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1. 1- DIFERENCIA ENTRE ARTE MODERNO Y ARTE CONTEMPORANEO
- CONTEXTO EN EL QUE SE DESARROLLO (SOLO UNO DE ELLOS (ARTE MODERNOARTES
CONTEMPARANEO)
- PERIODOS
- MAXIMOS EXPONENTES
- CARACTERISTICAS: PINTURA, ESCULTURA Y ARQUITECTURA
- LAS REPRESENTACIONES EN QUE SE BASABA
2- ANALICIS DE UN REPRESENTANTE
- BIOGRAFIA
- SUS REPRESENTACIONES MAS DESTACADAS
- SELECCIÓN DE UNA OBRA DEL AUTOR Y REALIZAR UN ANALISIS:
PASOS PARA HACER EL ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE
- LA IDENTIFICACIÓN
- LA INTERPRETACIÓN
- LA HISTORIA DE LA OBRA PARA ANALIZARLA
- ESTILO O MOVIMIENTO
- USO DEL COLOR, FORMA Y TECNICA
¿CÓMO SE FIJA EL PRECIO DE UNA OBRA DE ARTE?
- A QUÉ PERIODO PERTENECE
- EL VALOR SEGÚN LA TRAYECTORIA DEL AUTOR
- LA PROPIA HISTORIA DE LA OBRA
- EL PROPIETARIO O LA PROPIETARIA
- UN CONJUNTO DE FACTORES

2. 1- DIFERENCIA ENTRE ARTE MODERNO Y ARTE CONTEMPORANEO
Diferencias entre arte moderno y contemporáneo:
El mundo del arte es amplio y diverso, y a menudo puede resultar confuso para aquellos que
no están familiarizados con sus términos y conceptos. En particular, la distinción entre arte
moderno y contemporáneo puede ser un poco confusa para algunos.
En términos generales, el arte moderno se refiere al período de tiempo que abarca desde
finales del siglo XIX hasta la década de 1960. Este período se caracteriza por la
experimentación y la innovación en cuanto a la forma, el contenido y la técnica. El arte
moderno abarcó una amplia variedad de estilos, desde el impresionismo y el cubismo hasta
el arte abstracto y el expresionismo.
Por otro lado, el arte contemporáneo se refiere a la producción artística de la actualidad,
desde la década de 1960 hasta nuestros días. Este período se caracteriza por la diversidad y
la globalización del arte, así como por la inclusión de diferentes medios y técnicas, como la
instalación y el arte conceptual. A menudo, el arte contemporáneo se enfoca en temas
políticos, sociales y culturales actuales.
Aunque el arte moderno y contemporáneo comparten algunos aspectos comunes, como la
experimentación y la innovación, también presentan algunas diferencias significativas. Una
de las principales diferencias es que el arte contemporáneo tiende a ser más conceptual y a
menudo se enfoca en cuestiones contemporáneas, mientras que el arte moderno se enfoca
más en la exploración formal y estética.
Comprender las diferencias entre ellos puede ayudarnos a apreciar y entender mejor el arte
que nos rodea.
- CONTEXTO EN EL QUE SE DESARROLLO (SOLO UNO DE ELLOS (ARTE MODERNOARTES
CONTEMPARANEO)
¿Por qué se llama moderno al arte del periodo comprendido entre 1850 y 1950? La noción
de modernidad surgió en la década de 1850 para referirse a las profundas transformaciones
que experimentaron los países industrializados a partir del siglo XIX con las revoluciones
técnica e industrial.

3. Sin embargo, la modernidad es también una forma de pensar y crear decididamente
innovadora y en reacción a las reglas de la Academia de Bellas Artes. La Academia de Bellas
Artes, que desde 1725 había aceptado o no exponer a los artistas en el Salón de Pintura y
Escultura (comúnmente conocido como el Salón) estaba perdiendo influencia y los jurados
de los Salones estaban perdiendo su gran credibilidad ante los pintores, el público y el
Estado. Los pintores ajenos a la academia (porque infringían las normas establecidas por
ésta) se negaban progresivamente a ser expuestos junto a los pintores académicos.
Al mismo tiempo, la crítica de arte se desarrolla porque el arte se convierte en objeto de
escritura. Grandes escritores como Baudelaire o Zola escriben críticas sobre la obra de los
artistas modernos, a menudo para apoyarlos. Algunos artistas escriben ellos mismos críticas
de arte como Matisse o los manifiestos (manifiesto dadaísta, manifiesto surrealista).
Por último, la aparición de la fotografía como nuevo medio de arte visual ha tenido una serie
de repercusiones en los artistas. En primer lugar, lo ven como una razón más para alejarse
de lo figurativo y de los cánones del arte clásico. La fotografía será también una nueva
fuente de inspiración y un medio de trabajo: los artistas fotografían paisajes u objetos y
luego los plasman con mayor o menor fidelidad en sus obras.
- PERIODOS
A mediados del siglo XIX, los artistas comenzaron a rebelarse contra la aplicación de los
estilos artísticos europeos por parte de la Academie des Beaux-Arts, técnicas establecidas
desde el Renacimiento. Surgieron múltiples estilos modernos basados en los principios
subyacentes que rechazaban la historia y las representaciones realistas, en lugar de pasar al
color, las líneas, las dimensiones enfatizando la abstracción. Este período fue un tiempo de
muchos estilos de arte diferentes, un tiempo de experimentación, invención y el uso de
materiales únicos. El impresionismo fue el primer movimiento de arte moderno basado en
Sunrise de Claude Monet. La imagen contenía un cambio radical en el uso de pinceladas,
colores vivos y luz. Algunos de los movimientos únicos incluyeron: Impresionismo, Post
Impresionismo, Fauvismo Art Nouveau, Expresionismo, Dada, Surrealismo, Expresionismo
Abstracto, Arte Cinético, Arte Pop, Arte Op y Minimalismo. Cada uno de estos tenía
diferentes definiciones y cualidades.
El impresionismo
El impresionismo surgió en 1872. En ese año, Claude Monet utilizó una innovadora técnica.
Esta incluía pinceladas borrosas, un distinto enfoque en la luz y colores vivos en el desarrollo
de su pintura Impression, Sunrise.
Esta fue una de las obras de arte moderno que desafió las reglas rígidas y las
representaciones realistas de la pintura académica. La claridad en los detalles de los ojos,
cabello y demás partes del cuerpo humano se desvaneció con el impresionismo.
Este estilo tuvo bastante influencia sobre la pintura francesa hasta finalizar el siglo. Algunos
de los representantes más relevantes fueron Monet, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.

4. El post impresionismo
El Postimpresionismo se inspiró de la libertad artística que se venía suscitando con el
impresionismo. Algunos autores como Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y
Henri Toulouse-Lautrec decidieron también ‘aventurarse’ a trabajar estilos no
convencionales en sus obras.
Los autores de este movimiento, que comenzó en la década de 1890, mostraron un gran
interés por la experimentación y subjetividad. Por eso, sus obras de arte moderno
representan reinterpretaciones de la realidad que reniegan de las representaciones
realistas. Son pinturas poco convencionales

5. Fauvismo
El nombre de este movimiento se debe al grupo vanguardista que lo fundó, el cual fue
liderado por autores como André Derain y Henri Matisse-Fauvism.
Esta corriente apareció por primera vez a principios del siglo XX. Y, del mismo modo que los
postimpresionistas, los fauvistas preferían dejar atrás los tonos piel y/o tonos tierra más
realistas. Por eso, comenzaron a utilizar tonos más surrealistas. También comenzaron a
enfatizar percepciones subjetivas en sus obras de arte moderno. Estas solían tener una
apariencia abstracta que se alejaba de lo tradicional y reconocible.
Expresionismo
El expresionismo surge antes de la Primera Guerra Mundial. Los pintores, que eran oriundos
de Alemania y Austria, decidieron optar por un enfoque experimental. Esto al igual que los
representantes de los movimientos anteriormente mencionados.
Las obras de arte moderno del estilo expresionista transmiten una fascinación por el color
brillante y artificial. También están compuestas por una iconografía individualista.

6. El Cubismo
Este movimiento se inició en 1907. Se caracteriza por el uso de formas fracturadas y
deconstruidas en las obras de arte moderno. En ese sentido, el Cubismo marcó el cambio de
este género hacia la abstracción.
Georges Braque y Pablo Picasso son dos de sus máximos exponentes. Ambos materializaron
el cubismo a través de pinturas al revés, esculturas multidimensionales y collages de
vanguardia.
Al igual que los otros movimientos artísticos modernos, el cubismo enfatizó la subjetividad
de sus autores de manera espontánea. Como decía Pablo Picasso: «no teníamos el objetivo
de descubrir el cubismo, solo queríamos expresar lo que había en nosotros»

7. Surrealismo
Desarrollado en la década de 1920, el surrealismo ha tenido mucha influencia sobre el cine y
la fotografía. Las obras de arte moderno surrealistas se caracterizan por expresar el
subconsciente de sus autores. Por eso, no presentan reglas rígidas para su desarrollo.
Al carecer de control, el género culminó en una colección diversa de representaciones
oníricas que provenían de la imaginación de los mismos autores. Los más representativos
fueron: Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró y Yves Tanguy
Expresionismo Abstracto
El expresionismo abstracto fue desarrollado a mediados del siglo XX. Diversos artistas
decidieron dejar atrás los estilos figurativos para darle paso a lo abstracto.
Estos pintores también se interesaron en el color, la composición y la emoción de sus obras.
Sin embargo, pusieron mayor énfasis en la innovación de su proceso creativo. De esta forma
buscaron mostrar su percepción sobre el mundo que los rodeaba

8. - MAXIMOS EXPONENTES
Paul Cézanne (1839 – 1906)
Paul Cézanne fue un pintor francés postimpresionista considerado como uno de los padres
del arte moderno. Sus obras se caracterizan por realzar la volumetría, independientemente
de la luz que incidiese en ella, pues era artificial, reduciendo además la realidad a formas
puras, es decir, formas cilíndricas, cuadradas…y que serán las que influenciaran a Picasso a la
hora de crear el cubismo como el nuevo estilo artístico.
Camille Pisarro le ayudó a que este aclarase su paleta y le enseñó a pintar como un buen
impresionista que era, su estilo. El impresionismo para Cézanne fue más que nada una
práctica, aprendiendo sobre todo su técnica que luego hará en sus obras, se trataban de
pinceladas sueltas, muy pocos espesas donde el color ganaba pureza.
Sus cuadros carecen de emotividad y sentimiento pues se centraba sobre todo en el
lenguaje pictórico, en ver la relación entre el color y la forma. Su idea era la siguiente “El
dibujo y el color no son diferentes, a medida que se pinta se va dibujando; cuanto más
armonioso es el color, más se precisa el dibujo”.
Entre sus obras más significativas destacamos Los jugadores de cartas y el Bodegón con
manzanas y naranjas.

9. Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
Musée d´Orsay.
Claude Monet (1840 – 1926), uno delos principales artistas del arte moderno
Otro de los artistas más importantes del arte moderno es Claude Monet, el mejor pintor
impresionista por excelencia, de hecho, con una de sus obras fue la que le dio nombre al
movimiento. Se trata de Impresión: sol naciente, que se expuso por primera vez en el año
1874, sin ser entendida por muchos, de hecho, de entre todas las que estaban expuestas fue
la que mayores insultos recibió.
Para Monet el color no existía en la naturaleza en sí, el color estaba vinculado en función de
la luz, de ahí que uno de los objetivos más perseguidos por los pintores impresionistas sea el
de representar el mundo de manera directa y espontánea para de esa manera centrarse
sobre todo en los diferentes efectos de la luz.
Tuvo la suerte que, con el tiempo, las críticas hacia sus pinturas empezaran a desaparecer y
por lo tanto poco a poco sus obras recobraron importancia. Este hecho hizo que durante los
últimos 25 años de su vida pudiera vivir mejor económicamente, pues si por algo se
caracterizó Monet fue por vivir durante más de treinta años en la más absoluta pobreza.
Entre sus obras más significativas tenemos El estanque de Ninfeas, la Estación de San Lázaro
y la serie de pinturas que realizo de la Catedral de Rouen

10. Claude Monet Estanque con nenúfares (1899) Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm. Museo:
National Gallery. Londres
Antoni Gaudí (1852 – 1926)
Antoni Gaudí es el máximo exponente del modernismo catalán dentro del ámbito de la
arquitectura. Se caracterizó por su sentido tan peculiar sobre el volumen y la geometría,
aparte de su gran capacidad soñadora y creativa que le permitía proyectar de antemano las
obras antes de que este las pudiera pasar al plano.
Muy pocas veces hacia planos y mucho menos detallados, solía improvisar sobre la marcha,
eso sí, a la hora de concebirlos estudiaba y analizaba hasta el más mínimo detalle, detalles
que el mismo dominaba a la perfección como el trabajo de la cerámica con su famosa
técnica del “trencadís”, la forja de hierro, las vidrieras, carpinterías…
Su estilo se basaba principalmente en la observación de la naturaleza y en la utilización de
formas geométricas como por ejemplo las formas hiperbólicas, conoides…
Entre sus obras más importantes destacamos el Parque Güell, la Casa Milá, la Casa Batlló, el
Capricho de Comillas y el templo expiatorio de la Sagrada Familia.

11. Pablo Picasso (1881- 1973)
Pablo Ruiz Picasso fue nada más y nada menos quién encabezó uno de los muchos
movimientos más destacados de las vanguardias artísticas, el cubismo. El cubismo se
caracteriza por representar y plasmar sobre la superficie del cuadro un objeto o persona
desde varios puntos de vista, simplificando las figuras a formas geométricas y muy
esquemáticas.
A pesar de que Picasso haya pasado a la historia por encabezar un nuevo estilo como lo es el
cubismo, las obras realizadas anteriormente a esta tendencia no tiene nada que ver, pues
atravesó por dos periodos conocidos como el periodo azul y el periodo rosa de entre los que
podríamos destacar La vida o Acróbata y joven arlequín donde se pueden apreciar que las
representaciones son algo más figurativas.
También se le atribuyó en parte la invención del collage como técnica artística y en
escultura, pues también se atrevió con esta otra especialidad, el ensamblaje. Algunas de sus
obras más representativas son las Señoritas de Avignon, el retrato de Ambroise Vollard y el
Guernica. Por lo que respecta a la escultura destacamos su obra de Cabra o Cráneo de toro.

12. Jackson Pollock (1912 – 1956)
Y, por último, otro de los artistas más importantes del arte moderno es Jackson Pollock. Fue
un pintor estadounidense y el mayor exponente de la pintura abstracta. Famoso por
emplear en sus pinturas la técnica del dripping que consiste en dejar que goteé la materia
pictórica, normalmente acrílicos, sobre una tela extendida en el suelo bien desde algún tipo
de recipiente agujereado, esparciéndose de este modo mediante salpicaduras, o con los
mismos pinceles, que recibe el nombre de Sprinkle o directamente con las mismas manos.
En el movimiento del cuerpo para la creación de dichas obras se cree haber visto el origen
de la Action Painting (Pintura en acción), pues al fin y al cabo lo que sus lienzos manifiestan
es eso, una fuerza, una intensidad violenta, energética. Entre sus obras más importantes
tenemos que destacar Autumn Rhythm (Number 30), Shimmering Substance y Número 1.

13. - CARACTERISTICAS: PINTURA, ESCULTURA Y ARQUITECTURA
ARQUITECTURA MODERNA CARACTERISTICAS
• El rechazo de los estilos históricos y tradicionales.
• El utilizar en construcción materiales y técnicas de nueva invención, como el hormigón
armado.
• La estética resulta de la propia finalidad expresiva del edificio.
• Simplificación de la forma y eliminación de los detalles innecesarios.
• Utilización de vitrales y grandes ventanales rechazo de las formas asimétricas.
FRANK LLOYD WRIGHT (EDIFICIO LARKIN BUILDING)
Arquitecto estadounidense del siglo xx
Arquitectura:
• Pionero de las técnicas constructivas hormigón y armado prefabricados
• Innovaciones en el campo de aires acondicionados, iluminación directa y paneles de
calefacción
edificio larkin building
LUDWIG MIES VAN DER RROHE (SEAGRAM BUILDING)
Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense.
Arquitectura:
• Sencilles esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales
• Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de
elementos ornamentales.

14. Seagram building
ESCULTURA MODERNA CARACTERÍSTICAS
• En la escultura moderna, los escultores intentaban innovar y estar a la vanguardia a través
de la investigación sobre nuevos materiales y diferentes tipos de movimiento, la abstracción
la luz y el color.
BRANCUSI (EL BESO)
Fue el artista más importante y representativo de la escultura moderna. Brancusi desarrollo
obras abstractas entre las que destaca la mas famosa, el beso de 1908. produjo sus obras en
mármol o metal, les daba aspecto brillante y sensaciones táctiles al observar el trabajo final.

15. el beso
.
PINTURA MODERNA CARACTERISTICAS
post -impresionismo (1900 -1903)
• Efecto en espacios en colores lisos
• Contenido simbólico
• Simplificación del dibujo
• Antinatura lista
Artistas destacados
• Paul Gauguin (¿cuándo te casas )

16. • Vincent van Gogh (terraza de café por la noche)
• Paul Cézanne (jugadores de naipes)

17. Cubismo (1908 -1920)
• Con influencias de arte negro africano
• Analítica: utilización de varios ángulos, paleta limitada de colores
• Sintética: invención del colaje y del papel encolado
Artistas destacados
• pablo Picasso (señoritas de avignon)
• juan gris (letra lía, la tierra de las letras)
futurismo (1909 -1915)
• estética generada por el mito moderno de la maquina y velocidad
• los pintores son influenciados por el divisionismo y cubismo

18. Artistas destacados
• Umberto boccioni (botes en sunlughi)
• Gino severini (tren suburbano llegada a parís)
Expresionismo (1905-1920)
• Intensidad de la expresión grafica}
• Simplificación de las formas
• Influenciado por las artes primitivas
Artistas destacados
• Otto mueller (girls sitting by the water)

19. puntillismo o divisionismo (1900-1906)
• Consiste en utilizar punto de color para crear el máximo de intensidad en contraste de
colores.
Artistas destacados
• Otto mueller (girls sitting by the water)
- LAS REPRESENTACIONES EN QUE SE BASABA
2- ANALICIS DE UN REPRESENTANTE
PAUL CÉZANNE
- BIOGRAFIA
Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence, Francia, el 19 de enero de 1839. Era hijo de un
exitoso sombrerero y de una acomodada madre que apoyó su amor por el arte. Estudió en la
Academia de Arte de Marsella y más tarde en la Academia de Arte de París, pero se sintió
insatisfecho con el estilo tradicional y convencional que se enseñaba allí.
A partir de la década de 1860, Cézanne comenzó a desarrollar su propio estilo único,
influenciado por el impresionismo y el postimpresionismo, pero que se alejaba de los
movimientos artísticos convencionales de la época. Él creía que la pintura debía basarse en
la observación directa de la naturaleza y en la exploración de la forma y el color.

20. A pesar de ser reconocido como un gran artista hoy en día, Cézanne tuvo una carrera
temprana difícil y luchó por vender sus obras durante muchos años. Sin embargo, fue amigo
de otros artistas importantes de su tiempo, como Émile Zola, Camille Pissarro y Claude
Monet, quienes lo apoyaron y animaron en su trabajo.
En la década de 1880, Cézanne comenzó a recibir cierto reconocimiento público y fue
invitado a exponer sus obras en el Salón de París. En 1895, tuvo su primera exposición
individual, donde presentó más de 100 obras en la Galería Vollard en París.
Cézanne continuó pintando hasta su muerte el 22 de octubre de 1906 en su ciudad natal,
Aix-en-Provence. Dejó atrás una gran colección de obras maestras, incluyendo paisajes,
bodegones y retratos, que han influido en generaciones de artistas.
A lo largo de su carrera, Cézanne logró algunos de los mayores logros en la historia del arte.
Uno de los más importantes fue su enfoque en la exploración de la forma y el color, que
llevó a la creación de su estilo único y lo distinguió de otros artistas de la época. Además, fue
uno de los primeros artistas en experimentar con la geometría y la abstracción en sus obras.
- SUS REPRESENTACIONES MAS DESTACADAS
ESTILO
Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión
personal y el orden pictórico. Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación
de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin
preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
Luchó por desarrollar una observación autentica del mundo visible a través del método más
exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba
estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Son muy

21. características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y
exploratorias.
Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos,
expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la
naturaleza observada.
Se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería
ofrecer una visión autentica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos
puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes
simultáneamente.
La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican
que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los
elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Cézanne estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a su
esencia geométrica. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus
observaciones de la naturaleza dio como resultado una profunda exploración de la visión
binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y
nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las
relaciones espaciales.
La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento
cubista, además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento
pictórico independientemente de la forma.
Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición,
el ritmo y la cadencia en un intento de “solidificar el impresionismo”, como él mismo declaró
- SELECCIÓN DE UNA OBRA DEL AUTOR Y REALIZAR UN ANALISIS:
CEZANNE :Los Jugadores de cartas

22. CLASIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN.
LOS JUGADORES DE CARTAS
CEZANNE
Fecha.1890-1892
Técnica. óleo sobre lienzo
Formato. 47 x 57 cm
Tipología: Pintura de género o costumbrista
Estilo: Postimpresionismo
Localización actual. MUSEO D´ORSAY
Cezanne hizo una serie con este tema empezando con cinco jugadores hasta quedar
reducido a estos dos. El gran objetivo: el estudio y recuperación de las formas.
Por la luz artificial que incide sobre la botella y la oscuridad insinuada detrás de la ventana la
partida se desarrollaría a última hora de la tarde.
ANÁLISIS
COMPOSICIÓN equilibrada pero algo asimétrica : la botella con reflejo blanco ( indicio de luz
artificial) parece ocupar el centro pero un poco desplazada hacia la izquierda , detrás se
intuye el paisaje
En el lado izquierdo personaje maduro de la pipa ( jardinero de su padre) es ligeramente
mayor y aparece completo sentado sobre la silla y con un pequeño espacio detrás, mientras
que en lado derecho el personaje joven está incompleto , por tanto composición abierta .
Los colores predominantes son cálidos destacando la amplia gama de marrones, desde los
claros tonos arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados.

23. El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta
con marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta
amarilla pantalón marrón y malva, sombras violáceas.
En la ventana pinceladas sueltas y yuxtapuestas.
Los brazos están doblados en ángulo recto y también van a converger sobre la mesa.
. En el cuadro se observa la recuperación de la forma mediante la GEOMETRIZACIÓN: :
Cuerpo del jugador mayor cilíndrico acabado en ojiva en el cuello, el brazo también cilindro ,
la botella cilindro, el sombrero jugador joven tronco de cono .
Los colores predominantes son cálidos destacando la amplia gama de marrones, desde los
claros tonos arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados.

24. El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta
con marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta
amarilla pantalón marrón y malva, sombras violáceas.
En la ventana pinceladas sueltas y yuxtapuestas.
EXPRESIÓN: Los dos jugadores están concentrados mirando sus naipes, el mayor tiene la
cabeza levantada y el otro la tiene más baja y rostro más serio parece preocupado más tenso
porque tal vez le toque jugar a él o no ve claro el resultado de la partida.
SIGNIFICADO O SIMBOLOGÍA: Por tanto, cartas más claras y cabeza más erguida parecen
indicar el triunfo del personaje mayor. No obstante, el gran objetivo es el estudio de las
formas y su recuperación.
PASOS PARA HACER EL ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE
- LA IDENTIFICACIÓN
Título: Los jugadores de cartas
Autor: Cézanne, Paul
Datación: 1890 – 1895
Estilo: postimpresionismo
Técnica: oleo
Soporte: tela; 47 cm x 57 cm
Localitzación actual: Museu d´Orsauy, a Paris
Contexto Histórico: Los postimpresionismo (neoimpresionismo) supone una revisión y una
superación de los principios que daban la exclusividad a la cuestión de la luz dentro de la
escuela impresionista. Algunos artistas creen que vale la pena analizar aquello que incide
sobre la luz.
- LA INTERPRETACIÓN
Iconografía: Son unos jugadores de cartas en un bar de pueblo, en este caso es como una
excusa para hacer el cuadro.
El señor que no fuma es el que está esperando para echar las cartas, y el del cigarro da una
sensación de ganador de la partida por su postura más relajada.
- La concepción que tiene Cezánne de la natura se reduce a simples volúmenes geométricos,
por lo tanto los cuerpos de los jugadores son tratados como un cilindro.
- La botella es el eje central.
- La parte izquierda es más grande y el cuerpo del jugador está entero, lo cual no succeix con
el adversario, con esto Cézanne intensifica el enfrentamiento.
- La tensión de la composición recae sobre los objetos de encima la mesa (donde se
desarrolla la acción) y en las manos de los jugadores (donde se mantienen las miradas)

25. Función
Función pictórica, sólo pretende plasmar un hecho cotidiano.
Significado
- No fue ninguna persona quién le encargó la obra, la hace él mismo por gusto, es el que se
denomina el arte por el arte
- Una interpretación afirma que era la lucha que tuvo el pintor con su padre para que
aceptas su pintura y estilo de vida.
- Una otro interpretación sugiere la posibilidad que fuera el mismo Cezanne quién se
enfrentaba a si mismo haciendo alusión a las propias contradicciones interiores
- LA HISTORIA DE LA OBRA PARA ANALIZARLA
Las dos personas que participan en el juego de cartas se colocan separadas del resto de los
clientes del club. Estos hombres posiblemente podrían ser campesinos, y es probable que
uno de ellos se llamara Alexandre, quien se desempeñó como jardinero en la finca del padre
del artista en Jas de Bouffan. Están sentados en una modesta mesa de madera, que sostiene
una botella de vino sellada con un corcho. Los jugadores de cartas están vestidos con ropa
modesta pero respetable. El caballero sentado a la izquierda lleva chaqueta y sombrero.
Mientras examina cuidadosamente sus cartas, fuma en pipa. Por otro lado, el jugador de la
derecha parece más joven y se viste de manera más informal. Rodeándolos, se pueden
observar las decoraciones de las paredes de madera de la sala conocidas como boiserie, así
como una puerta de vidrio.
El cuadro "Jugadores de cartas" de Paul Cézanne ha formado parte de diversas colecciones
de arte a lo largo de su historia. Inicialmente se incluyó en la colección de Ambroise Vollard,
luego pasó a la colección Denys Cochin y luego pasó a formar parte de la colección Durand-
Ruel. Finalmente, hasta 1911, encontró su lugar en la colección del Conde Isaac de Camondo
en París. Después de eso, fue legado por el Conde a los Museos Estatales y finalmente
terminó en el Museo del Louvre. De 1947 a 1986 se exhibió en la Galerie du Jeu de Paume
de París y luego se trasladó al Musée d'Orsay en 1986, donde se exhibe actualmente. Paul
Cézanne creó cinco cuadros con el mismo tema de los jugadores de cartas. La versión
expuesta en el Musée d'Orsay es particularmente notable, ya que muestra los notables
resultados de la investigación y experimentación del artista. Curiosamente, en el museo de
Aix-en-Provence se exhibió una obra titulada "Los jugadores de cartas" de los hermanos Le
Nain. Es posible que Cézanne se haya inspirado en esta pieza al crear sus propias pinturas de
la serie.
La obra de arte creada entre 1894 y 1895 es una pieza notable que pertenece a la serie de
pinturas al óleo de jugadores de cartas del maestro posimpresionista Cézanne. Estas
pinturas fueron realizadas durante el período final de la carrera de Cézanne, concretamente
a principios de la década de 1890, y la serie consta de cinco obras únicas. Cada versión
difiere en términos de tamaño, el número de jugadores representados y la configuración del
juego de cartas. En preparación para la serie The Card Players, Cézanne creó numerosos

26. dibujos y estudios. En particular, una de las versiones de la serie The Card Players se vendió
en 2011 a la familia real de Qatar por un precio estimado de $ 250 millones (equivalente a $
301,1 millones en la actualidad), estableciendo un nuevo récord para el precio más alto
jamás pagado por una pintura. Este récord solo fue superado en noviembre de 20
Versiones
Entre 1890 y 1895 Cézanne realizó cinco versiones con el motivo de los jugadores de cartas.
Cada una de ellas tiene su particularidad. Las vamos a identificar por el lugar donde se ubica
el cuadro.
Versión Barnes Foundation
Esta Fundación de arte y educativa que se creó en 1922 con una gran colección de obras
impresionistas y de las principales vanguardias del arte del siglo XX (Renoir, Cézanne,
Matisse, Picasso, Modigliani De Chirico, etc.) y de artistas americanos. Se encuentra en
Philadelphia (EE. UU.). Hoy posee unos fondos que abarcan no solo pintura sino
prácticamente todas las ramas concernientes a las Bellas Artes, pero también posee un
extenso bosque de más de 2000 variedades de árboles y plantas. Cuenta con dos sede, una
en las afueras de la ciudad, en Lower Merion, y lo otra, recientemente, en el centro de la
ciudad.
Su creador fue Albers C. Barnes que amasó una inmensa fortuna con una de las primeras
drogas antimicrobianas.
En este cuadro aparecen cinco personas. Tres hombres son los jugadores. Uno más, por
detrás de la mesa, asiste de pie a la partida. Y otra persona al fondo, parece estar abstraída.
Parece una mujer, pero no está claro. Por aquella época no sería muy lógico que una mujer
estuviera asistiendo a una partida de cartas como mera espectadora. Todo hace pensar en
un joven adolescente, tal vez el hijo de alguno de ellos.
En la obra podemos observar una de las características del estilo de Cézanne. Se trata del
abandono de la perspectiva tradicional para usar otra que comprende varios puntos de vista.
Así la mesa del juego, el frente, con su cajón, está representado como si lo viéramos de
forma frontal. La superficie plana de la mesa, sin embargo, está representada de tal forma
que vemos que está depositado encima de ella. Esto solo sería posible si nos hubiéramos
elevado por encima de ella o las patas traseras midieran veinte o treinta centímetros más
que las delanteras.

27. En este lienzo una de las cosas que llama poderosamente la atención es lo que no vemos y
es… el silencio. Es una escena tranquila, serena, donde no parece que haya trajeteo
alrededor. La ausencia de una botella o vasos de vino y la presencia de ese adolescente me
hace pensar que no estamos en una taberna sino en una habitación de una casa de
cualquiera de ellos, o del propio pintor que ha organizado la timba para poder retratarlos
tranquilamente. A la derecha, al fondo, un grueso cortinajes rompe la lisa pared para
proporcionar volumen a la escena. En pared también podemos ver, en el centro, la parte
inferior de un cuadro y un colgador de pipas de fumar; y a la izquierda un anaquel con lo que
parece ser un cántaro (que nos recuerda a algunos de los que utilizaba el artista en sus
naturalezas muertas). En este cuadro el personaje que fuma pipa es el que está de pie.
Versión Metropolitan Museum of Art de Nueva York
El museo clasifica esta obra como «posiblemente» la primera de las cinco versiones.
Comparándola con la anterior vemos que Cézanne se ha desprendido de un par de detalles
para centrarse más en la escena del juego. Ha eliminado el anaquel y también la parte
inferior del cuadro. También ha suprimido la figura del adolescente. Y en la mesa del juego
ha quitado el tapete, como si le molestara. Por lo demás es prácticamente la misma escena,
con el cortinaje y los gabanes de los paisanos. Al jugador del medio, el pintor ha decidido, en
esta versión, ponerle un sombrero.
Versión colección privada

28. Hasta hace muy poco tiempo «colección privada» era el pie de foto de este cuadro. Ese
término eliminaba la situación geográfica de donde se encontraba el cuadro. En febrero de
2012, la familia de real de Catar compró por 191,6 millones de euros Los jugadores de cartas
(la versión que estaba en manos privadas). Es otra más de las adquisiciones que está
haciendo este jeque con la idea de transformar el emirato en un gran centro cultural en el
Próximo Oriente. La obra de Cézanne ha batido todos los récords en cuánto al precio pagado
por una obra de arte. Solo me queda divagar sobre lo que hubiera pensado el propio artista
al conocer esta información.
Centrándonos en la obra, esta versión se simplifica con respecto a las dos anteriores. Lo
primero que salta a la vista es que son solo dos los jugadores que están con sus cartas en la
mano. Un tapete de color marrón cubre la mesa. En el centro una estilizada botella,
contenedora de alguna bebida alcohólica. Curiosamente no vemos ningún vaso, lo que hace
pensar que Cézanne ha recurrido ha este elemento con alguna intención estilista, como
pueda ser la de dividir el espacio o meter alguna línea vertical que contrarreste las
horizontales que se forman la propia mesa o la balda de la pared, formando así un
interesante juego de líneas. El jugador de la izquierda viste una chaqueta de tonos azules.
Lleva un sombrero, una especie de bombín rústico, y fuma en pipa. Concentra su mirada en
las cartas que tiene en su mano y que casi las podemos adivinar. El jugador de la derecha
viste una chaqueta en tonos claros. También lleva un sombrero, más desenfadado, con el ala
vuelta hacía arriba. No fuma y su mirada se extravía más allá de las cartas.
Por detrás de él podemos ver una especie de mueble o puerta de madera.
Cézanne se preocupa más por el volumen por captar la forma la luz, dejando los detalles al
margen (como el hecho de que la cara no esté definida o no distingamos las cartas).
Tras su venta por esa desorbitada cantidad se ha criticado mucho esta obra. O mejor dicho,
se ha cuestionado si vale esa suma, pues casi todo el mundo acepta que estamos ante una
gran obra maestra. A ella se la designa como la iniciadora del movimiento cubista (mucho
críticos encuadran esta obra dentro de la carrera de Cézanne en un periodo protocubista o
cubismo cezanniano). Esta obra mantiene un equilibrio entre el canon clásico y la
composición moderna (el cuerpo de la derecha se sale algo del cuadro, una cosa impensable
unos cuántos años atrás). Hoy en día, Los jugadores de cartas, está considerada como un
tesoro artístico nacional francés. Claro que este aspecto da risa cuando el propio estado
rechazó un intento de donación (del nuevo propietario de Jas de Bouffan) que quiso legar
unas obras que el genial artista había dejado en la finca cuando la vendió. Para mayor gloria
de este lienzo fue robado en Aix-en-Provence en agosto de 1961, junto con otras siete obras
de Cézanne. Meses después recuperaron las obras previo pago de un rescate. Después,
muchos años después, los franceses, con su Estado al frente, al intentado devolver un poco

29. de honor al bueno de Cézanne. Para ello no han dudado de dedicarle un montón de sellos y,
sobre todo, un billetazo de 100 francos donde podemos ver el rostro del artista y un dibujo
de Los jugadores de cartas.
Por último, cada uno de los distintos propietarios, de estas versiones, dice que la suya es la
mejor versión que Cézanne hizo. Lo cierto es que ahora todas se han visto revalorizadas a
raíz de la última venta. Todos ganan con el boom de la venta de cuadros de arte.
Versión del Courtauld Institute of Art de Londres
Esta versión presenta muchas semejanzas con la anterior que acabamos de ver. Mismo
jugadores y mismos elementos compositivos. La única diferencia radica en que las figuras
son más estilizas, más delgadas y presentan una mayor superficie pictórica por encima de
sus cabezas (a pesar de que el lienzo es de menor tamaño). Los colores empleados son más
luminosos, la pincelada es más suelta, y en su conjunto da como resultado una obra con
aspecto inacabado.
Con esta obra, Cézanne quiso, entre otras muchas cosas, reflejar la tradicional vida
campesina que se veía, de una forma u otra, amenazada por el progreso. Una de sus
primeras obras La trinchera, es un reflejo (y en cierta medida, denuncia) de esa herida en el
paisaje fruto de la línea de ferrocarril que avanzaba de forma inexorable, aquí, en Los
jugadores de cartas, Cézanne ha querido inmortalizar esa paz, esa tranquilidad de la vida de
un pueblecito cualesquiera justo en el momento en que unas personas se disponen a pasar
un rato alejados del mundanal y frenético caos imperante en las grandes ciudades.
Es importante destacar que Cézanne se centra en la escena dejando a un lado la picaresca, la
trampa, la burla, el engaño y el juego del dinero. La partida de carta como tal, sin apuestas
de por medio, es un reflejo de nuestra sociedad, que se va perdiendo por lo menos en el
aspecto que nos presentó Cézanne. Esto se ve relegado a un mundo rural. En las grandes
ciudades es difícil ver a unos jugadores de cartas en una cafetería al lado de los grandes
centros financieros.
Los años anteriores a 1890 y los siguientes se vivieron bajo la amenaza de esa guerra franco
prusiana que se vería cristalizada de forma ominosa en la que se conoce como la Gran
Guerra (la Primera Guerra Mundial, 1914 – 1918).

30. En los próximos números de Revista Atticus publicaremos este artículo completo, así como
la influencia que ha tenido esta obra y un extenso repaso a la temática de los jugadores de
cartas en el Arte.
- ESTILO O MOVIMIENTO
Cézanne formó parte del núcleo original del movimiento impresionista, participó en la
exposición de 1874 en la galería de Nadar. La forma de entender la pintura, la temática y su
técnica era impresionista, pero no se mostró satisfecho y quiso buscar nuevas posibilidades
expresivas. Gran conocedor de la obra de los pintores clásicos, como Nicolás Poussin, trató
de dotar al impresionismo de la estructura que estos artistas del pasado otorgaban a sus
obras.
Cézanne consideraba que el pintor debía investigar qué es lo que realmente vemos y, para
lograrlo, debía observar el mismo motivo y buscar la perspectivas correctas. Esa idea será
explorada en todas sus posibilidades por Picasso y Braque, dando origen al cubismo, el
primero reconocía a Cézanne como “el padre de todos ellos”; también fue notable su
influencia sobre Matisse, principal artistas del fauvismo.
Esta obra se convirtió en el 2012 en el cuadro más caro del mundo, cuando se pagó por él la
cifra de 250 millones de dólares, hoy ya superada.
- USO DEL COLOR, FORMA Y TECNICA
Dibujo, luz, color y perspectiva
El dibujo crea sólidas formas geométricas, tanto en la composición como en las figuras de los
personajes y en otros elementos, como la botella. Destaca el trabajo de los rostros que, en
su aparente sencillez refleja el elemento psicológico, es decir, la marcha de la propia partida.
La geometrización de las formas las dota de corporeidad y volumen, no debemos olvidar la
idea de Cézanne de buscar las formas geométricas básicas en la naturaleza, la simplificación
geométrica.
La luz es artificial, llega desde el frente, se refleja en la botella y se derrama por la
composición ayudando a generar el espacio y las ligeras sobras que acentúan el modelado
de los objetos y de los jugadores.
Predominan los colores ocres, mezclando azules, amarillos y rojos, más claros en la parte
derecha, ayudando a equilibrar la composición, como también juega con la simetría
cromática invirtiendo los tonos claros y oscuros en pantalones y chaquetas de los jugadores.
Estos colores son aplicados con pinceladas breves, con la técnica del facetado para
descomponer las formas y el espacio, alternando tonalidades para crear volumen en las
figuras. El resultado refleja una gran austeridad tanto cromática como formal.
Observamos la superposición de planos que exploró Cézanne, especialmente visible en la
inclinación de la mesa, que sacrifica los principios de la perspectiva renacentista para
ofrecernos una visión más clara de los elementos que el pintor consideraba más

31. importantes. Es como si contempláramos la mesa desde dos puntos de vista distintos, un
recto par a las patas y otro ligeramente picado para la parte superior. Esta distorsión de la
perspectiva será clave para el desarrollo posterior de movimientos como el cubismo, el
futurismo o la abstracción.
Composición
La composición del cuadro está muy cuidada, no olvidemos que la intención de Cézanne era
dotar a la pintura impresionista de la estructura y la solidez de los grandes artistas del
pasado, sin abandonar la técnica moderna. La simplificación de la escena la dota de una
sobriedad casi monumental; una simple partida de cartas que, por los gestos y miradas de
los personajes, se vuelve grave, casi épica, como cualquier partida en un bar.
La botella que descansa sobre la mesa marca el eje del cuadro, no está en el centro
geométrico de la composición, detalle que, junto a la figura cortada del jugador de la
derecha, pueden dar la sensación de descuido compositivo, pero no es así. La figura del
jugador de la derecha está encorvado, con un abrigo voluminoso, por lo que su peso en el
conjunto del lienzo es mayor y eso compensa que ocupe menos espacio, los mismo
podemos decir de los colores más claros. La figura de la izquierda, más erguida está
completamente dentro del marco.
La composición es muy compleja, podemos ver el triangulo que forman las cartas, con las
miradas de los jugadores en la parte superior de la mesa y su reflejo en la parte inferior con
los brazos y los cuerpos.
Aunque predomina las líneas verticales: mesa, sillas, botella, jugadores… están se ven
compensadas por las líneas horizontales de la pared (posiblemente la transición entre la
pared y la cristalera) y la propia mesa, dando una sensación muy equilibrada.
La falta de referentes espaciales hace que nos metamos dentro de la propia partida, como
espectadores casuales que no pueden evitar mirar la partida que se desarrolla en la mesa
contigua.
Técnica
• Obra: Cézanne introduce la técnica y la estética impresionistas, y en la pintura de plein air.
Aplica la reducción de sus obras a figuras geométricas, que por él eran la esencia básica de
todos los objetos. Por lo tanto es considerado el antecesor del cubismo.
• Autor: Sus influencias son: Tintoeretto y Caravaggio, El Greco, Zurbarán y Ribera y Poussin.
Gran influencia también de las estampas japonesas (Toulousse-Lautrec, Van Gogh) que se
nota en el tratamiento de la tercera dimensión y del color y en el perfilado de los sujetos.
Analisis téncico y formal: Se trata de un oleo sobre tela donde tiene una limitación de
colores, lo que se llama una paleta limitada. Es característico, porque pensaba que
demasiado color distraía y no se veía el volumen que quería expresar. En cuanto a la
pincelada es ancha y libre, que nos marca diferente zonas de diferente color para construir
las figuras. En cuanto a la luz intenta dar un entorno a luz natural de manera frontal. En

32. referencia al espacio tridimensional, tiene una perspectiva aérea cromática. Por último, la
expresividad, es un cuadro quieto estático, tiene una expresividad sutil.
Se trata de una composición cerrada que tiene un centro, donde se unen las miradas en las
cartas, y es donde la acción se está desarrollando, podemos ver que un personaje no se
encuentra entero.
¿CÓMO SE FIJA EL PRECIO DE UNA OBRA DE ARTE?
“Los jugadores de cartas” de Cézanne, se convierte en la obra de arte mas cara de la
historia
La familia real de Catar pagó 250 millones de dólares por Los jugadores de cartas, cuadro
que forma parte de una serie de pinturas clásicas del artista francés Paul Cézanne (1839-
1906). La venta supone un nuevo récord en el mundo del arte y convierte a esa obra en la
más cara de la historia.
Aunque el acuerdo se hizo público hace unos días, la venta tuvo lugar en secreto durante
2011. Según la revista The Art Newspaper, el gobierno catarí fue el primer comprador de
arte el año pasado en un intento por consolidar la ciudad de Doha como capital cultural del
mundo, en competencia con París y Nueva York. El cuadro de Cézanne pertenecía al
millonario griego Yorgos Embiricos. El magnate murió en 2011 y, según la revista Vanity Fair,
poco antes de su muerte él mismo había comenzado las conversaciones sobre la venta, pero
las negociaciones fueron cerradas por sus herederos.

33. La obra fue pintada entre 1890 y 1894. Mide 130 centímetros de alto por 97 de alto y retrata
a dos jugadores, campesinos de Aix-en-Provence, pertenece a la época de madurez (década
de 1890) del artista.
Esos campesinos fueron inmortalizados hasta en cinco ocasiones por Cézanne. La obra
vendida a la familia real de Catar, deja muy atrás los 81.9 millones de dólares que se pagaron
en mayo de 2011 por el cuadro de Pablo Picasso, Desnudo, hojas verdes y busto.
Las otras cuatro obras pertenecientes a la serie de Los jugadores de cartas se encuentran en
los museos Metropolitano de Nueva York, el de Orsay de París, el Instituto Courtauld de
Londres y en la Fundación Barnes, en Filadelfia, Estados Unidos.
El destino final de este quinto cuadro será el Museo Nacional de Catar, el cual ya alberga
obras de Rothko y Warhol. En la propia capital catarí se exponen obras de Richard Serra, así
como una retrospectiva de Louise Bourgeois; en marzo se llevará a cabo ahí un Foro de Arte
Mundial.
- A QUÉ PERIODO PERTENECE
- EL VALOR SEGÚN LA TRAYECTORIA DEL AUTOR
Logros de Paul Cézanne
Conoce los siete principales logros de Paul Cézanne, uno de los más grandes artistas del siglo
XIX, en esta lista que se presenta a continuación.
• Pionero del postimpresionismo.
• Sus innovaciones influyeron en el desarrollo del cubismo.
• Exploró la geometrización de la naturaleza en su obra.
• Contribuyó a la renovación del paisajismo y del retrato.

34. • Fue un gran influyente en la pintura moderna.
• Participó en las exposiciones de los impresionistas.
• Su obra maestra «Los jugadores de cartas» es un ícono del arte del siglo XIX
Principales obras de Paul Cézanne
Los Jugadores de Cartas (5ta. version)
Paul Cézanne
El niño del chaleco rojo
Paul Cézanne

35. Cesto de manzanas
Paul Cézanne
- LA PROPIA HISTORIA DE LA OBRA
Los jugadores de cartas (1890-1895)
Los jugadores de cartas («Les Joueurs de cartes», en francés) es una pintura de óleo sobre
lienzo, que corresponde a la serie de las cinco obras sobre naipes, que realizó el artista
francés Paul Cézanne, en el marco de la época del postimpresionismo.
Cézanne, absorto en lo que él llamaba “sa petite sensation”, o “su pequeña sensación”,
buscó reducir al máximo los elementos que integran la representación, y así, permitió que el
espectador se concentrara únicamente en el núcleo principal de la escena: en el centro, una
botella de vino y, a ambos lados de la botella, dos hombres sentados, con los brazos
apoyados en una mesa, con unos naipes en las manos

36. ‘Les Joueurs de cartes’ es el título original de la obra de Paul Cézanne – Fuente: Museo
d’Orsay
En Los jugadores de cartas, y por medio de la composición cilíndrica de objetos como el
sombrero, el cuerpo, la manga y la total rectitud de las figuras, los tonos blancos en la pila, el
cuello de la camisa, el rostro desdibujado y el mantel que cae en ángulo recto, Cézanne se
enfoca, primordialmente, en otorgar al espectador la capacidad de distinguir rasgos
psicológicos de sus personajes, no por la dramatización de sus rostros, sino por la
expresividad excluida de las formas que se distinguen a simple vista.
La botella, por ejemplo, ocupa el lugar más centrado de la pintura. Su función radica en
actuar como el eje de simetría, marcando el espacio destinado a cada jugador, pero a su vez,
focalizando la atención del jugador hacia la mesa, lugar donde transcurre la acción. En
consecuencia, el espectador prosigue a fijarse en las manos de los personajes, casi en la
espera de ver el siguiente movimiento
Por su parte, la composición, elección del color y triangulación de los brazos de ambos
jugadores, permiten al público adivinar quién podría ser el ganador de la partida. Es decir,
mientras que el jugador de la izquierda sostiene naipes blancos y brillantes, el de la derecha
cuenta con cartas más opacas y grises
Finalmente, el detalle y la composición de los sombreros corresponden a uno de los pesos
más importantes de la obra. Cézanne desplaza el peso psicológicos de los personajes de sus
rostros, carentes de gestualidad, y lo posiciona en los sombreros de ambos jugadores.
Por un lado, el sujeto de la izquierda cuenta con un sombrero rígido, oscuro, mientras que el
de la derecha carga uno blando y de tonos más claros. Este juego cromático se repite con

37. todo el vestuario de los personajes, permitiendo al espectador imaginarse el carácter e
individualidad de cada uno, más allá de lo evidente.
- EL PROPIETARIO O LA PROPIETARIA
- UN CONJUNTO DE FACTORES
CONCLUSIÓN: LAS MAYORES DIFERENCIAS ENTRE
EL ARTE MODERNO Y EL CONTEMPORÁNEO
Aquí enumeramos brevemente las mayores diferencias entre el
arte moderno y el contemporáneo. En primer lugar, el Arte
Moderno y el Arte Contemporáneo se originan en dos períodos
diferentes. El período del arte moderno incluye principalmente
obras de finales del siglo XIX y principios del XX,
aproximadamente desde la década de 1880 hasta la de 1960. El
arte moderno también suele ser una expresión de individualidad.
Mientras que el Arte Contemporáneo está más centrado en el
impacto social, con la sociedad como foco principal. También se

38. puede decir que el Arte Contemporáneo se centra principalmente
en el presente y el futuro y que el Arte Moderno se refiere a una
época que ya pasó.
Esperamos que este artículo le haya dado más información sobre
las diferencias entre estos dos estilos artísticos.