Guía de artística para estudiantes del clei 3

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GUÍA DE APRENDIZAJE (MÓDULO) CLEI 3: (III)
Área y/0 asignatura: Artística
N° de horas 20 (Primera parte)
Procedimientos: Planificación y desarrollo de actividades académicas por asignatura.
OBJETIVOS DE APRENDIZAJE (COMPETENCIAS):
 Identificar las características generales del dibujo como base para el conocimiento del desarrollo histórico y
sus demas componentes
CONTENIDOS
INDICADOR DE LOGRO:
 Fortalecer los conocimientos históricos del dibujo desde sus primeras expresiones y sus aplicaciones en las
estructuras
UNIDAD 1: EL ARTE PREHISTORICO
El Arte Prehistórico
El arte prehistórico comprende el conjunto de las
manifestaciones humanas con valor artístico llevadas a cabo
antes de que aparecieran los primeros textos escritos. Sus
muestras más abundantes e importantes se centran en el
continente europeo, donde puede seguirse la evolución artística
a lo largo de miles de años.
Cronología del arte prehistórico
 Paleolítico: las más antiguas manifestaciones artísticas datan
de este periodo en el que, después de la última glaciación, hace
unos 11000 años, apareció el Homo Sapiens. Se trataba fundamentalmente de amuletos y objetos rituales, dotados
de expresividad y que mantuvieron una gran uniformidad en su estética, durante miles de años y en lugares muy
alejados entre sí.
 Revolución neolítica: se produjo entre el 7000 y el 6000 a. C. y con ella la sedentarización, la estratificación
social y la ordenación de los primeros sistemas de creencias. En el ámbito artístico, ello dio lugar a la aparición de
representaciones humanas, tanto pictóricas como escultóricas, y a las primeras formas de cerámica.
 Edad de los Metales: hacia el 4500 a. C. tuvo lugar el descubrimiento de las técnicas de fundición, con lo que se
iniciaba la Edad de los Metales. Junto a la aparición en esta época de nuevos objetos decorados como espadas, cascos,
brazaletes, etc., se generó una nueva espiritualidad relacionada con el culto al Sol y que determinó la aparición de los
monumentos megalíticos. Esta edad se divide en Edad del Cobre (4000-
2000 a. C.), Edad del Bronce (2000-1000 a. C.) y Edad del Hierro (1000-
siglo III a. C.).
El arte en el Paleolítico y el Mesolítico
El arte del Paleolítico tiene como máximas expresiones las
representaciones de animales en las paredes de las cavernas. Entre las
más importantes cabe citar las de Rouffignac, Lascaux o Niaux, en el
sur de Francia, y las de Altamira,Tito Bustillo o El Pindal, en la cornisa
Cantábrica española.
Junto al denominado animalismo parietal o arte rupestre, la otra forma
artística más significativa del Paleolítico fueron las pequeñas estatuillas

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de figuras femeninas sin rostro llamadas venus y relacionadas con el culto a la fertilidad. Entre ellas cabe citar la de
Willendorf, la de Laussel y la de Lespugue.
En el Mesolítico o Epipaleolítico, la figura humana se esquematiza y se convierte en protagonista de la pintura parietal.
Aparecen también formas decorativas sobre materiales como el hueso, con el que se
fabricaban agujas, punzones o bastones de mando.
El arte neolítico Las figuras parietales del Neolítico mantienen un acusado
esquematismo respecto de las del Paleolítico, más naturalistas. En este periodo se
consolidan las bases de la religión animista, que identifica los fenómenos de la
naturaleza con la voluntad de los espíritus o dioses. Desde el punto de vista artístico
ello dará pie a la aparición de múltiples formas de amuletos, ídolos, símbolos sagrados
y de los primeros monumentos funerarios. Una de las aportaciones de mayor interés
del Neolítico es la cerámica, con piezas realizadas con moldes, por superposición de
anillos o con un torno. La decoración de las vasijas suele ser de diseño abstracto o muy
esquemático.
Los monumentos megalíticos de la Edad de los Metales
El culto al Sol y a la naturaleza y los rituales funerarios determinaron que en la Edad de los Metales se realizasen
numerosas construcciones megalíticas.
 El menhir, piedra alargada clavada en vertical.
 El dolmen, formado por piedras verticales que sujetan
una losa horizontal.
 El crómlech, círculo formado por menhires y
dólmenes.
 Las alineaciones, largas hileras de menhires situadas
junto a una tumba.
 Las taulas y talayotes (torres de poca altura), losas
horizontales con un solo apoyo vertical, y las navetas,
cúpulas en forma de nave invertida. Todas ellas son
específicas de las islas Baleares.
Algunas de las piezas más célebres de arte prehistórico descubiertas son:
 Las pinturas rupestres de la Cueva de Altamira. Ubicadas en España y provenientes de distintas ocupaciones
humanas de las cuevas durante el Paleolítico Superior, muestran una serie de signos e ilustraciones de animales,
como bueyes o antílopes, así como restos de piedras empleadas para moler el pigmento con que se trazaron en
las paredes y los techos.
 La Venus de Willendorf. Fue tallada en piedra en algún momento del Paleolítico, entre el 28.000 a 25.000 a. C.
Esta figurina de piedra hallada en 1908 en Willendorf, Austria, representa a una mujer desnuda, de senos y sexo
notorios y abultados, tallada en piedra caliza y
pintada con ocre rojo.
 La Venus de Tan-Tan. De unos seis centímetros de
alto y unos posibles 400.000 años de antigüedad,
es decir, contemporánea con el Homo
heidelbegensis, esta figura vagamente
antropomórfica fue hallada en Marruecos en
1999, a unos 15 metros de profundidad en el
sedimento fluvial del río Draa. Es un hallazgo
polémico, ya que muchos científicos piensan que
su semejanza con el ser humano podría ser
meramente casual.

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 El Menhir de Mollet. Proveniente de finales del neolítico, alrededor de 3300 a 2200 a. C., esta estatua de piedra
de 4,9 metros de alto y 68 centímetros de grueso fue hallada en Mollet del Vallés, Barcelona, España, en 2009.
Representa una figura humana en bajorrelieve, a veces completado o reemplazado por grabados.
INDICADOR DE LOGRO:
 Reconocer las características y el desarrollo del arte
precolombino en sus expresiones culturales Mayas y Aztecas
UNIDAD 2: EL ARTE PRECOLOMBINO
ARTE PRECOLOMBINO
El arte precolombino americano comprende todos aquellos objetos de
arte creados por los diferentes pueblos originarios antes de la llegada de
Colón y la influencia hispana. Posee características estéticas, técnicas,
funciones sociales y estilos muy diferentes del arte europeo. Por otra
parte, no existe un solo arte precolombino: tal como es posible apreciar
a través de estas presentaciones, las obras de las diferentes culturas
precolombinas se caracterizan por una gran riqueza y diversidad. Al mismo tiempo, ellas ofrecen una puerta
privilegiada al conocimiento de las culturas que las crearon. El arte precolombino es la forma en la que se escoge a un
grupo de representaciones intelectuales y
artísticas como son la escultura, arquitectura,
pintura, cerámica, textil, entre otros y que son
creadas en el continente americano durante la
etapa precolombina.
Esta modalidad de arte te permite tener
información y conocimiento sobre las antiguas
civilizaciones precolombinas, como por
ejemplo la capacidad de modificar el medio
ambiente o el nivel de desarrollo que tenían,
posee características estéticas, técnicas,
funciones sociales y estilos muy diferentes del
arte europeo, ofreciendo las obras de las
diferentes culturas precolombinas una gran riqueza y diversidad.
El arte precolombino es destacado por los trabajos en oro de las culturas indígenas los cuales fueron considerados los
mejores del continente. En el periodo de conquista había una gran variedad de culturas que usaban el oro, en ellas se
puede verse la técnica similar que usaban pero también se puede comprobar los diferentes estilos. El oro fue usado
en muchos objetos desde anillos para la nariz hasta ofrendas para las ceremonias, pero la mejor obra creada con oro
precolombino es la conocida Balsa Muisca que representa al cacique lleno de oro en su barca y a los remeros, aunque
también hay otras obras famosas en la cultura Tunjo, esta cultura representaba a guerreros feroces y también podemos
destacar la cultura Tolima que representaban figuras humanas. Hay una
diversidad de cultura que utilizaban el oro para representaciones
aunque estas podría decirse que son las más destacadas.
Origen del Arte precolombino El concepto “precolombino” en una
forma general es aquello que estaba en América antes de que los
españoles en 1492 la conquistaran. Aunque en realidad el concepto
alude a un espacio de tiempo en el cual se conviven diferentes culturas
las cuales dejaron una huella eterna en el arte y que actualmente son
objeto de estudios científicos. Resumiendo, el concepto
“precolombino” viene de pre- Colombia, es decir antes de colon, pero como hemos dicho anteriormente tienen que
ver con las culturas que por entonces dominaban el territorio de las “colonias españolas”, es decir desde Cono Sur

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hasta México. Su desarrollo se inició en la época preclásica americana con el descubrimiento de la cultura Olmeca a
la cual se le asigna la construcción y creación de una de las ciudades más famosas hasta entonces del continente
denominada Teotihuacan.
Las culturas precolombinas en el periodo instructivo se crearon lejos una de otras pero esto cambio cuando comenzó
la etapa clásica ya que se inició una dinámica de influencias e intercambios mutuos como por ejemplo las dos áreas
principales de civilización Andes y Mesoamérica. Es por ello, por lo que se pueden observar varias casualidades en la
exhibición de algunos mitos, algunas costumbres y en algunos vocablos similares. Por esto se llegó a la conclusión de
que tiempo después de la etapa clásica las diferentes civilizaciones tuvieron contactos que no fueron ocasionales. Los
incas, por ejemplo, son considerados como una de las civilizaciones precolombinas más importantes. Su imperio se
extendió por diversas regiones de Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Chile y Argentina, entre sus legados destaca el
Machu Picchu , una ciudad construida en el S. XV en el Perú. Los mayas fueron otros de los grandes pueblos
precolombinos, que se asentados en zonas de México, Guatemala, Honduras, Belice y El Salvador, desarrollando
imponentes construcciones como la ciudad de Chichén Itzá.
Características del Arte Precolombino La alfarería precolombina es
muy rica en formas y estilos lo que ha dificultado su clasificación, fue
desarrollada por grupos sedentarios de agricultores que no sólo
fabricaron objetos de uso doméstico como platos con alegres motivos
o vasos decorados con múltiples colores, sino que también la utilizaron
en sus ceremonia rituales como son las vasijas funerarias con figuras
antropomórficas o de animales. Las piezas más características
provienen de la cultura muisca y tienen su mejor muestra en la gran
variedad de múcuras, un cántaro especial de cuello delgado y decorado
con motivos antropomórficos. Esta pieza se utilizaba para tareas
domésticas y ceremonias religiosas.
Todavía se siguen fabricando de acuerdo a los procesos ancestrales, especialmente en las zonas rurales de Boyacá. A
diferencia de otras culturas suramericanas, en Colombia no se han encontrado imponentes construcciones o grandes
zonas arqueológicas, a excepción de las grandiosas figuras de la región de San Agustín. Allí se han encontrado más de
500 piezas talladas en piedra, representando dioses, hombres y animales, que demuestran el complejo culto religioso
de este grupo indígena. Sin embargo, las culturas precolombinas si han dejado un buen ejemplo de lo que fueron en
otro tiempo, en los cientos de piezas e instrumentos de trabajo que demuestran un alto grado de desarrollo y
elaboración
Muchas obras fueron usadas por los conquistadores para fundición y han sido destruidas por que solo apreciaron
el valor del metal, pero algunas afortunadamente han sobrevivido. En cada lugar desde Méjico hacia el sur, cada
pueblo, etnia, tribu y nación, dejaron plasmados de una u otra manera su forma de ver la vida, sus creencias, sus
esperanzas, sus logros y hasta la manera de manejarse administrativamente. La invasión y conquista por parte de los
españoles, no solo destruyo a los pueblos, sino gran parte de su cultura y avances, con lo que hoy seguramente sería
en todo aspecto una América diferente de la conocemos. Un elemento de la mayor importancia en la vida
precolombina era la religión, que era animista, ya que divinizaba las fuerzas naturales, los lugares sagrados y algunos
objetos. Muchas de estas fuerzas eran contrarias, pero en cualquier caso complementarias entre ellas, ya que la religión
emanaba de una concepción de dualidad. Las prácticas de culto en Centro y Sudamérica presentan elementos comunes,
a pesar de sus diferenciaciones parciales, y revelan la mutua influencia simbólica y religiosa entre ambas regiones.
Técnicas usadas en el arte precolombino
Este tipo de arte se desarrolló principalmente en América central y México donde estaban situadas la cultura maya y
la azteca:
EL ARTE AZTECA Es un arte al servicio del Estado, es el lenguaje que utilizaba la sociedad para transmitir su visión
del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas. Tiene un marcado componente
político-religioso, pero es fundamentalmente religioso, al culto de sus divinidades, expresándose a través de la música,

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la literatura, de la arquitectura y la escultura y para esto utilizaban instrumentos musicales, plumas, papel, cerámica
o piedra dependiendo de la clase de arte que quisieran hacer. Lo que más llama la atención del arte precolombino
azteca es la semejanza con los anteriores artes tradicionales y la señal personal que ponían en sus representaciones
como marca del artista, siendo un arte violento y rudo, pero con una sensibilidad y una complejidad que se observa
en su riqueza simbólica. En la escultura azteca destacamos la expresión de los rostros y tenían un canon de belleza
muy distinto al clásico.
• En la arquitectura: sus principales características son: el uso de grandes
masa y medidas colosales, con un aspecto geométrico y monótono en su
exterior y de espacios estrechos y oscuros en su interior, hay ensayos de
falso arco y falsa bóveda y los materiales empleados eran el adobe, la piedra
y la madera.
• En la pintura: la realizaban con tintas variadas, logrando una viva y hermosa
policromía. Representaban a los dioses, hombres notables, animales o
plantas y también hechos de la vida real.
• En la cerámica: formaba parte de la vida cultural de los aztecas, haciendo
vasijas de barro sin ser siempre cerámica fina, siendo la cerámica roja y negra la más destacada. Fabricaban vasijas
útiles para cocinar, vasos de barro y piezas finas.
CULTURA MAYA La civilización maya fue una civilización mesoamericana que se desarrolló en la región de la península
de Yucatán y sus alrededores desde el período Preclásico temprano hasta el Posclásico tardío según la periodización
tradicional de Mesoamérica. Las ciudades mayas estaban formadas por palacios y templos en los que habitaban la
nobleza, los sacerdotes y sus servidores. El resto de la población se diseminaba en pequeñas poblaciones en los
alrededores. La civilización maya abarcó una amplia región que comprendía parte del sureste del actual Estado de
México, así como los territorios de Belice y Guatemala y el norte de El Salvador y Honduras.
Características de los mayas
Algunas de las principales características de la civilización
maya fueron las siguientes:
 Llegaron a abarcar, de forma discontinúa, más de
400.000 km². El antiguo territorio maya lo ocupan
actualmente cinco países: México (sureste),
Guatemala, Belice, Honduras (norte) y El Salvador
(norte).
 Se encontraban organizados en ciudades-estado
que muchas veces competían entre sí y otras,
entablaban alianzas.
 Alcanzaron su máximo esplendor cultural entre los
siglos III y X d. C., es decir, durante el período Clásico, de acuerdo con la periodización de la historia
mesoamericana.
 Fueron grandes astrónomos. Mediante la observación y cálculos precisos, lograron establecer dos calendarios,
uno solar y otro lunar, que les permitió determinar con exactitud fenómenos astronómicos como eclipses y
equinoccios.
 Construyeron sus templos sobre basamentos piramidales de grandes dimensiones, por ejemplo: el templo del
Jaguar de Tikal, gracias a su basamento, llega a la altura de 47 metros.
 Como otros pueblos mesoamericanos, practicaban el juego de pelota como ritual religioso.
Religión de la cultura maya
Los mayas eran politeístas. Su amplio panteón de dioses se encontraba conformado por divinidades que se encontraban
relacionadas, principalmente, con la agricultura y la fertilidad. Muchas de las creencias religiosas de los mayas fueron

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registradas pocos años después de la conquista en los documentos que hoy en día conocemos con los nombres de
Chilam Balam y Popol Vuh.
Dioses de los mayas
Los principales dioses mayas eran los siguientes:
Nombre Función
Itzamná Dios principal, creador de todos.
Ixchel Diosa de la fertilidad y de la tierra.
Chac Dios de la lluvia.
Kukulkán Dios del viento y el agua.
Vestimenta de la cultura maya
El hombre maya, independientemente de su condición social,
vestía un taparrabos de algodón enrollado alrededor de la cintura y las piernas. La indumentaria de los individuos de
mayor rango se encontraba más ornamentada, por ejemplo, sus taparrabos tenían bordados y plumas, o incluso, en
algunos casos, llevaban una falda de tela decorada con piezas de jade sobre él.
Todos los hombres llevaban el torso desnudo, aunque los nobles podían llevar pectorales y collares de jade sobre su
pecho, una capa sobre sus hombros y un penacho de plumas en su cabeza.
Las mujeres llevaban una amplia túnica blanca adornada con bordados de motivos geométricos o florales. Las mujeres
nobles se distinguían por sus collares y orejeras de jade.
INDICAR DE LOGRO:
Reconocer las características de los movimientos artísticos básicos que dieron origen a otras tendencias
UNIDAD 3: MOVIMIENTOS ARTISTICOS (EL CUBISMO, PUNTILLISMO, RAYONISMO)
¿Qué es el Cubismo?
Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo
XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un
fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un
precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas. Su estilo
característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad,
mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue
una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.
El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios
pintores, sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento
puso nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de
Georges Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos”,
y procedió entonces a hablar del cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado
máximo exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo,
sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”.
Características del cubismo A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a través de
cubos. Por el contrario, el cubismo reconoce y abraza la naturaleza bidimensional del lienzo y renuncia a la
tridimensionalidad, tratando más bien de representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto,
de manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la pintura desde la antigüedad, razón por la
cual se considera al cubismo como la primera de las vanguardias artísticas.
Las pinturas cubistas, así, carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista (en lugar de uno único), y suprimen
la mayoría de los detalles de los objetos que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los violines, por
ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas.

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Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más convencional: bodegones, paisajes, retratos.
Pero a diferencia del impresionismo y del fauvismo, se los pinta con colores apagados: grises, verdes y marrones, sobre
todo en su primera época.
La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó
que fuera necesario acompañar la obra con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común
en las obras de arte de las vanguardias.
Artistas del cubismo El máximo exponente del cubismo fue el español Pablo Picasso (1881-1973), a quien se le asume
como fundador de la estética y primer cultor de su estilo. Sin embargo, otros artistas reconocidos por su obra cubista
fueron los franceses Georges Braque (1882-1963), Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953) y Robert
Delanay (1885-1945), y los españoles Juan Gris (1887-1927) y María Blanchard (1881-1932).
¿Qué es el Puntillismo?
El puntillismo, una interesante forma de pintura que se desarrolló a fines del siglo XIX, tiempo en el cual fue
especialmente popular y la cual implicaba el uso de pequeños puntos de colores primarios para crear imágenes dentro
de las que se pueden ver colores secundarios. Esta técnica se utilizó por primera vez para describir el trabajo del artista
francés Georges Seurat. El estilo del puntillismo se considera parte del período posimpresionista, un movimiento que
continuó con muchos de los ideales del impresionismo como la capacidad del artista de colocar lo que aparece en el
ojo de la mente sobre el lienzo para el espectador. En el puntillismo, el énfasis en el color tiene un costo sustancial en
términos de forma y movimiento.
Características
Las principales características del puntillismo son las siguientes:
 En el puntillismo los colores que se utilizan son completamente
puros, jamás se mezclan.
 A través de los puntos se logra dar una sensación de
profundidad en las obras.
 Logra obtener gamas cromáticas por medio de la aplicación de
puntos.
 Únicamente se usan colores primarios y el ojo es el encargado
de hacer la mezcla.
 En los cuadros existe la sensación de que la luz emana de los
cuerpos.
 Las líneas ascendentes del puntillismo, los colores cálidos y los valores claros expresaban alegría.
 Las líneas descendentes, los colores fríos y los valores oscuros representaban tristeza.
 El puntillismo refleja orden, claridad y planificación
 Los principales temas elegidos para pintar usando esta técnica eran puertos, orillas de ríos y escenas circenses.
 Se preocupan por el volumen.
Historia Un estilo nuevo y diferente, cuya técnica se fundamentaba en la aplicación de pequeños puntos yuxtapuestos
de color puro, apareció a fines del siglo XIX con el nombre de puntillismo. El fundador del puntillismo fue Georges
Seurat, un estudiante modelo en la Ecole des Beaux-Arts de París. Georges Seurat declaró el estilo impresionista como
pasado de moda con su monumental “Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte «, en 1886. Seurat desarrolló un
sistema de notación que yuxtaponía colores puros y teóricamente producía una luminosidad mayor de la que se podría
lograr, porque los trazos de color colocados se fusionarían en el ojo del espectador, evitando la «turbiedad» de la
mezcla de paletas o mezcla de colores en el lienzo.
Otros tipos de puntillismo
 Monocromáticos: se da la asociación o disociación de puntos que produce un contraste con su fondo, esto
depende de lo espaciados que estén los puntos unos de otros.

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 Policromáticos: se trabaja con tintas planas por región o integrando colores y sobras como parte para producir
volumen.
 Musical: se busca la manera de que el oído relacione los sonidos de forma separada para interpretarlos como
una melodía. Busca la disociación de la música y es la base del desarrollo y la creación de imágenes musicales
por medio de los pixeles musicales como una estructura básica en la percepción visual de la imagen.
¿Qué es el Puntillismo?
El Rayonismo es un movimiento artístico iniciado en Rusia en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por
Miguel Larionov y Natalia Goncharova, y profundizado en 1913.
Es una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo.
Surge como adaptación propia de los artistas hacia el futurismo, dándose a conocer por medio de un manifiesto
redactado por Larinov y que es a su vez parte de una miscelánea editada con motivo de la exposición Blanco, celebrada
en Moscú en 1913. Basado en unas composiciones construidas a partir de rayos de luz que se cruzan y se disuelven en
motivos que cambian constantemente, es el rayonismo un importante foco de teoría artística al fundir en sus lienzos
una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del
movimiento propiamente futurista, siendo el conjunto de la obra
totalmente abstracto al romper el tema en haces de líneas sesgadas
tal y como se observa en Bosque verde y amarillo de Gontcharova,
llegando el tema a desaparecer en otras ocasiones, como en Vidrio
(Solomon R. Guggenheim Mus. de Nueva York, 1912 1913) de
Larionov. El movimiento tuvo corta vida por lo que no llegó a crear
escuela.
El rayonismo propone la descomposición del tema en haces de líneas
oblícuas, una especie de rayos de luz de diferentes tonalidades.
Aspectos como la luz, el color, el tiempo, y el dinamismo son de gran
importancia en el rayonismo.
INDICADOR DE LOGRO:
 Proponer conocimientos generales sobre el color, su origen, significados y aplicaciones para la construcción de
conceptos en diferentes entornos propuestos
UNIDAD 4: EL COLOR Y SUS CONCEPTOS
Qué es Color: Color es la percepción visual del reflejo de la luz
que ilumina las superficies y rebota en las células conos de nuestra
retina.
Existen muchos significados para color dependiendo de la
estructura lógica de cada teoría del color. Para un conocimiento
básico se puede dividir la teoría del color en los siguientes grupos
de definiciones:
 El círculo cromático
 La armonía del color
 Contexto del color
 Significado de los colores
Breve historia de la teoría del color De acuerdo con información de las Bibliotecas Smithsonian, la teoría del color ha
pasado por ciertos estadíos relevantes:
 Teoría aristotélica (s. IV a. C.): el filósofo griego Aristóteles consideraba que los colores eran expresiones divinas
por medio de la luz y la oscuridad, en conjunción con los cuatro elementos.
 La Óptica de Newton (1704): el paradigma cambió con la aparición de la teoría newtoniana, donde quedó
establecido que el ojo humano percibe cierto rango de colores dentro del espectro electromagnético.

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 La aplicación de los colores primarios de J. C. Le Blon (1725): como grabador, su enfoque era obtener colores con
fines artísticos, así que delimitó y documentó el uso del rojo, azul y amarillo en lo que ahora se conoce como el
modelo de color sustractivo (químico).
 La Teoría de los colores de Goethe (1810): el poeta consideraba este como
su trabajo más importante, donde estudia los colores desde el punto de vista
del espectador que recibe un estímulo fisiológico.
 El sistema de color de Otswald (1916): el químico Wilhelm Otswald publicó
un estudio sobre la armonía del color, basado en escalas cromáticas.
Tipos de colores en la teoría del color Este es el círculo cromático que te ayudará
a visualizar los elementos de la teoría del color:
Colores primarios Los colores primarios son aquellos que no puedes crear desde
cero al combinar dos o más colores. En eso se parecen mucho a los números
primos: no pueden formarse al multiplicar otros dos números juntos. Existen tres
colores primarios:
Rojo Amarillo Azul
Piensa en los colores primarios como tus colores base: anclan tu diseño a un esquema general. Uno solo o la combinación
de estos colores pueden darte una guía al explorar otros tonos y matices (de los que hablaremos más adelante).
Cuando diseñas con colores primarios no te sientas restringido solo a los tres mencionados arriba. El naranja no es un
color primario, por ejemplo, pero ciertamente es usado por las marcas como su color dominante (como bien sabemos
en HubSpot).
Cuando sabes cuáles colores primarios crean el naranja puedes identificar los colores que podrían llevarse bien con él,
dependiendo del matiz o tono correcto. Esto nos lleva a nuestro siguiente tipo de color.
Colores secundarios Los colores secundarios son los que se forman al combinar dos de los tres colores primarios listados
arriba. Revisa el círculo cromático: ¿ves cómo cada color secundario es compatible con dos de los tres colores primarios?
Existen tres colores secundarios: naranja, púrpura y verde. Estas son las reglas generales para crearlos:
Rojo + Amarillo = Naranja Azul + Rojo = Púrpura Amarillo + Azul = Verde
Ten en mente que las mezclas de color ya mencionadas solo funcionan si usas la forma más pura de cada color primario.
Esta forma pura es conocida como el tono del color, y verás cómo estos tonos se relacionan con las variantes de cada
color en el círculo cromático que viene después.
Colores terciarios Los colores terciarios surgen cuando mezclas un color primario con otro secundario.
Lo más importante de los colores terciarios es que no todos los colores primarios coinciden con uno secundario para
darle vida a un terciario. Por ejemplo, el rojo no se mezcla armónicamente con el verde, y el azul no lo hace tampoco
con el naranja; ambas combinaciones resultarían en un color ligeramente marrón (a menos que, por supuesto, eso sea
lo que estás buscando).
En realidad, los colores terciarios surgen cuando un color primario se mezcla con un secundario que le sigue en el
orden del círculo cromático que puedes ver abajo. Tenemos seis colores terciarios que cumplen este requerimiento:
Rojo + Púrpura = Magenta Rojo + Naranja = Bermellón
Azul + Púrpura = Violeta Azul + Verde = Turquesa
Amarillo + Naranja = Ámbar Amarillo + Verde = Cartujo
Tono Tono es básicamente un sinónimo de lo que realmente queremos
decir con la palabra «color». Por ejemplo, todos los colores primarios y
secundarios son «tonos».
Es importante considerar los tonos al combinar dos colores primarios para
crear uno secundario. Si no usas los tonos de los dos colores primarios que
estás mezclando, no generarás el tono del color secundario. Esto se debe
a que un tono tiene la menor cantidad de otros colores dentro de él. Al combinar dos primarios que llevan otros matices,
tonalidades y sombras en ellos, técnicamente estás agregando más de dos colores a la mezcla, obligando que tu color
final dependa de la compatibilidad de más de dos colores.
Si combinaras los tonos del rojo y el azul, por decirlo, obtendrías un púrpura. Pero si mezclas un matiz de rojo con el
tono del azul, obtendrás un tinte ligeramente púrpura.

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Sombra Es posible que lo primero que te venga a la mente es el sitio debajo de un árbol, en el que te refugias cuando
hace mucho calor. Sin embargo, una sombra es técnicamente el color que obtienes cuando añades negro a cualquier
matiz. Las diferentes «sombras» solo hacen referencia a la cantidad de negro que agregas.
Matiz Un matiz es lo opuesto a la sombra: obtienes un matiz distinto
cuando mezclas blanco con cualquier color. Así que un color puede tener
diferentes rangos de sombras y matices.
Tonalidad o saturación También puedes añadir blanco y negro a un color
para crear una tonalidad. Tonalidad y saturación significan esencialmente
lo mismo, pero mucha gente usará saturación si habla de colores creados
para imágenes digitales. Tonalidad se usa más seguido en las pinturas.
Significado de los colores
Se ha popularizado el significado de los colores por los estudios en psicología y su aplicación en el marketing. Algunos
de los significados asociados a algunos de los colores más usados son:
 Rojo: pasión, violencia, fuego, seducción, poder, activo.
 Amarillo: armonía, sabiduría, agilidad, brillante.
 Azul: estabilidad, confianza, masculino, racionalidad.
 Naranja: felicidad, entusiasmo, creatividad, éxito.
 Verde: naturaleza, crecimiento, fertilidad, dinero, aire libre.
 Violeta: poderoso, ambicioso, misterioso, dignidad, rico.
 Rosado: femenino, romance, inocencia, juvenil.
 Negro: poder, lujo, emociones fuertes, conocimiento, sofisticado.
INDICADOR DE LOGRO
Reconocer la geometría en el dibujo para construcción de conceptos
artísticos
UNIDAD 5: LA GEOMETRIA EN EL DIBUJO
Qué es un dibujo geométrico
Existen múltiples tipos de dibujos (trazos o delineaciones que permiten
representar una figura): hay dibujos artísticos, dibujos técnicos, dibujos
arquitectónicos, dibujos mecánicos y dibujos eléctricos, entre otros. En esta
oportunidad nos enfocaremos en los dibujos geométricos.
Geométrico es aquello vinculado a la geometría, que es la especialidad de las
matemáticas orientada al análisis de las magnitudes y las propiedades de las
figuras en el espacio o en un plano. Un dibujo geométrico, por lo tanto, es
aquel que se realiza siguiendo las reglas de esta disciplina. Estos gráficos se llevan a cabo mediante figuras planas,
las cuales se construyen siguiendo un método lógico. Por lo general se apela a ciertos trazados básicos (triángulos,
círculos, cuadrados, etc.) para el desarrollo de los dibujos.
Cómo crear estas figuras
Entre los trazados básicos que juegan un papel esencial en lo que es el dibujo geométrico podemos destacar el punto,
la línea, la recta, la línea curva, la semirrecta, el segmento…De la misma manera, se establece que para poder
conseguir un buen dibujo geométrico se hace necesario e imprescindible el dominar realizar la bisectriz de un ángulo,
la mediatriz de un segmento, la suma de ángulos, la recta perpendicular por un punto o la circunferencia, entre otros.
Para acometer los dibujos geométricos es necesario contar con herramientas tales como lápices, escuadra y
cartabón, compás, el transportador de ángulos, el escalímetro y las correspondientes láminas.

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Dentro de la educación, es muy habitual que los estudiantes, en distintos cursos y niveles, aprendan a realizar dibujos
geométricos. Y es que esto les ayudará no solo a mejorar sus habilidades y conocimientos en el área plástica sino
también en otras disciplinas como las matemáticas o la tecnología, por ejemplo.
Utilidad de un dibujo geométrico
Los dibujos geométricos pueden emplearse con distintos fines. En ocasiones se trata de dibujos artísticos que buscan
generar determinados efectos ópticos. En este caso, se privilegia el resultado estético. También hay dibujos
geométricos que desarrollan los profesionales en el marco
de otras clases de dibujos (como un arquitecto que recurre
a un rectángulo para representar una habitación en un
plano). Los niños, por otro lado, pueden aprender a
reconocer las diversas figuras de la geometría e incluso a
colorear a través de los dibujos geométricos.
Existen diversas maneras de realizar estos dibujos. Pueden
hacerse sobre un papel, un cartón u otra superficie plana,
a mano y con ayuda de algún instrumento (una regla, una
escuadra, un compás u otro), por ejemplo. Otra posibilidad
es desarrollarlos con algún programa informático
(software).
FIGURAS PLANAS Y FIGURAS CON VOLUMEN
ACTIVIDADES DE ENSEÑANZA-APRENDIZAJE-EVALUACIÓN (E-A-E). GUÍA 3.
ACTIVIDAD 1: ARTE PREHISTORICA
1. Que es el arte prehistórico
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2. Explica la cronología del arte prehistórico
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3. Enumera las características del arte paleolítico, mesolítico y neolítico
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4. Explica los monumentos megalíticos de la edad de los metales y otras representaciones
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5. Consulta los significados de las siguientes palabras y realiza el dibujo
Pintura Rupestre, Antropomórfica, Menhir, Dolmen, Crómlech, Taulas, Tayalotes, Figuras parietales
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6. Realiza una historia utilizando los siguientes iconos
ACTIVIDAD 2: ARTE PRECOLOMBINO
1. Realiza un resumen del contenido de la unidad 2 ARTE PRECOLOMBINO
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2. Enumera y explica las características del Arte Precolombino
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3. Explica como se originó el arte precolombino
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4. Explica como fue el desarrollo del arte Azteca, sus características y tendencias
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5. Explica como fue el desarrollo del arte Maya, sus características y tendencias
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6. Cuales fueron los aportes de la cultura maya, explícalos
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7. Realiza los siguientes dibujos representativos de las culturas Mayas y Aztecas

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UNIDAD 3: MOVIMIENTOS ARTISTICOS (CUBISMO, PUNTILLISMO, RAYONISMO)
1. Realiza un mapa conceptual sobre los movimientos artísticos (cubismo, puntillismo, rayonismo)
2. Enumera los principales exponentes del cubismo
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3. Enumera los principales exponentes del puntillismo
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4. Enumera los principales exponentes del rayonismo
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5. Realiza el siguiente ejemplo de cubismo
6. Realiza el siguiente ejemplo de puntillismo

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7. Realiza el siguiente ejemplo de rayonismo
UNIDAD 4: EL COLOR Y SUS CONCEPTOS
1. Define que es el color
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2. Realiza un mapa conceptual sobre la historia de la teoría del color
3. Explica los tipos de colores según la teoría del color, sus características y combinaciones
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4. Define los conceptos de tono, sombra, tonalidad o saturación, matiz
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5. Realiza un ejemplo de cada uno de los conceptos anteriores tono, sombra, tonalidad o saturación, matiz
6. Según el significado de los colores, realiza un escudo donde utilices símbolos y colores que representen tu
personalidad

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7. Realiza el siguiente ejemplo aplicando saturación o tonalidades
8. Aplica el concepto de sombra en el siguiente dibujo
UNIDAD 5: LA GEOMETRIA EN EL DIBUJO
1. Realiza un resumen del contenido de la unidad
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2. Define que son las figuras geométricas planas y realiza 2 ejemplos
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3. Define que son las figuras geométricas con volumen y realiza 2 ejemplos
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4. Utilizando una hoja cuadriculada, regla y lápices de colores realiza las siguientes imágenes
METODOLOGIA:
DOCENTE:
- Exposición - Explicación -Demostraciones -Formulación de preguntas. - Presentación de situaciones
problemáticas -Asesoría individual y colectiva ESTUDIANTE:
- Elaboración de documentos. -Resolución de talleres. -Ingreso a las aulas virtuales.
- Trabajo independiente. -Consultas de términos.
RECURSOS:
Computador, celular o Tablet, Plataforma Institucional Q10, internet,
documentos virtuales, aulas virtuales, clases virtuales y/o alternancia,
WhatsApp, tablero, marcadores, documentos, Aulas virtuales, Cursos
Virtuales, TV, Radio, Página de SEDUCA.
REFERENCIAS
BIBLIOGRÁFICAS.
Fuentes web
gráficas:
 https://es.liveworksheets.com/worksheets/es/Biolog%C3%ADa
• Fuentes web gráficas: https://definicion.de/teocentrismo/
• https://www.significados.com/antropocentrismo/
• Andrea Imaginario Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia
• Teocentrismo Recuperado de https://club.tendencias21.es/mundo/El-impacto-del-COVID-19-en-el-futuro-de-nuestra-
sociedad_a98.html • http://biblioteca.clacso.edu.ar.2010
• Tomado: https://www.mindheart.co/descargables
• Tomado: https://www.minsalud.gov.co/Paginas/default.aspx
• file:///C:/Users/DOCENTE/Desktop/DIDACTICA/CS_
• http://aprende.colombiaaprende.edu.co/cainicio
• Tomado de https://www.ecured.cu/Revoluciones_burguesas
• Tomado de http://esquemasdehistoria.blogspot.com/2016/02/fases-de-la-revolucion-francesa.html
• Tomado de https://youtu.be/ttdq818TGD0
EVALUACIÓN:
Nota 1: 15%
Nota 2: 15%
Nota 3: 15%
Nota 4: 15%
Nota 5: 10% Autoevaluación
Nota 6: 10% Coevaluación
Nota 7: 10% Portafolio
Nota 8:10% Asistencia
Total, de la guía: 100%