Introducción a la Historia del arte.

1. INTRODUCCIÓN A LA
HISTORIA DEL ARTE
QUICO CONSUEGRA PANALIGAN

7. COMIENZOS DE LA HISTORIOGRAFÍA
1.- EL MÉTODO DE LAS VIDAS DE LOS ARTISTAS
Giorgio Vasari (1511-1574) artista florentino que dedica alrededor de
10 años a la investigación que concluirá en “Las vidas de los más
excelentes pintores, escultores y arquitectos” (1550). En el campo
metodológico la aportación fundamental de Vasari consiste en insertar
un concepto progresivo de la historia (desde la Edad Media hasta
Miguel Ángel) dentro de un esquema claro y razonable que encuentra
su base en la “vida”.
Mediante la descripción de la vida de artista singulares en
breves pero densas biografías, Vasari nos traza la curva ideal del primer
periodo artístico de la Edad Moderna: El Renacimiento. La fortuna del
método biográfico puede decirse que alcanza hasta los comienzos de la
Edad Contemporánea, concretamente hasta el momento de la crisis
neoclásica y romántica.

8. La obra de Winckelman "Historia del Arte
en la Antigüedad" (1764), constituye el punto final
de la metodología biográfica y el inicio definitivo del
desarrollo de la Historia del Arte como ciencia.

9. 2.- EL MÉTODO POSITIVISTA
El representante más característico de la
metodología positiva es Hyppolyte Taine (1828-
1892). Para Taine, el punto de partida
metodológico consiste en la constatación de que
cualquier obra de arte no se nos presenta aislada,
sino que formando una “escuela” o grupo de
artistas de su tiempo y país, esta escuela sirve de
primer eslabón en la cadena de explicaciones de
una obra de arte y ésta a su vez está comprendida
en un definitivo y vasto conjunto el “milieu” o
medio, este medio que rodea a un grupo de
artistas es en definitiva, la causa del arte.

10. 3.- SUPERACIÓN DEL POSITIVISMO. JACOB BURCKHARDT
La aportación de Buckhardt, consistirá en afirmar una influencia mutua entre cultura y arte. Su concepción de la cultura es
eminentemente humanista y se propone encontrar en el pasado los elementos que se relacionan esencialmente con el presente, a pesar de que
define la realidad cultural como “la suma de los desarrollos del espíritu que suceden espontáneamente y no pretenden ninguna validez universal o
forzosa”, es decir, que tanto para Hegel como para él la historia es una evolución del espíritu, así que lo más acertado es hablar en términos de
progreso y no de repetición.
La cultura es una variada suma de elementos que en su conexión crean una realidad histórica, dentro de la cual tres son los
actores que destacan: el estado, la religión y el hecho propiamente cultural, entre estos tres elementos se establece una infinita gama de
relaciones y dependencias sin jerarquía.
Con este análisis. El arte deviene un ejemplar testimonio de la historia en tanto que expresa intereses ajenos, pero es también
actor cultural de primera magnitud y por tanto responsable de cada una de las imágenes de la historia universal. Este protagonismo es lo que
permite a Buckhardt proponer una Historia del Arte como Historia de la Cultura o Historia de la Civilización. La historia habla a través del arte. Es
corresponsable de su desarrollo.

11. 4.- EL MÉTODO FORMALISTA
Este surge en el siglo XIX y supone la más fuerte reacción contra el Positivismo. Su punto teórico de partida es la estética kantiana
en lo que ésta tiene de distinción en dos géneros de belleza: la “belleza libre” y la llamada “belleza adherente” consistente en las puras y simples
relaciones formales de líneas y colores. Dio paso a la teorización del arte abstracto como arte de autonomía formal, ajeno a cualquier referencia
de una realidad natural. El representante más característico del formalismo es Heinrich Wolfflin (1864-1945) quien en su obra “Conceptos
fundamentales de la historia del arte” desarrolla cinco parejas de “categorías formales” o categorías de la visión, que le sirven para explicar los
caracteres y transformaciones del arte del Cinquecento y el Seicento.
La preocupación de Wolfflin no es el estudio de lo que el arte dice (su contenido) sino más bien del modo elegido para decirlo o
como señaló Panofski, la consideración de “los medios de los cuales se sirve el arte para llegar a su función expresiva”.

12. 5.- LA ESCUELA DE VIENA
Alois Riegl (1858-1905) reacciona enérgicamente contra el
determinismo positivista sustituyéndolo por el principio de la
originalidad estilística que llamó “Kunstwollen”: voluntad artística,
querer artístico. Esta voluntad artística sería como una fuerza del
espíritu humano, que determina la afinidad de las formas coetáneas y
todas las manifestaciones culturales de la época.
Este querer artístico es colectivo y tanto desaloja la voluntad
individual del artista creador que se relega a simple intérprete y
ejecutor de esa voluntad artística con los hechos sociales religiosos
hasta demostrar que todos ellos son expresión del mismo espíritu,
basándose en este concepto divide la Historia en tres grandes épocas:
Antigüedad, hasta el siglo III d.C. caracterizada por el politeísmo
antropomórfico; la Edad Media, hasta 1250, señalada por el
monoteísmo cristiano y los tiempos modernos hasta el siglo XIX,
caracterizados por la visión del mundo de las ciencias naturales.

13. 6.- EL MÉTODO ICONOLÓGICO
Este método surge paralelo en el tiempo a las
metodologías formalistas.
HEGEL, en el libro tercero de su estética
titulado “La forma del Arte Simbólico”, considera el
símbolo como el principio del Arte e incluso como Pre-
Arte, circunscribiendo el área de aplicación del símbolo
al arte oriental preclásico.

14. Para E. Cassirer en la “Filosofía de las formas Sibólicas” (1923-1929) una forma simbólica es aquella mediante la cual un
particular contenido espiritual se une a un signo concreto (forma) y se identifica íntimamente con él, ello supone una superación del Formalismo
y el inicio de la Iconología.
En sentido tradicional el término Iconología se usaba en los manuales de símbolos, alegorías y personificaciones como una ciencia
productora de imágenes al servicio de los artistas y no como un instrumento de interpretación o método de investigación histórico- artística.
Bajo el impulso de la Escuela de Viena y del instituto Warburg, adquiere un concepto nuevo y distinto del tradicional. El significado intrínseco o
contenido profundo de la obra de arte y su interpretación será el objeto de la Iconología. Esta realiza una valoración histórica de la obra de arte,
no sólo como hecho estético, sino como hecho histórico, para ello el estudioso de la Iconología ha de entrar en contacto con los documentos
religiosos, filosóficos y literarios.

15. La concreción del método iconológico se debe a E. Panofsky (1882-1968).
En su libro “El significado de las Artes Visuales” (1955) va desarrollando el método iconológico para llegar así al
significado de la obra de arte y los diferentes tipos de significados que se han de analizar en ella.

16. 7.- PSICOANÁLISIS DEL ARTE
La aplicación del método psicoanalítico a la Historia del Arte se debe a
Sigmund Freud (1856-1913). Este publicó a lo largo de su carrera una serie de escritos en
los que trata de aplicar este método al estudio de obras de artistas como Leonardo y
Miguel Ángel.
Para Freud el punto de partida del proceso de gestación de una obra de
arte por parte del artista es su propia vida. Inconscientemente, el artista elegirá el tema y
la forma en que éste será presentado, representará sus figuras según sea la fuerza de sus
propios sueños o fantasías. Fantasía y problemática que se forjan fundamentalmente en
la infancia.
La obra de arte le sirve al artista para organizar y dar sentido a sus
experiencias y encontrar así una compensación o sublimación de sus más profundos
deseos.
Modernamente se han llevado a la práctica propuestas sobre la unión del
Psicoanálisis y la Iconología o el Psicoanálisis y el Marxismo, para la interpretación y
estudio de las obras de arte.

17. 8.- MÉTODO SOCIOLÓGICO
Desde el punto de vista de una historia de las metodologías histórico artísticas, las ideas de Marx y Engels han de entenderse
como un intento de superación de las metodologías formalistas que predominaban en la crítica de arte del siglo XIX.
La aportación del marxismo en relación con las metodologías de la Historia del Arte no es otra cosa que ligar los fenómenos de la
“producción artística” con los acontecimientos económicos y sociales de su momento explicándolos a través de su inserción en las relaciones de
producción concretas de cada momento.

18. 9.- HISTORIA SOCIAL DEL ARTE
Frederick Antal (1887-1954).
El método sociológico aparece ampliamente desarrollado,
poniéndonos el “estilo” de cada una de las imágenes o cuadros estudiados en
relación con una determinada clase o fracción social. El determinismo, que es el
gran peligro del método sociológico, no está ausente en la obra de Antal.

19. Pero será sobre todo Arnold Hauser (1892-1978) quien más lejos y con más inteligencia desarrolle este método. Su “Historia
social de la literatura y el arte” (1951), de tan gran difusión a nivel internacional, muestra el arte como una manifestación inmediata de la
realidad social. No obstante, el autor evolucionará poco a poco y ya en su obra “Teorías del Arte, Tendencias y Métodos de la Crítica
Moderna” (1975) no duda en afirmar que todo arte está condicionado socialmente, pero que no todo se puede definir socialmente, ya que
unas mismas condiciones sociales pueden producir obras valiosas y otras que no lo sean.

20. 10.- SOCIOLOGIA DEL ARTE
Pierre Francastel (1900-1969)
Este será la figura más representativa de la corriente sociológica, su obra fundamental es “Sociología del Arte” (1970). La
principal diferencia con la obra de Hauser y Antal es que considera que no tienen en cuenta la obra en sí misma, en su individualidad, sino que
parten de principios sociales generales para aplicarlas a grupos de obras. Para Francastel cuando se analiza una obra prescindiendo de su valor
visual o asimilándolo al lenguaje discursivo se produce una distorsión que impide su verdadero conocimiento.
Por tanto, la aportación fundamental y diferenciadora de este teórico se centra en lo anteriormente dicho acerca de la existencia
de un lenguaje figurativo distinto del discursivo y en la necesidad de que la Historia del Arte considérelas obras de arte en sí mismas, como punto
de arranque de toda investigación. En los demás conceptos básicos, Francastel coincide con los principales autores: el arte es medio de
propaganda de ideas y dominio social por parte de unos sectores sociales sobre otros.

21. 11.- SEMIÓTICA DEL ARTE
Uno de los puntos de partida para el análisis del arte, especialmente explotado en las
décadas de los sesenta y setenta, es el considerarlo como lenguaje o acto de comunicación. Para esta
opción metodológica la lingüística aparece como ciencia piloto, modelo a partir del cual los signos no
lingüísticos pueden ser estudiados por procedimientos extrapolados de la Lingüística.
Con el fin de caracterizar la nueva disciplina se acuñaron los términos Semiología y
Semiótica (semeion, signo) utilizándose habitualmente este último en el caso del análisis de las artes
visuales. La Semiótica, como teoría moderna de los signos, tiene un doble origen en las áreas de F.
Saussure y Ch. S. Pierce; tras ellos, el desarrollo de la disciplina se multiplicó en diversas direcciones.
“El Curso de Lingüística General” (1916) de Saussure es el trabajo en el que germina la
Semiótica al plantear el lenguaje como el sistema de signos arbitrarios susceptible de ser estudiado de
un modo objetivo y científico, en esta obra plantea dos consideraciones de suma importancia. En
primer lugar, establece que el valor de cada palabra se encuentra en la relación que mantiene con otras
que forman su contexto y ,en segundo lugar, asegura que la palabra no es un simple signo sino que se
constituye de significante (percibido por los sentidos) y significado (aquello a lo que se refiere o
designa). Así pues, desde la Lingüística, la Semiótica aparece como un sistema de signos que expresan
ideas, suscitando un debate que todavía permanece abierto en el análisis del arte desde la perspectiva
semiótica: ¿cualquier signo es expresión de una idea?.

22. La aportación de Peirce, desarrollada entre 1857 y 1914, es algo
más compleja.
En la cuestión del estudio de los signos Pierce añade un tercer
elemento: el interpretante o receptos que relaciona el signo con su objeto y en el
que para su acción es fundamental la determinación de un marco cultural
concreto.

23. Con Saussure y Peirce se vertebra así la teoría moderna de los signos hasta fundamentar la identificación entre Arte y
Lenguaje, un binomio que se revela muy problemático, a pesar de ello, la Semiótica no deja de aportar positivas observaciones para el análisis
del arte.
En época más reciente podemos destacar como representantes más importantes de esta metodología a Charles Morris, Jan
Mukarovky y Umberto Eco.

24. “Arte es el modo más perfecto de expresión que
ha logrado la humanidad“
Herbert Read
“No hay arte sin hombre ni hombre sin arte"
Reuneix Huyghe

25. “El Arte enseña a mirar: a mirar el arte y a
mirar con ojos más atentos el mundo. En los
cuadros, en las esculturas, igual que en los
libros, uno busca lo que está en ellos y
también lo que está más allá, una iluminación
acerca de sí mismo, una forma verdadera y
pura de conocimiento. "
ANTONIO MUÑOZ MOLINA: “Ventanas de Manhattan".

26. “...el arte es inútil, al menos comparado con,
digamos, el trabajo de un fontanero, un médico
o un maquinista. Pero ¿qué tiene de malo la
inutilidad? Yo sostengo que el valor del arte es lo
que nos distingue de las demás criaturas que
pueblan este planeta; y lo que nos define, en lo
esencial, como seres humanos. Hacer algo por
puro placer, por la gracia de hacerlo”
Discurso del escritor PAUL AUSTER en la entrega de los Premios Príncipe de Asturias 2006.
(Oviedo, 20/X/2006)