Autores expresionistas con algunas de sus grandes obras; Oskar Kokoschka, Van Gogh, y José Gutiérrez Solana.

1. Autores
expresionistas
IVÁN ROMERO GARCÍA 4ºF

2. Expresionismo
EL EXPRESIONISMO FUE UN MOVIMIENTO CULTURAL SURGIDO EN ALEMANIA A PRINCIPIOS
DEL S.XX, QUE SE PLASMÓ EN UN GRAN NÚMERO DE CAMPOS: ARTES
PLÁSTICAS, LITERATURA, MÚSICA, CINE, TEATRO, DANZA, FOTOGRAFÍA, ETC. SU PRIMERA
MANIFESTACIÓN FUE EN EL TERRENO DE LA PINTURA, COINCIDIENDO EN EL TIEMPO CON LA
APARICIÓN DEL FAUVISMO FRANCÉS, HECHO QUE CONVIRTIÓ A AMBOS MOVIMIENTOS
ARTÍSTICOS EN LOS PRIMEROS EXPONENTES DE LAS LLAMADAS “VANGUARDIAS HISTÓRICAS”.
MÁS QUE UN ESTILO CON CARACTERÍSTICAS PROPIAS COMUNES FUE UN MOVIMIENTO
HETEROGÉNEO, UNA ACTITUD Y UNA FORMA DE ENTENDER EL ARTE QUE AGLUTINÓ A DIVERSOS
ARTISTAS DE TENDENCIAS MUY DIVERSAS Y DIFERENTE FORMACIÓN Y NIVEL INTELECTUAL.
SURGIDO COMO REACCIÓN AL IMPRESIONISMO, FRENTE AL NATURALISMO Y EL
CARÁCTER POSITIVISTA DE ESTE MOVIMIENTO DE FINALES DEL S.XIX LOS EXPRESIONISTAS
DEFENDÍAN UN ARTE MÁS PERSONAL E INTUITIVO, DONDE PREDOMINASE LA VISIÓN INTERIOR
DEL ARTISTA –LA “EXPRESIÓN”– FRENTE A LA PLASMACIÓN DE LA REALIDAD –LA “IMPRESIÓN”–.
EL EXPRESIONISMO SUELE SER ENTENDIDO COMO LA DEFORMACIÓN DE LA REALIDAD PARA
EXPRESAR DE FORMA MÁS SUBJETIVA LA NATURALEZA Y EL SER HUMANO, DANDO PRIMACÍA A
LA EXPRESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS MÁS QUE A LADESCRIPCIÓN OBJETIVA DE LA REALIDAD.

3. Oskar Kokoschka

4. Biografía
PINTOR EXPRESIONISTA Y ESCRITOR AUSTRIACO. AUNQUE NACIÓ EN PÖCHLAM, SU
FAMILIA SE TRASLADÓ A VIENA, DONDE TRANSCURRIERON SU INFANCIA Y SUS
AÑOS DE JUVENTUD Y DE FORMACIÓN.
DESPUÉS DE CURSAR ESTUDIOS EN LA ESCUELA DE ARTES APLICADAS DE VIENA,
DONDE REALIZÓ SUS PRIMEROS RETRATOS AL ÓLEO, KOKOSCHKA PINTÓ UNA SERIE
DE RETRATOS EXPRESIONISTAS E INICIÓ UNA INTENSA ACTIVIDAD PEDAGÓGICA. EN
1912 SU OBRA EMPEZABA YA A SER CONOCIDA FUERA DE SU PAÍS.
DURANTE LA I GUERRA MUNDIAL FUE HERIDO GRAVEMENTE EN EL FRENTE DEL ESTE.
CONSAGRADO LUEGO PLENAMENTE A LA PINTURA, VIAJÓ POR NUMEROSOS PAÍSES
Y, TRAS CONTRAER MATRIMONIO CON OLDA PALKOVSKA (1941), ADQUIRIÓ LA
NACIONALIDAD BRITÁNICA (1947), SI BIEN EN 1975 RECUPERÓ LA CIUDADANÍA
AUSTRÍACA. MURIÓ EN MONTREUX, SUIZA, EL 22 DE FEBRERO DE 1980.
SU OBRA SE SITÚA INICIALMENTE BAJO LA INFLUENCIA DEL JUGENDSTIL Y, DE FORMA
MUY DIRECTA, DEL PINTOR Y DECORADOR AUSTRÍACO GUSTAV KLIMT. SE UNIÓ AL
GRUPO DIE BRÜCKE Y PARTICIPÓ COMO ILUSTRADOR EN LA REVISTA "DER STURM".
ENTRE SUS OBRAS DESTACANRETRATO DE ADOLF LOOS (1909), LA NOVIA DEL
VIENTO (1914), EL TORBELLINO (1917) Y EL PODER DE LA MÚSICA (1919), ADEMÁS DE
RETRATOS DE NUMEROSOS ARTISTAS, INTELECTUALES Y PERSONALIDADES DE LA
ALTA SOCIEDAD. DESPUÉS DE 1945, SU PINTURA MOSTRÓ LOS HORRORES DE LA
GUERRA.

5. La Novia Del Viento
La novia del viento (Die Windsbraut) o (La
tempestad) es un cuadro de 1913-1914 sobre
lienzo por Oskar Kokoschka. Está alojado en el
Kunstmuseum de Basilea. Es su obra más
conocida, es un cuadro alegórico que ofrece un
autorretrato del artista, acostado junto a su
amante Alma Mahler.
Kokoschka se reunió con Mahler, recientemente
viuda de Gustav Mahler, en 1912. Un apasionado
romance se produjo, con la producción de
numerosos dibujos y pinturas de la artista Mahler.
La pintura representa a Mahler en un sueño
tranquilo junto a Kokoschka, que está despierto y
se queda mirando al espacio. La ruptura de la
pareja en 1914 tuvo un efecto profundo en
Kokoschka, cuya pincelada expresiva creció más
turbulentamente.
Cuando Kokoschka pintó el cuadro, el poeta
Georg Trakl lo visitaba casi a diario y ensalzaba la
pintura en su poema Die Nacht (La Noche)

6. Autorretrato

7. El huevo rojo
Las concesiones que las democracias europeas estaban
realizando al tercer Reich, provocaron en Kokoschka un
sentimiento de amargura que le llevaría a realizar en el
invierno de 1940 uno de sus cuadros más impactantes, ‘El
huevo rojo’.
En la composición, podemos apreciar a las cuatro potencias
europeas; la Alemania de Hitler en la zona de la izquierda,
Mussolini, en la derecha, representando a Italia, debajo de la
mesa, con una escarapela tricolor, se sitúa un gato que
simboliza a Francia, el león coronado y con la cola en forma
del símbolo de la libra es la representación de Gran Bretaña.
Los cuatro símbolos de las potencias se ubican alrededor de
una mesa, dispuestos a repartirse un pollo asado,
Checoslovaquia, que consigue huir, dejando en el plato un
huevo rojo.
Esta es la manera de captar por parte de Kokoschka, la
diferente contribución de las potencias a la ruina de
Checoslovaquia, apreciándose al fondo de la composición, la
capital, Praga, en llamas. La complicidad de Francia Y gran
Bretaña en esta masacre se manifiesta en el libro sobre el que
se apoya el León, donde podemos leer la inscripción, ‘In Pace
Münich’. El estilo expresionista, queda patente a la hora de
aplicar el color, a base de rápidas y empastadas pinceladas,
recogiendo los sentimientos del artista.

8. Nostalgia
Esta fue la primera pintura Kokoschka,
la cual completó en Londres, después
de huir de Checoslovaquia en 1938.
Pintado en memoria de ello, cuenta
con la famosa vista de Praga con el
antiguo Puente de Carlos y la
catedral al fondo. La pareja de
enamorados cerca de la orilla se cree
que es Kokoschka y su futura esposa
Olda. En una referencia a la
emigración de Kokoschka, la pareja
está haciendo una seña a una barca.
Una cara parecida a la de Kokoschka
se muestra en el cartel a la derecha.
En esta pintura el artista está
expresando su dolor por la pérdida de
su país de origen.

9. Van Gogh

10. Biografía
Vincent van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su
hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su
existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo
largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias
humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años. Tras recibir una
esmerada educación en un internado privado, a los dieciséis años entró como aprendiz en
la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de
arte fundada por su tío Vincent.
En 1873 pasó a la sucursal de la galería Goupil en Londres, donde hubo de padecer el
primero de sus fracasos sentimentales; en 1875 fue trasladado a la filial parisina; en 1876 se
despidió y regresó a Holanda. Trabajó después como profesor, ayudante de un pastor
metodista y empleado de una librería; ninguno de estos empleos le duró mucho tiempo. Por
aquel entonces sentía sobre todo la necesidad espiritual de entregarse a sus semejantes; de
hecho, siempre había querido ser pastor, como su padre, y tal vocación lo llevó a
Ámsterdam para seguir los estudios de teología, que suspendió.
Pasó entonces a la Escuela de Evangelización Práctica de Bruselas, y en 1878 fue enviado
por sus superiores a la zona minera del Borinage. Establecido en el pueblo de Pâturages,
próximo a Mons, realizó una serie de dibujos de los mineros. La Escuela de Evangelización lo
expulsó por su excesiva implicación: impresionado por sus infrahumanas penurias, Van Gogh
llegó a dar a los mineros lo poco que tenía y a vivir más pobremente que ellos.

11. La noche estrellada
La noche estrellada (en neerlandés De
sterrennacht) es una obra maestra del
pintor postsimpresionista Vincent van
Gogh. El cuadro muestra la vista exterior
durante la noche desde la ventana del
cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-
Provence, donde se recluyó hacia el final
de su vida. Sin embargo, la obra fue
pintada durante el día, de memoria. Data
de mediados de 1889, trece meses antes
del suicidio de van Gogh. Desde 1941
forma parte de la colección permanente
del Museo de Arte Moderno de Nueva
York. Considerado como el magnum
opus de van Gogh, el cuadro ha sido
reproducido en numerosas ocasiones,
siendo una de sus obras más conocidas.
Ha usado óleo humedecido y pinceles
finos.

12. Autorretrato con la
oreja vendada
Este es uno de los dos autorretratos que van
Gogh realizó tras seccionarse la oreja (el otro,
anteriormente en la colección Leigh B. Block
en Chicago, fue comprado posteriormente
por la familia Niarchos). La expresión del rostro
del artista es, paradójicamente, más serena
que en otros muchos autorretratos del artista.
Tal vez se trata de un esfuerzo del pintor por
encontrar en la pintura su salvación particular,
a lo que podría contribuir la presencia de una
estampa japonesa en el fondo, una pintura –
la japonesa- que van Gogh admiraba por “su
estilo tan sencillo como respirar”

13. Trigal con Cuervos
Posiblemente sea éste uno de los trabajos más famosos de Van Gogh, considerándose
obra clave del periodo de Auvers. En primer plano contemplamos el punto de unión de
los tres caminos que parten hacia diferentes direcciones; entre ellos, limitados con una
línea verde que corresponde con las hierbas y la maleza, hallamos los campos de trigo
en todo su esplendor, iluminados por la luz nocturna que tanto atrajo a Vincent durante
toda su vida. Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro, excepto
dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos revoletean por el
trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su esquematismo. La factura rápida y
empastada ocupa toda la superficie del lienzo, poniendo de manifiesto todo su más
extremo sentimiento.

14. Lirios
Los lirios es un cuadro al óleo sobre lienzo (71 x 93
cm) realizada en mayo de 1889 por Vincent Van
Gogh. Es una de las muchas pinturas y grabados
de lirios creadas a lo largo de su vida.
Los lirios fueron una de las primeras obras realizadas
mientras Vincent van Gogh vivía en el asilo
del Monasterio de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-
Rémy-de-Provence, Francia, en el último año antes
de su muerte en 1890.
Fue pintado antes de su primer ataque en el asilo.
Falta la alta tensión que se ve en sus obras
posteriores. Llamó a la pintura "el pararrayos para mi
enfermedad" porque sentía que podía evitar
volverse loco al seguir pintando.
Las semejanzas se presentan con los bordes bien
definidos, puntos de vista inusuales, incluyendo
vistas en primer plano, de cerca. El color es
aplanado, no modelado de acuerdo con la caída
de la luz, aplicando los consejos proporcionados por
Gauguin sobre las tonalidades del color.

15. José Gutiérrez Solana

16. Biografía
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; después alternó estancias
entre Cantabria y Madrid, pero tuvo tiempo para viajar por los pueblos y hasta para ser peón de la
cuadrilla del torero Bombé, aunque vivió holgadamente con el dinero de su padre. Se instala
en Madrid a finales de 1917. Allí frecuenta las afueras de todo, asistiendo a bailes, merenderos y
museos suburbanos del Paseo del Prado, como el (entonces) solitario y destartalado Museo
Arqueológico Nacional. Se acompaña de su inseparable hermano Manuel, que es cantante.
Solana crea un propio estilo, nada académico ni inclinado a las vanguardias, por más que frecuente
la intelectualidad reunida en la tertulia de Pombo, cuyo animador y amigo Ramón Gómez de la
Serna le dedicó un libro entero, a lo que correspondió el pintor con su cuadro Mis amigos (1920),
donde pinta tal tertulia en torno a una mesa (Museo Reina Sofía de Madrid). Ramón conoció a
Solana en la exposición que este hizo en el Círculo de Bellas Artes en enero de 1907.
Gutiérrez Solana hizo una primera exposición en París (1928), que resultó un fracaso. En otra a la que
acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al
monarca. Pero en 1936, cuando comienza la Guerra Civil, Solana es famoso y reconocido fuera y
dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París, donde publica París (1938). En 1939 vuelve
a Madrid, donde fallece el día de San Juan, el 24 de junio de 1945.

17. Los Payasos
Esta obra está exhibida en
Madrid, en el Museo Centro de
Arte Reina Sofía; data de 1919 y
es un óleo sobre lienzo de 96,5 x
121,9 cm. Fueron varios los
artistas que eligieron un payaso
como elemento paródico: el
héroe trágico que, con su
máscara cómica, representa la
lucha del arte por superar las
críticas modernas.

18. El Osario

19. El fin del mundo
Una de las obras más ambiciosas del pintor por el número de figuras
que en ella aparecen y por su representación de la muerte, la
interpretación del concepto de pecado y su castigo. Aparecen las
figuras de la Avaricia y la Lujuria, para las cuales no existe redención
posible según Solana. Solana llegó a decirle a un coleccionista suyo
que esta era su mejor obra.

20. La Visita del Obispo
‘La visita del obispo’ presenta una disposición
sumamente característica en los lienzos de José
Gutiérrez Solana: los protagonistas se sitúan en
semicírculo en torno a la figura que constituye el
eje de la escena, dejando una especie de espacio
abierto vacío. Esta estructura podría recordar, a la
representación medieval del Cristo en su
mandorla, elemento que, al igual que el
semicírculo solanesco, parece proteger a la figura
central de la composición. Por otra parte, la
iluminación, artificial y proveniente de un foco
situado en la parte superior del lienzo, pero no
visible para el espectador, contribuye a la
creación de una atmósfera congelada en el
tiempo, ejemplo de seculares costumbres
provincianas, como las mismas sombras de los
personajes, proyectadas en los amarillentos
lienzos de muro.

21. Con esto y un bizcocho… Trabajo
terminado. 