Este documento presenta información sobre varios artistas famosos como fotógrafos, pintores y escultores, incluyendo sus obras y estilos. Se discuten las biografías y obras representativas de Chema Madoz, Gregory Colbert, Sandro Botticelli, El Greco, Francisco de Goya, Johannes Vermeer, Miguel Ángel y otros. El documento analiza cómo estas obras de arte provocan emociones y sensaciones en los espectadores.

1. Exposición 40 principalesSonia Cordón Martín1º Educación PrimariaEducación Artística

2. La temática que he escogido para este trabajo es :“La emotividad y la sensación que nos provocan las diferentes imágenes de los fotógrafos, pintores y escultores”.A continuación están las representaciones que he elegido.

3. Chema MadozEs un fotógrafo español (Madrid, 1958). En el año 2000 le concedieron el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado muchas exposiciones individuales en España y en el extranjero. Es amante de la fotografía en blanco y negro y en su obra existen imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación donde la perspectiva y la textura son muy importantes. Todas las fotografías son tomadas con luz natural. Solo introduce algo de luz artificial cuando ha fotografiado una lámpara como parte del objeto o solo para darle un toque especial a algún detalle.Ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos. Nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja y el humor se dan cita en el estudio de su fotografía. En sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real.

5. Gregory ColbertNació en Toronto, Canadá, en 1960. Es un cineasta y fotógrafo mejor conocido como el creador de Ashes and Snow una exposición de obras fotográficas y videos albergada en el Museo Nómada (TheNomadicMuseum).La primera exposición de Gregory Colbert se inauguró en el Museo de Elvsée en Suiza en 1992, recibiendo elogios de la crítica. Viajó a lugares como India, Birmania, Sri Lanka, Egipto, etc., para filmar y fotografiar la interacción entre los seres humanos y los animales.Desde 1992, Colbert ha realizado más de 60 expediciones y ha colaborado con más de 130 especies. Ha filmado y fotografiado animales como elefantes, ballenas, manatíes, halcones, águilas reales, rinocerontes, etc. Los sujetos humanos que ha fotografiado y filmado incluyen a monjes birmanos, bailarines en trance, gente San, y miembros de otras tribus indígenas alrededor del mundo.

7. Sandro botticelliFue un pintor cuatrocentista italiano. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimientos, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos.

8. La Fortaleza es una obra realizada al temple sobre taba cimbrada. Data de 1470 y se conserva en la Galería de los Uffizi (Florencia).Se trata de la primera obra documentada del artista.Botticelli resulta innovador en la representación iconográfica de este personaje, ya que están ausentes elementos tradicionales como el casco, el escudo y la espada. Se la representa como una mujer joven con coraza con diamantes. En la cabeza luce una diadema adornada de perlas, símbolo de pureza. Sujeta en las manos una maza de hierro, cuya forma recuerda a la de una columna. Está sentada en un trono muy elaborado, con los brazos adornados por volutas formadas por hojas de acanto. Este trono se asienta sobre un estrado poligonal, calado y sostenido por columnitas. Por encima de la Fortaleza hay una bóveda con casetones de mármol.

9. conocido como el Greco, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrareformay se fue extremando en sus últimos años.Domenico Greco

10. El Expolio es un cuadro para la Sacristía de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo. Fue realizado entre los años 1577 y 1579. Este cuadro es más poético y de expresión más elevada del artista.En la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la composición; y a su alrededor, una masa de figuras. La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea.El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas.

11. Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.Su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.Francisco de Goya

12. Autorretrato (1769-1773). Es el primer autorretrato conocido del autor en el que se muestra de un modo directo e implacable sin ningún asomo de idealización. Se representa como un joven artista de largos cabellos. Los ojos aparentan estar algo hundidos, no en vano el rostro se ve en penumbra, resaltando los contrastes luminosos en una cara de marcados carrillos, doble papada y labios carnosos y sensuales. La cabeza, grande y firmemente asentada sobre un ancho cuello, denota vigor y expresividad, recortándose hábilmente sobre un fondo oscuro de leve irradiación luminosa.

13. Johannes vermeerEs uno de los pintores neerlandeses más conocidos del Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa.La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delfty La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos. Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

14. La joven de la perla o Muchacha con turbante es una de las obras maestras del pintor y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como “la Mona Lisa del Norte” o “la Mona Lisa holandesa”.Es una de las obras maestras. Es la historia de una joven que en su mayoría de edad se reúne con el pintor y se desarrolla en el siglo 17, donde una línea estricta entre ricos y pobres, católicos y protestantes, maestros y funcionarios, existe.

15. Miguel ÁngelFue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma.Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

16. El Santo Entierro es un cuadro inacabado. La datación es alrededor de 1500-1501. Una técnica mixta (témpera y óleo). Se conserva en la NationalGallery de Londres, Reino Unido.La obra ha sido objeto de una serie de disputas sobre su posición cronológica, aunque en general se considera obra de juventud. El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María Magdalena.La identidad de las dos figuras de la derecha es incierta (Nicodemo, la del interior, y María Salomé se han sugerido). La otra figura que falta sería la de la Virgen María.

17. Tondo Doni es un cuadro que se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz. Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. Detrás de estas figuras principales se encuentra un grupo de personas. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano.

18. MurilloEs una de las figuras más importantes de la pintura barroca española.De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después, su pintura recogió asuntos de sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas.Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular.

19. Autorretrato. El pintor aparece enmarcado en un óvalo decorado con molduras, mientras que sobre la mesa que sujeta el fingido marco encontramos elementos alusivos a su profesión: la paleta y los pinceles en la derecha y un dibujo con el lápiz, el compás y la regla en la izquierda. El modelo saca la mano del óvalo y la apoya en el marco, para crear una mayor sensación de perspectiva y acentuar el naturalismo que caracteriza a todo el conjunto. El centro de la imagen es, sin duda, el rostro de Murillo, captado con toda su profundidad psicológica, resaltando sus facciones agradables y su mirada serena. La intensidad de las luces en algunas partes y el fondo en penumbra refuerza la potencia del retrato, demostrando la calidad de Murillo para esta temática que no tocó en demasía.

20. Mujeres en la ventana es un de las obras más enigmáticas que realizó Murillo.Asomadas ante una ventana aparecen dos mujeres, ambas esbozando una sonrisa y mirando hacia el exterior, clavando sus miradas en el espectador, la de primer plano apoyada sobre el alféizar de la ventana, constituyendo un retrato magnífico, y la de segundo plano tapa su sonrisa con la toca; pero ¿qué nos está ilustrando Murillo con esta escena?El tema seguramente podría estar influido por la pintura holandesa y flamenca.La mayoría de la crítica se pone de acuerdo en que el tema de la obra es el de una escena callejera en el que se representa a dos prostitutas de la época.Según la distinta bibliografía la clave interpretativa de la obra estaría en la sonrisa esbozada por ambas mujeres, que remite a obras similares realizadas por pintores holandeses (La Pícara de FransHals).

21. Rafael SanzioFue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportaciones en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.

22. El triunfo de Galatea es un fresco realizado por el autor en la Villa Farnesina en Roma.En el centro de la composición, Galatea, de pie sobre una gran concha sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de delfines que arrastran el original vehículo sobre la rizada superficie del mar. Anchuroso manto agitado por la brisa envuelve la mitad inferior del cuerpo de la Nereida dejando visible su hermoso torso. Si Galatea, por la corrección de sus líneas, la pureza de sus contornos y la elegancia de sus movimientos es una figura admirable, no lo es menos la de una graciosa ondina que en primer término aparece sentada sobre un centauro marino que trata de aprisionarla entre sus nervudos brazos mientras ella, sonriente y seductora, deja flotar el viento su ligero velo.Al fondo, varios centauros surcan las ondas, unos llevando a las compañeras de Galatea y otros tocando trompetas y sendos caracoles.

23. rembrandtFue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento álgido de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografiaclásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica. Por la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado "uno de los grandes profetas de la civilización".

24. La ronda de noche es una de las más famosas obras maestras del pintor, pintada entre 1640 y 1642. Ésta es una de la joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam.En ella aparece la milicia del capitán FransBanningCocq en el momento en el que éste da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía. Además, en el cuadro aparecen tres niños corriendo y un perro que animan la escena.El dibujo, apenas esbozado, queda disminuido por la importancia del color y la luz, siendo poco nítidos los contornos de las figuras.Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas. En ocasiones parece que nace del interior de las figuras, como en el caso de la niña que corre. La iluminación es la gran protagonista de este cuadro, porque recrea una atmósfera mágica de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores.El color está aplicado con pinceladas espontáneas.

25. Los síndicos del gremio de pañeros es otra de las obras maestras del autor realizada en 1662 para la Corporación de Fabricantes de Paños, en la que aparecen representados cinco de los síndicos y un empleado de la Corporación. Rembrandt recurre a una perspectiva de abajo arriba y coloca en primer plano la mesa cubierta con un rico tapete de color rojo con bordados. Tras ella vemos a los síndicos. Rembrandt utiliza su característica luz que provoca contrastes entre zonas de luz y de sombra, aumenta los contrastes por el colorido oscuro de los trajes y el blanco de los cuellos. La pincelada utilizada por el pintor es bastante suelta, la "manera áspera" que se denominaba en la época, a base de manchas de color y de luz.

26. TintorettoFue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano.Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado “El Furioso”, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la escuela de San Rocco.Su estilo inicialmente siguió a Tiziano. Evolucionó a partir de 1540, siendo de tendencia manierista. Es un pintor que pinta con pasión, alcanzando en su plenitud su característica audacia, el dinamismo incansable de su composición, su uso dramático de la luz y sus enfáticos efectos de perspectiva, que hacen que parezca un artista barroco adelantado a su tiempo.

27. San Marcos liberando al esclavo es uno de los cuadros más conocidos del pintor. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1548, encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia, Italia.La figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de Provenza, señor de quien va a ser castigado. Sin embargo, es salvado por la milagrosa intervención del santo. El santo está pintado en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.Las figuras se enmarcan en un escenario arquitectónico.

28. Venus, Vulcano y Marte es un cuadro realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado hacia 1555, encontrándose actualmente en la AltePinakothek de Múnich, Alemania.Venus está reclinada y su marido, el viejo Vulcano, se acerca y descubre el pubis de su esposa. En una cuna, detrás, Cupido duerme. Y bajo la cama se oculta el amante de Venus, Marte.Hay en este cuadro una gran asimetría. El pintor lleva la mirada hacia el fondo, a la derecha, a través de la perspectiva de las baldosas. La figura de Vulcano se refleja en el espejo del fondo. Venus extendida en una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona central del borde inferior, parece un poco masculina.

29. TizianoFue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas“, Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.El conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

30. Flora es un cuadro de una bella y sensual figura femenina que porta en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto carmesí , dejando al descubierto parte de sus encantos. Este gesto de Flora desconcierta a los especialistas, que no saben cómo interpretar exactamente el asunto, si como una prostituta que ofrece sus servicios a los clientes o como una alegoría matrimonial, al mostrar parte de un pecho y ocultar el otro. La luz dorada y el color se adueñan de la composición, recortando la figura ante un fondo neutro y oscuro con el que dota de mayor volumetría al conjunto. El excelente dibujo empleado por el maestro destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores. La belleza sensual de Flora con su cabello dorado, su delicada piel y su expresivo gesto hacen de esta obra un auténtico retrato.

31. Van GoghFue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose una de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes.Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

32. Retrato del doctor Paul Gachet. La figura del doctor se recorta sobre un fondo azulado. Su gesto cansado acodándose sobre la mesa, se refuerza por la mirada y el rictus del rostro, que mira al vacío. La línea ondulada se adueña de la composición especialmente en el gabán, el fondo y la flor que aparece sobre la mesa. Por el contrario, la mesa ha sido pintada de manera plana, como si fuera una estampa japonesa. Algunos contornos han sido remarcados con tonos más fuertes. Los tonos empleados son oscuros, recurriendo al rojo y al azul como colores complementarios; en contraste, el rostro y las manos del médico son más claros. Este tipo de retratos intimistas nos acercan al modelo, dando la impresión de conocerlo de antiguo.

33. VelázquezFue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, pintó grandes obras como La rendición de Breda.En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manetse sintió maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

34. La fábula de Aracné popularmente conocido como Las hilanderas es un lienzo conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra.Velázquez divide la obra en planos, a la manera de aquellos cuadros medievales cuyos grupos han de «leerse» en un orden determinado, como si fuesen páginas de un libro. Consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra hasta la escena del fondo. En cuanto a los colores, Velázquez usa una paleta casi monocroma, con capas de pintura finas y diluidas. Usa una pincelada suelta.

35. La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819. Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas.Velázquez representa con realismo al general Spínola. Un realismo semejante, y caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.

36. La Venus del espejo es un cuadro que actualmente se encuentra en la NationalGallery de Londres. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

37. Antonio canovaFue un escultor italiano.A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida.Sus primera obras venecianas están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de laguna. Sus primeras obras del periodo romano manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal.

38. Paulina Bonaparte BorgheseLa retratada tenía 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara. Paulina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana -aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris- mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador.

39. Cupido y Psyche

40. Auguste rodinFue un escultor francés contemporáneo a la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica. Es el escultor encargado de dar un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: “el primer moderno”. El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época, Rodin elaboraba estas piezas en yeso.Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

41. El pensadorLa pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.

42. Los burgueses de CalaisLa escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. El escultor Rodin recibió en 1885 el encargo de crear un monumento conmemorativo de esos hombres en la ciudad. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 para finalmente ser terminada e inaugurada en 1895. En la actualidad hay varias copias de esta famosa escultura en todo el mundo.

43. DonatelloNació en Florencia (Italia) en 1386 y fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Fue uno de los padres del Renacimiento. Destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir, “relieve aplanado o aplastado”.Entre sus obras más importantes destacan el David, el Púlpito exterior de la catedral dePrato, la estatua ecuestre del Gattamelata en Padua, etc.

44. Virgen, Niño y Santos

45. Miguel ÁngelFue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.Es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista que prefirió este género por encima de los demás.Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y presentando nuevas soluciones.Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus composiciones originales, novedosas, fruto de una gran reflexión.Toma posesión del espacio, el volumen es una preocupación de su escultura, da siempre el volumen adecuado. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la propia vida. Trabaja siempre grandes bloques de mármol y nunca hace añadidos. Suele trabajar solo, por lo que es un maestro del cincel.

46. La PiedadEs un grupo escultórico en mármol. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal. Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

47. MoisésLa estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de un capítulo del Éxodo. En este texto, Moisés se caracteriza por tener karanohrpanav ("un rostro del que emanaban rayos de luz"). El error en la traducción es posible debido a que la palabra "karan" en hebreo puede significar "rayo" o "cuerno". Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿porque no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca,de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.

48. Toulouse-LautrecFue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del Postimpresionismo.Su obra se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico.Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del art nouveau.

49. Suzanne Valadon

50. Salvador dalíFue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad eran muy ecléctico y que “vampirizó” innovaciones ajenas. Una vez sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los “relojes blandos”, realizada en 1931.Como artista extremadamente imaginativos, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.

51. La persistencia de la memoriaConocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora.