EXCLAMA_ED26_104 PAGS_baja CORRECCIONES

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EXCLAMA_ED26_104 PAGS_baja CORRECCIONES

  1. 1. La ultima edición del 2015 de Revista EXCLAMA gira en torno al acto de crear, a los procesos creativos que nos definen como seres racionales y reflexivos, que nos ubican en el campo de el avance y la constante progresión. Por esta razón, y precisamente para celebrar nuestra naturaleza creativa, les traemos una edición que se preocupa por mostrar la creatividad, por resaltar sus procesos en campos como el diseño, la arquitectura, la moda, la fotografía. En nuestra sección Los cinco contamos con la presencia de cinco artistas nacionales de diferentes edades, cada uno trabajando activamente por hacer evidente su visión de mundo y su manera de enfrentarse a él a través del arte. En Arquitectura Jürgen Mayer, el genio detrás del Metropol Parasol de Sevilla, nos cuenta acerca de su lenguaje arquitectónico, la delgada línea entre arquitectura y arte; y su preferencia por el fracaso a causa de riesgos por sobre el éxito proveniente de la seguridad. Para Diseño analizamos las estrategias creativas del diseñador ingles Tom Dixon, quien empezó su carrera como bajista de una banda de rock y debe su éxito a treinta años de experimentación y creatividad sin limite. Un artista guatemalteco que se dedica a hacer arqueología del tiempo a través de la superposición de capas de pintura, la historia del curador del New Museum de Nueva York, las razones del éxito de José Miguel Sokoloff y el relato de cómo los trajes de la emperatriz de Tailandia, producto de un meticuloso proceso creativo, la coronaron como la mujer mejor vestida de Asia son algunos de los contenidos que hacen parte de esta edición #CREANDO, una pensada para ayudarnos a expandir los limites de nuestra imaginación.
  2. 2. ÍNDICE 02. EDITORIAL 12. DISEÑO - ARTE 14. DISEÑO 18. ARTE. 23. LOS 5 34. DISEÑO 38. ARTISTA 46. FOTOGRAFÍA 54. COCINA 56. MÚSICA 60. ARQUITECTURA
  3. 3. 68. EDITORIAL DE MODA 78. INNOVACIÓN 80. CIUDAD 84. FOTOGRAFÍA 88. PERSONAJE 90. EDITORIAL DE MODA 96. AMARILLAS 98. LA VISIÓN 100. REPORTAJE 82. DIRECTORIO
  4. 4. WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Descubra todas las semanas artículos y entrevistas sobre temas actuales de moda, arte, música, arquitectura, diseño, fotografía e innovación. Juan Pablo Valencia Isabel Pradilla S. EXCLAMA Agencia Michelle Exceus Olga Espinosa María Alejandra Guzmán Valentina Sequeda Ángelica Hoyos Alejandra Salcedo Camilo Rodríguez Ángelica Hoyos María Esperanza Corredor Oficina Editorial EXCLAMA escribo@revistaexclama.com Director y fundador Editora Dirección de Arte Diseño Diseño Web Redacción y Amarillas Gerente Comercial Guía segundo Semestre y Amarillas Relaciones Públicas Publicidad y distribución Octubre - Diciembre 2014 Portada NÚMERO 26 #CREANDO OCTUBRE - DICIEMBRE 2014 COP $12.000 - USD$6 HECHAEN COLOMBIA ISSN 2027-8438 Metropol Parasol, Sevilla Jürgen Mayer Architects Fotografía Nikkol Rot EXCLAMAREVISTA EVENTOS DIGITAL MARKETING AGENCIA DIGITAL Y COMUNICACIONES T: + 57 1 7596750 E: ESCRIBO@REVISTAEXCLAMA.COM W: REVISTAEXCLAMA.COM
  5. 5. ZARIFA MOHAMAD www.zarifisk.wordpress.com Nativa danesa con raíces palestinas, Zarifa estudió y trabajó durante 10 años en Berlín. Llegó a Bogotá en 2008 donde trabaja como docente en el CESA. Estudió Germanística y Ciencias culturales con énfasis en la República de Weimar y en la cultura pop de los 60s. Es además traductora, blogger, cocinera y lectora apasionada. Hace un año colabora con EX- CLAMA en la sección de Ideas y Negocios de la revista impresa y digital. JUAN RICARDO RINCÓN www.tallerparalelo.com Desde 2010 se desempeña como editor de arquitectura para EXCLAMA, ha entrevistado a peces gordos como Roberto Meyer, Hani Rashid, Ricardo Scofidio, Thom Mayne y Hernán Díaz Alonso, con quien inauguró su sección de entrevistas. Este arquitecto con estudios en artes electrónicas es el director de Taller Paralelo, actualmente está a cargo del diseño para el centro creativo TEXTURA y es crítico visitante de las universidades de SCI – Arc en Los Ángeles, y Upenn en Pensilvania. El año pasado organizó La Feria del Millón donde los bogotanos pudieron comprar obras de arte por menos de un millón de pesos. MARÍA CAMILA PEÑA www.camilapenajournalist.com Periodista, viajera y amante del océano. Comenzó como reportera en el diario El Espectador en 2007, y desde entonces ha colaborado para diferentes publicaciones. Le interesa los temas que tienen que ver con el medio ambiente, la arquitectura, los viajes, la historia y las realidades humanas. En la actuali- dad es bloguera del Espectador.com con Ligera de Equipaje, un blog sobre viajes, y periodista independiente. VICTORIA HOLGUÍN @victoriaholguin Fotógrafa de Cali radicada en Bogotá, enam- orada de la luz natural y los detalles. Siempre busca contar historias sobre cada momento y situación que vive. MARTIN DE THURAH www.academyfilms.com/martin-de-thurah Martin es oriundo de Dinamarca, donde se graduó en laNational Film School, en 2007. Dirigió el corto de 25 minutos We who stayed behind y el 45min Young man Falling, que fue seleccionado para la Critics Week en Cannes. Su comercial para IKEA ganó el premio a mejor dirección en los Creative Circle Awards en 2008 y ha ganado varios premios incluyendo mejor director en los MVA de 2009 y un D&AD pencil por su video para Will Young. Ha dirigido recientemente 2 promos para James Blake y ha colaborado con la marca de moda BLK DNM en un cortometraje. Más allá de los elogios lo que permanece en su mente sin em- bargo, es su lenguaje visual, que es diferente a cualquier otro. Sus imagenes son alarmantes y poéticas sin importar si hacen parte de una película, un video musical o un comercial. Martin de Thurah fue uno de los invitados internacionales al evento de Fotográfica 2009 organizado por Fotomuseo. BENJAMIN SOLOMON www.benjaminsolomon.contently.com Benjamin Solomon es un escritor y experto en cultura pop que actualmente vive y trabaja en Nueva York. Editor por largo tiempo de la New York Gay Guide de Next Magazine, también ha hecho contribuciones para VanityFair.com, New York, Out Magazine, Logo TV.com, Miami Her- ald, Time Out New York, Sherman’s Travel y ha hecho apariciones en Biography Channel, East Village Radio and in Wallpaper magazine. GABRIELA DEL VALLE @gavdelvalle Licenciada en Relaciones Internacionales por la Universidad Francisco Marroquín en Guatemala con un posgrado en Gerencia y Gestión Cultural por la Universidad Del Rosario en Bogotá, Colombia, donde vivió durante dos años y se enamoró de la locura artística y cul- tural del país. En Bogotá ejerció como Gestora Cultural Independiente para varias Muestras de Cine y trabajó gestionando fondos para el XII International Conference on Arts & Cultural Management -AIMAC-. Actualmente viven en Guatemala, es Gestora Cultural independiente, promotora y coordinadora de proyectos cultura- les en Guatemala, Colombia y Latinoamérica. Viajera empedernida, promotora cultural y amante del arte. Con experiencia en coop- eración internacional, género & cultura. Cursi, soñadora y camaleónica de oficios con ganas de todo al mismo tiempo. SUSANA CHENG @thefoodsmuggler Susana es una investigadora cultural que piensa creativamente acerca de las culturas vi- suales, la música, el cine, el arte y la moda con- temporánea; la filosofía del lenguaje es el telón de fondo de su experiencia como escritora. Su objetivo es pensar estratégicamente acerca de la comunicación de las manifestaciones culturales de manera creativa. Tiene experien- cia previa en traducción, revisión y corrección de textos y en el campo editorial, además es investigadora de contenido e imagen para cura- durías inter-textuales (imágenes, video, sonido, fotografía, texto). Actualmente trabaja con el proyecto ATOM. EXCLAMA COLABORADORES ED. 26
  6. 6. EXCLAMA|Número26 8 #CREANDO Jeremy Wintrebert es un artista parisino criado en África y formado en Estados Unidos, quien ha optado por utilizar el vidrio como el material principal en sus creaciones artísticas. Entre las piezas que fabrica se encuentran las lámparas Clouds, creaciones minimalistas de apariencia intensa y encanto evidente. Estas lámparas son diseñadas por sus propios pulmones, pues la figura y el estilo que estas adquieren depende de cómo se sople el material, técnica que Jeremy aprendió de los maestros sopladores de vidrio en Murano, Italia. Aunque a simple vista estas lámparas aparentan una delicada textura, en realidad son sólidas, pesadas y no hay que tomarlas a la ligera por su apariencia etérea, gracias a la cual parece que flotaran en el aire. CLOUDS DE JEREMY WINTREBERT Arte~CloudsdeJeremyWintrebert Foto por Eugenio Carabba
  7. 7. EXCLAMA|Número26 10 #CREANDO La próxima versión de la Feria del Millón contará con la presencia de la obra Hogar dulce, dulce hogar del artista bogotano Pablo Adarme. Las piezas son reproducciones de casas populares de Bogotá en forma de pasteles ficticios. Estas maquetas de repostería cubiertas con pintura acrílica, hacen una reflexión de cómo la arquitectura en una comunidad específica es un mecanismo de distinción social. Adarme, quien concluyó este proyecto este año, le dio vida en el 2002. En principio, el proyecto comenzó con fotografías de alguna de las fachadas de la comunidad; sin embargo, este adquirió, también, un diseño de maquetas pasteleras. HOGAR DULCE, DULCE HOGAR LABORES DE AMOR CASAPASTEL. Pintura acrílica sobre madeflex de 12 x 22 x 17cm, 1 bandeja de plástico de 36 cm de diámetro y 1 fotografía a color sobre papel de 9 x 13 cm. 2001 – 06. Arte~Hogardulce,Dulcehogar
  8. 8. EXCLAMA|Número26 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM 11
  9. 9. EXCLAMA|Número26 12 #CREANDO OUTROSPECTION; THE BODY AND MIND Es posible hacer arte a partir de la moda. El trabajo del artista colombiano Daniel Ramos, no se puede encasillar en una sola categoría, pues está determinado por una serie de conceptos que encierran cada una de sus creaciones. La exploración del cuerpo es la principal inspiración de este proyecto que se logra plasmar a través de piezas creadas en porcelana que evocan y transmiten sensaciones inevitables. Cada objeto está ensamblado con apliques de oro que hacen resaltar colores monocromáticos y formas minimalistas que convierten a estas piezas en objetos únicos, limpios y perfectamente creados. Estas esculturas hacen posible que el arte se pueda utilizar como accesorio, logrando trascender en un significado del objeto como pieza de moda que hace referencia a lo sensible y a la experiencia. Modelo: Lukasz Przytarski. Fotografo: Jorge Perez Ortiz. www.cargocollective.com/danielramoso Diseño-Arte~Ourospection;Thebodyandthemind
  10. 10. SUSCRÍBASERevista EXCLAMA es una publicación trimestral de cultura contemporánea. Reciba todos los días sus dosis de contenido premium sobre arte, moda, diseño, música, arquitectura, fotografía, entrevistas, personajes e innovación. SUSCRIPCIÓN $50.000 PESOS Reciba 5 ediciones este año, empezando por la edición 26. Incluye envío a toda Colombia WWW.REVISTAEXCLAMA.COM/SUSCRIPCION Más información: escribo@revistaexclama.com
  11. 11. EXCLAMA|Número26 14 #CREANDO SOUND SCULPTURE En el contexto en que vivimos actualmente, la música y la forma en que nos acercamos a ella se ha transformado. Los medios físicos no tiene la misma fuerza que antes y lo digital se ha tomado la delantera. Arthur Kenzo refleja esta idea a través del Sound Sculpture, una pieza que captura las ondas de sonido en una escultura visual. Tres formas distintas creadas en metal y cubiertas en cristal, cada una inspira sensaciones que varían entre la agresividad y la pasividad. Una escultura impecable que hace físico aquello que no podemos ver. Diseño~Soundsculpture Foto por cortesía Eugenio Carabba
  12. 12. EXCLAMA|Número26 15 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM PANONO Lanza la bola al aire y tendrás muchas imágenes que se ensamblaran formando una sola con una cobertura de 360 grados. Panono es una esfera del tamaño de una bola de softball que cuenta con 36 cámaras de 3 megapixeles cada una, cubiertas por una capa de gomaespuma que las protege y un acelerómetro que calcula cuando la bola llega a su punto máximo de altura, momento en que se activan sus cámaras capturando una fotografía panorámica de 360 grados de 108 megapixeles. Panono convierte automáticamente la toma en una imagen animada en la que se puede navegar a través de una aplicación o con el control remoto que la acompaña, con el cual también es posible accionarla. La última versión y la que estará a la venta a finales de este año, estará hecha de un plástico fuerte como el que utiliza la Go Pro y tendrá un costo que oscilará entre los 500 y 600 dólares. Innovación~Ponono Foto por Jonas Pfeil
  13. 13. SARTORIAL CARLOS NIETO 01. Bar/Jardín 02. Zona de Asesoría 03. Zona de Trabajo 04. Zona de Prueba ESPECIAL SARTORIAL CARLOS NIETO por EXCLAMA Carlos Eduardo lleva 11 años con Carlos Nieto como asesor de imagen. Este arquitecto de profesión afirma que “Antes era un arquitecto de planta, ahora soy un arquitecto del cuerpo”. Cuenta que Sartorial empezó con él y se abrió con su llegada de Alemania, donde se encon- traba en ese entonces: “Lo primero que se hizo fue el desarrollo de los probadores, después vino el programa -traído de Italia-. Luego el montaje del equipo de trabajo, muy diferente al equipo de producción de todas las otras tiendas Carlos Nieto. ¿Qué tipo de experiencia tiene el cliente Carlos Nieto en Sartorial? Hay una química especial desde el momento en que el cliente llega y se empieza la asesoría. Yo le vendo un intangible, una ilusión. Después de desarrollar toda la asesoría el cliente sale de la tienda con un sobre, no con paquetes de compras como lo haría en una tienda normal. La experiencia que recibe el cliente se basa en el conocimiento, la confianza y los espacios. Eso se le imprime al cliente y es definitivo. ¿Por qué hacerse una asesoría en Sartorial? Uno, porque es importante tener un traje hecho exactamente a la conformación anatómica. Dos, porque un atuendo influye mucho en que la imagen aporte confianza a sí mismo y le da confianza a su entorno. Porque si no se ésta bien vestido, uno transmite eso. Espacios El interesante recorrido que hace el cliente en los espacios de Sartorial al cumplir la cita de asesoría de imagen, hace de la experiencia de adquirir un vestido a la medida algo especial. Desde un desayuno en el jardín, a un té caliente en la sala de asesoría,hasta un trago por la tarde, Sar- torial hace que el cliente sienta lo especial y distinto que es el proceso. Sartorial es el nombre de la tienda Carlos Nieto que cuenta con una propuesta diferente para aquellos que buscan un traje exclusivo, hecho a la medida, con materiales de la más alta calidad y la más detallada asesoría al cliente. EXCLAMA estuvo con Carlos Eduardo Martínez, asesor de imagen de Sartorial, que como anfitrión y guía de ésta inte- resante experiencia, nos llevo por el proceso de creación de un vestido Sartorial Carlos Nieto. La visita y el proceso El proceso de hacerse un vestido a la medida en Sartorial Carlos Nieto es sin duda una experiencia única. El interesado debe hace cita previa (puesto que solo se reciben 4 citas diarias) para hacer la asesoría de imagen que conlleva al desarrollo del vestido. La experiencia comienza con la bienvenida en la sala de espera que incluye un bar donde el cliente puede ponerse cómodo y refrescarse con una bebida, luego se le invita a pasar a la Sala de asesoría, en dónde se presenta el asesor de imagen quien lo apoyará en el proceso y hará el trabajo de investigación: una charla en la que se indagan los gustos, el entorno del cliente y la ocasión para cual busca la prenda. Los siguientes espacios son la zona de prueba y la zona de trabajo. En la zona de prueba se hace la toma de medidas y la conformación anatómica del cliente. Estos datos se utilizan para desarrollar las fichas técnicas de cada prenda, proceso que se lleva a cabo entre el cliente y el asesor de imagen, quien sugiere sobre la selección de materiales, cortes, detalles etc. Toda la información recogida se va ingresando en el programa que utiliza Sartorial llamado Amadeus del Corte. Este procesa en su siste- ma los datos recopilados sobre el cliente durante diez horas. Una vez procesada la información, ésta es enviada al sastre de Sartorial, quien recibe los moldes a través de un plotter que corta el paño. El sastre hace el corte y manda la prueba. Una semana después el cliente vuelve para una prueba de 10 minutos donde se ajustan detalles. ¿El resultado? Un vestido único, hecho a la medida y al gusto del cliente, bajo la calidad Sartorial Carlos Nieto. Sar-to-ri-al / adjetivo / relativo al vestido, al sastre, a prendas hechas a la medida. 01. 02. 03. 04. Carlos Eduardo Martínez, asesor de imagen de Sartorial. Fotografía por Victoria Holguín
  14. 14. Paños Sartorial ordena exactamente la cantidad de paño que se va a usar por vestido. Por lo tanto, no hay existencia de los paños en la tienda y cada paño es exclusivo. Son paños ingleses, españoles, italianos e irlandeses de lo mejor del mundo con alto gramaje y características especiales. Paños inteligentes que no se arrugan, una base en teflón que repele los líquidos y hace que resbalen, tejidos que se adaptan a la temperatura ya sea recogiéndose o abriéndose. Además, cuentan con una línea de Celebración: paños con mas brillo para trajes algo más osados y con sello distintivo. Paños disponibles bajo orden: Vitale Barberis, Thomas O Hillby (chivo), Holland & Sherry, Dormeuil, Escavel, Lanitex, Ermenegildo Zegna Guayabera Para ocasiones de clima cálido, Sartorial lo asesora en el diseño y crea guayaberas a la medida para ceremonia y ocasiones especiales. Traje Ceremonia El fuerte de Sartorial son los vestidos para ceremonia y bodas, ocasión para la cual la mayoría de clientes de Sartorial buscan el servicio. El traje del novio seria es una excelente oportunidad para realizar una asesoría de imagen, bajo la cual se obtendría una prenda única y exclusiva, con los mejores materiales. Accesorios Para resaltar la elegancia del vestido y el estilo del cliente, Sartorial también ofrece accesorios. En las salas de asesoría y trabajo se exhibe una moderna y elegante línea de zapatos españoles de corbata negra, noche, y ceremonia para complementar los trajes hechos a la medida. Entre los accesorios también es posible encontrar corbatas, corba- tines, mancornas, pisa-corbatas y pañuelos. ESPECIAL SARTORIAL CARLOS NIETO por EXCLAMA www.carlosnieto.co
  15. 15. EXCLAMA|Número26 18 #CREANDO Arte~Laarqueologíadeltiempo LA ARQUEOLOGÍA DEL TIEMPO Escrito por Gabriela del Valle Foto por Andrés Asturias Franco Arocha, un joven artista centroamericano, habla sobre su forma de trascender en el arte contemporáneo a través de la espátula y la pintura. ¿Cómo describes tu obra? Mi técnica es la pintura. Recolecto capas de pintura a través del tiempo, pintura caída de las paredes de la ciudad de Guatema- la. Es la acción de realizar un registro y recuperación de lo que ya hizo alguien con la pintura, es una composición artística. Re- colectar pintura para mí es el mismo gesto que usarla para pintar. ¿Cómo te inicias en el arte? Con las colecciones de mi familia: la filatelia de mi abuelo, las miniaturas de mi abuela. Coleccionar es arte y desde entonces lo encontré. ¿Qué ha sido el arte en tu vida? Todo y nada. A lo que me dedico, lo que me tranquiliza. El arte, sin el medio, es casi todo, por desgracia, después del arte es muy difícil encontrar otra cosa en qué inte- resarse, casi todo lo termino encausando hacia lo mismo. ¿En qué momento nació tu interés por las artes visuales? Siempre lo tuve. Se concretó cuando tra- bajaba diseñando vitrinas para una tienda de ropa para hombre. Para entonces me interesaba el diseño, pero esto me alejó de la ropa por completo. No era arte específi- “Busco pintura que se caiga de paredes, camino con espátula en mano”. Él es Franco Arocha y esa es su particular manera de andar por el mundo. Guatemalteco de 22 años, apasionado de las lascas caídas de las paredes y pintor de la arqueología del tiempo. camente, pero el reto de ser constante- mente creativo nació y permaneció desde entonces. La pintura lo puede todo y eso jode a las mentes, y joder las mentes es importantísimo. ¿En qué momento empiezas a interesarte en la recolección del proceso arqueológi- co de la pintura? Fue en mi casa. Se caía la pintura después de terminada la temporada de lluvia y no quise desecharla, la guardé. Al inicio sólo coleccionaba los trozos de pared en cajas. Un día los usé y no pude parar; la posibili- dad de construir es exquisita. ¿En qué te inspiras para la creación de tus obras? En la gente y por consiguiente en su ciudad. En todo el que ha pintado, rayado o escrito en una pared, algo que la historia dice se ha hecho desde siempre. Pintar la casa, elegir el color de tu habitación, los murales; todas son expresiones y gestos creativos que pasan desapercibidos en la cotidianidad. Hay que evidenciar estos gestos que están llenos de su propia poesía y belleza. Los colores también son muy propios: en ciudad de Guatemala existen tonos que serían inimaginables para otras ciudades, eso tiene su belleza y su importancia. Las posibilidades son infinitas. Si hablamos de colores, de razones para pintar una pared, de lo escrito en las paredes, entonces todo hecho pictórico es evidencia. ¿Cómo llegas al lenguaje de la abstra- cción? No me interesa la abstracción, me interesa transcribir este tipo de pintura al arte.
  16. 16. EXCLAMA|Número26 19 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Arte~Laarqueologíadeltiempo
  17. 17. EXCLAMA|Número26 20 #CREANDO ¿Por qué la arqueología y la pintura? La arqueología supone el análisis de la cultura material de civilizaciones pasadas, la pintura es un hecho cultural. Unir estos dos temas supone estudiar los restos de pintura y de ahí partir a conclusiones de la cultura actual. ¿Trabajas por series temáticas? Sí. Encuentro la razón de hacer una serie cuando comienzo una nueva etapa de recolectar las lascas de pintura, tal vez porque cambia el clima o porque cambia la hora en que la recolecto. ¿Cuál es tu método de trabajo? Busco pintura que se caiga de paredes, camino con espátula en mano. He tenido colaboraciones con pintores, que algunas veces me han recolectado pintura que ellos limpian antes de pintar. Elijo las las- cas que tengan similitudes, ya sea porque eran de la misma zona o porque las casas se parecen, cualquier razón es válida mientras sea instintiva. ¿Qué significa para ti construir obras sin una brocha en mano? Más posibilidades. ¿Por qué Colombia estaría interesada en tus obras? Porque la pintura se desprende de las paredes en todos lados. Aunque seamos completamente distintos, encontramos las mismas posibilidades en varios lugares, en diferentes contextos, formas y matices. Lo que quiero es empatía, encontrar un lenguaje universal. Quisiera pensar que después de ver mi trabajo, cuando la gente observe pintura en las paredes reconozca una posibilidad; esta es mi interpretación en el arte contemporáneo. ¿Qué contribución puede hacer el arte centroamericano a Colombia? Todo y viceversa. El arte debería tener un dialogo constante, abierto. Encontrar un lenguaje universal y reconocer que la pintura aún nos rodea, que el arte está allí, muy cerca de nosotros en todos lados. De- finitivamente el arte sigue sensibilizando y es lo bello de la contemporaneidad. Arte~Laarqueologíadeltiempo
  18. 18. EXCLAMA|Número26 21 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Arte~Laarqueologíadeltiempo
  19. 19. SÍGUENOS REVISTA EXCLAMA DIGITAL INSTAGRAM @EXCLAMArevista TWITTER @EXCLAMArevista FACEBOOK Facebook/revistaEXCLAMA CONTACTO escribo@revistaexclama.com WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  20. 20. EXCLAMA|Número26 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM 23 CINCO ARTISTAS COLOMBIANOS MILLER LAGOS, JAIME ÁVILA, JUAN FERNANDO HERRÁN, JESSICA ÁNGEL Y ADRIANA MARTÍNEZ. PARA ESTA EDICIÓN, TAN CERCANAA UNA ÉPOCA DEL AÑO EN LA QUE LA CAPITAL RESPIRAARTE, HEMOS ESCOGIDO PRESENTAR A CINCO ARTISTAS NACIONALES DE EDADES DIFERENTES CON ÓPTICAS, TRAYECTORIAS Y VISIONES DEL ARTE BASTANTE DIVERSAS. CINCO APROXIMACIONES A LA REALIDAD DESDE MÉTODOS Y TÉCNICAS QUE PUEDEN PARECER DISTANTES, PERO QUE TERMINAN CONECTÁNDOSE DE ALGUNA U OTRA MANERA DESDE LA MALEABILIDAD DEL PENSAMIENTO PLÁSTICO. 5
  21. 21. 5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26 24
  22. 22. EXCLAMA|Número26 25 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Adriana Martínez CON TAN SOLO 26 AÑOS Y EXPOSICIONES COMO ARTECAMARA EN ARTBO, CASA DE LAS AMÉRICAS DE LA HABANA Y EL MUSEO DE LA TERTULIA EN 2013, ADRIANA MARTÍNEZ SE POSTULA COMO UNA DE LAS PROMESAS DEL ARTE COLOMBIANO. GANADORA DE LA BECA DE TUTORÍA ARTÍSTICA CONSCAR/FLORA, ES COFUNDADORA, DIRECTORA Y MIEMBRO DEL COMITÉ CURATORIAL DE M I A M I, FORMÓ PARTE DE LA MESA DE COMPETITIVIDAD DE ARTES PLÁSTICAS DEL MINISTERIO DE CULTURA DE COLOMBIA Y ES COFUNDADORA DE LA GALERÍA CARNE. ¿En torno a qué temáticas gira la realización de su obra ? Me interesa pensar en las cosas cotidianas que me gusta hacer o me llaman la atención, y tratar de encontrar en esos contextos y decisiones síntomas de arte. Me baso en los contextos y problemas con los que me encuentro todos los días, una excusa particular de producción: una convocatoria, una residencia, un ejercicio de clase, una invitación a exponer o un viaje constituyen el punto de partida y el concepto mismo de mis obras. Cómo espectador, sin hacer a un lado su carácter de artista ¿Qué características deben tener, en su criterio, las obras de otros para que llamen su atención, le gusten o lo inspiren? Yo diría que Ana Maria Millan, Paulo Licona, Juan Obando, Santiago Pinyol, Mariana Murcia, Maria Isabel Rueda y Juan Peláez son los artistas que están haciendo los cambios más radicales en el contexto local. Ellos entienden que el arte contemporáneo no es únicamente la producción plástica y por eso trabajan en un campo más grande, en proyectos de circulación, visibilización, educación y comercialización de arte, haciendo todo desde un punto de vista muy crítico. Por ejemplo, cuando Licona hace un skate park en un museo o Mariana Murcia y Santiago Pinyol crean una Escuela de garaje de arte no es su propia producción, no es como un cuadro suyo con su firma, es crear una escena. Con prácticas así, ellos están impactando al público y revolucionando el mundo del arte desde sus fundamentos. Sin duda serán un referente cuando se revise la historia del arte colombiano de este tiempo. En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibilidades, tecnologías)? La técnica es en mi obra algo que resulta después de muchas cosas; me interesa que sea evidente que cualquier objeto, material o medio de comunicación es un elemento de trabajo y también un punto de partida. Cada vez hay más y más posibilidades de comunicación, más formas de decir las cosas. Por ejemplo llaman mi atención obras como A Bird Without a Song de Juan Obando, en la que se animan fotos de perfiles de usuarios de Tinder de Chapinero, cantando la balada romántica Nothing Compares To You original de Prince, reinterpretada por Sinead O`Connor. ¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que está trabajando? Ahora tengo toda mi atención enfocada en la beca de tutoría artística Conscar/ Flora con Humberto Junca en Flora Ars Natura, el espacio de José Roca. Para esto trabajo con billetes, banderas y monumentos como punto de partida. De los billetes me interesan los colores de los de Centro América y Suramérica; de las banderas me interesan las que tienen estrellas como Alaska y Japón y de los monumentos la idea de peregrinaje. El proyecto está en proceso pero me alegra muchísimo tener alguien con quien hablar y discutir mi trabajo fuera de un sistema de calificación o comercialización, me parece un lujo. 5~Artistascolombianos Foto por Andrea Swars
  23. 23. 5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26 26
  24. 24. EXCLAMA|Número26 27 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Jaime Ávila NACIDO EN UN PUEBLO MUY PEQUEÑO DE BOYACÁ, JAIME ÁVILA SIEMPRE HA REITERADO EL HECHO DE QUE, SIN IMPORTAR CUANTO TIEMPO PASE, EL CONTINUARÁ SIENDO UN TURISTA SEA EL LUGAR DONDE SE ENCUENTRE Y SIEMPRE, POR MÁS QUE GUSTE DE UNO U OTRO LUGAR, TERMINA SINTIENDO LA NECESIDAD DE VOLVER AL PUNTO DE PARTIDA. SUS PROYECTOS, SUS TEMÁTICAS, SON CÍCLICAS; VUELVE A ELLOS UNA Y OTRA VEZ PERO DESDE OTRAS ÓPTICAS. NUNCA PIENSA DEMASIADO EN LA TÉCNICA PUES ESTA VA, SIMPLEMENTE, APARECIENDO SEGÚN LAS NECESIDADES QUE LE ARROJA EL PROCESO DE ESCULPIR LA IDEA EN SU CABEZA, UNA SÍNTESIS CONCEPTUAL QUE TERMINA TORNÁNDOSE PLÁSTICA A TRAVÉS DE DIBUJOS, ESCRITOS, FOTOS… EN POCAS PALABRAS DE LA EXPERIMENTACIÓN CON EL MATERIAL. LO INSPIRAN NUEVA YORK, AUNQUE ALGUNA VEZ LO ABURRIÓ, OSLO Y SUS GLACIARES, BERLÍN QUE NO ES LUJOSA PERO ES PODEROSA Y GENUINA, RESPETUOSA POR TODO, MEDELLÍN Y ANTE TODO BOGOTÁ. ¿En torno a qué temáticas gira la realización de su obra ? Yo siempre he pensado que mi trabajo es el paisaje. Yo vengo de provincia y cuando llegué a Bogotá me sentí como un turista, aunque generalmente sentía que Bogotá me sorprendía. El tiempo transcurrió -pasaron diez años, veinte años, viviendo en Bogotá- y yo siempre me sentí un turista. Es la misma relación que siento cuando voy a una ciudad nueva o llego a otro lugar. Siempre miro la gente, miro el espacio y miro el paisaje desde la posición de alguien que no pertenece a ese lugar, entonces me sorprenden las cosas que hay. Muchos de mis proyectos han girado en torno a la arquitectura urbana y al habitante en general. No lo hago desde un punto de vista político y sociológico, sino desde el impacto que me ha creado como persona que no nació en esta ciudad. Cómo espectador, sin hacer a un lado su carácter de artista ¿Qué características deben tener, en su criterio, las obras de otros para que llamen su atención, le gusten o lo inspiren? No tengo parámetros para que algo me guste. De las cosas que a mi me encantan del arte una es la capacidad de síntesis o la capacidad de sorprender cuando se ha dicho algo muchas veces; ese juego que es como de niños, como cuando uno jugaba de pequeño y se sorprendía por cosas triviales. Por ejemplo: Yo con dos piedras puedo hacer algo maravilloso, o con una sola piedra; o de pronto tu haces algo maravilloso con muchas piedras, o hacer algo muy banal con algo muy complejo. Ese tipo de juegos visuales y de percepción son los que yo admiro muchísimo en los otros artistas y, en general, del arte: esa capacidad del cerebro para generar en un momento de la historia una idea que, tal vez, se ha hecho ya muchas veces, pero que se presenta de otra manera. En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibilidades, tecnologías)? A mi la tecnología me parece lo más fantástico que hay. Realmente cada momento de la historia tiene su nivel tecnológico. Lo que me parece osado del arte es que puede volver tecnológica la artesanía más trivial. Esa capacidad que tiene el arte de volver la tecnología, por ejemplo, un medio virtual en algo tan simple y elemental o de volver algo simple y elemental en una imagen contemporánea compleja es, realmente, algo muy interesante. De la misma manera que cuando se iniciaron los primeros grafismos en una cueva, usando una piedra, ahora se puede usar la tecnología para crear cualquier tipo de sensibilidad visual. Realmente yo creo que la tecnología la usaría como una artesanía tecnológica. A veces yo utilizo cosas muy tecnológicas en mi trabajo y las utilizo de una manera demasiado elemental. ‘ Hay una parte visual, de comunicación a nivel global o para llevar la información a otro lado, que es muy inteligente de la contemporaneidad. Que uno pueda ser visto por otras formas de pensar, en otros lugares diferentes a partir del uso de cierta tecnología es súper importante, por que la comunicación del arte es una de sus finalidades: tener contacto con alguien que esté viendo. ¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que está trabajando? En mi trabajo siempre he sido cíclico. Me he devuelto, he retomado cosas que he realizado. Cuando estudiaba en la universidad aprendí cosas, pero cuando estaba trabajando independientemente a veces volvía y hacia cosas que hacía en el colegio, cuando aún no había aprendido nada, ni sabía que era el arte contemporáneo. Ahora, añoro muchísimo esa espontaneidad, el espacio libre que tenía cuando no tenía tecnología. A veces hago el ejercicio de no pensar en la tecnología, sino de hacer manualmente: hacer cosas libres con el espacio, con el trabajo y la laboriosidad. A futuro tengo proyectos que se me han quedado pendientes por la falta de conciencia, por la misma tecnología. Al año yo participaba como en veinte exposiciones, en los salones nacionales, en la Bienal de Arte, en los Salones de Arte Joven; participaba en cuanta cosa había. En esta época tengo tres exposiciones en el año, cuatro exposiciones en el año y ya eso lo siento suficiente. Uno se va volviendo más y más exacto, más pendiente de un proyecto. Muchos de lo que estoy realizando ahora son cosas que propuse en algún momento pero de alguna otra manera, en otro tiempo. Por ejemplo, el proyecto de Paisajes de polvo, una especie de vistas aéreas, lo hice en el 94 para una exposición que se llamaba No toque la mercancía; y después de doce años lo retomé para un proyecto grande. Son cosas que uno hace y marcan el trabajo: tiempos atrás, tiempos adelante vistos de otra forma, pero que en el fondo siguen siendo lo mismo porque uno sigue siendo el mismo. 5~Artistascolombianos Foto por Andrea Swars
  25. 25. 5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26 28
  26. 26. EXCLAMA|Número26 29 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Juan Fernando Herrán EL ESTUDIO DE JUAN FERNANDO HERRÁN ES DE UNA PULCRITUD ÚNICA. AMPLIO Y BIEN ILUMINADO, SU ORGANIZADA DISPOSICIÓN DA LUCES ACERCA DE LA CUIDADOSA ESTRUCTURA DE TRABAJO DE ESTE ARTISTA. SUS TEMÁTICAS SON DIVERSAS Y VAN LIGADAS TANTO A LO NATURAL COMO A LO SOCIAL Y LO POLÍTICO. METICULOSO Y CUIDADOSO EN CADA UNO DE SUS PROCESOS, HERRÁN AFIRMA: “ME GUSTA QUE LAS OBRAS TENGAN VARIOS NIVELES DE LECTURA. ESTO, TAL VEZ, APARECE POR ESE MÉTODO QUE ES QUE YO LEO MUCHO. ANTES DE HACER YO ME DEMORO MUCHO LEYENDO, INVESTIGANDO, HACIENDO DIBUJOS. DESPUÉS YA ENCUENTRO COSAS QUE PIENSO QUE VALE LA PENA HACER.” En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibili- dades, tecnologías)? He mantenido una producción muy activa principalmente con escultura, fotografía, algo de video. Me interesa entender el arte de una manera amplia, donde los medios son realmente una respuesta a necesidades y de acuerdo a los proyectos los utilizo. ¿En torno a qué temáticas gira la rea- lización de su obra ? Siempre me ha gustado variar las temáticas que desarrollo, aunque hay muchos vínculos estrechos entre unas y otras. Uno como artista tiene inquietudes, sensibilidades y una manera de relacionarse con el mundo muy propias, eso crea una base que lo pone a uno en distintas situaciones que se relacionan. Al principio había un trabajo muy consiente con la naturaleza, con la noción de paisaje, una comparación entre la noción del ser humano dentro de un contexto dado, pregun- tas que relativizaban el posicionamiento del hombre en su contexto, no como superior, sino tratando de volverlo más horizontal. Hay una serie de piezas que trabajan sobre esa plataforma. En un principio, yo trabajaba en términos escultóricos buscando la transfor- mación material, esa que le daba sentido y significado a la pieza. Es lo que sucede, por ejemplo, con la corona de espinas, hecha en materiales naturales. Esa pieza muy tem- prana tiene un contenido político muy fuerte, el mismo que va a aparecer de distintas maneras a lo largo de mi carrera. A finales de los noventa el contenido se vuelve más político con obras como Anexo 273, sobre la entrega del dinero del narcotrá- fico a la campaña de Samper Presidente, el proyecto de Papaver Somniferum, que tiene todo un lado de naturaleza, de visión hacia la planta, pero también tiene todo el elemento problemático de nuestro contexto y como esa categorización de la planta de amapola nos lleva a la lucha contra las drogas y a todo este problema judicial del que la cultiva. Luego hice Campo santo, que articula la noción de memoria histórica con el paisaje. Esta se produce casi simultáneamente con Campos de visión, sobre las aeronaves de la fuerza aérea que llevaban a cabo las distintas operaciones de la lucha contra la insurgencia, contra el narcotráfico. Después empecé una serie de fotografías que fueron dando pie a la serie Escalas: fotografías en las comunas de Medellín, interesadas en ver como en ese segmento de la sociedad se dan unos procesos construc- tivos que terminan definiendo los lugares donde viven, la materialidad con la que viven, las nociones de progreso y de inclusión. Después hice Espina dorsal y Progresión, compuestos por piezas escultóricas en made- ra. En el 2012, hago Posición Horizontal: una cama que es la intersección de muchas camas provenientes de distintas clases socia- les, con sus materialidades y su espacialidad. En esas obras hay un cuestionamiento sobre el espacio vital de la persona; reflexiones sobre el espacio donde vive la gente, donde se mueve y como las construcciones son una respuesta directa a necesidades corporales. Esos son proyectos que ven un aspecto más social. Cómo espectador, sin hacer a un lado su carácter de artista ¿Qué características deben tener, en su criterio, las obras de otros para que llamen su atención, le gusten o lo inspiren? Algo que me llama la atención es ver en los otros artistas cosas que yo obviamente no podría hacer; eso me parece fascinante porque es un pensamiento distinto. Por ejemplo, Jaime Ávila siempre me ha parecido que tiene un pensamiento maravilloso, muy particular. Me parece fascinante encontrar en las obras cosas que yo nunca hubiera podido encontrar, porque me abren la visión y, creo, que ese es en gran parte el valor de un artis- ta; no es hacer lo correcto o lo que es lógico, sino esa riqueza personal que hace que aparezcan piezas espectaculares en términos no solo estéticos, sino de pensamiento. Yo busco eso. Yo necesito sentir detrás de la forma, el pensamiento, la reflexión. En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibili- dades, tecnologías)? Asumo el arte como un espacio versátil, flexible. El medio se decide cuando estoy trabajando en los distintos temas. A veces percibo que algo es fotográfico o que tiene que ser en video o que es escultórico. ¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que está trabajando? Lo que voy a hacer es un trabajo fotográfico con comunidades indígenas y su cultura material; como el entorno, la producción objetual y la producción arquitectónica tienen unos cruces muy interesantes que pueden ser alternativas para concebir una noción de mundo. Una serie fotográfica que tiene algo de etnográfico, pero que se va a centrar más en la materialidad y la objetualidad. Voy a ir a tres comunidades distintas en contextos diferentes para sondear esas relaciones de manera diversa: una tribu amazónica, una en la guajira y otra en La Sierra Nevada. Montaña, desierto, mar y amazonia. 5~Artistascolombianos Foto por Juan Pablo Valencia
  27. 27. 5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26 30
  28. 28. EXCLAMA|Número26 31 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Jessica Ángel EL TRABAJO RECIENTE DE JESSICA ÁNGEL SE DESARROLLA EN FORMA DE INTERVENCIONES PARA SITIOS ESPECÍFICOS, EXPLORANDO LA POSIBILIDAD DE CREAR ILUSIONES VISUALES Y DE TRANSFORMAR LOS LUGARES CON EL USO DE LA PERSPECTIVA. ABORDA UNA EXPERIENCIA NO TRADICIONAL DEL ESPACIO, TRANSFORMANDO LOS PROCESOS Y USOS DE LOS MEDIOS TRADICIONALES. LA PINTURA MURAL, INTERVENCIONES DE DIBUJO A GRAN ESCALA Y EL USO DEL COLLAGE SOBRE PAREDES, SON LAS HERRAMIENTA QUE ELLA UTILIZA PARA CREAR EXPERIENCIAS INMERSIVAS QUE INVITAN AL ESPECTADOR A ACERCARSE A LA IMAGINACIÓN Y A EXPERIMENTAR SENSACIONES NO CONVENCIONALES, PROPONIENDO UN ENCUENTRO DESORIENTADOR CON LA REALIDAD. LA MAYORÍA DE SUS INSTALACIONES REPRESENTAN PAISAJES FICTICIOS INSPIRADOS EN EL MICRO-NIVEL DE LOS COMPUTADORES Y SU RELACIÓN CON EL URBANISMO. TRABAJANDO CON LA PARADOJA ENTRE LOS MEDIOS TRADICIONALES Y LA IMAGEN DIGITAL, CON EL PROPÓSITO DE EXPONER UNA ANALOGÍA ENTRE LO REAL Y LO VIRTUAL, JESSICA YUXTAPONE ELEMENTOS CONTRARIOS; LO VASTO VS. LO DIMINUTO, EL BLANCO Y NEGRO FRENTE AL COLOR, LAS LÍNEAS CURVAS DE LA GEOMETRÍA NO-EUCLIDIANA FRENTE A UNA PRECISA RETÍCULA DE PIXELES, ENTRE OTROS. ¿En torno a qué temáticas gira la realiza- ción de su obra ? Mi trabajo gira en torno a la idea de la información como constructor de la realidad, como un espacio de absoluta libertad. Paralelamente, mi investigación indaga los principios del universo, las características de la materia y la búsqueda de cómo la infor- mación se encuentra relacionada con todo lo que nos rodea, tanto físico como intelectual. Estoy trabajando a partir de analogías como “El átomo es al universo, como el código bi- nario es al computador”. Estoy interesada en la intersección entre arte, ciencia y filosofía. El uso de la información a nivel global y la existencia del Internet como un nuevo espa- cio a conquistar se han convertido en el eje central de mi obra. La era de la ciencia ficción y el mito tecno-científico de la omnipresencia industrial del hombre en el espacio han termi- nado. Las ilusiones cósmicas, el sueño del hombre por escapar y conquistar el universo, se han visto mutados convirtiéndose en la conquista de un espacio virtual igualmente infinito y universal. Un espacio, una platafor- ma donde (si se logra mantener libre) el arte, la ciencia y la filosofía se verán prosperar tan exponencialmente como la tecnología lo ha hecho en los últimos años. Cómo espectador, sin hacer a un lado su carácter de artista ¿Qué características deben tener, en su criterio, las obras de otros para que llamen su atención, le gusten o lo inspiren? El arte que me interesa generalmente tiene un carácter sensible. Utilizo la palabra sen- sible desde la perspectiva de Gillez Deleuze en su libro Lógica de la Sensación, donde la sensación es experiencia y está radicada en un cuerpo donde la figura se desfigura o se transfigura en múltiples, donde las asocia- ciones son infinitas y donde la obra propor- ciona altos niveles de intensidad. Me inspiran entonces los trabajos que tienen un efecto inmediato en mi cuerpo y posteriormente en mi mente. En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibili- dades, tecnologías)? Involucrar a la comunidad en mis proyectos ha ganado importancia en mi trabajo y lo puedo describir en dos categorías; Por un lado, el desarrollo de estas instalaciones a gran escala requiere esfuerzos de trabajo extensos que estoy logrando con la ayuda de voluntarios y pasantes quienes trabajan bajo mi dirección. Hago de estos procesos una experiencia enriquecedora para una gen- eración de artistas más jóvenes. Por el otro lado, estos espacios transformados los estoy utilizando como un laboratorio para la colab- oración e integración de distintas disciplinas. Estoy invitando a personas de diversos campos como la astrofísica, el diseño sonoro, la animación interactiva, el performance, entre otros, a que tomen parte en el proyecto creando intervenciones directas sobre el espacio, activando la instalación y abriendo posibilidades de colaboración. ¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que está trabajando? Estoy actualmente trabajando en la elabora- ción de maquetas para desarrollar un proyecto en la Bienal de Vancouver 2014- 2015. Estaré participando como artista en residencia elaborando un proyecto a gran escala con ayuda de la comunidad durante 6 semanas. Este proyecto parte del estudio de la población en Vancouver y los enclaves sociales que caracterizan a la cuidad. Estoy también desarrollando un proyecto In-situ en Nueva York para enero de 2015 llamado Getting to Infinity curado por Jeanne Bassile, que explorará la intersección entre arte y ciencia. 5~Artistascolombianos Foto por Sean Campbell
  29. 29. 5~ArtistascolombianosEXCLAMA|Número26 32
  30. 30. EXCLAMA|Número26 33 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Miler Lagos TRONCOS DE ARBOLES HECHOS DE PAPEL TALLADO, LIBROS APILADOS, SEMILLAS GERMINADAS DE CEIBA, SERIGRAFÍAS DE DIBUJOS EN CARBONCILLO QUE REPRODUCEN LAS CUENCAS DE LOS RÍOS DE MANERA TAL QUE AL VERLAS PARECIESEN LAS RAÍCES DE ARBOLES MILENARIOS. LA OBRA DE MILLER LAGOS SE ENCAMINA HACÍA EL TRATAR DE COMPRENDER LA ESENCIA DE LOS MATERIALES QUE CONSTRUYEN NUESTRO ENTORNO. PREFIERE BOGOTÁ QUE CIUDADES COMO LONDRES, NUEVA YORK O BERLÍN, EN LAS QUE, AUNQUE LE AGRADAN PREFIERE ESTAR ÚNICAMENTE TEMPORADAS. SU TALLER, UBICADO EN ESTUDIOS LAS NIEVES, ESTÁ LLENO DE RESMAS DE PAPEL PERIÓDICO Y CUBIERTO POR EL POLVILLO RESULTADO DE LAS TALLAS QUE ALLÍ SE REALIZAN. SUS RESPUESTAS TRANSMITEN TRANQUILIDAD Y UN BUEN PORCENTAJE DE NATURALIDAD, ALGO QUE ES POSIBLE PERCIBIR EN LA MANERA EN LA QUE PRESENTA SUS PIEZAS. COMO ARTISTA, LAGOS BUSCA DESENTRAÑAR LA RELACIÓN ENTRE LA NATURALEZA Y NUESTRA HUMANIDAD QUE LA HABITA. COMO ESPECTADOR, GUSTA DE LOS ARTISTAS DE GRAN CALIDAD HUMANA QUE BUSCAN ENCONTRARSE CON LA NATURALEZA Y CON LA VIDA MISMA. ¿En torno a qué temáticas gira la realiza- ción de su obra ? Mi trabajo siempre ha estado ligado a la escultura y al grabado, medios que me han interesado constantemente, y a través de los cuales he abordado reflexiones sobre la identidad y la relación entre cultura y natu- raleza desde nuestro contexto. Lo anterior de alguna manera se ha convertido en una búsqueda constante por tratar de entender la naturaleza de los materiales con los que con- struimos nuestro entorno, esa relación directa con la fuente que, por alguna razón, termina vinculándose con pensar en la naturaleza. Cómo espectador, sin hacer a un lado su carácter de artista ¿Qué características deben tener, en su criterio, las obras de otros para que llamen su atención, le gusten o lo inspiren? En lo personal me motivan los trabajos de otros artistas que, de alguna manera, me muestran un mundo diferente al que siempre ha estado ahí, que me lo presentan como algo nuevo a pesar de ser tan solo la observación de eso que siempre nos ha acompañado. Los proyectos o trabajos que me dejen ver otra posibilidad de apreciar la vida son los que me resultan muy interesantes. En ese sentido el que me sorprenda me llena de mo- tivación. El que me sorprenda teniendo como base cosas muy reales o muy consistentes, no un comentario o una idea espontanea que en realidad no está conectada con una cantidad de elementos que no son visibles pero que están ahí. En Colombia, siempre me ha gustado lo que hace Mateo López, muchas veces he encon- trado inspiración en su trabajo. Humberto Junca siempre me ha encantado, Beltrán Obregón, entre muchos. Anish Kapoor en sus orígenes, en sus principios, cuando man- tenía una relación con su historia familiar, con su pasado y tenía muchos elementos que venían de un contexto real. En cuanto a la exploración de nuevas técnicas ¿Qué le interesa, o le interesaría, traer a su obra (nuevos medios, posibili- dades, tecnologías)? Yo nunca me he sentido virtuoso en nada; no podría decir, por ejemplo, que soy un buen escultor. En ese sentido siempre he acudido a cualquier medio cuando siento la necesidad. Cuando siento que hay un tema que merece ser abordado desde la electrónica, si no se como hacerlo busco asesoría de expertos en el tema. Alguna vez hice un proyecto colectivo con Camilo Martínez y Gabriel Zea, el proyecto Clap, para el que se desarrolló todo un sistema, una programación y toda la tecnología desde cero. De alguna manera ahí se usó. Siempre estoy abierto a la posibilidad de involucrar tecnología en los proyectos, aunque lo más visible de mi trabajo han sido cosas que he realizado a través de técnicas más tradicionales como la talla, el dibujo, la fotografía e, incluso, el video. Digamos que no siento limitación. Para mi es claro que no domino todas las herramientas, pero es más la idea la que genera las necesidades técni- cas y en ese sentido estoy abierto a tener que trabajar con cualquier disciplina. ¿Qué viene en su obra a futuro? ¿En que está trabajando? Curiosamente el haberme acercado a repre- sentar arboles, a la idea de la naturaleza vista desde como el papel le sirvió a la impresión como soporte y vehículo en el tiempo, me ha servido para aproximarme a tratar de entender otros contextos naturales como la selva, las ceibas y en general como funciona la natu- raleza en sus condiciones más básicas. Es así como después de pensar en los árboles, he estado pensando mucho en el agua, en esa idea prolongada del árbol como un solo cuerpo con el agua. El gran árbol de agua son dibujos que hice pensando en esa huella del árbol en los ríos, en como los ríos son una fuerza que va generando la vida; dibujos que celebran pre- cisamente la razón de muchos sistemas que de alguna manera dependen del rio mismo. Se trata de temas un poco místicos que han estado siempre allí con la humanidad pero que toco por una necesidad propia; preguntas a las que nunca les puse atención cuando niño o estudiante y que ahora trato de responder porque tengo la libertad de hacerlo, independiente de si estoy cayendo en un lugar común o no. 5~Artistascolombianos Foto por Juan Pablo Valencia
  31. 31. TOM DIXON, DISEÑO PARA LA LONGEVIDAD Escrito por Susana Cheng Fotos Cortesía ATOM La vida de este reconocido diseñador, que comenzó como bajista en una banda de rock, ratifica que la genialidad de su proceso se debe precisamente a las incomparables experien- cias y experimentaciones que han trazado su particular perfil. EXCLAMA|Número23 34 #ÉPICO Diseño~TomDixondiseñoparalalongevidad
  32. 32. EXCLAMA|Número26 35 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Es posible asegurar que en el 2014 estamos todavía conociendo el prin- cipio de su carrera, y que aún después de tanto tiempo Tom Dixon seguirá dando mucho de qué hablar. Sin ser ostentoso, pretencioso o aburrido, este diseñador ha delineado un camino con sus extraordinarios objetos, resultado de 30 años de la más fascinante ex- perimentación y absurda inspiración. Han sido tres décadas creando piezas que resaltan su capacidad de obse- sionarse, inspirarse y aplicar técnicas que en otras mentes podrían parecer totalmente irrelevantes para este campo. Su trayectoria ha sido tan poco convencional como los productos de su autoría. Su origen, como el de todas sus creaciones, tiene algo de inesperado. Tom Dixon nació en Sfax, Túnez que a pesar de ser la segunda ciudad más grande de este país alberga a escasos 350,000 habitantes. Su vida dio un giro a los 4 años cuando aterrizó por primera vez en Londres. Después de vivir toda su adolescencia en la capital británica, dio inicio a sus andanzas en el mundo creativo al comenzar una carrera básica de Arte en el Chelsea School of Art-, programa que terminó abandonando por desarrollar otras prácticas artísticas; entre las cuales estuvieron tocar el bajo en una banda y aprender el arte de la soldadura. Como músico y como diseñador, este particular hombre de fisionomía monolítica admira profundamente a los Sex Pistols por la sensación de libertad que inculcaron a toda una generación Británica. Afirma que ellos abrieron la posibilidad de conquistar el éxito a punta de un talento musical casi nulo y del irrespeto total por cual- quier tipo de norma; los Sex Pistols fueron su licencia creativa. Siguiendo Como músico y como diseñador, este particular hombre de fisionomía monolítica admira profundamente a los Sex Pistols por la sensación de libertad que inculcaron a toda una generación Británica. Diseño~TomDixondiseñoparalalongevidad
  33. 33. EXCLAMA|Número26 36 #CREANDO sus lineamientos, Dixon se convirtió en un diseñador sin diploma, sin estudios, y sin la necesidad de aprobación familiar: ‟las bandas, clubs y mobiliario con el que me involucré estuvieron estrechamente dirigidos por las lecciones en independen- cia que me dejó mi carrera en la industria musical”, asegura. Con cualquier objeto llevaba a cabo un proceso fundamentalmente informal: La informalidad de la experimentación le daba la libertad de producir lo que quisiera sin justificación alguna, lo que desembocó en una variedad de objetos que él mismo cali- fica como feos o de los que se avergüenza; sin embargo, todo su conocimiento sobre equilibrio, creación de formas, producción y ergonomía fue adquirido afuera de un salón de clase y lejos de un profesor; es precisamente a la constante práctica, las fallas, las múltiples equivocaciones y a un deseo inagotable de experimentación a lo que él atribuye todo su aprendizaje. Dixon ha creado piezas tan excéntricas como sillas forradas en trajes de látex que antes de su intervención jamás habían tenido otro propósito que el netamente sexual. Bajo sus estándares, no hay pretextos cuando se trata de crear, y aunque desconoce el por qué de algunos de sus objetos, posee gran claridad sobre sus fuentes de inspiración: sabe que sus productos son la extraña metamorfosis de su primer encuentro con una imagen, sonido o situación. Sus años de formación se basaron en el acto puro de crear sin compromisos y sin presiones propias, de la industria y mucho menos de clientes; su destreza surgió de su voluntad y de su pasión por producir algo y de la fortuna de no tener prácti- camente ningún obstáculo para poder hacerlo. El hecho de utilizar materiales que rescataba de diferentes lugares como talleres o bodegas, le permitió experimen- tar casi sin ningún costo, experimentar como quisiera cualquier artista o científico: obsesivamente y sin limitaciones. Bajo sus estándares, no hay pretextos cuando se trata de crear, y aunque desconoce el por qué de algunos de sus objetos, posee gran claridad sobre sus fuentes de inspiración. Diseño~TomDixondiseñoparalalongevidad
  34. 34. EXCLAMA|Número26 37 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Al inicio de su carrera vendía sus produc- tos a conocidos y por precios que hoy, de acuerdo al reconocimiento que carga su nombre, se podrían tildar de irrisorios. No obstante, cabe resaltar que desde enton- ces su trabajo ha evolucionado sin cesar. El crecimiento de su marca comenzó cuando creó Space, una especie de la- boratorio de ideas para él y otros jóvenes diseñadores de Londres. Luego, más adelante en los 80’s, diseñó para Cappellini, donde surgió, se concibió y produjo la reconocida S-Chair. De ahí pasó a Habitat (empresa perteneciente a IKEA). Su frustración dentro de ese tipo de industria ha sido otra de las muchas etapas que lo han forjado como el autor de un repertorio de artículos decorativos y espacios donde la sensibilidad por los materiales, la forma y la función son evi- dentes a primera vista. Para el Tom Dixon de hoy, las herramien- tas tradicionales de un diseñador siguen siendo la clave de su trabajo; pues a pesar de apoyarse totalmente en la vanguardia respecto a materiales y procesos, conser- va un cierto nivel de romanticismo cuando evalúa la tecnología sobre la que se apoyan los diseñadores contemporáneos. En su estudio las mediciones se llevan a cabo de manera real y tangible, razón por la cual abundan en el piso objetos a través de los cuales el equipo se aproxima a la interpretación de una idea desde un mundo concreto, donde la presencia y los tamaños de las cosas se destacan. La escena local es tan solo una porción del mapa para Tom Dixon. Desde hace ya un tiempo sus productos se encuentran en las tiendas de mobiliario ZIENTTE alrededor del mundo. El diseñador visitó Colombia para dictar una charla como parte de un taller de diseño de mobiliario desarrollado en conjunto entre ZIENTTE y ATOM, proyecto educativo que abre sus puertas para que diseñadores locales tengan la oportunidad de materializar y experimentar con sus propias ideas, tal como él lo hace. Tom Dixon es una de las marcas más reconocidas a nivel mundial. El diseñador, que se ha ganado su lugar gracias al conocimiento que ha sabido acumular, se ha convertido en una autoridad en el diseño actual al marcar la pauta con los fabulosos materiales y técnicas que usa en sus procesos. Diseño~TomDixondiseñoparalalongevidad
  35. 35. EXCLAMA|Número26 38 #CREANDO LATINOAMÉRICA A LA DENVER Un continente transformado en región por la mirada de un arquitecto/viajero argentino. Luciano Denver es un artista argentino que lleva un tiempo viviendo en Bogotá. Con su último trabajo, República de los Andes, Denver hace una exploración y reflexión del territorio Andino como un espacio de encuentro cultural de los diferentes países que conforman el continente latinoamericano. EXCLAMA habló con él acerca de su profesión y sobre su último trabajo: República de los Andes ¿De qué trata tu último trabajo, República de los Andes? Desde siempre, el hombre se ha organizado mejor por re- giones que por los países como están dados. Un hombre de los Andes colombianos tiene mayor relación con un hombre de los Andes del Perú, Ecuador o de Argentina. El territorio en sí hace que los individuos, a partir de relacionarse con otros, tengan mayor cantidad de cosas en común, como por ejemplo las mismas necesidades naturales. A partir de esto, creo un nuevo territorio llamado República de Los Andes. Este proyecto surgió gracias a los viajes que hice por Lati- noamérica después de haber vivido más de diez años en Europa. Llegué a Colombia y, después de mucho tiempo, me sentí como en casa. Quería explorar todo el continente. Con República de los Andes quería crear un territorio en donde cada individuo del continente se sintiese identificado. Y es que cada persona del continente, por instinto, quiere hacer el viaje de los Andes, es algo particular. A partir de esto, creo obras o edificios necesarios para el desarrollo de la República. Es importante destacar que en cada una de mis obras aparecen mis necesidades de viaje. Cada una refleja mis experiencias y lo vivido; lo que me gustó comer, mirar, beber y demás. Con esto, edito esta realidad de mis viajes a mi gusto y creo estas edificaciones. Sin embargo, esta construcción de una realidad a mi gusto es creada a partir de las tipologías arquitectónicas de cada región al igual que su paisaje; cuando se crea cada obra se respeta estos aspectos. Artista~LatinoaméricaenDenver Fotos por Luciano Denver
  36. 36. EXCLAMA|Número26 39 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  37. 37. EXCLAMA|Número26 40 #CREANDO
  38. 38. EXCLAMA|Número26 41 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  39. 39. EXCLAMA|Número26 42 #CREANDO Como territorio y república, hay edificios que son necesarios para el desarrollo de este mismo. Con esto, creo espacios como el Mercado del Altiplano donde se hacen todos los negocios de la República o la Cooperativa de Agua Dulce que está al lado del mar y el cual provee agua a toda la región por barcos. La Biblioteca de Mapas, un lugar más intelectual como sala de lectura o salón de fiestas privadas o el Cholet, una heladería. Por el momento la República de los Andes tiene seis edificios pero es un proyecto que irá creciendo pues seguiré viajando por Latinoamérica para así crear obras que hagan de la República de los Andes un territorio completo. República de los Andes puede ser el primer proyecto de varios, pero siempre teniendo claro que no quiero pasar por un lugar más de una vez. Usted estudió arquitectura, ¿Cómo em- pezó a desarrollarse como artista? Sí, yo estudié cinco años de arquitec- tura, no me gradué. Todo empezó en la universidad mientras estaba cursando una materia de historia y nos mostraban la arquitectura a través de pinturas del renacimiento; durante esta época hubo un detalle muy grande en mostrar la realidad, los edificios estaban muy bien pintados y a partir de estos detalles se podían dar clases enteras. En ese momento me empezó a interesar más el arte. Un año después, tenía que presentar la maqueta de un parque; decidí hacer un montaje de fotografías que funcionó muy bien. ¿Cómo define su estilo? Mi estilo es indefinible, pues no tengo referentes. Puedo definir mi técnica del collage; de este tengo referentes como Richard Hamilton quien me estimuló a editar la realidad. En cuanto a mi obra puedo decir que tengo más referentes arquitectónicos como Rem Koolhaas, autor del edificio de Prada en Nueva York, uno de los más grandes a mi gusto. Creo que mi estilo tiene que ver más con la fusión entre la arquitectura, a través del cual diseño espacios, y el arte en el que planteo la belleza. Los viajes son un tema recurrente en tu trabajo, ¿qué es lo que seleccionas de cada espacio que visitas? Toda mi obra es la representación de mis viajes. No hago otra cosa que mostrar aquello que es parte de mi día a día; hago del ocio mi trabajo. No tengo cámara de fotos, cosa que llama la atención de muchos, tomo las fotos con un iphone o una tableta, cosa que permite que las fotos sean cuadradas y no se deforman y modifican los espacios que estoy fotogra- fiando. Tengo que aclarar que a pesar de que el resultado visual parece una fotografía, no lo es, mi estilo consiste en Artista~LatinoaméricaenDenver
  40. 40. EXCLAMA|Número26 43 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM un dibujo arquitectónico que ensamblo y relleno con pedazos de fotografías. ¿Qué le inspira de Bogotá? Mi proyecto pasado Bogotá Rewind consiste en retomar aquello que ya no existe, mostrar cómo era la ciudad hace sesenta años y reconstruirla sin modificar- la. Los espacios los muestro de forma más estética. ¿Visitar distintos lugares e intervenirlos a través de su trabajo es una forma de conocer su historia? Como arquitecto me interesa la historia de los lugares para poder reconstruirlos. En el caso de Republica de los Andes, por el simple hecho de ser Latinoamericano ten- go cierto conocimiento previo sobre estos espacios a pesar de no haber estado en todos ellos. Viajé por tierra durante cuatro meses desde Buenos Aires; ya sabía lo que buscaba y desde ahí partí para crear este proyecto. ¿Tiene planeado seguir desarrollando este proyecto?, ¿qué proyectos está desarrollando? Bogotá Rewind sigue vivo; tengo la idea de presentarlo como película. En esta las obras se van a transformar en el tiempo, en media hora se van a ver cambios y movimientos imperceptibles. Santiago Belalcázar es quien le está dan- do vida a mis obras a través de pequeños movimientos. En cuanto a Republica de los Andes, la idea es presentar el proyecto y con el tiempo es posible que se desa- rrollen ideas basadas en esto. Existe la idea de llevar este proyecto a un concepto de maquetas de la fachada encapsuladas en un cofre de cristal; algo más dinámico que involucre a la arquitectura. Artista~LatinoaméricaenDenver ‘‘Esta construcción de una realidad a mi gusto es creada a partir de las tipologías arquitectónicas de cada región al igual que su paisaje; cuando se crea cada obra se respeta estos aspectos.’’
  41. 41. ESPACIO ODEÓN, UN PROYECTO DE ARTE PARA LA CIUDAD Países como Colombia, a pesar de poseer una riqueza cultural e histórica inmensamente grande, no existe la tradición de rendirle culto al arte; no es un tema todavía muy consolidado tal vez por los afanes a los que la gente se ve expuesta, debido a la situación social que se vive, en pocas palabras las prioridades son otras. Por esta razón vale la pena destacar proyectos como Odeón en Bogotá, una iniciativa de admirar. El teatro Odeón fue inaugurado en los años 40. Inicialmente abrió sus puertas al público como una sala donde se hacían proyecciones de cine a gran escala. Cerca de dos décadas más tarde el actor, director y guionista colombiano Jorge Ali Triana comenzó el proyecto del Teatro popular de Bogotá, que hasta mediados de los años 90 fue unas de las casas de teatro más importantes de la historia de Colombia. En 1997 el teatro cerró y este espacio quedo abandonado por casi 15 años. En 2011, y gracias a la iniciativa de 4 emprendedoras mujeres, Odeón vuelve a abrir sus puertas con la Feria de Arte Contemporáneo. Un espacio dedicado a todo tipo de manifestaciones artísticas y vanguardistas, que le da la oportunidad a expresiones artisticas no convencionales como los ‘happenings’ y también brindándole a artistas en proceso de consolidarse la oportunidad de exponer sus creaciones. Tatiana Rais, Vanessa Adatto, Maria Fernanda Currea y Juliana Steiner son las mujeres responsables de este novedoso espacio que, además de recuperar uno de los edificios icónicos en la historia cultural de Bogotá, ofrece a la ciudad la posibilidad de despertar la curiosidad por el arte por tantos años latente en nuestra sociedad, y tan necesitada de este tipo de impulsos. ¿Quién es Tatiana Rais y a que se dedica? Soy historiadora de arte de Tufts University en Boston y desde hace tres años soy la directora y co-fundadora del Espacio Odeón: Centro Cultural. ¿Cómo surge la idea de Odeón? Hace cuatro años entré por primera vez a lo que era el antiguo teatro popular de Bogotá. Desde ese momento, vi el potencial de este increíble espacio y comenzamos, junto a Maria Fernan- da Currea y Juliana Steiner a concebir un proyecto que tuviera como columna vertebral la recuperación de este gran edificio. Fue durante este proceso que llegamos a la idea de crear un centro cultural dedicado a las nuevas tendencias del arte contemporáneo, promocionando el trabajo de artistas emergentes y de mediana carrera, nacionales e internacionales. También fue durante este proceso que decidimos inaugurar el espacio con una feria de arte contemporáneo paralela a ArtBo. Sentíamos que había un vacío en cuanto a la exhibición de artistas y galerías emergentes y que la ciudad de Bogotá estaba lista para una feria alternativa que diera cabida a propuestas innovadoras. ¿Cuál es su relación con el arte? Desde pequeña siempre he tenido una afinidad muy cercana a las artes. Mis padres siempre me llevaron a múseos, exposiciones, conciertos, cine y obras de teatro y por lo tanto desarrolle una curiosidad y un interés por las artes en general y específicamente la organización y la gestión de estas. Pienso que las artes son transformadoras y que pueden cambiar e impactar de manera pos- itiva una sociedad, e incluso, una ciudad. Lo que ocurre en Bogotá durante esta semana de octubre es un ejemplo de ello. ¿Qué es Odeón? Odeón es una feria de arte contemporáneo que está enmarcada bajo la programación de artes plásticas del Espacio Odeón. Es una plataforma para galerías emergentes que quieren ingresar al mercado de arte formalmente y profesionalizar sus iniciativas y la carrera de sus artistas. Es una feria “boutique” en donde solo EXCLAMA|Número26 44 WWW.ESPACIOODEON.COM ESPECIAL ESPACIO ODEÓN por EXCLAMA
  42. 42. hay espacio para entre 16-18 propuestas, lo cual significa que el proceso de selección y la curaduría es muy específica. Es una feria arriesgada y refrescante donde coleccionistas establecidos pueden encontrar el nuevo artista prometedor y los nuevos compradores pueden convertirse en coleccionistas. ¿Cuál es el aporte de odeon a la ciudad? Ante nada el Espacio Odeón es un proyecto de ciudad, que busca revivir y recuperar un edificio iconico en la historia cultural de Bogotá. Durante casi quince años, los habitantes y transeúntes de La Candelaria veían un edificio abandonado y olvidado en una de las esquinas más importantes de la ciudad; ahora, estas mismas personas pueden ingresar a un espacio de cultura, donde todas las artes contemporáneas tienen cabida. Otro aporte importante que se ha logrado específicamente con la feria, es consolidar la semana de arte en Bogotá. Si bien ArtBo lleva por los últimos diez años creando una plataforma para la visibilidad de Bogotá como capital del arte, es gracias a iniciativas como Odeón, las ferias paralelas y otras iniciativas expositivas que realmente se ha podido consolidar esa semana. ¿Qué cosas nuevas vienen con Odeón? Este año contamos con la participación de 16 galerías: 8 nacio- nales y 8 internacionales de Ecuador, Estados Unidos, España, Argentina, Perú, Guatemala y Brasil. Una buena representación de las nuevas tendencias del arte contemporáneo latinoamericano. Además, hemos invitado a cuatro artistas a crear instalaciones dentro del espacio. Este es el primer año que invitamos a un artista internacional, el español Daniel Canogar quien trabaja la video-in- stalación. También contaremos con la participación de los Colombi- anos Alejandro Mancera, Gabriel Antolinez y Daniel Salamanca. Se vienen muchas sorpresas este año: más de la mitad de las galerías estarán exhibiendo por primera vez en Odeón, la sala de los conversatorios será diseñada por un colectivo de arquitectos, circularemos un periódico falso, entre otros. Cada año buscamos crecer y ofrecerle a la ciudad una experiencia única donde podrán comprar obras a precios asequibles, ver instalaciones en sitio específico y vivir el arte en Bogotá de una manera diferente. IV FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO Para la cuarta versión de la Feria de arte contemporáneo, Odeón escogió 8 de las mejores galerías nacionales y otras 8 internacionales, que serán las encargadas de exponer sus mejores obras de arte contemporáneo y artes emergentes, que son las que están marcando la pauta en Latinoamérica. Por Colombia participarán las galerías bogotanas Galería Otros 360º, Neebex, Rincón Projects, SGR, consultoría de arte, Sketch y las galerías de Medellín Banasta, mediaciones, arte y cultura, Lokkus Galería, Plecto. Por su parte, el grupo de galerías internacionales está integrado por Pabellón 4 (Argentina), Galería Cecilia González (Perú), Galeria Logo (Brasil), Galería Lume (Brasil) Imaginart (España), McGurkArt (Estados Unidos), No lugar (Ecuador), Proyectos Ultravioleta (Guatemala), además de los Project walls del cubano Ernesto Leal y el colombianoAlejandro Londoño. ANIMISMO (UN SOLO REINO) INTERVENCIÓN PARA EL PATIO DE ESPACIO ODEÓN Animismo (un solo reino), propone un diálogo entre categorías en aparente oposición. A través de piezas que evocan y mezclan atributos de los reinos animal, vegetal y mineral y señalan puntos de contacto e intersección entre las nociones de naturaleza y cultura, el proyecto plantea una reflexión en torno a la transitoriedad de las formas que adopta la materia y a las relaciones de dependencia que las vinculan entre sí y que ponen de presente su pertenencia a un esquema más grande, a una misma continuidad. El proyecto está compuesto por tres obras (Drusas, Ábacos y Racimos) que se aproximan a la ruina -rasgo definitorio del patio de Espacio Odeón- como una figura que permite replantear la relación entre naturaleza y cultura. Proyectos Ultravioleta (galería invitada internacional más importante(Guatemala)) Proyectos Ultravioleta es una plataforma multifacética para la experimentación en el arte contemporáneo, localizada en la Ciudad de Guatemala. Es una iniciativa dedicada a la producción de exposiciones de arte, proyectos multidisciplinarios, foros de discusión, conciertos recios, happenings, intervenciones en el espacio urbano y formatos de intermediación con otros proyectos locales y externos. EXCLAMA|Número26 45 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM ESPECIAL ESPACIO ODEÓN por EXCLAMA
  43. 43. EXCLAMA|Número26 46 #CREANDO CONNIE JANG Y LA FOTOGRAFÍA DEL ESCAPISMO Imágenes de imágenes que trasportan al espectador fuera de su realidad. En la serie ii La fotografa norteamericana Connie Jang habla de cómo la fotografía juega un rol im- portante a la hora de atraer la mirada y darle al espectador una experiencia del lugar que le mues- tra, aún sin estar allí físicamente. Es así como el espectador se hace a una idea o se crea expectati- vas sobre una locación. La fotografía, según Jang, tiene el poder de representar la realidad y traspor- tar al espectador a un destino, real o imaginario. Esta serie de fotografías titulada ii, surge de un in- terés personal de la artista por explorar sus alred- edores cotidianos: espacios comunes de la ciudad de Nueva York. En ii las protagonistas son imágenes de ciudades y paisajes que la fotógrafa encontró en la parte trasera de buses y camiones o vayas, y que son capturados por su lente. Las imágenes son en- tonces fotos de fotos. Lo que la artista logra captar es la yuxtaposición de la representación fotográfi- ca de un lugar dentro de su ambiente real. Para conseguir el efecto deseado la artista enfo- có muy de cerca las imágenes dejando percepti- bles detalles sutiles que evidenciaran el carácter artificial de la imagen: lo que se está viendo es la imagen de una imagen. Aunque el sujeto en la fotografía era natural, las imágenes 2D parecían fuera de lugar al estar rodeadas del resto del am- biente de la ciudad. Jang divide la realidad en capas y las superpone, haciéndonos dudar de si lo que estamos viendo es una fotografía de la realidad o la fotografía de una fotografía. La serie ii muestra entonces, a través de la yuxta- posición, locaciones filtradas por el artificio de la fotografía, ciudades que, a pesar de su carácter artificial nos ofrecen la posibilidad de transportar- nos rápidamente, de escaparnos de la realidad, hacia otros lugares, otros horizontes. Enlace de interés: www.conniejang.com Fotografía~ConnieJangylafotografíadelescapismo
  44. 44. EXCLAMA|Número26 47 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Fotografía~ConnieJangylafotografíadelescapismo
  45. 45. EXCLAMA|Número26 48 #CREANDO
  46. 46. EXCLAMA|Número26 49 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  47. 47. EXCLAMA|Número26 50 #CREANDO
  48. 48. EXCLAMA|Número26 51 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  49. 49. EXCLAMA|Número26 52 #CREANDO BIENVENIDO A LA GU!A EXCLAMA BOGOTÁ Diseñamos esta guía de la mano de Audi para ayudarle a descubrir lo más innovador de la ciudad. A través de una detallada búsqueda conseguimos encontrar lo mejor en cultura, servicios, estilo y bienestar, pensando especialmente en usted: alguien que busca vivir experiencias gratificantes y de calidad a través de los lugares más progresivos de Bogotá. www.audicolombia.com
  50. 50. EXCLAMA|Número26 53 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM
  51. 51. EXCLAMA|Número26 54 #CREANDO SEA HORSE, TRADICIÓN FINLANDESA. Cuando Herman Walentin, un pianista ciego, le propuso a su novia que se casaran ésta acepto bajo la condición de que le construyera un lugar en donde vivir. Herman, hipnotizado de amor, accedió y construyó este mágico edificio que hoy se conoce como Oy Kapteeninkatu. Sea Horse es un restaurante de comida típica finlandesa, con una inmensa tradición e infinita riqueza histórica que funciona desde 1934 en la capital del país. Durante la guerra se servían platos simples y las mujeres contaban con la suerte de tener acceso a algunas ofertas especiales. Con el tiempo el negocio ha pasado de dueño en dueño pero, sin duda, los más importantes fueron Mrs Paukku y su esposo, quienes implementaron un nuevo y exitoso menú que le brindó al restaurante estatus y lo posisionó como el mejor del pueblo. Entre los platos Como salida de un cuento de hadas, así es la historia detrás de este romántico castillo en cuyo interior funciona Sea Horse, un típico restaurante finlandés localizado en Helsinki. que generaron más sensacion entre los clientes estaban el arenque báltico frito, plato responsable de su fama como poseedores de los mejores pescados, y la famosísima y codiciada mostaza de la casa, que gracias a su gran demanda resultó siendo envasada para la venta. Éste restaurante no era solo era conocido por lo tradicional de sus platos y la delicadeza con la que se preparaban; desde sus primeros años allí dentro se vivió un ambiente de paz y tolerancia que, considerando los tiempos difíciles que se vivían en aquella época, era bastante raro encontrar. El Sea Horse es el resultado de una receta en la que Mrs y Mr Paukku mezclaron una serie de ingredientes que compaginaron perfectamente y que lograron posicionar al restaurante como uno lleno de tradición y calidad. Cocina~SeaHorse,tradiciónfinlandesaEXCLAMA|Número26 Fotos Cortesía de Sea Horse
  52. 52. EXCLAMA|Número26 55 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM SALSA DE VINO ROJO 2 cebollas 2 tazas de vino rojo 4 tazas de caldo de verduras con carne de res 60 Gramos de mantequilla 3 a 4 cucharaditas de fécula de maíz Sal y pimienta negra Cocinar la cebolla picada con mantequilla, agregar la pimienta y dejarlo cocer por unos minutos. Agregar el vino rojo y dejar reducir hasta que quede menos de media taza. Agregar el caldo y dejar hervir por un momento más. Mezclar el maíz con algo de agua y agregar a la salsa mientras se mezcla constantemente. Poner sal y pimienta al gusto. FILETE DE RENO La porción por persona es de 180 Gramos, este se debe sacar del congelador solo media hora antes de cocinarlo. Se cocina en mantequilla. El tiempo depende del gusto de cada quien. Sazonar con sal y pimienta, envolver en papel aluminio por un rato y cortar a la mitad. Por último, servir el reno con la salsa de vino, mermelada de arándanos, puré de papa y vegetales cocinados. Receta Hoy, 80 años después, sigue teniendo el mismo éxito y es igual o más frecuentado que en aquellos tiempos de guerra, cuando la gente encontraba refugio en una atmosfera medianamente tranquila y así lograban olvidar, al menos momentáneamente, los problemas. Una de las cosas que más atraen al público a este lugar es un mural de caballos de mar, y olas. No se sabe a ciencia cierta quien lo pintó, pues es algo sobre lo que existen diferentes versiones. A través de su larga trayectoria, Sea Horse ha recibido a una infinidad de celebridades, todas pertenecientes a diferentes campos, desde la poesía hasta el rock and roll. Entre los más reconocidos mundialmente están el famoso poeta y escritor Pablo Neruda y el filósofo francés Jean Paul Sartre. Hoy en día el menú ha cambiado, pero su especialidad sigue siendo la misma: el pescado, además es posible encontrar entre los especiales el más famoso y tradicional plato finlandés: el reno. El chef encargado de deleitar al público en la actualidad es Kimmo Koivunen, cuya especialidad y plato favorito es el bife de cebolla o sipulipihvi. Sea Horse, no solo es un restaurante al que se va a disfrutar de platos exóticos, pues gracias a su larga tradición se ha convertido en un lugar icónico de este país. Visitarlo hoy es casi tan importante como pasar por la famosa Plaza del Senado, corazón arquitectónico neoclásico de Helsinki. Tanto locales como extranjeros provenientes de todas partes del mundo (en especial japoneses, considerados los turistas más exigentes) mueren por probar la sazón de este lugar, en donde se respira cultura, tradición, arte y olores exquisitos que transportan a sus visitantes a tiempos mágicos de su historia pasada. Cocina~SeaHorse,tradiciónfinlandesa
  53. 53. DETRÁS DE DUB DE GAITA (EL FIN DEL MUNDO) Aunque su nombre pareciese pronosticar un final irreductible, el adentrarse en la historia de cómo se gestó y llevó a cabo el proyecto que unió a Los Gaiteros de San Jacinto con el productor ingles de Dub Adrian Sherwood es, ante todo, un principio. El estudio de Llorona de Llorona records, proyecto del productor mu- sical Diego Gómez, es más pequeño de lo que podría pensarse. El lugar, que aloja al uno de los sellos independientes más impor- tantes de Colombia, donde al mismo tiempo funciona la fundación de gestión cultural que cumple labores bajo el mismo nombre desde 2007, resulta acogedor y tranquilo. Fue allí donde se gestó la idea de unir sonidos que, para oídos poco entrenados, pueden parecer bastante lejanos: el Dub y la gaita Sanjacintera. El primer volumen de los tres que componen del proyecto bautizado Dub de Gaita, interpretado por los Gaiteros de San Jacinto y mezcla- do por el maestro del Dub Adrian Sherwood, fue lanzado el pasado 22 de agosto en Bogotá y contó con la gran acogida de los medios y el publico. Sin embargo ese no es el lado de la historia que nos interesa contar. LA IDEA. En la cabeza de Gómez, la inquietud por unir estos dos ritmos iba mucho más allá de la simple intensión de hacer un disco de música fusión de los que se limitan a grabar sonidos de música tradicional sobre un loop electrónico; pues para él todo se remonta a su historia con dos de sus grandes pasiones musicales. Para Diego primero fue el punk; un genero que fue parte importante de su adolescencia. Sublime, la banda californiana de Ska Punk de los noventas, fue el hilo conductor que lo llevó a conocer a Bob Marley y al Reggae, referente desde el cual inició su interés por las músicas caribeñas, más específicamente la jamaiquina. Las migraciones de músicos caribeños a Inglaterra, quienes al llegar se encontraron con una ciudad gris, fría y oscura, y su encuentro con equipos de grabación más avanzados dieron como resultado el Dub, Escrito por Isabel Pradilla S. Fotos por Carolina Osejo
  54. 54. EXCLAMA|Número26 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM 57 un genero que entró en el radar de Gómez una vez se interesó en la producción musical. Lee ‘Scratch’ Perry, Mad Professor y Adrian Sherwood fueron los primeros discos del genero que llegaron a sus manos; a través de los cuales entendió que en este ritmo el rol cre- ativo era del ingeniero de mezcla, quien deconstruye las mezclas para transforma en otra cosa. Pero no todo fueron delays y reverberaciones. Diego, quien creció rodeado de música de la Costa Caribe colombiana, se topó de frente con la música tradicional de San Jacinto, mientras un amigo suyo aprendía percusión de la mano de Joche Plata, en ese mo- mento tambolero de Los Gaiteros de San Jacinto. Decidió entonces empezar a aprender sobre la música de gaita de este territorio en especifico, a empaparse de su tradición, a viajar, a conocer los lugares y las personas, las familias y a escuchar la música. Para muchos la música de gaitas representa la parranda y la fiesta, la alegría y la reunión; sin embargo, en su opinión, la gaita tiene un lado místico, nostálgico, que le viene de la soledad del campo donde nace, que es el producto de la contemplación de la naturale- za, un lado meditativo heredado de sus raíces indígenas. Fue a través de esa reflexión que Diego cayó en cuenta de que había momentos, sobretodo en ciertos ritmos como la gaita corrida –ritmo por excelencia de la música instrumental de gaita-, en que la música adquiría un alto nivel de misticismo y se tornaba un viaje, en un trance, patrocinado por estos instrumentos de viento y de per- cusión, gracias al cual estos personajes podían pasar casi tres días tomando ron y tocando casi sin dormir, característica que hacía a este ritmo el candidato perfecto para hacer un encuentro con estas técnicas de producción de música que venían de la herencia Dub. Fue ahí donde se empezó a construir la idea de hacer un disco de Dub de gaita. Música~DetrásdelDubdeGaita(Elfindelmundo)
  55. 55. EXCLAMA|Número26 58 #CREANDO Con Sherwood el acercamiento se dio por intermedio de Llorona. El contacto se dio y, a través de correspondencia, se logró su visita al país, alrededor de la cual se programaron talleres en la Escuela de Música y Audio Fernando Sor en alianza con el Ministerio de Cultura, pues la idea era que él compartiera con la gente de aquí un poco de su experi- encia y participara en la producción del disco que se finalizaría en su estudio en Inglaterra. ‟Si a esta gaita uno empie- za a ponerle efectos, esto puede ser una cosa bien sicodélica e interesante”. HALLANDO PUNTOS DE ENCUENTRO. Según Gómez en Colombia se ha venido dando una aproximación musical interesante entre Inglaterra y nuestros ritmos nativos, que nos ha dejado álbumes llenos de buenos resultados. Primero fue Richard Blair, quien contribuyó a construir el sonido de Carlos Vives y luego, de la mano de Sidestepper intentó dar un nuevo aire a la música. Más adelante se encuentran Mad Professor y el Frente Cumb- iero, el resultado es un disco de Cumbia Dub contemporánea. Después viene Quantic, que experimenta primero con Dub y la música de Ondatropica y luego con músicos del Pacifico. Dub de gaitas quiere, entonces, insertarse en esta tradición experimental de productores ingleses y músicos colombianos, para renovar y acercar a nuestra herencia a las nuevas generaciones. Pero más allá de las intenciones ¿Qué similitudes reales, en términos de producción, tienen la música de gaita, el Dub, el reggae? Gómez habla entonces de ir más allá de la música fusión tradicional. ¿Cómo? Respetan- do los códigos indestructibles que son el sello que le da el sonido a un genero especifico y buscando los puntos comunes de encuentro, pues es a partir de ellos que se sabe, real- mente, hasta donde es posible experimentar. Uno de los peligros a los cuales se vio en- frentado el proyecto fue el de caer en facilis- mos y terminar sometiendo la música de los Gaiteros -tan orgánica que es posible afirmar que sus canciones nunca suenan igual dos veces- a un proceso de maquinas y samplers que le hiciera perder su ritmo y su sabor, en pro de intentar hacerla caber en una noción de ritmo occidental ‘súper cuadrada’ y muy clásica; pero la idea era lograr que la comuni- dad gaitera disfrutara del disco, algo que no se lograría loopeando y sampleando. La gaita es una tradición seria, un orgullo y una herencia que se recibe de un maestro y se tiene el compromiso de preservar y ese era el reto del proyecto: lograr transmitir ese sentimiento de manera respetuosa y limpia. Hacerle entender esto a Sherwood, un inglés alejado de toda tradición Sanjacintera, fue Música~DetrásdelDubdeGaita(Elfindelmundo)
  56. 56. EXCLAMA|Número26 59 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM en si mismo un trabajo. Diego se dedicaría entonces a contarle como funcionaba esta especie de logia musical para que entendiera con que estaba lidiando. El reto en Inglaterra, en el estudio de Sherwood donde se realizó la remezcla, fue entender como funcionaban la armonía, la melodía, los cambios y los giros armónicos de una música que no sigue otra lógica que la propia. El punto de encuentro fue el con- tratiempo, que en el reggae está marcado por la guitarra y en la cumbia por el llamador. ‟La escuela de Sherwood viene más de la práctica, del hacerlo una y otra vez y, espontáneamente ir dejando su trabajo”. EL PROCESO. Con Sherwood en Colombia, el proyecto se internó todo un día en el estudio de Audiovisión para grabar a Los Gaiteros de San Jacinto en bloque; y aunque no estaban tocando hombro con hombro –los separaban vidrios y se oían por audífonos-, como están acostumbrados a hacerlo, la magia de su música estaba presente. Sherwood mientras tanto se ocupaba de que todos estuvieran bien. Compró ron y bebió, sombrero vueltiao en la cabeza, junto con la plana mayor de la gaita, que se reunió para esta ocasión especial: la visita de este señor inglés, alto y calvo, que había venido desde lejos únicamente a escucharlos. El ambiente que se generó fue muy bonito y partió, ante todo, del respeto que puede generarle a un personaje de la talla de Sherwood el ver a hombres de ochenta y cuatro u ochenta y cinco años haciendo su trabajo. El material recopilado fue llevado al estudio de Llorona, en donde con otros músicos se le añadió aquello que le hacía falta a la grabación para que fuera un disco de dub. Fue así como se invitó, por ejemplo, a Mario Galeano del Frente Cumbiero a tocar el bajo y a Dr. Daz de Asian Dub Fundation. El material y Diego viajaron juntos a Inglaterra, al estudio de Sherwood donde se haría la mezcla; allí los esperaba el equipo de trabajo que el productor había reunido bajo el criterio de que eran los mejores para continuar con la segunda etapa del proyecto para la que se contaba con tan solo siete días. Luego de un intrincado proceso de revisión y arreglos, de grabación sobre canciones, días durante los cuales Sherwood, entre cervezas y comida, interiorizó todas las canciones, vino el momento de la mezcla, que se realizó dos días antes de finalizar el proceso y volver a Colombia. Había llegado el momento de ver al genio hacer su magia. LA MEZCLA. ‟La escuela de Sherwood viene más de la práctica, del hacerlo una y otra vez y, es- pontáneamente ir dejando su trabajo” afirma Diego Gómez, quien añade que este grande del Dub viene, sin duda, de una escuela muy Punk: llena de espontaneidad, de ese hacer las cosas por instinto y sin ser cuidadoso, usando al máximo los pocos recursos con los que se cuenta, sacándole el jugo a las maquinas y dándole a todo un carácter muy especial, muy suyo, adueñándose de la mez- cla sin miedo de que la consola se rompa. Con su rack de efectos, sentado en la consola, Sherwood puso cosas y quitó otras, añadió ecos y todo empezó, de repente a tomar forma. Cualquier vestigio de miedo que el productor de Llorona pudiese haber llegado a sentir durante la preparación del material se desvaneció; su oído sensible y conocedor de un genero que para los colom- bianos representa una tradición tan fuerte, cedió ante la experiencia de un Sherwood que le repetía que no se preocupara, que esta no era la primera vez que él hacia eso. El resultado son mezclas que a pesar de no seguir parámetros de perfección técnica tienen un sonido muy particular y disfrutable. De ese trabajo salieron 24 mezclas. A Los Gaiteros les encantó el resultado: su trabajo no se tocó, tan solo se le dio otro matiz que hizo que el color de la música cambiara. La gaita es una tradición seria, un orgullo y una herencia que se recibe de un maestro y se tiene el compromiso de preservar y ese era el reto del proyecto: lograr transmitir ese sen- timiento de manera respetu- osa y limpia. LAS REACCIONES. El momento en el que Los Gaiteros escucha- ron el resultado final, fue muy feliz, y entre los más jóvenes del clan se sintió la emoción de imaginarse su música sonando en espacios de parranda en donde normalmente no sue- na: “¡Esto está bueno pa’l picó!” decían. El primer disco, un vinilo prensado en edición limitada por Zam Zam Records, es un intento por preservar la tradición de la gaita y darla a conocer. Para Diego es un homenaje a esos aquellos que representan la herencia musical colombiana pero que viven el día a día con la humildad del quehacer sencillo del músico; ese es el aporte que Llorona quiere hacer: Mantener vivo el legado de Los Gaiteros y, a la vez, renovar el sonido para que más jóvenes y más personas se acerquen a ellos y conozcan su música. Al final lo que reúne todo y que, tal vez, es lo más bonito, es ese respeto a la tradición que une todos los puntos clave del proyecto: tanto a la gaita, como al Dub y como al mismo vinilo. Este es un tributo a la tradición de la producción análoga, a la de la gaita, a la del disco como elemento de colección. Música~DetrásdelDubdeGaita(Elfindelmundo)
  57. 57. EXCLAMA|Número26 60 #CREANDO JÜRGEN MAYER EL ALEMÁN DE OTRO MUNDO Entrevista Juan Ricardo Rincón Foto por Jesko M. Johnsson-Zahn
  58. 58. EXCLAMA|Número26 61 WWW.REVISTAEXCLAMA.COM Mayer nos explica por qué su arquitectura, la joya de la corona en tantas ciudades, parece desencajar en la timidez del ambiente arquitectónico alemán. Exclama visitó a Jürgen Mayer en su estudio de Berlín, para encontrar al autor de varios proyectos emblemáticos de los años recientes. Desde el parasol de Sevilla hasta su prolifera presencia en Georgia, Mayer ha logrado definir a lo largo de los años un vocabulario distintivo de su firma que, además, ha sido altamente reproducido en el mundo, claro está que con los evidentes fracasos de quienes prefieren tri- unfar desde lo seguro antes de fracasar desde lo radical; algo en lo que Mayer y su equipo son expertos, pues su apuesta no se limita a una sofisticación contemporánea del diseño, sino que busca replantear cómo nos compor- tamos en la arquitectura misma. De ahí que cada proyecto de Mayer sea un universo, de ahí nuestro asombro cuando por primera vez los visitamos. JUAN RICARDO RINCÓN: ¿Cuál es su percep- ción de América Latina en este momento? JÜRGEN MAYER: Lo primero que me viene a la mente son los amigos, es una conexión emocion- al. Creo que es un continente que arquitectónica- mente tiene muchos complejos de Europa, donde la arquitectura parece tener mucha más libertad. Esto constituye un gran potencial que, creo, no ha sido explotado aún. En cuanto a la manera de ver la arquitectura, Latinoamérica todavía está atrapada en una corri- ente moderna, por lo que será muy interesante ver el cambio cuando haga el salto al siglo XXI. Esta estética modernista parece estar trabajando en el extremo superior de la escala, a diferencia de la forma en que se trabajó en Europa, donde se tenía una agenda social que buscaba repen- sar cómo vivía la gente y como se relacionaban entre sí. Por ejemplo el diseño de muebles en Europa es compacto debido a que ellos están destinados a pequeños espacios cerrados, mientras que en lugares como Brasil tienen una escala muy grande. JUAN RICARDO RINCÓN: A lo largo de los años usted ha logrado una tipología de diseño en el sentido de que muchos de sus proyec- tos parecen tener “su sello” ¿Cómo se afecta esta idea en los diferentes contextos en los que ha operado? JÜRGEN MAYER: Uno sólo puede diseñar lo que uno puede diseñar, no te puedes engañar en un diseño que no es el propio. Tienes que encon- trar tu vocabulario y un lenguaje, una manera de alzar la voz. La importancia de la creación de tu propio idioma también se basa en tu capacidad para adaptarte a los distintos contextos. Es curioso que digas que nuestro trabajo es reconocible, pues a lo largo de quince años hemos ido hacia atrás y hacia delante. En mi opinión estamos más acerca de las degrada- ciones de las diferentes expresiones, pues la idea de ampliar el vocabulario es algo que todavía estamos haciendo, paso a paso. Creo que tal vez lo que interpretas como un lenguage reconocible proviene de los proyectos que han recibido mayor atención de los medios. Hay ciertos temas que son recurrentes, por ejemplo la silueta como idea arquitectónica y el voladizo como puente entre el interior y el exterior dentro del marco del paisaje topográfico. Al final se trata de una negociación constante, la que tiene siempre el terreno común de un entendimiento escultórico del espacio en lugar de uno tectónico. JUAN RICARDO RINCÓN: Hablemos de la idea del vocabulario arquitectónico propio. Creo que estamos viviendo en un momento donde los resultados son realmente similares unos de otros. ¿Cómo interpreta esto? JÜRGEN MAYER: Siempre es difícil encontrar el idioma propio, se necesita una gran cantidad de riesgo y prueba y error. El reconocimiento tal vez sea más fácil de conseguir con productos más rápidos, pero yo siempre tengo espacio para la duda, la búsqueda y la experimentación. Al final todo radica en la idea de la educación de la arqui- tectura, en este sentido hay muy pocas escuelas que te enseñan cómo luchar por tu propia voz. Normalmente en la relación profesor-alumno, el alumno obedece a lo que dice el profesor. Tam- bién está el fenómeno de la “figura arquitectónica carismática”, la cual produce una gran sombra que mucha gente sigue. Es fácil hacer que algo se vea bien, pero es muy difícil hacer que algo parezca propio. JUAN RICARDO RINCÓN: Usted menciona esta idea de resistirse a figuras las carismáti- cas. Hablenos de las que lo han influenciado a usted. JÜRGEN MAYER: En el momento en que me impresiona mucho el trabajo de otro, de inme- diato trato de mantenerme alejado. Prefiero no conocerlos como personas y así evitar el riesgo de perder lo que me inspiró en primer lugar. En su momento me impresionó John Cage y estuve extremamente fascinado por Tadao Ando, igualmente Diller Scofidio, cuando era estudiante en Princeton. Por el otro lado Beatriz Colomina y Mark Wigley cambiaron radicalmente la forma en que pensaba la arquitectura. No obstante mi idea de la arquitectura se definió cuando vi una foto de la sala de conciertos de Mendelssohn en Stutt- gart, que tiene una hermosa escalera de cristal expresionista; antes de eso yo siempre había dudado entre estudiar arte o arquitectura. Siento que nuestra práctica está más cerca de una lógica de arte-objeto, pero que está contaminada Arquitectura~JurgenMayerelalemándeotromundo

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