El documento resume la Edad Moderna (1492-1789) y el arte moderno, destacando que el Renacimiento y el Barroco fueron las principales corrientes artísticas. En el Renacimiento, artistas como Giotto, Masaccio y Botticelli aplicaron la perspectiva y representaron la profundidad en sus pinturas, marcando el inicio del arte moderno.

1. Gabriela Alejandra Mora Pereda
C.I. V-27391360
Caracas, Marzo 2019

2. LA EDAD MODERNA (1492 a 1789)
ARTE MODERNO
La Edad Moderna forma parte de los períodos importantes que dividen la historia universal de la humanidad. Fue una etapa que se
desarrolló después de la Edad Media a lo largo de los siglos XV y XVIII, y fue antecesor a la época contemporánea. Este es un período
de la historia mundial, especialmente aplicado a la cultura occidental y al capitalismo, en que prevalece la modernidad como proyecto
de sociedad.
El Renacimiento y el Arte Barroco son las principales corrientes artísticas de la Edad Moderna.
Características generales:
• Época de grandes Revoluciones: Las consecuencias del Descubrimiento de América van a suponer la llegada de grandes riquezas
a España, esto hace que la economía sea más floreciente.
• Aparición de dos movimientos importantes : Renacimiento y la Reforma Protestante
• Inicio del método – científico y los experimentos clínicos. Pero ante todo, ese conocimiento, esa búsqueda de la verdad, ese
pensamiento lógico que permite discernir, descifrar, aclarar y enjuiciar lo que vemos, lo que escuchamos y lo que sentimos.
Comienza así, el impulso los grandes descubrimientos geográficos, desarrolló notablemente las artes, las letras y las ciencias, en
los ámbitos económicos, políticos y sociales, todo ello en un periodo de iluminación, claridad e intelectualidad.
• Secularización y aparición de los estados modernos. Se identifico como el Siglo de Las Luces, La Era de la Razón porque
enfatizaba ante todo la claridad, la iluminación, la búsqueda de la verdad, la libertad y la autonomía, a través del pensamiento
racional, del conocimiento, de la lógica, de desafiar cualquier creencia sin antes comprobarla o experimentarla, destruyendo así la
superstición, el ocultismo y la intolerancia religiosa. Se caracterizó por encontrar un sentido antropocéntrico de la vida, es decir
hombre-naturaleza como objetivos centrales.
ANTECEDENTE EDAD MODERNA

4. EL RENACIMIENTO Y EL ARTE RENACENTISTA
El Renacimiento fue un movimiento cultural de enorme importancia para el desarrollo de la humanidad. Nació en Italia hacia el siglo
XIV, y en Alemania en el siglo XV y luego en toda Europa en el siglo XVI. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad moderna; se
considera un movimiento que puso fin a la edad media y comienza con los turcos con la conquista de Constantinopla en el año de
1453. Igualmente, se considera que hubieron dos hechos que marcaron el inicio de este período, la invención de la imprenta con
Johannes Gutenberg, lo cual significo la expansión de la literatura y la cultura; y la concepción heliocéntrica de Copérnico, es decir, un
modelo astrológico que sitúa a la tierra y al resto de planetas, orbitando alrededor del sol, donde el sol se plantea como centro del
universo, descartándose la creencia de que la tierra era el centro del universo.
Por todo esto, se le considera al renacimiento, un movimiento de renovación y reactivación del conocimiento y el progreso, ambos
detenidos debido a la mentalidad que se había venido imponiendo durante la Edad media. Sustituyendo el teocentrismo (Dios es el
centro del Universo) medieval por el antropocentrismo (el hombre es el centro del Universo).
En el arte, el Renacimiento se retomaron elementos legados por las culturas clásicas, volviendo a los valores de la cultura de la
antigua Grecia y la antigua Roma. El Renacimiento italiano comienza en el siglo XIV y alcanza su esplendor en el siglo XIV hasta
mediados del siglo XVI. Sus centros, en orden de expansión, fueron: Florencia, roma y Venecia, difundiéndose por Flandes, Francia,
Alemania y España.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO:
• PRE-RENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período gótico europeo (entre los siglos 13 y 14 de
nuestra era).
En las artes se aprecia en Italia la aplicación de algunos conceptos y tendencias que algunos artistas en el periodo del gótico tardío
habían ya planteado y que se ubicaban muy bien con los nuevos cambios que se querían implementar. Así toman del pintor Jean Van
Eyck su conceptualización de la pintura a través de mensajes ocultos y pistas. Los pintores del gótico tardío (el que se desarrolló entre
finales del siglo XIV y principios del XV) comenzaban a preocuparse por la naturalidad de las posturas y por las perspectivas. A
menudo se olvida que antes del esplendor renacentista que llegó un siglo después, en torno al año 1400 se gestaron las condiciones
idóneas para que tuviera lugar una de las eras artísticas más prósperas de la historia del arte.
JEAN VAN EYCK, Nació en 1390, en Maaseik cerca de Mastrique, Países
Bajos. Está reconocido como uno de los más importantes pintores
europeos del siglo XV enmarcado dentro del llamado Prerrenacimiento o
gótico tardío que diera paso al Renacimiento
LA VIRGEN EN LA IGLESIA
1438 y 1440, muestra a la Virgen María con el Niño Jesús en brazos en
una catedral gótica.

5. LA PINTURA EN EL PRE-RENACIMIENTO O TRECENTO
Uno de los precursores de la Pintura renacentista fue principalmente Giotto en el Trecento. En este período la herencia bizantina se
mezcla con cierto realismo, los colores utilizados son claros, predominando las líneas curvas y suntuosas, buscando dar volumen a las
imágenes en fondos dorados y decoraciones paisajistas.
El arte de Giotto fue extremadamente innovador. Representó a la figura humana con líneas amplias y redondeadas, en perspectiva, y
abandonó la figura plana y bidimensional de los estilos gótico y bizantino. La dotó de volumen, peso y naturalismo, lo que indica una
mayor preocupación por el naturalismo. Sus composiciones son de profunda emotividad, capta personajes en crisis, bajo presión o
tomando gravísimas decisiones espirituales.
Otro gran representante fue Duccio Buoninsegna, precursor del estilo internacional y/o del arte gótico tardio. En sus obras se observa
la exaltación cromática, la representación del movimiento y belleza en las líneas. Prefiere dotar a su figuras de elegancia y belleza, visten
refinadamente, y los accesorios están trabajados con suma exquisitez, concede importancia a los efectos decorativos.
Anuncio del Ángel a santa Ana, 1303-1305, fresco, Giotto di
Bondone (Padua, capilla Scrovegni, muro sur de la nave).
Giotto di Bondone Colle di Vignapiano, República de
Florencia 1267-1337
Duccio di Buoninsegna , Siena 1255 - 1319
La resurrección de Lázaro
Témpera y oro sobre tabla43,5 cm × 4 cm
Museo de Arte Kimbell, Fort Worth,
Flag of the United States.svg Estados Unidos

6. LA ARQUITECTURA EN EL PRE – RENACIMIENTO O TRECENTRO
Las catedrales de tipo salón cruciforme con pórticos esculpidos y ventanales con vidrieras polícromas, fueron el tipo principal de
edificio del gótico pleno, mientras que en el tardío sobresalen otro tipo de edificios con funciones distintas a las anteriores, algunos de
los cuales son eclesiásticos y otros seglares (lonjas, palacios, hospitales, etc.
De esta época es “Santa Croce” de Florencia (Italia), un ejemplo de iglesia de predicación franciscana. Su construcción se inició
en 1294 bajo la probable dirección del renombrado maestro arquitecto y escultor florentino Arnolfo di Cambio. Tiene tres naves,
estando la central cubierta con techumbre plana de madera y un ábside poligonal, separado de la nave por un arco de triunfo, al igual
que ocurría en la primeras basílicas paleocristianas de los siglos IV al VI, lo que nos remite a su más claro precedente, que son los
arcos triunfales de la antigua Roma. Claro que este arco es ojival, no de medio punto como los romanos. Realizada principalmente
por los arquitectos Filippo Brunelleschi y Arnolfo di Cambio,; intterviniendo posteriormente para la realización de retoques en el siglo
XIX Niccola Matas
Filippo Brunelleschi,
1377 – 1446, Florencia,
Italia
La concepción del espacio
interior es casi de salón, ya
que la nave central y las
laterales están separadas por
esbeltos pilares octogonales y,
como la arcada principal es
alta y el piso superior pequeño,
produce la impresión de
grandiosidad y amplitud, pero
no de verticalidad, tan
característica del gótico
francés.
Arnolfo di Lapo, (1232 o 1245 –
1310) fue un arquitecto y escultor
florentino
“Santa Croce” de
Florencia (Italia)

7. LA ESCULTURTA DEL PRE- RENACIMIENTO O TRECENTO
En este periodo, la escultura se ha independizado completamente de la arquitectura, lo que no excluye que siga muchas veces
relacionada con ella y que muchos arquitectos sigan siendo escultores, mientras gente con este otro oficio usual se encargue de
empresas constructivas importantes. Las grandes portadas que caracterizaron los siglos XII y XIII han ido desapareciendo.
La escultura realizada en piedra ya era parte de la naturaleza en las portadas avanzadas del siglo XIII. Sigue existiendo, ubicadas,
pero se hacen más palpable la realización de esculturas en madera y mármol por lo menos a partir del siglo XV. En la Península Ibérica,
la madera policromada es el principal material . En Cataluña o Aragón, sin embargo, el alabastro y afines no se usan tan sólo en
sepulcros, sino también en retablos. En Francia, por el contrario, es más abundante la piedra. En los Países Bajos, la existencia de una
madera de gran calidad la convierte en material preferido. Excepcionalmente, también se fabrican piezas de metal, incluso de grandes
dimensiones para sepulcros y grupos.
Los temas de las esculturas, son casi en su totalidad religiosos, si tenemos en cuenta que los sepulcros, pese al retrato del difunto,
también lo son. Lo profano se refugia en zonas marginales. Desde el punto de vista de la forma, la escultura no presenta una evolución
tan matizada como la pintura. Se habla ocasionalmente del estilo internacional. En contraste surgen dos corrientes, una donde el
naturalismo abarca tanto los rostros de los personajes y a los objetos; y la segunda, donde la elegancia antigua puede hacerse más
amanerada o delicada, la figura se quiebran o se dobla y los rasgos se hacen extremadamente amables.
Púlpito exterior de la catedral de Prato, 1428
Museo dell'Opera del Duomo (Prato)
Donato di Niccolò di Betto Bardi, Florencia, Italia, 1386-I
1466), fue un artista y escultor italiano de principios del
Renacimiento, uno de los padres del periodo

8. • QUATTROCENTO:
La división entre Quattrocento y Cinquecento puede resultar a veces arbitraria, puesto que es imposible marcar una fecha concreta
para el arranque de lo que hoy llamamos Renacimiento. Muchos de los artistas renacentistas participan de ambos períodos, que remiten
respectivamente a dos siglos diferentes, el siglo XV y el XVI. Lo que si es cierto es que su centro cultural es la ciudad.
En este periodo es donde se inicia en Italia el renacimiento y se observa el apego por las pautas clásicas en el arte; las obras poseen
un gran sentido del equilibrio y la armonía., se produce una transformación radical del arte y del artista con una explosión de temáticas
diferentes.
En la segunda mitad del siglo XV, algunos mercaderes y banqueros florentinos cayeron en la cuenta de que su poder y su gloria
decayeron cuando los bárbaros liquidaron el Imperio Romano. Su renacer se ligaba, por tanto, a la nueva grandeza de Roma. Y la
ciudad que asistió entusiasmada a este estallido reivindicativo fue la bella Florencia, la cuna de Dante y del pintor Giotto, en la que reinó
como maestro indiscutible el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446). La monumental cúpula de la catedral -abovedada, sin cimbras,
plena de belleza y armonía-, que Brunelleschi empezó construyendo en estilo gótico y que remató con lo que sería el símbolo
indiscutible del Renacimiento, deslumbró a los jóvenes artistas florentinos.
La pintura en el Quattrocentro
En la pintura de este período se aprecia la aplicaron en los cuadros la perspectiva, representando la profundidadEnmtre los
representantes más sobresalientes, podemos mencionar a Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Paolo
Uccello, Filippo Lippi y Andrea Mantegna.
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado
Masaccio 1401 –1428) , Roma. Fue un pintor cuatrocentista
italiano. Y a pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo
una importancia decisiva en la historia de la pintura.
Generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la
pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas
por Brunelleschi
La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal , 1425-1428, Capilla
Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia.
Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se
narra en Génesis, 3

9. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli
(Florencia, 1 de marzo de 14451​-Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un
pintor del Quattrocento italiano. Pertenece, a su vez, a la tercera
generación cuatrocentista, encabezada por Lorenzo de Médici el
Magnífico y Angelo Poliziano.
El nacimiento de Venus (1482-1485) es obras cumbre del maestro florentino y
del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm
de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia
Andrea Mantegna (Isola di Carturo, actual Piazzola sul
Brenta, ca. 1431 – Mantua, 13 de septiembre de 1506) fue
un pintor del Quattrocento italiano.
Lamentación sobre Cristo muerto, 1470-1474, Pinacoteca
de Brera, Milán. La figura humana clásica será una de sus
obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de perfectas
proporciones, sólidos y de gran expresividad.

10. La Arquitectura en el Quattrocento
El Quattrocento italiano creó una nueva arquitectura que rompió decididamente con las formas góticas imperantes en Italia hasta el
siglo XV. El inicio de esta arquitectura lo expresó Filippo Brunelleschi, llamado padre del renacimiento. Los fundamentos de la primera
arquitectura renacentista fueron la medida, la proporción y la razón, tomados de la civilización grecorromana. La ciudad de Florencia
fue el centro artístico en el que cristalizaron los principios de la primera arquitectura renacentista.
Entre sus principales características resaltan, la aplicación de órdenes clásicos en columnas, pilastras y entablamentos; el uso de
arco de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas; la búsqueda de la proporción y del espacio único; sus motivos decorativos clásicos
son los medallones, los candeleros y la luz racional. Entre los arquitectos mas relevantes de este pereíodo, podemos mencionar a
Antonio Di Pietro Averlino, León Battista Alberti, Jacopo Barozzi, Michelozzo di Bartolomeo y Giuliano Sangallo.
Leon Battista Alberti (Génova, Italia, (1404 - 472) fue
un arquitecto, secretario personal (abreviador
apostólico) de tres papas, Eugenio IV, Nicolás V y Pío
II. Alberti fue el primer teórico artístico del
Renacimiento
En 1447 se le encarga la construcción del Palacio
de la familia Rucellai. Su intervención en él se
centra en la fachada, sobre una base que imita el
opus reticulatum romano, realizada entre 1450 y
1460, y formada por tres planos superpuestos

11. Giuliano da Sangallo, (Florencia h. 1445 -
1516), fue un arquitecto, tallista, ingeniero
militar y escultor italiano
SANTUARIO DE SANTA MARIA DELLE
CARCERI. Las obras empezadas en 1486
fueron llevadas a término en 1495, dejando
inconcluso el revestimiento exterior, que adopta
la tradicional bicromía (verde de Prato y caliza)
en formas originales que encuentran verificación
en obras florentinas

12. La escultura en el Quatocento
La escultura reflejará perfectamente la nueva mentalidad del Renacimiento, recuperando las formas clásicas, el interés por el ser
humano y la vuelta a la naturaleza. Donatello: David, 1440 Ghiberti: Puertas del Paraíso, Florencia. Escenas de Adán y Eva, 1425-52.
Inspiración en la naturaleza, tanto en el propio cuerpo humano (idealizado), como en la representación del relieve. Los artistas no
se inspirarán en la tradición ni en los modelos de sus maestros, sino que lo harán directamente en la naturaleza, recuperando valores
como el modelado e incorporando la perspectiva. Supone un reto del propio artista frente al pasado, por lo que los artistas deben
conocer diferentes ciencias como anatomía, botánica, óptica, matemáticas.
Recuperación de aspectos clásicos tales, como la armonía basada en la proporción y las matemáticas. La armonía y la perfección
se lograrán mediante la integración de cada parte en el todo de acuerdo con rigurosas proporciones matemáticas y el uso de estrictos
cánones. Miguel Ángel: David, 1501, el Policleto con El Doríforo. y Donatello con Condottiero Gattamelata, 1453
Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y
murió en 1482. Introducirá la técnica de la terracota esmaltada que se hará muy
popular en su época, pudiendo ser utilizada en espacios interiores y exteriores. Los
colores dominantes son el blanco principalmente para las figuras y el azul para los
fondos
“Madonna con el Niño” (Terracota esmaltada, 1455-60, Museo
Nazionale del Bargello, Florencia). Se trata de uno de los ejemplos de
Madonna más conocido de della Robbia, el gesto sereno de la Virgen,
el equilibrio, hacen del artista uno de los seguidores más fieles del
Clasicismo greco-romano al tiempo que es un autor ya plenamente
Renacentista.

13. Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni,
conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, 1435-1488) fue un pintor,
escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en
Florencia.
El David de Andrea del Verrocchio es una estatua de bronce, que
probablemente fue realizada entre 1473 y 1475. Fue un encargo de la familia
Medici.1​ La estatua representa al joven David, futuro rey de los israelitas, en
una pose triunfante con la cabeza cortada de Goliat a sus pies.
Giovanni di Antonio di Banco, conocido más comúnmente como
Nanni di Banco (Florencia, c. 1390-1421) fue un escultor italiano.
Reaccionó contra el manierismo tardo-gótico, dirigiendo su
investigación hacia la antigüedad, de la que tomó las expresiones
más moderadas y solemnes.
Cuatro Santos coronados, en la iglesia de Orsanmichele
1412 -1416. La apariencia de los retratos imperiales romanos se hace
visible en la presencia de las figuras, de sus vestidos y en los gestos
solemnes de los santos que, colocados en semicírculo

14. Cinquecento
El siglo XVI es el momento del pleno Renacimiento. Como centro del arte la ciudad de Roma. El cinquecento tuvo su centro en la
Roma de los papas, a diferencia del quattrocento cuyo centro fue la Florencia de los Medici. Los artistas más destacados del periodo
inicial del Cinquecento italiano fueron Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel. Los artistas importantes reciben encargos para
decorar las estancias papales.
Este supone la culminación del proceso renacentista y al mismo tiempo su crisis. La suprema perfección obtenida en los últimos
años del siglo XV, que es la expresión adecuada al optimismo humanista y asu visión de un mundo en orden, encuentra su forma
perfecta en el equilibrio de Rafael y del joven Miguel Angel. Es un mundo de belleza, equilibrio, grandiosidad y orden.
Frente al sentido menudo y múltiple del Quattrocento se buscan formas severas y monumentales y una sensación de rigor, plenitud,
y unidad lo llena todo. Pero el mundo no era en modo alguno perfecto y pronto el panorama europeo comienza a presentar aspectos
confusos y dramáticos. A la par que los descubrimientos geográficos y científicos obligan a replantearse la ordenación de los
conocimientos establecidos, la reforma religiosa cuestionaba verdades hasta entonces aceptadas, y la economía europea se
desajustaba de modo muy grave.
La pintura en el Cinquecento
El Alto Renacimiento se caracteriza por ser una arte armónico y reposado, con una técnica superior en el manejo del color y la
perspectiva. Se destaca el naturalismo en las figuras y la expresividad de los rostros, así como la simplicidad y el orden en la
composición. Los artistas mas reconocidos de este periodo son Leonardo Da Vinci, Rafaele, Sanzio, Miguel Ángel, Tiziano.
Leonardo Da Vinci, 14522-1519, Florencia. Artista,
pensador e investigador italiano que representa el modelo
del hombre del Renacimiento. Son composiciones muy
estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un
cierto halo de misterio, en las que la gradación del color
contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas
introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir
de los contornos nítidos de la pintura del «Quattrocento»
Mona Lisa (Gioconda). Es un óleo sobre tabla de álamo, pintado entre 1503 y 1506. Su
ejecución acusa ciertamente una técnica minuciosa y reiterada, en la que es imposible de
distinguir la individualidad de las pinceladas. Los ojos tienen una brillantez lustrosa y los
matices de la figura están realizados en colores pálidos, rosados y grises... Las pestañas
y las cejas están perfectamente diseñadas, lo cual implica una gran técnica y mucha
dificultad.

15. Arquitectura del Cinquecento
Durante los dos primeros decenios del siglo XVI, Cinquecento, se unifica y regulariza el nuevo lenguaje que hemos visto surgir en
el Quattrocento: es decir, la recuperación de la Antigüedad clásica y la formulación de nuevos sistemas de representación de la
naturaleza y del hombre. Es lo que se conoce con el nombre de clasicismo renacentista.
Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son características principales de las
edificaciones cinquecentistas clasicistas, como se puede apreciar claramente en las obras de uno de sus principales representantes,
Bramante. Se emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la conjugación de
las formas y el manejo de la luz .
Ésta va a ser una época de grandes construcciones y de grandes autores asimismo; a lo largo de este siglo XVI se inicia el
desarrollo y ejecución de uno de los más importantes planes arquitectónicos como será el destinado a la creación de la basílica de San
Pedro del Vaticano.
La basílica papal de San Pedro, conocida
comúnmente como basílica de San Pedro, es un
templo católico situado en la Ciudad del Vaticano.
La basílica cuenta con el mayor espacio interior
de una iglesia cristiana en el mundo, ​ presenta
193 m de longitud, 44,5 m de altura, y abarca una
superficie de 2,3 hectáreas.
La construcción del actual edificio, sobre la
antigua basílica constantiniana, comenzó el 18
de abril de 1506, por orden del papa Julio II, y
finalizó el 18 de noviembre de 1626.6​ En ella
trabajaron algunos de los arquitectos más
renombrados de la historia, como Donato
Bramante, Miguel Ángel o Bernini.

16. Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483-
Roma, 6 de abril de 1520), fue considerado un
niño prodigio por su precoz habilidad y por su
elegancia en los dibujos y colores
LA ESCUELA DE ATENAS. Pintura al fresco: (1508-
1511).
Museo Vaticano. Roma. Italia. Esta pintura nos ofrece
una magistral composición inspirada en edificios
clásicos romanos y en los proyectos bramantescos de
la basílica de San Pedro.
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo
de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564),
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de
setenta años entre Florencia y Roma
EL JUICIO FINAL
Pintura mural. Fresco, Capilla Sixtina, Vaticano,
Roma Lo integran unas 400 figuras, concebidas como
una composición unitaria, carente de
compartimentaciones arquitectónicas y dividiéndola
en cuatro registros horizontales de figuras.

17. Andrea (Padua, 1508 - 1580) fue un
importante arquitecto italiano de Venecia.
Trabajó en la ciudad de Vicenza y en la
misma Venecia. Se le considera el arquitecto
que tal vez mejor supo actualizar la herencia
de las formas clásicas con la realidad del
momento central del Cinquecento
La Basílica Palladiana 1549., s un edificio
renacentista situada en la Piazza dei Signori en
Vicenza, localidad situada al Noreste de Italia.
Su elemento arquitectónico más importante es
la logia que posee y que constituye uno de los
primeros ejemplos de lo se conoce como
ventana palladiana
Logia
Donato di Pascuccio conocido como Bramante 1444-
Roma, 1514), arquitecto italiano, que introdujo el estilo del
primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en
Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la
Basílica de San Pedro.
El templete de San Pietro in Montorio es obra del arquitecto
cinquecentista Bramante, que fue erigido hacia 1502 - 1510 en
uno de los patios del convento franciscano homónimo en Roma,
actual Academia de España en Roma.

18. La escultura en el Quattrocento
La escultura en este período, continúa con el sentido clasicista del Quattrocento, es decir, el equilibrio, la armonía, los temas que
conservan la simbiosis entre motivos sacros y mitológicos.
Se presenta en las esculturas, una creciente tendencia al movimiento agitado y a la monumentalidad encuentran su mejor ejemplo en
la obra de Miguel Ángel.
Características de la escultura de Miguel Ángel :
• Grandiosidad
• Interiores apasionados que se reflejan en los rostros
• Anatomías llenas de tensión y dinamismo contenido
• Expresividad que conocemos como terribilitá (fuerza potente)
La Piedad de Rondanini. Ultima obra.
Mármol. En el castillo de los Sforza en
Milán.
Es la última de la serie con esta
temática, cuyo patetismo, que puede
considerarse como anticipo al Barroco,
está lejos de la serenidad clásica
renacentista de su primera obra.
Estas últimas obras muestran una
gran religiosidad, fruto de una crisis
interna. De todas sus esculturas es la
mas trágica y misteriosa.
El Moisés. (1509) En
mármol blanco, realizada
para la tumba del Papa
Julio II, en la Iglesia de San
Pietro en Vincoli, Roma.
Forma parte de un retablo
con siete figuras.
La Piedad. (1489-1499)
Mármol. Basílica de San
Pedro en Roma. En esta obra,
Miguel Angel, rompe con la
iconografía clásica de estas
representaciones, y esculpe
una virgen serena,
concentrada y
extremadamente joven

20. Manierismo
Tiene como punto de partida la obra de Miguel Ángel. El nombre de manierismo procede del término italiano “maniera”. Es decir
“a la maniera” propia y personal con la que Miguel Ángel interpreta y emplea las fórmulas clásicas contradiciendo e invirtiendo los
términos.
El arte se vuelve sobre sí mismo y se hace caprichoso, imaginativo y extraño. Se pierde la claridad renacentista y se hace
tortuoso y difícil de entender por su carga intelectualizada, que traduce muchas veces un evidente pesimismo. Solo Venecia, que
mantiene su predominio económico y tarda tiempo en ver las consecuencias de la crisis, mantiene un arte apoyado en la realidad
visible y en el gozo de los sentidos, que por su carga de inmediata sensualidad y confianza en el mundo será de enorme
trascendencia cuando, con el naturalismo barroco, se pretenda volver a la conformidad con la realidad.
Las grandes figuras del clasicismo, Miguel Ángel, Rafael, Palladio, Tiziano, rompen con los esquemas constructivos y visuales del
estilo, para desembocar en una reacción anticlásica que llamamos Manierismo.
El manierismo va dirigido a los que conocen el lenguaje clasicista y entienden y gustan de su transgresión. A partir de 1520, una
serie de acontecimientos influyen en la crisis de el clasicismo renacentista:
• La Reforma protestante.El tiunfo de la reforma y la división de la cristiandad.
• Los coflictos entre el Imperio y el papado. El "Sacco di Roma".
• Las luchas entre Francia y España por la hegemonía en Europa que tienen por escenario Italia.
• El optismismo sobre los valores humanistas se quiebran.
En el terreno artístico se produce una ruptura en relación con el lenguaje clásico.
En arquitectura
• Se manipulan los órdenes clásicos para establecer nuevos ritmos.
• se utiliza la asimetría.
• Se alteran las proporciones.
• No se tiene en cuenta la correlación entre las partes y el todo.
En escultura
• El uso de la forma serpentinata.
En pintura
• Desproporción.
• Uso arbitrario del color.
• Tratmiento irreal del espacio.
• Luces irracionales.
• Composiciones complejas.
Retrato de Rodolfo II en traje de
Vertumno de Giuseppe Arcimboldo,
1590

21. Madonna del cuello largo . 1535-1540, óleo sobre tabla, 214
x 133 cm, Galería de los Uffizi, Florencia. Se caracteriza por la
arbitrariedad en el uso del color y las
Las proporciones anatómicas se alteran a su voluntad. El
alargamiento de las figuras es constante.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parma, 1503 - 1540),. Fue un pintor
italiano, considerado uno de los máximos
exponentes del manierismo.
"Ío y Zeus“1531–1532, Las figuras
está constreñidas en marcos
estrechos, lo que acentúa las
expresiones angustiadas.
La utilización de fondos negros, en
los que se representan las figuras
como auténticos objetos-luz, nos
anuncian en Barroco.
Antonio Allegri da Correggio,
conocido como Correggio
(Correggio, 1489 –1534, fue un
pintor italiano, de la escuela de
Parma que se desarrolló en la
corte de los Farnesio durante el
apogeo del Manierismo en Italia.
La Pintura en el Manierismo

22. La Arquitectura en el Manierismo
Palacio del Té, construido entre 1524 y
1534 se observa la arbitraria alteración de
la correspondencia entre las partes y el
conjunto del edificio, con lo que rompe la
lógica de las relaciones espaciales y se
provoca la desintegración de la estructura
renacentista.
Giulio Pippi (Roma, 1499 - 1546) ,
fue un arquitecto y decorador
italiano del Siglo XVI
Baldassarre Peruzzi , Siena 1481 1536u.
Fue un pintor y arquitecto italiano del
Renacimiento,.
Villa Farnesia de Roma, 1509, es considerada el punto de
partida de la arquitectura manierista. Se trata de un edificio
cerrado al exterior y abierto en la parte posterior, mediante la
disposición de una planta en U. Las alas laterales se alargan
hacia el jardín, permitiendo que arquitectura y naturaleza se
fundan y adquieran un tratamiento unitario.

23. La Escultura en el Manierismo
Jean Boulogne, Florencia 1529 -1608, conocido en Italia
como Giambologna, fue un escultor flamenco que trabajó
en la Italia de finales del Renacimiento.
El Rapto de las Sabinas, 1579.
Hay preferencia por la figura “serpentinata”,
contorsionada con artificio de formas que dibujan la
ascensión helicoidal.
Benvenuto Cellini (Florencia, 1500 - 1571) fue un
escultor, orfebre y escritor italiano.
Perseo con la cabeza de Medusa, 1545 – 1554. Es
considerada una de las obras cumbre de la escultura
manierista. La tendencia al desgarramiento propio de
este estilo aparecen en la exagerada musculatura de
Perseo

25. ARTE BARROCO
El arte barroco es un importante movimiento cultural y artístico que abarca aspectos políticos, sociales y religiosos. Es considerado
como una continuación del manierismo italiano, el cual logró sobrevivir hasta mediados del siglo XVI. Es uno de los estilos más
complicados que manifiesta agitación y movimiento en cada una de sus obras. Esta denominación se usa para clasificar a las expresiones
plásticas que tienen un estilo contrario al clásico.
Este es uno de los periodos más importantes de la historia occidental ya que contribuyó en la construcción de la identidad europea que
buscaba una forma de escapar del clasicismo proveniente del Renacimiento. Además, jugó un papel importante en los conflictos religiosos
que se daban en la época pues se enfrentó a los protestantes quienes construían edificios sencillos y humildes para los cultos con
construcciones elegantes, majestuosas y complejas, se podría decir que el arte barroco actuó como la expresión estética de la
Contrarreforma., a lo cual se suman que está fue una época de guerras y por consiguiente de mucho dolor.
Características del período Barroco:
• Arte rebuscado y exagerado
• Valorización del detalle
• Dualismo y contradicciones
• Obscuridad, complejidad y sensualismo
La Pintura Barroca
La pintura Barroca, se caracterizó por sus figuras llenas de claroscuros y expresión. Utilizaron la pintura al óleo ; se pierde la tendencia
lineal y simétrica, los artistas utilizaron más libertad en sus colores y movimientos. Pintaron temas como paisajes, naturaleza muerta y
hombres. Entre los artistas mas importantes, se mencionan Diego de Velázquez, Caravagio, Pedro Pablo Rubens, Gian Lorenzo Bernini,
José de Ribera, pintor y grabador español. Francisco de Zurbarán, Rembrandt, y Artemisis Gentileschi.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1606-1669.
Fue un pintor y grabador neerlandés. La historia
del arte lo considera uno de los mayores maestros
barrocos de la pintura y el grabado.
El rapto de Europa, 1632. Óleo sobre tabla. Esta obra se
ha considerado «un brillante ejemplo de la Edad de Oro
de la pintura barroca

26. Artemisia Lomi Gentileschi , Roma 1593-
1654. Fue una pintora barroca italiana,
representante del caravaggismo o
claroscuro.
Judith decapitando a Holofernes, 1620, Galería de
los Uffizi, Florencia. Esta obra caracteriza la
violencia del período del arte barroco
Peter Paul Rubens Imperio Romano Germánico, actual
1640 ​ Fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su
estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la
sensualidad del Barroco
Retrato ecuestre del duque de Lerma, 1603, Museo del Prado, Madrid. Obra
realizada durante la primera visita de Rubens a España, en 1603. Museo de Prado,
Madrid

27. La arquitectura barroca floreció entre finales del siglo XVI y mediados del siglo XVIII. El estilo arquitectónico que surgió en Italia
pronto se extendió al resto de Europa y por el siglo XVII el estilo barroco español (también conocido como churrigueresco) llegó a
América Latina.
La Arquitectura prevalece sobre cualquier otra manifestación artística, y escultura y pintura colaboran en el efecto plástico del
conjunto. Las formas abandonan las líneas rectas y superficies planas por las ondulantes. Los muros se quiebran y ondulan, se
rompen frontones y entablamentos y se describen curvas, espirales; las reglas que seguía la arquitectura en el Renacimiento,
desaparecen.
En el barroco la arquitectura va, frecuentemente, unida al urbanismo. Los edificios más representativos son los civiles, con
interiores recargados de decoración, plantas complicadas y originales soluciones para las cubiertas. El palacio es el típico edificio de
vivienda urbana para las familias poderosas. Se caracteriza por sus fachadas dinámicas, con curvas y contra curvas, y el juego de
luces y sombras, en los que se resaltan las piezas principales. También se crean jardines. Hay un gusto por la belleza de la naturaleza
mejorada y ordenada del típico jardín francés.
Las características básicas de la arquitectura barroca son:
• El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo.
• El papel del movimiento dinámico y la luz, como elementos determinantes de la misma.
• La creación de nuevas tipologías para edificios concretos.
• El gusto por lo infinito, por lo teatral, y lo efectista.
• El uso de la línea curva tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
• Utilización de materiales ricos para dar mas sensación de ostentación.
La Arquitectura Barroca
El palacio de Versalles 1660, uno de los grandes palacios
construidos es el mejor ejemplo de arquitectura barroca
secular.
Jules Hardouin-Mansart París,
1646 –1708, arquitecto francés,
uno de los más importantes del
siglo XVII europeo, considerado
la cumbre de la arquitectura
barroca en Francia

28. El palacio de Schönbrunn es una
antigua residencia de verano de los
reyes de Habsburgo que fue construido
en estilo barroco tardío.
Johann Bernhard Fischer von Erlach (1656 - 1723)
fue un arquitecto y escultor austriaco. Ejerció gran
influencia en la arquitectura barroca europea. Sus ideas
influyeron profundamente en los gustos arquitectónicos
en todo el Imperio Habsburgo
Doménico Trezzini (1670- 1734) , fue un arquitecto suizo
que desarrolló el Barroco Petrino de la arquitectura rusa. El
barroco petrino​ es el término utilizado por los historiadores
del arte para designar, al estilo artístico y arquitectónico
barroco, adoptado por Pedro el Grande
El Palacio de Invierno fue construido como
residencia de Pedro el Grande en San
Petersburgo, Rusia entre1765 y 1769. Fue
llamado el estilo barroco petrino

29. La Escultura Barroca
La escultura de este período está llena de decoraciones con gran movimiento y dinamismo, sus imágenes mostraban pasiones
violentas y exaltadas. Introdujo diferentes contenidos religiosos y morales que cambiaron la forma de expresarse. Predominaban los
temas religiosos, hicieron del realismo una de sus principales características, y crearon imágenes vestidas con minuciosidad. El
principal cliente de la escultura barroca fue la iglesia católica y luego la corte. Fabricadas principalmente en madera policromada sus
obras son utilizadas en los pasos de Semana Santa.
Los artistas que destacan son , Gian Lorenzo Bernini, Borromini , Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo,
etc.
Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), juzgado el mejor
escultor barroco italiano, artista polifacético. Sus obras
se caracterizan por naturalismo prodigioso, llenas de
movimiento, con amplios ropajes agitados, predominio
de líneas curvas y diagonales, en las que el artista
capta la expresión de los sentimientos.
El Éxtasis de Santa Teresa. Fue realizada entre 1647 y
1651. está considerada una de las obras maestras de la
escultura del alto barroco romano.

30. Gregorio Fernández 1576 -
1636, fue un escultor español
del Barroco, máximo
exponente de la escuela
castellana de escultura.
Bautismo de Cristo
1630. Museo
Nacional de Escultura
de Valladolid
Francisco Salzillo (1707-1783), escultor
barroco que trabajó en Murcia. Su obra se
caracteriza por la elegancia, el gran
movimiento y la expresividad
La Oración del Huerto. Obra maestra de
Salzillo (1754) perteneciente a la Cofradía de
Nuestro Padre Jesús Nazareno de Murcia.