TÉCNICAS DEL DIBUJO ARTÍSTICO

1. ARJÉ
Término griego (también transcrito como "arkhé" y como "arché") que viene a
significar etimológicamente principio, fundamento, comienzo, y que fue utilizado
por los primeros filósofos para referirse al elemento primordial del que está
compuesta y/o del que deriva toda la realidad material.
Un monismo de la sustancia, consistente en la elección de una forma o sustancia
física (el agua), que, siendo parte, se eleva a la categoría del todo (M), como
sustancia primordial o arjé(a1rch'), negándose como parte, pero sin aniquilar, al
mismo tiempo, el mundo de las formas (Mi).
La identificación del arjé con el agua, es decir, con una forma determinada, propia
del mundo de las formas, que adquiere los atributos del todo, es una tentativa
racional o es, por contra, una tentativa carente totalmente de sentido?
Anaximandro ya habría objetado a Tales que el arjé no puede ser nada
determinado porque es infinito y «si alguno de los elementos fuera infinito sus
contrarios serían destruidos por él». (Simplicio, Física, 479-480). Desde esta
perspectiva la tentativa de Tales habría sido completamente estéril. La dificultad
implícita en el racionalismo de Tales, puesta de manifiesto por Anaximandro, sólo
se puede apreciar cuando tal modelo comienza a romperse internamente. De este
modo la crítica de Anaximandro se nos presenta como un desarrollo interno del
racionalismo de Tales, y éste como una fase previa y necesaria del desarrollo de
la razón. Pues lo que importa en Historia de la filosofía no es que Tales se
equivocó, sino comprender la necesidad interna del desarrollo racional.
a) El arjé se presenta como fenómeno. Al realizarse como fenómeno
el arjé adoptará la forma del fenómeno consistente en ocultarse a sí mismo
como arjé. La propia transparencia del agua oculta la riqueza de los contenidos
disueltos en ella. La transparencia es, pues, una propiedad del agua empírica con
una función completamente apariencial que nos oculta la realidadcontenida en
ella. Todas las cosas se convierten u ocultan en el agua (la tierra, por ejemplo, al

2. disolverse como lo hace la sal o el azúcar). Por ello, la distinción entre apariencia /
realidadestá siendo ejercitada ya por el propio Tales.
b) El fenómeno como arjé. El fenómeno o forma, en cuanto parte, debe negarse
como tal para desempeñar el papel de la totalidad. Esto sólo será posible en tanto
en cuanto el fenómeno elegido contenga en sí mismo el esquema de
transformación en las demás partes, de tal modo que todas las formas del mundo
(A, B, C, ...) no son sino transformados de la misma sustancia (monismo de la
sustancia). Contribuiría a la elección del agua como sustancia primordial capaz de
transformarse en otras muchas formas, el hecho de los diferentes estados en que
se presenta el agua: sólido, líquido y gaseoso; también la observación de su
transformación en mármol en las cavernas (las estalactitas, según cuenta
Jenófanes de Colofón, frag. 47). Pero, sobre todo, el agua empírica parece poseer
esta propiedad metamórfica en los procesos de rarefacción (mánwsiV) y
condensación (púknwsiV), que Simplicio (Física, 24, 28-31 y 180, 14-16) atribuye a
Tales y a Anaxímenes.

3. TÉCNICAS DEL DIBUJO ARTÍSTICO
Para realizar dibujos artísticos se emplean una gran variedad de técnicas, desde
las tradicionales hasta las más modernas y sofisticadas. A través de ellas, es
posible lograr múltiples resultados visuales y cubrir diferentes necesidades
expresivas.
TÉCNICAS TRADICIONALES
Existen una serie de técnicas de dibujo empleadas desde tiempos muy antiguos
en trabajos artísticos. Han sido utilizadas por algunos de los grandes maestros del
arte universal.
Lápiz
Es la técnica más difundida del dibujo. El lápiz de dibujo tiene varias medidas
determinadas por la dureza de su grafo. Cuanto más blando sea el grafo más
oscuro e intenso será su trazo.

4. Utilización del lápiz
Tanto los lápices de colores como los monocromos de grafito se utilizan por
superposición gradual de tonos. El lápiz se desliza inclinado y suavemente sobre
el papel con mayor o menor intensidad, dependiendo del resultado buscado.
También se pueden realizar dibujos lineales o entramados.

5. Sepia
El sepia es una sustancia colorante marrón obtenida de un cefalópodo del mismo
nombre. Se utiliza en lápices o barras para dibujar. La técnica general es la misma
que la del lápiz o la carbonilla.

6. Sanguina
Se trata de un material rojizo a base de hematites que se utiliza en barra o diluida
en agua. Fue muy utilizado en los dibujos previos para los frescos. Se emplea en
talleres de arte para estudios de retratos y desnudos.

7. Tinta
La tinta (generalmente tinta china) es un material líquido muy dúctil que se puede
utilizar con pincel o plumilla. Sirve tanto para realizar dibujos lineales como
tonalidades. Se emplea en papel de alto gramaje o cartón.

9. TÉCNICAS MODERNAS
En años más recientes han surgido nuevas herramientas que se han incorporado
plenamente a la creación artística y decorativa.
Lápiz de tinta
El lápiz de tinta, conocido también como “Rapidograph”, por la línea de lápices de
este tipo perteneciente a la firma Rotring, es útil para realizar dibujos muy precisos
con tinta. Viene con puntas de varios diámetros y la tinta se carga en un cartucho
interno.

10. Rotulador o marcador
El rotulador de fibra viene con su propia carga de tinta y se utiliza también en
algunas creaciones artísticas. Hay muchos tipos de marcadores en el mercado en
diferentes tamaños y con gran variedad de colores.

11. Aerógrafo
El aerógrafo es un rociador de aire comprimido que sirve para pintar y realizar
dibujos con gran detalle. La pintura es expulsada por un compresor de aire hacia
la superficie a pintar. Es conocido por la suavidad de su acabado y la perfección
de los efectos de brillo y degradado que se pueden lograr.

12. LUIS ROYO FALLEN – ANGEL II

13. Ade - EL Velo
Tableta digitalizadora
La tableta digitalizadora se ha convertido en un elemento fundamental para
ilustradores en la industria de los videojuegos y el cine. Se trata de un dispositivo
que se conecta al ordenador y sobre el cual se dibuja con un lápiz electrónico.
Generalmente se usa con programas como Photoshop o Corel Painter.

14. ISRRAEL ALATORRE – IMAGEN DE FOTO ARTE DIGITAL
La mujer de roca. Anónimo. Pintura digital

15. ESTUDIO DE LUZ Y SOMBRA
ESTUDIO DE LA LUZ, LAS SOMBRAS Y LAS MEDIAS SOMBRAS
Aunque por tradición se considera al dibujo de líneas o dibujo de contornos como
la forma más tradicional, es conveniente estudiar la luz y las sombras para dar el
volumen necesario a los trabajos, y de esta manera agregar realismo a los dibujos.
Veamos a continuación las propiedades de la luz y las sombras:
Puerto con el embarque de la Reina de Saba, de Claudio de
Lorena. Un inhabitual contraluz con el sol en el centro de la
composición

16. Pantocrator del Ábside de Sant Climent de
Taüll (MNAC), Románico. Luz ubicua.

17. Anunciación, de Fra Angelico, transición
del Gótico al Renacimiento. Efectos volumétricos de
sombreado y sutil tratamiento del paso de la luz natural a un
interior.
Cena de Emaús de Caravaggio,Barroco inicial. Violentos
contrastes de luces y sombras, en una escena de interior.
 LUZ. - La luz es una radiación electromagnética del mismo tipo que a veces
hace mucho daño. El espectro de electromagnético incluye desde los rayos
gamma hasta las ondas de radio. Esta puede ser generada por el sol y se
llama luz natural. También puede ser proyectada por un foco de luz
eléctrica o la llama de una vela u objeto ardiente; a estas formas, se les
llama luz artificial. Gracias a la luz es posible ver todos los objetos y
fenómenos de la naturaleza con sus correspondientes colores, brillos y
texturas. La carencia total de luz hace imposible la visión.

18. Clases de luz: (DIRECCIÓN)
 Luz frontal: Ilumina el modelo de frente y no produce apenas
sombras.
 Luz frontal/lateral : Llega desde un lado, formando un ángulo de 45º
con el
planofrontal .Suele proporcionar una iluminación equilibrada con manifi
esta igualdadentre y zonas en sombra.
 Luz lateral: Llega desde un lado y deja el lado opuesto en sombra.
Dramatiza el tema y se utiliza cuando se desea poner espacial énfasis
en el contraste.
 Contraluz: El foco de la luz se encuentra por detrás del modelo. En
consecuencia, los planos frontales del tema quedan todos en sombra.
El contraluz ofrece grandes posibilidades al paisajista.
 Luz cenital: Luz solar que proviene de una abertura situada en el techo
del estudio. Es ideal para dibujar o pintar del natural.
 Luz desde abajo: Solo para casos muy especiales en los que se
pretenda dramatizar mucho el tema.
La calidad de la luz:
 Luz natural: Es decir, la que nos llega del sol.
 Luz artificial: La producida por lámparas eléctricas u otros sistemas
de iluminación.
 Luz directa: La que llega directamente al modelo, bien sea luz natural
o artificial.

19.  Luz difusa: Luz natural en un día nublado. Luz que llega desde una
ventana o una puerta e incide directamente en el modelo, después
de haberse reflejado en paredes, techo, suelo, etc.
LA SOMBRA
Sombras de Ramas – Adrián Cerón
La sombra de la Torre Eiffel al mediodía – Varusso

20. Tumba de Humayun, Delhi.
Sudipta 1784
 SOMBRAS. - Una sombra es una región de oscuridad en la luz es
obstaculizadas. Una sombra ocupa todo el espacio detrás de un
objeto opaco con una fuente de luz frente a él. .En los objetos con volumen
expuestos a la luz, existen zonas o áreas a donde no llega la luz, lo que
crea las sombras. En dibujo, se las representa por tonos negros y grises por
medio del lápiz, tinta o cualquier otro material oscuro. Todos los objetos y

21. cosas adquieren formas, contornos y volumen gracias a la acción de la luz,
sombras y medias sombras
 MEDIAS SOMBRAS. - Las medias sombran se localizan en los objetos en
aquellos sitios donde la luz llega en forma oblicua. Los valores o grado de
intensidad de las medias sombras son muy variados y a veces confusos.
Hay que saber simplificar y no abusar en el manejo de las medias sombras
para dar mayor significancia a la expresividad artística del dibujo.
 SOMBRAS ARROJADAS. - Estas se producen por la interposición del o
los objetos entre la fuente de luz y otros objetos y superficies y siguen la
forma o las formas sobre las que caen.
 LUCES REFLEJAS. -Se proyectan desde otros objetos e iluminan de
manera indirecta zonas en sombra, añadiendo volumen y gracia a la forma.
Es conveniente hacer énfasis en el uso apropiado de los valores de luz,
sombra, medias sombras y luces reflejas en el arte del dibujo. La mejor
manera es hacer un plan definido y sencillo por medio de pequeños
bocetos, dividiendo y asignando cada zona para los diferentes valores. Al
dibujar sobre papel o cartulina, las zonas para la luz son representadas por
el blanco natural del papel.
 TONO. - En el dibujo en blanco y negro se consideran los tonos o colores
dentro de la escala del blanco al negro con su gama completa de grises. El
tono no debe confundirse con la luz y la sombra o con las medias sombras,
pertenece más propiamente al color natural de las cosas, o sea, al valor de
los colores puros o mezclados; y colores claros u oscuros. Por ejemplo: en
un rostro el color de la piel puede ser rosado claro, los labios rojos, los
dientes blancos, los ojos azules y el pelo negro. Bien, en la naturaleza cada
objeto posee su propio color y estos colores deben ser representados, en
un dibujo en blanco y negro, por medio de tonos de grises de diferentes
valores. El tono se refiere al color de las cosas.

22. ARTE CONCEPTUAL
El Arte conceptual refiere un movimiento que emergió a mediados de los años 60
y que apropió ideas más allá de los componentes formales o visuales de la obra
de arte tradicional. Los artistas que se vieron envueltos en esta expresión, fueron
motivados por el reto de subvertir los presupuestos acerca del arte, conceptos
como belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte.
También cuestionaron los significados convencionales a través de los cuales el
público consumía arte, y como era procesado a través de un creciente complejo
de galerías, museos y críticos; instituciones que, ellos creían, le daban a la obra
nuevos significados con los que muchas veces estaban inconformes. Para
cuestionar estas convenciones, deconstruyeron el objeto de arte convencional, a
menudo pasando por instituciones convencionales, y presentaron trabajos en
diversos medios, desde mapas y diagramas hasta textos y videos. El
conceptualismo fue una amalgama de varias tendencias, la mayoría de ellas
perdieron su ímpetu a principios de los 70 pero quedó una de los más influyentes
movimientos del arte reciente.
DEFINICIÓN
El Arte conceptual es un forma contemporánea de representación artística, en la
cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal, complejo e
inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en la negación de
principios estéticos. El Arte conceptual es diferente del “Concepto” visto como
contenido del arte, pero puede ser considerado una forma abstracta de la idea y
de la percepción del trabajo artístico originada en la mente del artista, que luego
puede ser presentada en una variedad de formas.
A través del uso de diversas técnicas, el Minimalismo, el Performance, la
Instalación,… los artistas conceptuales buscaron reinterpretar lo que los artistas

23. Pop ya habían presentado de una forma desorganizada y sin bases en la teoría
del arte. De hecho, definiendo el concepto de un objeto, de diversas formas y a
través de una presentación lingüística y con explicaciones escritas, cuestionaron
directamente la más intrínseca naturaleza del arte, sus aspectos mentales e
imaginarios.
En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue
transformada. Una obra de Arte conceptual no es una mera narración de la
naturaleza en sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias
personales, utilizan los elementos disponibles de la expresión para representar no
solamente la naturaleza de los objetos sino además temas políticos, sociales y
tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces el artista en si mismo son
parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.
El arte conceptual es aquel en el que prevalece la idea sobre la realización
artística, es decir, la característica principal de esta corriente es el predominio de
los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte
conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el
estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a
compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes
cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.
Este arte, que tiene como antecedente el dadaísmo -el primer movimiento que
desmitificó totalmente el arte- y el minimalismo, tiene varias manifestaciones:
 Happening. Del inglés “suceso o acontecimiento”, designa una
manifestación en la que el autor pretende implicar al espectador usando
elementos que no le dejen indiferente.

24.  Body art. Nacido a finales de los sesenta, el artista investiga su propio
cuerpo como materia de arte y medio expresivo. Van desde acciones que
rozan el sadomasoquismo hasta esculturas vivientes.
 Land art. El ‘arte de la tierra’ construye arte con la naturaleza, de una forma
ecológica que busca criticar los daños que el hombre causa al entorno
natural.
 Arte povera: Es un arte anticomercial, pobre, precario y antiformal, realizado
con materiales desnudos.
Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, de
Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 creó una obra que consiste en
una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación
fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario.

25. El arte conceptual conjuga diversos estilos y movimientos artísticos que le
anteceden, los cuales se desarrollaron a lo largo de todo el siglo XX; cada uno de
ellos contiene ideologías y características propias:
Neoplasticismo o Movimiento De Stijl: estilo del arte moderno, surgió en 1917,
Piet Mondrian fue su principal referente. Rechaza las formas naturales en el arte y
busca depurar todo para llegar a lo fundamental, sintetizando en líneas rectas,
cuadrados ó rectángulos, donde a su vez prevalecen los colores primarios.
Dadaísmo: estilo del arte moderno, surgió en 1918, Tristan Tzara fue su principal
referente. El movimiento Dada se manifiesta en contra de la tradición en el arte
que impero por siglos, la belleza de las obras, rechaza las disciplinas tradicionales
y promueve medios y materiales alternativos. Este estilo origina al arte conceptual
por establecer que el arte se puede manifestar por cualquier medio y no solo por
las disciplinas tradicionales.
Legado de Marcel Duchamp: Diversos historiadores consideran a Duchamp
como el “Padre del arte conceptual” al ser creador de las primeras obras
conceptuales expuestas en foros importantes como lo son: “Rueda de bicicleta”
(1913) y “La Fuente” (urinario) (1917). Y al ser autor del término y técnica
conceptual del “Readymade” (arte encontrado o recolectado) acuñado en 1915.
Surrealismo: estilo del arte moderno, surgió en 1924, André Bretón fue su
principal referente. El movimiento fundamenta la creación artística producto del
subconsciente de la mente a expresarse en diversos medios y se declara en

26. contra del pensamiento racional y de los cánones del arte imperante por siglos.
Este arte antecede al arte conceptual al centrar el contenido de la obra en un
enfoque primordialmente intelectual, introspectivo y reflexivo.
Movimiento Fluxus: estilo del arte posmoderno, surgió en 1962, George
Maciunas fue su principal referente. El Fluxus centra su ideología en los cambios
culturales de la época como la música electrónica, el cine experimental, los
happenings y el anarquismo entre otros. Se manifiesta contra la tradición en el arte
y promueve lo que llama el “anti-arte” su manifiesto establece que “Todo puede
ser arte y cualquiera puede hacerlo”.
Minimalismo: estilo del arte posmoderno, surgió en 1965, Richard Wollheim fue
su principal referente. El minimalismo centra la creación en la sencillez y pureza
de las formas, reduce a lo esencial, da importancia a la espaciosidad e
iluminación, su color preponderante es el blanco.
Arte pop: estilo del arte posmoderno, surgió en 1950, Andy Warhol fue su
principal referente. El arte pop retoma claramente la ideología del dadaísmo y del
movimiento fluxus, sin embargo centra su temática en la cultura popular de la
época, las obras critican y exaltan con ironía aspectos como el consumismo, la
mediatización, efectos de la publicidad y el espectáculo. Muchas de las obras son
hechas en serie y recurren al readymade de objetos de consumo.

27. Integración – Eliana Roiger

28. Camino mi propia luz ii – Rafael Motaniz

29. Mimetización de Elementos – Ximo Ramírez álvarez
Populus – Rafael Motaniz

30. Pensamientos Elevados – Lazaro Hurtado
ARTE CONTEMPORÁNEO
Subyació un elemento platónico en la mentalidad artística anterior al siglo XX,
aspecto al que pudo haber contribuido el cristianismo.
Basta con recordar que muchos expertos definen la existencia de períodos cíclicos
en la historia del arte. Así, el Renacimiento exhibió un intenso aspecto platónico en
el cual se rescataron variables típicas de la cultura grecorromana, con respeto por
la simetría, los patrones clásicos de belleza y la figura humana. Estas
características son llamadas apolíneas (en referencia al dios griego de la belleza,
Apolo). El Renacimiento fue sucedido por el Barroco, un período breve,
profundamente explosivo y plagado de creatividad, en el cual estos cánones se
relativizaron para incluir también parámetros más aleatorios e incluso sombríos.
Estas características suelen definir como dionisíacas (por el dios griego del vino,

31. Dionisio). El neoclasicismo y el romanticismo representan dos etapas posteriores y
homólogas del Renacimiento y el Barroco, en ese orden.
De igual forma, con la consolidación de la Revolución Industrial primero, y luego
de la Primera Guerra Mundial, la postura apolínea fue abandonándose en pos de
una más relativista, hasta el punto de llegar a negar a la belleza como finalidad del
arte. Así, serán las vanguardias las que pretenderán “liberarse” de concepciones
pasadas, bogando por estilos nuevos y experimentales. Más allá de que no
lograron prosperar, dejaron su impronta en el decurso del siglo, relativizando la
noción de belleza. En muchos sentidos contribuyeron a estas novedades en el arte
moderno la posibilidad de la rápida incorporación de parámetros artísticos de otras
regiones del mundo (en especial, el Asia y los pueblos originarios de América) y,
en muchos casos, los fenómenos experimentales con alucinógenos utilizados en
la década de 1960.
Asimismo, vale recordar que el siglo XXI ha incorporado al arte moderno el
concepto asociado de arte digital, en el cual muchos creadores aplican tecnologías
informáticas para dar lugar o complementar otro tipo de obras, ya sea de índole
gráfico o musical. Los recursos digitales han llegado para quedarse en forma
definitiva en el mundo del arte actual, con un mayor o menor grado de influencia
que depende de la disponibilidad y variables culturales propias del artista y su
entorno social.
Ciertamente, puede señalarse una cuota de subjetividad a la hora de evaluar
una obra en particular. No obstante, el cuestionamiento extremo de pautas que
eran respetadas hasta fines del siglo XIX conllevo a una banalización del arte.
En efecto, si la belleza es relativa, entonces cualquier elemento es bello, y si el
arte no tiene por que atenerse a criterios estéticos, entonces cualquier
expresión es artística. El tratamiento de estas cuestiones será capital para
definir el futuro de la cultura. La viralización del arte ha convertido en realidad a
cada usuario en una suerte de crítico de mayor o menor idoneidad, por lo cual

32. los gustos y placeres asociados con el arte moderno pueden disfrutarse de un
modo personalizado y con grandes posibilidad de elección por parte de cada
individuo.
Concepto: Arte elaborado después de la
Segunda Guerra Mundial
La romería de San Isidro, una de las pinturas negras de
Francisco de Goya.

33. El juramento de los Horacios, deJacques Louis David.
Lilith, de Dante Gabriel Rossetti(pre-rafaelismo).

34. Autorretrato de Paul Gauguin ante un retrato de Émile
Bernard(posimpresionismo).
Olivos, de Vincent Van Gogh(posimpresionismo).

35. Los jugadores de cartas, de Paul Cézanne (posimpresionismo).
ARTE CIBERNÉTICO
Utilizando el ambiente y la cultura web como espacio y lenguaje de creación, diversos
artistas se lanzan en la búsqueda de una gramática de construcción del objeto de arte
más próxima a la sensibilidad del hombre contemporáneo.
El uso efectivo de los recursos que la tecnología cyber provee -luego de la superación
del efectismo propio de una primera aproximación- deviene interesantes propuestas
estéticas que involucran al sujeto-espectador como ejecutor -y en algunos casos sujeto
creador- de la obra, borrando de esta manera los límites del tiempo y del espacio, e
integrando las posibilidades de percibir y penetrar en la obra plenamente.
Esta sección recoge sólo algunas de las propuestas más importantes de
arte cyber:experiencias individuales, proyectos colectivos e institutos que auspician el
estudio y la creación del arte que usa como soporte y materia de trabajo la tecnología
informática de la Red.
 Cyberatlas Este proyecto es un esfuerzo por conquistar el Ciberespacio
como un ambiente propicio para la reflexión dedicada al arte. Se enc uentra
conformado por un conjunto de mapas interactivos, que representan la
propuesta
de diferentes curadores y artistas para la indagación de las posibilidades que
ofrece

36. el dominio digital. Este websitetambién ofrece ensayos críticos, y recorridos
hacia otros proyectos artísticos en línea. (Altamente recomendado).
-El cielo eléctrico
-Vida inteligente
 Brandon Project Es el producto del trabajo colectivo de diversos artistas e
instituciones museísticas. Su interés primordial radica en el uso acertado
del medio y los códigos de la Internet como herramienta para la creación de
una
obra de arte de gran atractivo plástico y conceptual. (Algunos de sus contenidos
no son recomendados para niños).
-Roadtrip episode
-Panopticon cell 5
-Panopticon cell 10
 California Institute of the Arts Este instituto es el líder mundial en las
actividades educativas y de investigación en el campo de la tecnología aplicada
al arte. Sus proyectos artísticos cuentan con autores de diversas culturas,
caracterizándose por el intercambio estético y cultural surgido entre ellos.
-The Multi-cultural Recycler
 Dia Center for the Arts Es una organización multidisciplinaria que aborda la
problemática del arte contemporáneo. Ubicada en la ciudad de Nueva York, se
propone como un vehículo para la realización de proyectos de artistas
extraordinarios, que no gozan del apoyo de las instituciones convencionales. Su
propósito fundamental es el de facilitar la exploración del potencial conceptual y
estético de la red.
-Artists' Projects for the web
 Blast Agencies Website que busca desarrollar relaciones con diversas
organizaciones, que en su mayoría tienen como objeto abordar los puntos
críticos de la práctica cultural en Internet.
-Jordan Crandall
 Kiasma El Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki, Finlandia, contiene en su
espacio virtual exhibiciones, proyectos interculturales, representaciones
teatrales,
baile, danza, música, arte difusor y funciones de cine. El mundo
deKiasma también
incluye coloquios, encuentros con artistas, festivales, seminarios, tertulias en la
cafetería, introducción a la red, descubrimientos en la librería, experimentos en

37. talleres, etc. Con la atención centrada en el presente, este espacio virtual
ofrece
la oportunidad de conocer reacciones y comentarios sobre los acontecimientos
y
expresiones culturales contemporáneas.
-Dada
 Fundación de Arte y TecnologíaAuspiciada por la Telefónica Española,
esta fundación es la encargada de la conservación, administración, gestión,
exhibición y difusión del patrimonio artístico, histórico, cultural y tecnológico de
la
Compañía. Entre sus funciones, se encuentra la gestión de la Colección
Histórico-
Tecnológica (evolución de las telecomunicaciones hasta final de los años 60)y la
Colección de Arte Contemporáneo (Chillida, Picasso, Tàpies), además de la
difusión
de un espacio propio para las obras artísticas en la red.
-Vida 2.0
-Arte Virtual
-Arte electrónico en España
-Sección experimental (Arte en la Red)
 Digital Biology Project Es una organización que intenta presentar la llegada del
mundo virtual como un cambio paradigmático en las experiencias del hombre
en la red, llevando el ciber-espacio más allá de una simple interfase, hacia la
transformación en un lugar propio.
Karl Sims Retrospective
 The Evolutionary Art of Steven RookeEn este website se puede encontrar la
reproducción de algoritmos genéticos como formas visuales de arte, partiendo
de la aplicación de los principios evolutivos de Darwin. Steven Rooke guía el
desarrollo estético de imágenes a través de eones virtuales de evolución
simulada por computadora a máxima velocidad.
 Foundation for Digital Culture Es una organización cuyo propósito es promover
y apoyar la cultura digital y el arte en línea. Busca fomentar la comunicación y
avanzar en el conocimiento de la cultura digital en varias de sus posibilidades:
referencia por contenido, política, organización y práctica. Incluso promueve a
sus miembros y los estimula a apoyarse mutuamente.
 Truly Virtual Web art Museum Este sitio muestra arte digital (arte
computarizado) transformado en ciberarte, o arte únicamente experimentado
y/o creado para la audiencia de Internet. Cuenta con galerías en tercera

38. dimensión, las cuales pueden visitarse después de hacer el recorrido por un
ascensor virtual. Presenta también otras formas artísticas, como pinturas al
óleo.
-The Pygoya Webmuseum
-The Rave Webmuseum
-O'Carney Webmuseum Theater
-Cyberculture Art Museum
 Lapses & Erasures Inspirada por el dibujo Erase De Kooning de Robert
Rauschenberg, Sawad Brooks ha transportado el concepto del dominio análogo
al digital. Lapses & Erasuresconsiste en cuatro secciones que ejemplifican las
desviaciones temporales y posibilidades de modificación que caracterizan el
lenguaje del medio digital. Los usuarios pueden añadir textos a las imágenes, e
incluso archivarlas para observarlas en un futuro.
 Omnizone (Mapping Perspectives of Digital Culture) Su ambición es presentar
mapeos de la cutura digital desde perspectivas individuales. Los participantes
de este proyecto son artistas, curadores, críticos, programadores, científicos,
investigadores y practicantes de otros campos, que han sido invitados con el fin
de aportar textos que substancien una visión critica de la cultura digital y sus
dinámicas, así como trabajos que funcionen como mapas en el espacio digital.
 Beyond Interface Es una exhibición en línea de la conferencia Museos y la Red
98. El evento, organizado por Steve Dietz, director de lasIniciativas del Nuevo
Medio en el Walker Art Center, proporciona una excelente selección de arte en
la red. Presenta ejemplos resaltantes de artistas cuyos trabajos se basan en la
actividad digital.
 Art Futura Intenta especular sobre el arte del futuro en el presente, y trata de
mostrar que en el mundo contemporáneo arte y ciencia discurren más que
nunca por caminos paralelos. El website intenta probar que ya no es posible
entender el arte desligado de los medios de comunicación y las nuevas
tecnologías.
 Land Escapes Exhibición de fotografía digital. Consiste en imágenes virtuales
con impresiones reales de las paredes de una galería. Esta exhibición incluye
recursos diseñados para extender la conexión entre el artista y el espectador
del arte en Internet.
 UCLA Universidad de Los Angeles, California, especializada en educación
superior en el campo del arte (literatura, música, cine, arquitectura, artes
gráficas, multimedia, diseño...). Ofrece más de 1500 seminarios, series de
lectura y programas especiales cada año, así como cursos para profesionales
del arte.

39.  Center for the Digital Arts Es un proyecto de UCLA, la escuela de arte y
arquitectura, destinado a la exploración de los nuevos medios de convergencia
y expresión digital entre las artes. El centro actualmente funciona con más de
novecientos estudiantes de los seis diferentes departamentos de la escuela
(Arquitectura, Arte, Diseño, Etnomusicología, Música y Cultura).
 Ken Musgrave Considerado como el "primer verdadero artista fractal", por
Benoit Mandelbrot, el padre de la geometría fractal, con quien trabajó como
programador en el departamento de matemática de la Universidad de Yale. Sus
obras representan "arte algoritmico" en su forma más pura.
 Jeffrey Ventrella Muestra como se desarrolla un sistema de arte evolutivo
basado en modificaciones de los esquemas básicos de la seriemandelbrot. Las
imágenes son efectivas y demuestran que hay más espacio para las
intervenciones artísticas en los confines de la imagineria fractal.
 Computer Artworks Establecido para fundir el famoso arte orgánico de Latham
con las innovantes tecnologías de Atkinson, en un software para el mercado
masivo. La primera manifestación de este arte orgánico generó la creación de
juegos de computadora; otros proyectos incluyen gráficos para cine, televisión,
música y moda.
 Simon Penny Artista australiano, teórico y profesor de arte. Sus obras consisten
en instalaciones interactivas y robóticas, las cuales han sido exhibidas en
Estados Unidos, Australia y Europa. Utiliza tecnologías electrónicas y
electromecánicas, computadoras, videos y equipos de vigilancia. Explora la
relación entre la tecnología y los cambios culturales y sociales.
 Laboratorio Encrucijada Proyecto que tiene como propósito poner al servicio de
los jóvenes artistas de toda Venezuela las diversas tecnologías digitales,al
tiempo que se hermanan los usos artísticos con la tecnología.

40. CONCEPTO Y CARACTERÍSTICAS
El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa
que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la
tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la
corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas.
Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las
rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible.
Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda
alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color,
la escala, el volumen o el espacio circundante.
Se habla de minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la
geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones,
principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se

41. definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto
que no querían sugerir nada más allá de sí mismos.
Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y
metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se
valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto
heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos
importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El minimalismo no
es metáfora ni símbolo de nada.
Las características básicas del estilo minimalista son:
- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato
- Economía de lenguaje y medios.
- Producción y estandarización industrial.
- Uso literal de los materiales.
- Austeridad con ausencia de ornamentos.
- Purismo estructural y funcional.
- Orden.
- Geometría Elemental Rectilínea.
- Precisión en los acabados.
- Reducción y Síntesis.
- Máxima sencillez.
- Concentración.
- Desmaterialización.
- Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.
- Carácter "opaco".
- Superficies enfáticas monocromáticas.