.

66. Dyck, Anton van Sir Endymion Porter y Anton van Dyck Planta Primera Sala 10b El aristócrata aparece de frente y vestido de satén blanco, mientras que el pintor, de negro, está situado de perfil, más bajo, para no destacar por encima de la figura del aristócrata. El carácter excepcional de este retrato doble se justifica por la fuerte relación de afecto entre el pintor y su patrón, reforzada visualmente por la posición de sus manos sobre la roca, como símbolo de la fuerza de su amistad. Además, al retratarse junto a un noble, el artista está llamando la atención sobre su elevada condición social y dignificando indirectamente su labor de pintor como una actividad noble.

67. Poussin, Nicolas El Parnaso Planta Primera Sala 3 Representación del Parnaso, monte mitológico consagrado a Apolo y las Musas. Es una celebración de las Artes, especialmente de la Poesía. Apolo ofrece el néctar de los dioses a un poeta, probablemente Homero, coronado de laurel por Calíope, la musa de la poesía épica. En primer plano dos amorcillos ofrecen a los poetas el agua inspiradora que mana de la Fuente Castalia, personificada por la mujer desnuda. Inspirado en el fresco de Rafael en el Vaticano, es quizás un homenaje al poeta italiano Giovanni Battista Marino (1569 - 1625), mecenas de Poussin.

68. Durero, Alberto Autorretrato Planta Baja Sala 55b De medio cuerpo, ligeramente escorzado, Durero se pintó a si mismo junto a una ventana abierta a un fondo de paisaje montañoso. Viste de jubón blanco con guarniciones negras y camisa con puntilla dorada, pelo largo, gorra de listas blancas y negras con borlal, capa parda y guantes grises de cabritilla. La elección de unas ropas elegantes y aristocráticas y la mirada severa dirigida al espectador, con altiva serenidad, indican la voluntad del pintor de hacer ostentación de su situación social. Destaca la riqueza de detalles, la minuciosidad del tratamiento de las calidades y el brillante colorido, de entonación dorada, todo ello apoyado en un dibujo de impecable precisión La satisfacción de su propia capacidad artística se comprueba en la inscripción del alfeizar de la ventana, escrita en alemán: “1498, lo pinté según mi figura. Tenía yo veintiséis años Albrecht Dürer”.

69. Rembrandt Harmensz. van Rijn Artemisa Sala A Artemisa, se dispone a beber las cenizas de su difunto esposo Mausolo de una copa que le ofrece una sirvienta. Al fondo la figura de una enigmática anciana se adivina entre la penumbra. Es una obra alusiva a la fidelidad y al amor conyugal, con la que parece que el pintor está aludiendo a su matrimonio con Saskia van Utylenbroch celebrado el mismo año en que firma el cuadro. Realizado en el periodo de máxima actividad artística de Rembrandt, la utilización dirigida de la luz logra resaltar la figura ante el fondo negro, recurso tenebrista propio de Caravaggio (1573 1610), adquirido a través de la obra de su maestro Peter Lastman (1583 1633).

70. Anónimo Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso) Planta Baja Sala 71 La escultura representa a Orestes y Pílades, modelos legendarios de amistad, ofreciendo un sacrificio por haber vuelto de la Táuride con la imagen de Artemisa (la estatuilla representada), acto que purificó a Orestes de su castigo divino. Otros autores identificaron las estatuas con los hermanos Cástor y Pólux. En época moderna fue añadido al torso izquierdo el retrato romano de Antínoo. Creación del clasicismo augusteo, el grupo escultórico es un soberbio reflejo del eclecticismo de esta época.

71. Leoni, Pompeo El emperador Carlos V y el Furor Planta Primera Sala 1 Carlos V encarga la obra a Leone, junto con otras siete esculturas más - tres de bronce y cuatro de mármol -, en 1549. La representación iconográfica del grupo es invención propia del artista, plasmando la grandeza y dignidad del Emperador, aludiendo al conjunto de sus victorias y de su vida como pacificador. La estatua del Furor está directamente inspirada en la evocación que hace Virgilio de la estirpe de Augusto ( La Eneida I, 259 ). Firmado y fechado por su hijo Pompeo sobre la base, tiene una inscripción alrededor del pedestal.

72. Anónimo Salero de ónice con sirena de oro Planta Segunda Sala 101 Se considera la obra más importante del conjunto conocido como Tesoro del Delfín . La pieza representa una sirena, luciendo un tocado de plumas esmaltadas, con el torso y los brazos decorados con rubíes y diamantes, las extremidades inferiores esmaltadas en azul, sujetando un recipiente esculpido en ágata y apoyada en un pedestal de la misma piedra y esmaltes. Posible salero que sigue modelos datables en la primera mitad del siglo XVI y como fuente formal se han citado las obras del italiano Benvenuto Cellini (1500-1570), especialmente su célebre salero perteneciente a la colección del Kunsthistorisches Museum de Viena.

74. El Prado ocupa aproximadamente 45.000 m2 y tuvo 2.652.924 visitantes en 2007. La colección está formada por aproximadamente : 7.600 pinturas, 1.000 esculturas, 3.000 estampas y 6.400 dibujos, además de un amplio número de objetos de artes decorativas y documentos históricos. Ningún museo o colección en el mundo alberga tantas y tan importantes obras de los siguientes artistas como el Museo del Prado: Goya (133 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones para tapices) Tiziano (40 pinturas), junto con importantes series de Tintoretto y Veronés El Greco (36) Patinir (varias de sus obras maestras, de su cortísima producción) Rubens (alrededor de 80 obras, algunas pintadas a dúo con otros artistas) Velázquez (unas 45 pinturas, de las apenas 100 catalogadas) Eduardo Rosales, con casi 200 obras, entre pinturas y dibujos. En la actualidad, el Museo exhibe en su propia sede unas 1300 obras 3100 obras (‘Prado disperso’) se encuentran, como depósito temporal en diversos museos e instituciones oficiales, y el resto se conserva en almacenes. Datos y curiosidades del Museo del Prado

75. En el museo se encuentra el cuadro llamado La Gloria pintada por Tiziano para Carlos V, que junto al retrato de la Emperatriz le acompañarían en su retiro del monasterio de Yuste en Cáceres, Extremadura. Se guarda también el Retrato ecuestre de la reina Margarita del pintor Bartolomé González, mostrando dos de las joyas más famosas del Joyero de la Corona de España: la perla llamada Peregrina (que actualmente se cree identificar por algunos con la que está en poder de Elizabeth Taylor) y el diamante el Estanque , hallado en tierra de Madrid y tallado por Jacome Trezzo. Se encuentran asimismo las pinturas con que Goya decoró su finca de Madrid llamada «La quinta del sordo». Adquirida la propiedad por el barón Emil d’Erlanger, ordenó su traslado a lienzo y, tras presentarlas en París, al no despertar el interés del Museo del Louvre, decidió legarlas al Prado. En sus inicios, el museo abría apenas dos o tres días a la semana, y cerraba siempre que llovía, se supone que para evitar masificaciones y suciedad. Por otro lado, durante un tiempo las salas de escultura no estuvieron debidamente pavimentadas, y el polvo debía eliminarse regando el suelo con agua, aunque pronto se esteró y posteriormente se instaló tarima de madera en casi todas las salas. Por cuestiones de seguridad, la madera fue sustituida por mármol después de los años 30. Datos y curiosidades del Museo del Prado

77. Ampliación de Rafael Moneo (El cubo de Moneo)

78. Siguiendo el proyecto de Rafael Moneo, en 2007 se ha culminado la mayor ampliación del Museo en sus casi doscientos años de historia. Esta ampliación no ha supuesto cambios sustanciales para el Edificio Villanueva, centrándose en una ampliación hacia el claustro de los Jerónimos (el Cubo de Moneo ) de forma que el museo cuente con una superficie nueva para actividades complementarias. Claustro de los Jerónimos

79. Museo del Prado claustro de los Jerónimos (El cubo de Moneo)

80. Vestíbulo ampliación Museo del Prado

81. La conexión entre ambos edificios se ha efectuado subterráneamente, aprovechando el desnivel entre los Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. La ampliación se presentó el 27 de abril de 2007 si bien la inauguración oficial no tuvo lugar hasta medio año después, el 30 de octubre de 2007, con una selección de la colección de pintura española del siglo XIX, que había permanecido almacenada unos once años.

83. Entrada al Museo del Prado por la parte ampliada

93. El convento de San Jerónimo «el Real» , conocido popularmente como «Los Jerónimos», fue uno de los más importantes de Madrid, si bien de él ya sólo queda la iglesia. El claustro, fue muy deteriorado por el ejército napoleónico y actualmente ha quedado incorporado a la ampliación del Museo del Prado, diseñada por el arquitecto Rafael Moneo, lo que popularmente se conoce como « El cubo de Moneo ».

95. El monasterio de San Jerónimo se realizó en estilo gótico tardío con influencias renacentistas.

96. Vista nocturna del convento de San Jerónimo «el Real» ,

97. Octubre 2008 Volumen I Documentación y cuadros: http://www.museodelprado.es/ es.wikipedia.org/wiki/ Museo_del_Prado Fotos: Propias y Flickr.com