Catalogo_CincoVecesDos_DipHuelva_ARCO2019_.pdf

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Discurso artístico
Javier Map
María JL Hierro
Antonio Morano
Fabiola Moreno
Pablo Merchante
Fuentesal & Arenillas
Martín Lagares
Chata Terrades
Antonio Suárez
Francisca Alfonso
Pág. 4
Pág. 8
Pág. 18
Pág. 30
Pág. 40
Pág. 52
Pág. 64
Pág. 76
Pág. 88
Pág. 100
Pág. 110

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Etimológicamente, diálogo se compone de día -que significa dos- y
logos -que significa palabra-. Es la palabra que se intercambia
con dos o más personas. Sin embargo, de acuerdo con Zygmunt Bau-
man, el diálogo real no es hablar con gente que piensa lo mismo.
Desde esa afirmación, queremos utilizar el arte contemporáneo
para cuestionar y reformular aspectos relevantes en la sociedad
actual. Distribuidos por parejas, invitamos a lo artistas a que
con sus trabajos reflexionen sobre la libertad, el espacio urba-
no, el paisaje, el impulso creativo y la problemática del len-
guaje. En el juego de la práctica artística, como en aritmética,
hay demostraciones de contradicciones obvias. El error puede ser
sutil y, por supuesto, intencionado. (Así 5 por 2 no serán 10, y
5 se convertirá en múltiplo de 3). Esta falacia no ha de conside-
rarse como una mera curiosidad, sino que nos ayuda a fortalecer
la idea de resignificación que buscamos.
En cuanto a instalación, Javier Map y María Hierro trabajan el
paisaje. A partir del incendio del paraje natural de Doñana, su
obra hace hincapié en la restauración del equilibrio de nuestro
ecosistema. Javier Map presenta piezas con materiales hallados
antes y después de la devastación y María utiliza las catas geo-
técnicas como metáforas del tiempo.
En fotografía, Antonio Morano y Fabiola Moreno nos hablan del
espacio habitado. Con sus propuestas vemos el espacio urbano y
arquitectónico transformado digitalmente. La experiencia que nos
circunda es ahora fuertemente colorista y geométrica. Una for-
ma de sentir la urbanización alterada por el punto de fuga y la
superposición de estilos que profundiza en la idea de que la ar-
quitectura no existe si no está vinculada a la escala humana.
Fuentesal&Arenillas y Pablo Merchante son los elegidos para el
apartado de pintura. Fuentesal&Arenillas parten del dibujo y lo
trasladan a distintas materialidades, intentando resolver la

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convergencia de encuentros que complementan los opuestos. La pin-
tura de Pablo realiza esfuerzos para intentar explicar cosas que
no existen y que solo la intuición le lleva a materializar. Jue-
gos de azar que se combinan con el vacío o la presencia frente a
la ausencia.
En escultura, Martín Lagares y Chata Terrades ahondan en la idea
de libertad y trayecto vital. Terrades lo hace con tres piezas
exentas que representan a la mujer en el ámbito doméstico. Una
escultura de reminiscencias primitivas con formas básicas para
recrear al género femenino de forma universal. Martín conduce la
escultura hacia el camino que supone alcanzar una existencia cons-
ciente y plena. El mosaico de piezas pequeñas se desplaza por la
superficie para destruir limites en las pretensiones individuales.
Por último, los ilustradores abren la conversación desde el im-
pulso previo a la creación. El dibujo espontáneo que resulta de
recoger apuntes rápidos precisando solo la idea inicial para que
la reflexión llegue a posteriori. Trabajo de campo en el que pro-
fundizar y, muchas más veces, rechazar.
Francisca Alfonso ilustrará un antiguo rollo de gramola con dibujo
e hilo rojo. Una sola pieza que irá colocada en la parte supe-
rior del stand y que acabará tocando el suelo. Los cuadernos de
Antonio Suárez están repletos de notas distraídas que colorea por
encima del lápiz. La revisión de estos papeles conformarán una
nueva pieza que muestra la emoción del instante presente.
El color azul, concretamente el Pantone 18-4042, y el juego de
aritmética nos darán el soporte para presentar una propuesta
abierta a los visitantes de la feria que deseen conocer la cultu-
ra de la provincia. El cromatismo será un factor atractivo y sim-
bólico. Louise Bourgeois lo describe como el color que nos aleja
de la monotonía diaria y nos transporta a un mundo de libertad
donde podemos expresar lo que nos gusta y lo que no. Una especial
atención al degradado nos permitirá dividir el espacio expositivo
y la obra de los artistas utilizando tres tonos.
Elena Caranca, comisaria

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Javier Map es un artista nacido en Murcia y andaluz de “adop-
ción”, por haber vivido más de una década entre Granada, Málaga y
Huelva, donde actualmente reside. Su infancia transcurrió entre
Etiopía y Nigeria, países que fueron destino de sus padres, fun-
cionarios de Exteriores. A día de hoy, y como dato curioso, no ha
vivido más de seis años seguidos en ninguna parte, ni más de sie-
te en total en ningún lugar.
Ha participado en diferentes proyectos expositivos, becas y
premios. Podríamos destacar los siguientes: Madre, Casa Sos-
toa, 2018; ArtJaén, 2018; Creamurcia Artes Visuales, LAB, 2017
(Accésit); Después no, Santaella Contemporánea, 2017; Soy idiota
de Colectivo Paseantes, La 13, Huelva, 2017; Under 35 en Gacma,
Málaga, ediciones 2016 y 2017; Atlantica Visual Art VII, Islantilla,
2016; A la deriva, 2016, proyecto conjunto con Cyro García, comi-
sariado por Pedro Alarcón, Casa Sostoa, Málaga; Home-Transit-Ho-
me, stand Galería JM en la feria Art & Breakfast 2016, Málaga;
Fin, 2016, con Cristina Ramírez, comisariado por Pedro Alarcón
en Columna JM, Málaga; Beca de Producción Cienfuegos 2016, Mála-
ga; Nemo Art Festival 2015, Priego de Córdoba; Málaga Crea 2011;
Metamorphose, 2009, Islington Art, Londres; Within Limits, 2009,
Kingsgate Gallery, Londres; Over Easy, 2009, Lauderdale House
Gallery, Londres; Premios Alonso Cano, Granada, ediciones 2007,
2005 y 2003; Murcia Joven 2007; Silencio Líquido, proyecto para
EXPLUM Individual en 2006; selección en EXPLUM en 2005.
Es Licenciado en Bellas Artes por Granada, Posgraduado por la
prestigiosa Saint Martins de Londres y ha participado en diversos
talleres de creación, destacando el proyecto, todavía en desarrollo,
Gossan, misión a Marte, de la mano del fotógrafo Joan Fontcuberta
y el comisario y crítico de arte Sema D’Acosta.

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Durante el verano de 2017 se produjo un incendio que afectó un
área de más de 10.000 hectáreas al sur de la provincia de Huelva,
6.761 ha. pertenecientes al Parque Natural de Doñana. La pieza
forma parte de la Serie de la Ceniza, que parte de esta catástro-
fe concreta, para desencadenar reflexiones de carácter más uni-
versal, acerca de la incidencia del ser humano en la naturaleza.
Perímetro es una instalación compuesta por un dibujo y un vídeo.
El vídeo muestra un cursor que se desplaza de forma aparentemen-
te aleatoria sobre un fondo blanco. En un pequeño recuadro, en la
esquina inferior izquierda, pueden verse unas coordenadas numéri-
cas en evolución constante, que varían según se mueve el cursor
por la pantalla.
El vídeo es la documentación de una acción llevada a cabo a tra-
vés de un ordenador conectado a internet. En la web de la Junta
de Andalucía, dentro de la página de la Consejería de Medio Am-
biente y Ordenación del Territorio, se ofrece información téc-
nica y de difusión general sobre el que se conoce como incendio
de Las Peñuelas. Entre el material publicado se encuentra un vi-
sor en el que se pueden consultar diferentes datos sobre un mapa
del área del incendio. Cuando desplazas el cursor sobre dicho
mapa, las coordenadas mostradas, se modifican a tiempo real. La
acción consiste en la ejecución del trazo del perímetro del in-
cendio mediante el cursor. Dicha acción fue llevada a cabo el 22
de noviembre de 2018, y se grabó con una captura de vídeo. En la
edición posterior, se genera una capa que enmascara con una su-
perficie blanca toda la captura, dejando visible únicamente las
coordenadas. El cursor que vemos, es una recreación del cursor
de la captura original, puesto en la capa superior de la línea
de tiempo. De esta forma, la acción cobra nuevos significados al
abrirse a los infinitos contextos de un fondo blanco.
El dibujo que completa la instalación es una representación del
área del incendio desde una vista aérea. La obra está realizada
con ceniza recogida directamente del paisaje calcinado, que tras
ser convertida en polvo tamizado, se aplica sobre el papel en
seco.

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Perímetro
Instalación: animación digital, 4’18’’ / Ceniza sobre papel Super Alfa 56 x 76 cm
2019

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Después no
Lápiz y lápiz al oleo sobre papel
68 x 98 cm
2016

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S/t (serie “Eras de un mundo inventado”)
Tinta y grafito sobre Canson
21 x 29,7 cm
2018

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Pintura de ceniza 1 [...como esperando a que sucediera algo], serie de la ceniza
Ceniza del incendio de Doñana y aceite de linaza sobre lienzo
80 x 100 cm
2018

15
Señuelo IV
Madera, cuchillos y plástico
13 x 58 x 58 cm
2015

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Un árbol, Serie de la ceniza
Texto sobre un árbol quemado y caído, realizado con su propia ceniza.
Intervención de land art en la zona del incendio del Parque Natural de
Doñana de 2017.
2018
Una rama, un árbol, un bosque [...como esperando a que sucediera algo],
serie de la ceniza
Rama de árbol calcinado del incendio de Doñana. Texto escrito con su
propia ceniza.
2018

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María JL Hierro, 1985. Ingeniera y artista multidisciplinar.
Intuitiva, actualmente trabaja con la palabra escrita y la tipo-
grafía como elementos plásticos dotados de identidad y vida pro-
pia más allá de su significado semántico. Interesada más en las
buenas ideas que en las técnicas, sabe interpretar realidades y
sueños con un código visual minimal que puede ser interpretado como
un cruce entre arte rupestre y caligrama vanguardista. Su obra
dialoga con la poesía y con el deseo de sintetizar la realidad,
dotada de una energía inagotable y afán continuo de experimentar,
nos sumerge en un multiverso evolutivo dónde todo es cuestionable.
Su obra ha sido expuesta en diversas muestras individuales y co-
lectivas en España, Alemania y Marruecos. Forma parte del equi-
po de ilustradores de Rip Shop, del proyecto sevillano Magasé Art
Gallery y ha ilustrado los libros Lurra (Irene Cruz / Juan Yuste)
y Scars (Irene Cruz / Neus Pérez).
En 2018 realizó su primer cortometraje; un poema visual llamado
Haiku de Julia. El cual fue seleccionado entre uno de los cuatro
cortometrajes a concurso en el Festival WOFEST.
Además, realiza junto al director de cine mexicano Enrique Rivero
el proyecto fotográfico BATA ROSA y fue la fundadora del espacio
de arte LAECLÉCTICA (Huelva) entre los años 2017 y 2018, actual-
mente transformado en colectivo de artistas.

20
De todos los fenómenos que actúan sobre la superficie de la Tie-
rra, tales como el viento y la lluvia, se derivan materiales ero-
sionados. Estas partículas sueltas se mueven por la acción de las
fuerzas de la naturaleza hasta concentrarse en puntos determina-
dos, dando lugar a sedimentos. Un sedimento no es más que un ma-
terial acumulado sobre la tierra. A su vez, según su origen y la
acción que los ha trasportado, los sedimentos se clasifican prin-
cipalmente por el tamaño de las partículas.
La Tierra, en su continuo movimiento, sobre un material sedi-
mentado amontona otro. Y otro. Y otro. Por ello, el peso de las
capas (estratos) más superficiales hace que las más profundas
sufran cambios en su naturaleza. Estos cambios, gracias a las
presiones y/o temperaturas, crean nuevos materiales.En ingenie-
ría del terreno, se conoce como “testigo” al producto resultante
de un sondeo. Gracias al cual es posible conocer las caracterís-
ticas de la tierra. La obra que se presenta estudia la similitud
de los cambios conceptuales a los que un ser humano está expuesto
en diferentes dimensiones y puntos de referencia. Asumiéndose la
dimensión de partida y de mayor magnitud, la descrita con ante-

21
rioridad: los cambios terrestres que se desarrollan alrededor de
la persona. Bajo sus pies. Y su semejanza con los cambios en la
dimensión interior de uno mismo. Bajo su piel. Una persona está
expuesta a multitud de elementos causantes de mutaciones concep-
tuales personales, tales como las relaciones que tenemos y los
viajes que realizamos. Habiendo una conexión directa entre estos,
el tiempo y el aprendizaje, y, por lo tanto, de unos conceptos
blandos a otros más duros, más compactos. Tal y como sucede con
las tierras hasta hacerse rocas.
Partiendo de la configuración de un terreno dividido en estratos,
se sustituyen los colores y direcciones de los diferentes mate-
riales por paquetes de palabras. Un estrato está compuesto por la
repetición de una sola palabra. A medida que los estratos se ale-
jan de la superficie, las palabras profundizan en la personalidad
del ser humano. Se endurecen, se entienden. La instalación, com-
puesta por un testigo irreal de tierras y rocas onubenses y por
un ejercicio visual de un “testigo personal interior”, sitúa al
espectador al borde de la autocrítica sobre cuestiones conceptuales
vitales.
S/T
Estampación tipográfica y escultura
2019

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Antonio Morano Amarillo es un fotógrafo onubense, Técnico Supe-
rior en Artes Plásticas y Diseño, especializado en Fotografía
Artística, en la Escuela de Arte de Sevilla, entre otras titula-
ciones universitarias, que cuenta con 15 premios de fotografía que
avalan su trayectoria en el ámbito artístico, destacando en 2016
el primer Premio Talento Andaluz de Fotografía Contemporarte, o
el Primer Premio de Fotografía Contemporánea, en el VII Concurso
de Fotografía del Colegio Oficial de Arquitectos de Huelva (COAH)
entre otros.
Fundador y cofundador, respectivamente, de las Agencias de Foto-
grafía Amarillo y Amarelo, su trabajo se ha relacionado siempre
con la fotografía. Ha realizado exposiciones individuales en la
Sala de Exposiciones de Fundación Caja Rural del Sur (noviembre
2018, Sevilla), en la Sala de Exposiciones de la Universidad de
Huelva (octubre 2008), y en la Sala del Centro Cultural Los Ála-
mos de La Antilla (julio 2018).
Sus obras han participado en numerosas exposiciones colectivas,
siendo una de las más recientes Huelwarhol. Diálogos de Andy War-
hol con el arte onubense expuesta en el Museo de Huelva y en el
Centro Olontense de Arte Contemporáneo (CODAC) en Gibraleón.
Morano Amarillo ha colaborado con otros compañeros de profe-
sión en proyectos de fotografía social así como de catalogación
patrimonial. Sus conocimientos sobre la materia le han llevado a
realizar ponencias y a formar parte en los jurados de distintos
concursos fotográficos. En la actualidad, la fotografía artística
se ha erigido como centro de sus creaciones, con obras en las que
la abstracción, el color y la geometría son los ejes principales.

33
En una Sociedad donde lo “queremos todo”, el propio Espacio jue-
ga una papel fundamental. La Obra Fusión Visual conjuga la na-
turaleza, sus texturas, la arquitectura del siglo pasado, y la
arquitectura contemporánea del nuevo siglo. Toda una fusión, una
coctelera de imágenes que diariamente bombardean nuestro cerebro
sin que nos dé lugar ni tiempo a reflexionar sobre cada aspec-
to...aunque al fin y al cabo, todo lo queramos tener, poseer y
como no disfrutar.
Con una visión conceptual del propio Espacio, represento la mu-
sicalidad de una imagen con líneas y puntos de fuga en una es-
tructura y espacio delimitado. Como “Director de Orquesta” ante
una Sinfonía, realizo una interpretación personal del espacio,
mediante una composición pensada, un juego de líneas, ángulos
inusuales, y una atmósfera especial, consiguiendo una obra con
identidad propia y singular.
Fusión visual
Fotografía Digital Intervenida
100 x 75cm

34
Cenital
75 x 100 cm

35
Geográfico
100 x 150 cm

36
Geometría sustancial
75 x 100 cm

37
Grandioso
75 x 100 cm

38
Elegancia subliminal
100 x 150 cm

39
Ignoto
75 x 100 cm

41
Sanlúcar de Barrameda, Cádiz, 1961.Vive y trabaja en Huelva (Es-
paña). Fabiola Moreno se ha formado en diferentes disciplinas
artísticas, concretamente en acuarela, tinta (urban sketch) y
fotografía, a la que dedica especial atención en la actualidad.
Moreno realiza fotografías de muy diversos temas y en sus últimos
trabajos, se centra en el tratamiento de las imágenes digitalmen-
te potenciando el color y la forma. Investiga en composiciones
geométricas en las que intervienen las sombras y los elementos
de la naturaleza, acentuando el contraste entre lo estático y lo
dinámico, para reclamar la atención del espectador en cuanto al
espacio que habita.
Fabiola Moreno ha realizado las siguientes exposiciones indivi-
duales : Huelva Mon Amour. Dentro de los Ciclos expositivos de
la Audiencia Provincial de Huelva. Noviembre 2017. Foto, FM en la
Sala 1900 de Huelva en Mayo 2017. Geometría y Color en Sala-bar
Rocataliata, Huelva, septiembre 2017. Dibujo Urbano en Sala-bar
Rocataliata, Huelva. Septiembre de 2016. Tinta y Acuarela, Sa-
la-bar 1900 (Espacio Europeo de dinamización Cultural), Huel-
va. Del 22 al 11 de noviembre. Y VES NO VES, Sala Berdigón,14
, Huelva. Del 15 al 31 de mayo. Fotografía. Realizó por encargo
la Edición del libro de Artista: Klaus Borchers,Dobrock 1907.
(Hamburgo-Alemania). Noviembre 2016.
Fabiola Moreno ha participado en diversas exposiciones colecti-
vas siendo una de las más reciente Huelwarhol. Diálogos de Andy
Warhol con el arte onubense, expuesta en el Museo de Huelva y en
la Sala José Caballero (Centro Cultural de Punta Umbría ) y en el
Centro Olotense de Arte Contemporáneo (CODAC) de Gibraleón. En la
actualidad Moreno continúa trabajando en nuevos proyectos.

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La serie Ría presenta cuatro composiciones en las que el color es pro-
tagonista, utilizando la gama desde tonalidades cálidas a frías, in-
sertándose todas ellas en un cromatismo cercano a la estética Pop. Los
colores potentes atraen al observador de una manera efectista y suge-
rente. Captada la atención, la mirada se dirige hacia la figura huma-
na que interviene en el espacio. El color y la geometría dentro del
contexto de la ciudad, evocan emociones y sensaciones con la idea de
trasladarnos al mismo lugar.
Las sombras proyectadas se convierten en el eje de estas composicio-
nes, rompiendo el estatismo de los espacios presentados, convirtiéndo-
los en lugares vivos y dinámicos.
Ría
Fotografía digital sobre aluminio dibond
33 X 24,8 cm
2018

43
Ría
Fotografía digital sobre
aluminio dibond
33 X 24,8 cm
2018

44
Ría
33 X 24,8 cm
2018

45
Ría
33 X 24,8 cm
2018

46
Fondo
Fotografía digital
2016

47
Puerto de Montevideo
Fotografía digital
2016
Sombra y Mujer
Fotografía digital
2018

48
Geometría Amarillo
Fotografía digital
2017

49
Retrato
Fotografía digital
2015
Frontera
Fotografía digital
2019

53
Huelva, 1979. Vive y trabaja entre Bollullos del Condado (su pue-
blo natal) y Sevilla.
Pablo Merchante es pintor. Licenciado en Música y en Bellas ar-
tes (2007-2012). Y estudió el Master “Arte: Idea y Producción”
en la Universidad de Sevilla. Ha sido residente en numerosas Be-
cas a nivel nacional; Beca Sevilla Talento, Ayto. de Sevilla y
Fundación Madariaga (Sevilla, 2013), Beca Residencia Fundación
Rodríguez Acosta (Granada, 2012), Beca Residencia Palacio del
Quintanar (Segovia, 2011). Así como otras a nivel Internacional,
entre las que podríamos destacar; Residencia Bogliasco Funda-
tion ( Génova, 2015), Art Circle, Embajada de España (Eslovenia,
2018) , o Beca Residencia “Encuentro entre dos mundos”, Diputa-
ción de Huelva (República Dominicana, 2017).
Así también podríamos apuntar su participación en el V Encuentro
de Artistas Novos (Galicia, 2015) y el II Encuentro de artistas
en Castilla y León, dirigidos ambos por Rafa Doctor Roncero.
En su todavía corta trayectoria esta avalado por numerosos pre-
mios y menciones así como una larga lista de exposiciones tanto
fuera como dentro de nuestras fronteras entre las que podríamos
destacar: Reset, MUSART (Berlín) o Estado Natural, Galería Bi-
rimbao (Sevilla), comisariada por Sema D’acosta. Individualmente
ha realizado exposiciones recientes como Lihn Galería La Lonja,
(Logroño, 2018), Desde junto a Manuel M. Romero en El Butrón (Se-
villa, 2019), o Estamos muy solos en la Galería Espacio Cero
(Huelva, 2017).
Desde que en 2014 concluye su etapa académica, trabaja para de-
sarrollar su lenguaje en el ámbito de la pintura, intentando
responder a las preguntas actuales desde los códigos pictóricos
intentando plasmar esto no solo en el objeto del cuadro, sino que
además investiga la relación de este con otros lenguajes trans-
versales.

54
Las tres obras presentadas discurren en un mismo plano de inves-
tigación formal donde el interés recae sobre el propio lenguaje
de la pintura.
Hay que identificar que en el proceso de este trabajo, el azar,
el error y la lucha por huir de la desgana forman parte de su
proceso. En este sentido, la diferencia de acabados en uno mismo
cuadro así como la aparición clara de la pincelada queda muchas
veces presentada junto a otras zonas de un “buen” acabado. Con la
ilusión del casi-trampantojo.
La insinuación iconográfica desemboca en un resultado final algo
onírico o “desnochado” donde no hace falta que sea nada porque
tiene que ser pintura.

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Apariencia. Entre el la rubia y el negro
Óleo, spray, geso y ceras sobre lienzo
61 x 50 cm
2019

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Apariencia. Paraíso de interior
Óleo y spray sobre lienzo
73 x 50 cm
2019
Apariencia. Entre el blanco y el grís.
Óleo, spray, geso y ceras sobre lienzo
73 x 50 cm
2019

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Fuentesal & Arenillas, han expuesto su trabajo de manera indivi-
dual en Blue Project Foundation, Barcelona (2018), en la Galeria
Luis Adelantado de Valencia dentro del espacio BoilerRoom (2017),
y donde este pasado mes de Noviembre (2018) tuvo lugar en el es-
pacio principal de la galería su último solo show La Resistencia
del ello/Azul como una naranja. La primera exposición individual
de la pareja tuvo lugar en Sevilla, gracias a la Beca Iniciarte
(2015). En colaboración con el museo CA2M e IES Europa impartie-
ron un taller dentro del programa educativo El Futuro ya no es
lo que era, El fin del objeto (Madrid/2018). De forma colectiva
han participado en espacios como en el Museo de Arte Contemporá-
neo MAC en la 15 Mostra de Arte Naturgy, A Coruña (2018), en el
Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (2018), en la Funda-
ción Cañada Blanch, La Nau, Valencia (2018), Premio Mardel en el
Centre del Carme, Valencia (2017), en el Museo Unicaja Joaquín
Peinado, Málaga (2017), en el Centro Andaluz de Arte Contempora-
neo, CAAC Sevilla (2017), en Crossroads the London art show, Lon-
dres (2016), Fundación Cajasol Sevilla (2016) en la Universidad
Complutense de Madrid (2015), en Foundamenta 3.0 Venecia, Italia
(2015) entre otras.
Recientemente han cursado residencia de producción artística en
Córdoba programa de becas UAVA-C3A, durante el 2017 en Glogauair,
Berlín, Alemania y años atrás en Espacio Islandia y Don’t stay
apart en Revine Lago, Italia. Algunos de los premios y becas que
han obtenido la pareja han sido, beca de producción y residencia
Blue Project Foundation 2018, Premio A Secas, CAAC, Sevilla 2016.
Open Call internacional Luis Adelantado, XVl Premio de Arte Joven
Universidad Complutense de Madrid y Programa de becas INICIARTE,
2015 entre otras.

66
Seguimos trabajando con el azar objetivo, como juego sin normas,
erosionando patterns de nuestro contexto, vaciándolos de contenido
y traduciéndolos a símbolos abstractos, vacíos que confronten la
ausencia y la presencia, lo material y lo inmaterial, lo visible
y lo invisible. Jugamos a descifrar el movimiento, la dualidad en
la que nos vemos inmersos: esas referencias dobles al viaje y
desplazamiento. Una sucesión de acontecimientos a partir de una
estructura casi lingüística a través de símbolos que se escapan
de nuestro imaginario, juego que lleva hasta un flujo de enca-
denamientos y sucesiones, basada en el espacio vacío e ilegible
dedicado a la doble lectura, como cada cual entiende una cosa.
Hablamos del lenguaje, de la problemática entre los nombres y las
cosas, de la doble lectura, de como el significante es el objeto,
el que describe, y como el significado cambia según quien lo lea.
Lectura
Crayón sobre papel
50 x 72 cm
2019

76
En ciertos escultores late el pulso del hombre primitivo, del
contacto con el barro primordial, del primer abrazo entre la in-
forma de la materia y el instinto de la forma. Son los esculto-
res que saben palpar en la materia indiferenciada el principio de
toda diferencia, que con sus manos logran extraer de la materia
bruta un principio de individuación. Sostiene a este respecto
José María Moreno Galván sobre la escultura: “desde el momento en
que el gesto de tocar se trasciende y se convierte en el gesto de
modelar, la materia palpada se individualiza, se autonomiza de su
viejo pasivo gregarismo y se hace insolidaria de su origen para
originalizarse gracias a su diferencia.” De este modo, el escul-
tor que trabaja con la materia primitiva crea, aun sin pretender-
lo, el sentido de una nueva forma. En esa tensión entre forma e
informa radica todo, entre “la modelación que individualiza y la
des-modelación que recupera el estado pasivo de la materia”.

Esta sinergia entre armonía e indeterminación, proporción e
irregularidad, se da en escultores como Pablo Serrano y resulta
igualmente visible en el onubense Martín Lagares (La Palma del
Condado, 1976). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de
Cuenca, que fue faro de la renovación del arte español de la se-
gunda mitad del siglo XX desde su Museo de Arte Abstracto, Martín
Martín
Lagares

77
Lagares se nutrió allí de una concepción del arte como lenguaje
siempre por explorar, lenguaje que precisa estar en permanente
tensión, entre la forma y la materia, la razón y el corazón, la
lógica y el instinto.

Martín Lagares trabaja fundamentalmente con barro, terracota,
resina, bronce…, materiales de la inmanencia, lejanos a la nobleza
del mármol y su obstinación divinizadora o de trascendencia. Nada
es casual. Son los materiales más propicios para generar la ten-
sión creadora y fuertemente expresiva a que aspira su escultura.
Decía José María Moreno Galván sobre Pablo Serrano que: “No puede
evitar ser hijo de Fidias tanto como del barro.” Y algo similar
podríamos decir de Martín Lagares, por ese abrazo antes menciona-
do entre la informa de la materia y el instinto de la forma que
acontece en su obra. Juego entre la informa, por su condición
gestual y expresiva, y lo formal, porque todo volumen no puede
dejar de ser forma y porque la forma es el límite del vacío. Esta
lucha entre forma y expresividad es la clave estética de Martín
Lagares, sin vencedores, pese a la aparente victoria de lo expre-
sivo. Como escultor, procura inyectar a cada obra desde sus manos
todo su caudal de sentimientos, emociones y raciocinios, dejando
su huella casi con violencia expresiva. Pero no debemos confundir
este énfasis en lo subjetivo y lo expresivo con una renuncia a la
forma, ni a la búsqueda de la dimensión. En la tensión, como de-
cíamos, está su clave estética, en su apuesta por la grandeza de
lo inacabado, por la belleza inscrita en la imperfección, por el
vínculo inescrutable entre forma y expresión.

78
La escultura es una composición de cubos de 8 cms. por 8cm. y
distintas alturas, realizados en resina y colocados en una
disposición vertical. Precisamente, una línea vertical traza el
centro del conjunto y lo divide en dos mitades. En el centro,
dos bocas se alejan y marcan el ritmo de los distintos elementos
que se esparcen en todas direcciones. Las manos, telas, cuerdas,
letras (que dibujan la palabra “summertime”), componen los dis-
tintos elementos escultóricos, tratados cada uno como pieza in-
dependiente, pero que cobra su pleno sentido en el global de la
composición.
Summertime
Resina
8 x 8 cm (16 piezas)

80
Kiss closed
Terracota
Serie de 12 x 12 cm

83
Pasional line (instalación variable)
Hebodur pigmentado
Serie de 8 x 8 cm

84
Cosmología
Bronce sobre madera
150 x 35 x 35 cm

86
Trilogía
Resina de colores
50 x 35 x 25 cm

87
Andrew warhola
Resina, hierro y cristal
50 x 30 x 30 cm

89
Escultora onubense comenzó sus estudios en Sevilla, decoración y
arte publicitario, ingresando luego en la escuela de Bellas Artes
de Sevilla Santa Isabel de Hungría. Más tarde cursó estudios en
Londres en la City Lit School of Art y en Madrid en la escuela de
cerámica de la Moncloa, donde recibe diferentes cursos de modela-
do y cerámica.
Sus primeros años vive y trabaja en Madrid, impartiendo clases
tanto en organismos municipales de la comunidad de Madrid como en
su propio taller. Participa en diferentes exposiciones colecti-
vas, destacando la del parque del Oeste en Madrid con motivo del
Congreso de la Academia Internacional de Cerámica, así como indi-
viduales, y la colocación de la escultura Corredora en los jardi-
nes de la Fuensanta en Horche, Guadalajara.
Más tarde, se traslada a Huelva, donde da clases de escultura
cerámica en su taller y prácticas a los alumnos de la Escuela de
Arte León Ortega, con la que también colabora en cursos y expo-
siciones. Forma parte del jurado del Certamen de Pintura de la
Universidad de Huelva, que llevó a instalar en Islantilla las
esculturas Homenaje al viento.
Fue la encargada de poner la primera piedra en el homenaje al
puerto, en el centro comercial Aqualon de Huelva. Su obra apare-
ce en colecciones como la Diputación de Huelva, la cual adquirió
la Mujer Caracol para su colocación en el jardín botánico Celes-
tino Mutis, donde está actualmente; o la obra El Molino, situada
en el parque empresarial Molino de viento en Trigueros. Actual-
mente, vive entre Granada y Huelva, donde combina trabajos de
pintura y escultura; en esta ciudad expone también en el Centro
Cultural Cullar Vega, además de estar expuesta su obra escultóri-
ca Abanico en el barrio de Sacromonte.

90
Presionada
Cerámica
35 x 16 cm

92
Encerrados
Cerámica
20 x 30 x 10 cm

94
Rompedora
Cerámica
20 x 17 x 8 cm

96
Musical
Porcelana
1,70 x 25 cm

97
A básico
Hierro y cerámica
100 x 100 cm

101
Huelva, 1979. Trabaja y reside en Huelva. Es un ilustrador onu-
bense licenciado en Pedagogía (Universidad de Sevilla) y Máster
de Arteterapia y Aplicaciones del Arte para el Diálogo y la Inte-
gración Social (Universidad Pablo de Olavide - Sevilla). Continúa
su aprendizaje como Artista en el centro de formación y creación
artística El Taller Artístico (Huelva) y se ha especializado en
el trabajo con el cuaderno como soporte y con técnicas como el
grafito, la acuarela, el gouache, el collage y la ilustración di-
gital.
Como ilustrador ha realizado la portada de la reedición del libro
Adivitijos (Ed. Libros de Umsaloua) y ha ilustrado el álbum-musi-
cal Nanas para dormir a la luna (Ed. NubeOcho) ambos escritos por
Luisa María Martín Alonso.
Ha participado en varias exposiciones e intervenciones colectivas
y ha colaborado con la editorial de Huelva El Libro Feroz en su
proyecto Traumas y Cicatrices del ángel de la guarda.
En el ámbito artístico y educativo, ha intervenido como ponente
en charlas y mesas redondas, es facilitador de cursos y talleres
formativos y ha comisariado la exposición Ixmati- I love América
con obras realizadas por niños en la Galería Espacio Cero (Huel-
va).
Actualmente, coordina e implementa el Aula Creativa para niños en
El Taller Artístico (Huelva).
En sus creaciones e intervenciones, le gusta trabajar con la cu-
riosidad, la observación y la imaginación. Asimismo, trabajar con
la creatividad de los niños y despertar la de los adultos.

102
La presente obra que es un boceto en sí misma, o muchos bocetos
que la engloban, nace de la idea del impulso de crear. ¿Qué lleva
a un Artista a coger una herramienta y soporte tan simples como
el lápiz y el papel para plasmar una idea, un impulso, una laten-
te potencia que en su día podría convertirse en una obra finali-
zada? La prematura muerte de una masterpiece está concebida como
un proceso experimental llevado a cabo en un ejercicio cotidia-
no envuelto por la expresión en forma de bocetos, como si de una
creación paralela a la ejecución de la obra se tratase, a sabien-
das que su resultado será sufrir una posición secundaria relegada
en un cajón, rincón del estudio o simplemente desaparecer.
Siempre se han utilizado los bocetos como ejercicios previos,
preparatorios para la obra final. Aquí se da identidad, y home-
naje al mágico momento que es el origen de la inspiración, la
creatividad primigenia, ese “clic” que se produce en algún lugar
del ser del Artista. Una idea que creemos en ella como si de una
experiencia mística se tratase y que plasmamos con la emoción de
ver nacer “lo nuevo”. Un proceso o camino transpersonal no caren-
te de debilidades, de subidas y bajadas, de luces y sombras que
van apareciendo en forma de bocetos y escritos; y que de alguna u
otra manera condicionan el supuesto resultado final.
La magia de los primeros trazos, momentos irrepetibles de esos
arrepentimientos, muchas veces se diluyen en la obra terminada
por el intento de preciosismo. Si bien, muchos artistas a lo lar-
go de su historia, los recuperan para exponerlos y darles la en-
tidad que siempre han merecido. Es por ello esta una invitación a
explorar, a descubrir en lo simple, la verdad y esencia de cada
artista sin adornos y artificios.
La Prematura muerte de una Masterpiece
Papel y lápiz sobre metacrilato
80 x 60 x 15 cm

104
Habitantes del No Mundo
Grafito, lápices de colores y digital
21 x 29 cm

105
Fiero
Grafito, gouache y digital
21 x 29 cm

106
Explorador
Mixta y digital
14 x 22 cm

107
Borregos
Boli, acuarela y digital
21 x 29 cm
Renacer
Grafito, acuarela, lápices de colores y
digital
21 x 21 cm

108
Condición Humana
Tinta, fineliner y digital
21 x 29 cm

111
Lepe, 1967. Trabaja y reside en Huelva (España). Se ha formado en
Trabajo Social, Humanidades y Artes Aplicadas.
Ha participado en diferentes proyectos socioeducativos, cultura-
les y artísticos como artista y como docente (Talleres, Cursos
de Formación Ocupacional, Casa de Oficios), exponiendo de manera
individual y colectiva en modalidades como cerámica escultórica,
ilustración, libros de artista, y poesía visual. Como ilustrado-
ra, ha publicado libros de artista, poesía y álbum infantil (El
hilo, Paraíso vs Averno, Carta de deseos, Informe de daños, El
pan vuestro, Traumas y cicatrices del Ángel de la Guarda, etc)
así como trabajos para fotolibros, carteles, discos y portadas de
poemarios.
Su obra se ha expuesto en ferias de libros de artista y edición
independiente, experimentando con diferentes técnicas como el
collage, la tinta, la estampa digital, la tipografía o el cosido.
Actualmente, además de su labor como ilustradora, es co-directora
de la editorial El Libro Feroz.

112
Sobre el blanco inmaculado de un papel tiene lugar el impulso
creativo que todo lo mueve. Y en ese movimiento de reflexión
aparece el ideograma arquetípico del ojo. El ojo que todo lo
ve, lo consciente y lo inconsciente. El ojo que mira y el ojo
que ve. El ojo abierto, despierto, observador, exhortativo,
hipnótico y eternamente presente en el arte.
La obra se presenta sobre papel blanco crepé, versátil, dócil,
casi tela. Sobre una intervención de pliegues, símil de la com-
plejidad humana. En tinta china, negro sobre blanco, lenguaje
visual directo. Con hilo dorado, que la impregna de sutileza y
apertura espiritual sin complejos. La luz que refleja entronca
con el mito solar. Detalles que invitan a acercar una parte del
yo a la trascendencia. La ilustración tiene un marcado signo
expresionista, trazos espontáneos y potentes, directos, grafis-
mo simple, sin contemplaciones. Esa fuerza es mitigada por los
detalles del cosido, roce delicado que atempera el signo y la
fuerza del negro.
¿Quién mira a quién? surge desde una mirada interior para ser
observada y al mismo tiempo observar. El contacto visual se
lleva a cabo entre el espectador y la obra al mismo tiempo: Yo
te miro y tú me miras... la mirada activa, magnética, que atrae
y repele, que interroga e interpela. El rescate de un símbolo
atávico para hacerlo cotidiano, aquí y ahora.
¿Quién mira a quién?
Ilustración en tinta china y cosido
56,5 x 130 cm

115
Duda crucial. Ilustración para el poemario “El Pan Vuestro”
Carboncillo y collage digital
21 x 29 cm
2018
Océano
Tinta china y cosido
40 x 30 cm
2016

116
Semidespierto. Ilustración para el poemario “El Pan Vuestro”
21 x 29 cm
2018

117
Planetaflor. Ilustración para el poemario “Informe de daños”
Tinta china y collage
23 x 30 cm
2016

119
Lodz
21 x 29 cm
2017
Libro de Artista editado por El libro Feroz
Impresión con imprentilla Trodat typo 6080 e hilo rojo
15 x 21 cm
2016

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