Revista-compendio editorial

1. ACLER
P R I M A V E R A 2 0 2 1 | E D I C I Ó N N Ú M . 1 | $ 1 0 0
A D E M Á S , D I O R E X P L O R A L O S A R C H I V O S D E L O S A Ñ O S S E S E N T A P A R A
R E I N T E R P R E T A R L A V I S I Ó N D E M A R C B O H A N
La nueva colaboración entre Anthony Vaccarello
y Memphis Group

2. La nueva colaboración entre
Anthony Vaccarello y Memphis
Group
Dior explora los archivos
de los años sesenta para
reinterpretar la visión de
Marc Bohan
Gucci Garden Archetypes, la
celebración de un centenario
irrepetible
Cien años del perfume que
cambió el mundo: Chanel Nº5
Simone de Beauvoir,
feminista y referente
(también de estilo)
5 datos curiosos acerca de Louis
Vuitton.
YVES SAINT LAURENT.
Crea una marca personal.
1
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3-4
5
6
7-8
9-10
11-12
ÍNDICE

3. La nueva colaboración entre
Anthony Vaccarello y Memphis
Group
Anthony Vaccarello devela su pasión por
elementos relacionados con el arte por medio de
la nueva colaboración de Saint Laurent Rive
Droite con la firma italiana de diseño y
arquitectura Memphis, quienes en este 2021
celebran su 40 aniversario. Las creaciones
atemporales se han convertido en objeto de
inspiración para Vaccarello, es por ello que creó
una colección cápsula de edición limitada
combinando el estilo geométrico y postmoderno
de Memphis con la estética de la moda urbana de
lujo de Saint Laurent.
Para la ambientación del espacio, se expondrán
piezas que forman parte del éxito de Memphis y
sus diseñadores, como la cama RING diseñada
por Masanori Umeda, el separador de ambientes
CARLTON de Ettore. Sillas Sottsass y
RIVIERAdiseñadas por Michele De Lucchi en
1981.
Ettore Sottsass lanzó el Grupo Memphis con el
objetivo de reclutar a distintos diseñadores con la
visión de transformar el panorama del diseño de
muebles que,en ese momento, había sido
dominado por el trabajo modernista. La firma
cerró seis años después dejando una huella tanto
en el diseño del hogar como en el mundo del
arte. John Galliano buscó inspiración en el
portafolio de Memphis para la colección de Alta
Costura otoño / invierno 2011 de Christian Dior,
así como Karl Lagerfeld, quien era conocido por
ser un fiel coleccionista de dichas piezas.
La exposición se llevará a cabo del 19 de mayo al
23 de junio en las dos tiendas Saint Laurent Rive
Droite de París y Los Ángeles, junto con una
impecable selección de piezas de para el hogar,
objetos de cerámica y complementos textiles
como ceniceros, jarrones, platos, vasos,
decoraciones y textiles accesorios, incluidos
bolsos y bufandas. También estará disponible en
tiendas una selección curada de libros sobre
Memphis y su papel en la historia del arte.
Vía L'Officiel Mexico.
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4. Dior explora los archivos de los
años sesenta para reinterpretar
la visión de Marc Bohan
La colección Resort 2022 para hombre expone los códigos de la Maison a través
de un lente que enfoca al pasado para visualizar el futuro.
Inspirado en un aire nostálgico, Kim Jones
conjuga el estilo deportivo contemporáneo con
las líneas de sastrería representativas de Dior. A
partir de estampados y una paleta de color
característica de los finales de los “Swinging
Sixties”, la colección crea un dinámico diálogo
que se traduce en un “coolness” clásico, vigente
en la contemporaneidad.
A casi tres años de haber hecho su debut en Dior
Men, Kim Jones integra los sneakers
aerodinámicos B30 al panorama sporty resort de
la marca. Mientras que los nuevos B30
pronuncian visiblemente las letras CD inclinadas
con una nueva presentación, también
encontramos en camisas y chaquetas el logo
bordado en una silueta de corazón; tal como lo
presentaba Marc Bohan cuando diseñaba para
Dior, lo cual hizo durante casi treinta años.
Cada Lingot Bag cuenta con una apertura
especial para los AirTags de Apple, lo cual hace
que el bolso sea rastreable a través de la
aplicación Find My iPhone.
Los nuevos “Essentials” surgen junto a otros
elementos clave como elicónico estampado
“oblique”, bordado con técnica kumo. Es así
como Dior usa su “expertise” para rendir tributo
a Bohan mientras hace un homenaje al hombre
actual y su estilo multifacético que enlaza lo
idílico de lo clásico con lo dinámico y un tanto
“effortless” de lo deportivo.
Asimismo, la colección resort nos trae el nuevo
bolso Dior Lingot en diferentes tamaños y
colores, con una visión particular en la
practicidad. «Las piezas equipaje son realmente
clave esta temporada. Representan el “savoir
faire” de una manera nueva para nosotros: no
como una tela o bordado en particular, sino
como un estudio real de la construcción y la
función», dijo Jones.
En este caso, la transformación de los códigos del
pasado en la actualidad no solo se ven reflejados
en el diseño, sino también en la tecnología
integrada en los accesorios. Vía L'Officiel Mexico.
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5. Gucci Garden Archetypes, la
celebración de un centenario
irrepetible Arquetipo y narración.
Un arquetipo es la forma original a partir de la
cual se hacen todas las copias, nunca se puede
recrear en sí mismo. Cada campaña habla de un
momento único e irrepetible que expresa el
espíritu de cada colección, al tiempo que refleja
la filosofía inclusiva, liberada y audaz del director
creativo, Alessandro Michele, de acuerdo con un
comunicado de la marca. Es esto lo que lo hace
tan precioso y auténtico.
«Me pareció interesante acompañar a la gente en
estos primeros seis años de aventura,
invitándolos a cruzar lo imaginario, la narrativa,
lo inesperado, el brillo. Entonces, creé un área de
emociones que son las mismas que en las
campañas, porque son el viaje más explícito a
mis imágenes», dice Alessandro Michele.
En Gucci Garden Archetypes, la narrativa juega
un papel esencial, pues en esta se apoya y realza
la singularidad de su estética. Es gracias a la
tecnología que se crea una secuencia de mundos
distintos e inmersivos diseñados por Archivio
Personale, el estudio de diseño que ha
transformado la visión de Alessandro Michele en
espacios auténticos y reales.
Escuchamos la palabra centenario, sea cual sea
la ocasión, e imaginamos, casi en una evocación,
la historia que debe de existir detrás de esas diez
letras. Los acontecimientos que llevaron a ciertos
eventos en la historia, las personas involucradas
que lo hicieron posible. Es imposible ver más allá
de lo que fue y no volverá a ocurrir, de un
momento perdido en el tiempo. La celebración de
los cien años de la fundación Gucci no es la
excepción. Para nuestra suerte, el aniversario
atraviesa los límites de nuestro imaginario y se
manifiesta de forma tangible en una experiencia
multimedia inmersiva: una exposición que
celebra la visión creativa de la marca y que nos
hace sentir partícipes del motivo.
En los cien años de la fundación de Gucci, llega a
Florencia Gucci Garden Archetypes, una
celebración que profundiza en las múltiples
inspiraciones que resuenan a través de las
campañas de la marca; las musas van desde la
música, el arte, los viajes y la cultura pop hasta
esferas más extravagantes e inusuales.
Partiendo de distintos sitios del mundo, como
Tokyo y Los Angeles, con campañas que van
desde Northern Soul hasta May 68, la exposición
presenta a constructores de arcas míticos,
exploradores intergalácticos, caballos, bailarines,
ángeles y extraterrestres en una exploración
expansiva de la visión caleidoscópica de
Alessandro Michele.
Cruise 2016.
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6. Una exposición, 15 campañas, un macrouniverso
Extravagante e incendiaria, la exposición, que se
forma de 15 campañas de Gucci, guía a sus
visitantes a través de lo que parece ser un centro
de operaciones detrás de cámaras, además de
obsequiar un glimpse en una pantalla dividida de
la muestra a la que están a punto de ingresar.
Cada campaña es especial y cuenta con una
personalidad irremplazable, como la campaña de
lipstick de Gucci Beauty, misma que es atrevida,
brillante y hermosa (¿cómo olvidar la icónica
sonrisa de la cantante punk Dani Miller?); o el
paraíso floral perfumado de Gucci Bloom, un
espacio idílico y oculto que se convierte en un
lugar de libertad en el que las estrellas como
Dakota Johnson, Hari Nef y Petra Collins brillan
con luz propia y marcan un estilo de feminidad e
inclusividad.
Y así, nos encontramos de frente a una gama de
escenarios que cuentan con una narrativa detrás.
Campañas obsesivas y de dimensiones titánicas,
laberintos de espejos, pelucas, colores, miles de
lentejuelas brillantes vistiendo las paredes en
una fiesta de reinvención; castings
revolucionarios, como la propuesta de Pre-Otoño
2017, bellezas que crean un 'homenaje a la
elegancia de la cultura negra' y exigen una mejor
representación de la comunidad dentro de la
industria de la moda; un 'May 68' que recoge el
romanticismo de una época decisiva y festeja su
50 aniversario con una escalera con grafiti que
conecta los dos pisos del espacio. Gucci Garden
Archetypes es esto y más: es un viaje al pasado
con reminiscencias del futuro, por más
paradójico que esto pueda sonar.
El catálogo de Gucci Garden Archetypes puede
considerarse un inventario de la creatividad de
Alessandro complementado con textos originales
de personalidades de la escena cultural, por
mencionar algunos: Achille Bonito Oliva,
Emanuele Coccia y Anna Franceschini.
Primavera/Verano 2020.
Otoño/Invierno 2016.
Vía L'Officiel Mexico.
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7. Cien años del perfume que
cambió el mundo: Chanel Nº5
El perfume más famoso de todos los tiempos está
resguardado por un frasco minimalista que le
deja todo el protagonismo al líquido ambarino
que aguarda en su interior. Su líneas fueron
concebidas para el movimiento, y su tapón con el
logotipo de la doble C entrelazada surgió como
una revelación de radical sencillez.
En 1921, la botella estaba hecha de vidrio fino,
tres años después fue rediseñada con bordes
biselados para reforzar sus ángulos. Sin
embargo, fue hasta 1970, año en que se formalizó
la tipografía de Chanel, que la etiqueta y el
logotipo que conocemos hoy en día surgió. Su
estatus de ícono fue reafirmado por el
estadounidense Andy Warhol en la década de los
ochenta, cuando el multifacético artista le dedicó
una serie de de nueve serigrafías a la fragancia.
Más de treinta años después, en 2012, Packaging
Creation Studio retocó la etiqueta y actualizó su
diseño para ajustarlo a un tamaño más pequeño
que se mantiene hasta la actualidad.
Después de Ernest Beaux, los tres perfumistas
que le siguieron: Henri Robert, Jacques Polge y
ahora Olivier Polge heredaron un misma misión:
proteger el legado de la icónica fragancia de la
casa. Cada uno de ellos, a excepción de Henri
Robert, reinterpretó numerosas facetas del N° 5.
Actualmente existen cinco interpretaciones
distintas, incluido el Parfum original. «Preservar
el N° 5 requiere mi atención constante», atestigua
Olivier Polge, Perfumista-Creador interno desde
2015. Su labor consiste en hacer que la
producción de N° 5 siga siendo impecable cada
año, por lo que supervisa el abastecimiento de las
materias primas y su calendario gira en torno a
la cosecha de ingredientes.
Llevar aromas envolventes como un sello
personal es, hasta el día de hoy, el complemento
de cualquier rutina de belleza. Gabrielle Chanel
sabía esto mejor que nadie. Motivo por el cual en
1921 (hace exactamente cien años) se dio a la
tarea de diseñar una fragancia —firmada bajo su
nombre— capaz de liberar a la mujer de las
limitaciones de los perfumes de la época
compuestos por una sola flor como el lirio de los
valles, la violeta o el jazmín. Gabrielle Chanel, en
su lugar, se inclinó por una estela de esencias
abstractas como fiel reflejo de su personalidad.
Junto al legendario perfumista Ernest Beaux, la
diseñadora le dio vida a una composición
vanguardista con una particular combinación de
ingredientes naturales con moléculas sintéticas
llamadas aldehídos (algo muy novedoso en su
momento), para exaltar de manera sublime las
notas de la fragancia: rosa de mayo, jazmín y un
sutil toque de vainilla que deja a su paso una
estela sensual. Fue así como N° 5 se convirtió en
una fragancia de carácter único que cambiaría
para siempre la historia de la perfumería. La
revolución había comenzado.
Vía pinterest.
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8. Simone de
Beauvoir,
feminista y
referente (también
de estilo)
«De Beauvoir estaba marcadamente
despreocupada por su apariencia física y le
dedicó poco tiempo», escribió en 2006 Hazel
Rowley en el libro Tête à Tête: Simone de
Beauvoir and Jean-Paul Sartre. «Era una mujer
fuerte, atlética. Solía vagar por las colinas que
rodean Marsella llevando alpargatas y ropa vieja
y andrajosa». Recalcando que las preocupaciones
de la filósofa eran de tipo existencial, pero pocas
veces alguien con tan poco interés por su
vestimenta logró sentar semejante cátedra en
cuestión de estilo.
Su forma de desenvolverse frente el armario
estuvo marcada por tres factores: la lucha por
convertirse en la persona que quería ser, por no
caer en el error de verse a través de los ojos de
otras personas y por su carácter francés. En El
Segundo Sexo (1949) confesó lo difícil que era no
convertirse en mujer objeto (todavía lo es), y su
argumento fue puesto en cuestión cuando el
semanario francés Le Nouvel Observateur
publicó en su portada una fotografía de la
escritora desnuda. Nueve años después, aunque
seguimos viviendo una especie de tira y afloja
con la idea de que exponer el cuerpo no es
incompatible con el feminismo, encontrarnos esa
imagen en el quiosco no nos resultaría tan
chocante.
Optar por no preocuparse es sin duda una
elección premeditada, como lo fueron sus
chaquetas con estampados tribales, sus trajes de
dos piezas con marcadas hombreras, los abrigos
en clave oversize (fruto del descuido, sin duda) o
el uso del punto y la bisutería como si se tratara
de una declaración de intenciones. De los
turbantes hizo su seña de identidad y tras ellos se
escondía una evidente economización de tiempo.
En la Francia de la posguerra, cuando las
mujeres pudieron volver a fijar una cita semanal
para esos menesteres, De Beauvoir prefirió
continuar recurriendo a ese accesorio para
evitarlo. Con todo, pareció querer demostrar algo
que décadas más tarde hemos logrado
comprender: que feminista y femenino no tienen
por qué estar relacionados.
Solo con el tiempo se ha logrado que sus
fotografías formen parte del moodboard de los
diseñadores y que réplicas de todo lo que llevó
cuelguen en las mejores tiendas vintage de todo
el mundo. El look de Simone De Beauvoir es
todavía el de alguien con mucha personalidad, y
la suya ha acabado siendo influyente hasta en el
sentido más superficial. Para muestra, un botón:
esta temporada la diseñadora colombiana
Johanna Ortiz comercializa un vestido que lleva
su nombre por más de dos mil euros. Con ese
precio de partida probablemente sea más
sencillo vestir el intelecto con su bibliografía.
Vía pinterest.
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9. 1. Todo inició con un baúl
Louis Vuitton a diferencia de otros diseñadores
famosos que han iniciado su fama con la
creación de alguna prenda de ropa o cambios
específicos en la silueta como lo hizo Christian
Dior o Cristóbal Balenciaga, él ganó fama tras la
creación de un accesorio que cambió la forma de
viajar de muchos en el siglo XIX: el baúl.
En aquella época viajar era todo un reto,
considerando que los principales medios de
transporte eran los caballos, barcos y trenes, al
ser así las maletas sufrían grandes desgastes, y
transportar los inmensos vestidos con
miriñaques que además eran muy pesados, lo
volvía algo caótico. Así que la única forma de
guardar y proteger bien los objetos personales
era a través de un baúl.
Claro que cuando hablamos de baúl,
inmediatamente pensamos en el típico cofre del
tesoro, y precisamente es aquí donde el ingenio
de Vuitton marcó la diferencia, pues en lugar de
seguir con la idea de ese típico baúl, le dio un
giro eliminando esa curvatura, haciéndolo más
fácil de poderse embonar en la carga de los
barcos transatlánticos o en los portaequipajes de
los trenes.
Esta creación tuvo un impacto muy grande en la
historia de los viajes, convirtiendo a Louis
Vuitton en el más gran maestro artesano creador
de baúles.
2. 13 años y un viaje a París
Con sólo 13 años decidió dejar su hogar en
Anchay, Francia y caminar alrededor de 470 kms
para llegar a París. Dicen que este trayecto le
tomó unos 2 años. Desde luego no fue fácil, pues
en su camino llegó a tomar trabajos ocasionales
para sobrevivir a su viaje. Al llegar a la ciudad de
la luz, Vuitton empezó a trabajar como aprendiz
del Sr. Maréchal.
Fue aquí donde empezó a notar esa necesidad
entre los clientes, creando así baúles adaptados a
sus necesidad y gustos. A los 17 años, decidió
abrir su propio taller cerca de la plaza Vendôme.
3. Artesano preferido por la esposa de Napoleón
III: la emperatriz Eugenia de Montijo de Francia
En la Europa de mediados del siglo XIX, ser un
artesano en la fabricación de baúles y embalaje
era una tarea bastante respetada. El
nombramiento en 1853 de Vuitton por la esposa
de Napoleón III Bonaparte, como su artesano
exclusivo para crear sus baúles, y transportar su
guardarropa, elevó aún más su perfil entre la
élite.
5 datos curiosos
acerca de Louis
Vuitton.
Louis Vuitton oficial.
7

10. 5. Auténtico cofre del tesoro
En 1886 el único hijo de Louis, Georges Vuitton
revolucionó aún más los baúles con la creación
de un sistema de cierre. Aquí habían vuelto a
atender una necesidad de los clientes, que en
ese momento era el robo de objetos personales
de muchos de los viajeros.
Este sistema cuenta con dos hebillas de resorte,
los cuales fueron patentados por Georges y dada
su gran eficacia, retó una vez al ilusionista
Harry Houdini a intentar escapar del baúl con la
cerradura Louis Vuitton. A pesar de que Houdini
no haya aceptado el reto, hoy la cerradura
llamada Tumbler es tan eficaz, que aún sigue
vigente.
Vía Alex Jim Blog.
4. Éxito en su taller en Asnières
Luego de haberse planteado independizarse y
crear su propio taller, el éxito inmediato lo
obligó a expandirlo en 1859. Su nuevo taller
estaba ubicado en Asnières, justo al noroeste de
París. Esta vez, ya contaba con 20 empleados. En
1900 ya trabajaban casi 100 personas y en 1914
ya eran 225.
Con el paso del tiempo, el taller logró
expandirse aún más. Hoy es el centro de
fabricación artesanal de sus productos, además
de que ahí mismo se encuentra la residencia de
la familia Vuitton y se ha integrado un museo
privado.
De acuerdo con el sitio web oficial de la marca,
en este taller trabajan 170 artesanos y llevan a
cabo creaciones de artículos de marroquinería,
atendiendo a clientes especiales de todo el
mundo.
Vía pinterest.
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11. Yves Saint Laurent fue un diseñador de modas y
empresario francés, quien fundó su propia
maison epónima a principios de los años
sesenta. Junto a Christian Dior y Coco Chanel,
Saint Laurent es considerado como uno de los
diseñadores que convirtieron a París en el
centro global de la alta costura, así como una
figura clave dentro de la revolución que
conllevó la silueta femenina a finales del siglo
XX.
Yves Henri Saint-Laurent nació en Orán,
Argelia, el 1 de agosto de 1936, cuando el país
africano aún formaba parte de Francia. Su
familia era una de las más acaudaladas de la
región y su madre era una conocida socialité
con un sentido de la moda refinado. De acuerdo
al diseñador, ella pasaba casi todo su tiempo
vistiéndose, y fue quien le inculcó su amor por
los vestidos y textiles.
En sus años de infancia Saint Laurent fue un
niño tímido sin muchos amigos, lo que más
tarde le llevaría a tomar refugio en el diseño,
bocetando espectaculares creaciones. En 1953,
poco después de su cumpleaños número 17,
capturaría la atención de críticos alrededor del
mundo gracias a un vestido de cóctel diseñado
por él que fue seleccionado por la Secretaría
Internacional de la Lana como ganador de su
último concurso.
Durante su primera visita en París, el artista
conoció al entonces director de Vogue París,
Michel de Brunhoff. El editor le aconsejó a
Yves Saint Laurent procurar una carrera en el
mundo de la moda, incluso alentándolo a
mudarse a Francia para estudiar en el École
de la Chambre syndicale. Tras mudarse a la
capital francesa en 1954, Saint Laurent envió a
Brunhoff algunas de sus últimas ilustraciones
de moda. Al ver el gran parecido entre sus
bocetos y los de Christian Dior, el director
deVogueorganizó una reunión entre ambos
que resultaría en la contratación del entonces
aprendiz como asistente de Dior.
Yves Saint Laurent fungió como asistente de
Dior de 1954 a 1957, cuando un ataque al
corazón pondría un fin repentino a la vida de
su maestro. Antes de su muerte, el monsieur
Dior se había presentado formalmente con la
madre de Yves, declarando que había decidido
nombrar a su hijo como sucesor de su firma.
Con tal solo 21 años, Saint Laurent asumió
dicho cargo más pronto de lo que hubiera
pensado. Durante sus primeras colecciones
presentó la ‘línea trapecio’, la cual se volvería
un éxito durante los años sesenta al liberar a
las mujeres de las cinturas entalladas, sin
comprometer su sentido de distinción clásica.
YVES
SAINT
LAURENT
.
Vía pinterest.
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12. En 1960, Yves Saint Laurent se vio obligado a
poner pausa a sus diseños después de ser
reclutado por el Servicio Militar para servir en la
Guerra de Independencia de Argelia. Tras una
serie de crisis nerviosas que marcarían el
comienzo del abuso de medicamentos y licor,
regresaría a casa después de dos meses. Para ese
entonces Marc Bohan, el antiguo asistente de Dior,
había tomado la posición de diseñador en jefe de
lamaison,obligando a Yves a partir y crear su
propia casa de modas.
Junto a su pareja sentimental y compañero de
negocios, Pierre Bergé, Yves Saint Laurent fundó su
firma epónima en 1961. Las primeras colecciones
de Saint Laurent dentro de su nueva marca no
tardaron en causar furor, sus diseños arriesgados,
provocadores e incluso excéntricos para la estética
de aquel entonces dieron la vuelta al mundo,
marcando la estética fluida y experimental de los
años sesenta. En 1966, su marca cambiaría al
mundo de la moda por siempre al introducir su
línea Rive Gauche, compuesta por colecciones de
lujo prêt-à-porter más accesibles que fascinaron a
las masas.
En 1999, la marca de Yves Saint Laurent fue
adquirida por elgrupo Gucci. Tres años después
Yves Saint Laurent presentó la última colección
para su marca en el Museo Pompidou de París.
Vía Alex Jim Blog.
Vía pinterest.
Vía pinterest.
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13. El concepto de marca personal es un concepto
que surge en la literatura empresarial
estadounidense a finales de los 90s.
Consiste en considerarse a uno mismo como
una marca con el ánimo de diferenciarse de los
demás para conseguir mayor éxito en nuestras
relaciones laborales y personales.
Son dos fases a seguir para articular nuestra
marca personal:
1.Concretarla
2.Transmitirla
Para la concreción de nuestra marca personal,
debemos buscar características que nos
diferencian de los demás.
Al momento de transmitir, debemos dejar claro
quien es nuestro publico objetivo para
transmitirles contenido de su interés.
Expertos del área como Andrés Pérez Ortega,
explican que «desarrollar una marca personal
consiste en identificar y comunicar las
características que nos hacen sobresalir, ser
relevantes, diferentes y visibles en un entorno
homogéneo, competitivo y cambiante«. Teniendo
este planteamiento en cuenta, ¿por dónde
empiezo? ¿Qué tengo que hacer para trabajar
mi marca personal?
1. Conócete a ti mismo y posiciona tu marca
Haz un ejercicio de conocimiento personal
para decidir cómo vas a querer plantear tu
marca personal. Parece una parte fácil pero
realmente considero que es la parte más
importante y a la vez más compleja del
proceso. Es fundamental tener claro cómo
somos y en qué somos buenos (y a la vez en
qué somos menos buenos) y así decidirqué
quiero poner en valor y a qué quiero que
asocien mi marca personal.
2. Objetivos definidos
Sin unos objetivos definidos no hay estrategia
posible que podamos desarrollar. Tras haber
reflexionado sobre cómo queremos que sea
nuestra marca, es el momento de decidir qué
queremos hacer con ella y qué queremos
conseguir. Y como ya hemos hablado en varias
ocasiones, esos objetivos que nos marquemos
deben fijarse y asegurar su puesta en marcha
siempre teniendo en cuenta el acrónimo
SMART: Specific (específico), Measurable
(medible), Attainable (alcanzable), Relevant
(relevante) y Timely (programado).
Crea una
marca
personal.
Vía pinterest.
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14. 3. Definir nuestro público objetivo
Llegados a este punto, ya sabemos cómo
queremos que sea nuestra marca, qué puntos
fuertes queremos destacar, qué elementos
diferenciales tiene y qué objetivos nos
marcamos. Ahora, para cumplirlos, es
necesario definir muy buen nuestro buyer
persona y centrar nuestros esfuerzos en dirigir
nuestra estrategia a llegar a esa audiencia que
es la que nos interesa.
4. Estrategia: dónde se va a trabajar y de qué
manera
Con los puntos anteriores trabajados, y
siempre en esa misma línea, debemos
desarrollar un plan de acción para conseguir
visibilidad. Para ello, es necesario decidir
dónde se va a trabajar nuestra marca personal
y en qué formatos. Todo esto debe tener una
coherencia: tan importante es que la definición
de base esté bien planteada como que la
estrategia y plan de acción posterior se lleven a
cabo en la misma línea.
5. Honestidad, pasión y constancia
Y añadimos tres ingredientes que deben
permanecer siempre de principio a fin:
honestidad, pasión y constancia. Para trabajar y
mantener esa imagen de marca personal que
queremos trasladar, es importante que se
plantee con honestidad, que se alimente con
mucha pasión y que se mantenga con
constancia para que no sea un trabajo puntual
sino que se fundamenta y persista en el tiempo
consiguiendo así relevancia suficiente.
Vía Alex Jim Blog
Vía pinterest.
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15. Libelule
el estilo que quieres tener.